El grupo de K-pop ENHYPEN llega a Perú con su gira internacional “Blood Saga World Tour”, un recorrido que abarcará Asia, América y Europa. El anuncio ha generado gran expectativa entre sus fans del país, donde el fenómeno del K-pop continúa creciendo.

A través de su cuenta oficial de Instagram, F&M Entertainment confirmó que el grupo surcoreano ENHYPEN llegará a Lima el próximo 8 de julio de 2026 para ofrecer un concierto en el Estadio San Marcos. La preventa de entradas inicia el 22 de abril y la venta general el 24 del mismo mes, a través de Ticketmaster.

Desde su debut en 2020, el grupo ha logrado posicionarse como uno de los máximos exponentes del K-pop. Con múltiples álbumes en el Top 10 del Billboard 200 y conciertos agotados en Estados Unidos y Europa.

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Fechas y países confirmados en Latinoamérica

La gira de ENHYPEN comenzará en Seúl entre el 1 y el 3 de mayo de 2026, antes de trasladarse a América del Sur. El primer destino latinoamericano será São Paulo, el 4 de julio de 2026, seguido de Lima, Perú, donde ofrecerá un espectáculo el 8 de julio.

Su recorrido por Norteamérica contempla presentaciones en Dallas, San Diego, Tacoma Oakland y Las Vegas. Esta etapa reafirma el alcance internacional del grupo, que ha logrado posicionarse como una de las bandas más influyentes del K-pop.

El tour no se detendrá ahí. Luego de una pausa, la gira se reanudará en Asia con presentaciones en Macao y Japón durante finales de 2026, para después continuar en 2027 con fechas en Yakarta y varias ciudades europeas como Milán, París y Londres.

¿Cuándo inicia la venta de entradas?

La preventa de entradas comienza el 22 y 23 y la venta general el 24 de abril a través de la web de Ticketmaster. Cabe resaltar que los clientes BBVA podrán acceder a una preventa exclusiva y disfrutar de un 10% de descuento en el precio de sus entradas, pagando con tarjetas de crédito o débito.

• Preventa Fan Club (ENGENE Membership): 22 y 23 de abril desde las 10:00 a.m.
• Preventa BBVA (10% de descuento): 22 y 23 de abril desde las 10:00 a.m.
• Venta General: 24 de abril desde las 10:00 a.m.

Zonas y precios

Estos son los precios disponibles para el concierto de ENHYPEN en Lima.

• Platinum (Stand up): Preventa BBVA S/ 510 
• VIP (Stand up): Preventa BBVA S/ 365
• Tribuna (Sin numerar): Preventa BBVA S/ 220

La gira se desarrollará con Jay, Jake, Sunghoon, Sunoo, Jungwon y Ni-ki, los seis integrantes que continúan activos en el grupo.

Como se recuerda, semanas atrás la agencia Belift Lab confirmó la salida de Heeseung, miembro fundador del grupo desde su formación en 2020, a través del programa de competencia surcoreano I-Land.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: con intuición destrabará asuntos que impiden que los negocios fluyan con éxito. Amor: tendrá una iniciativa genial para quitar los conflictos del mundo de la pareja.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: algunos colegas querrán promover cambios, pero su argumento vencerá. Amor: llegan momentos felices que permitirán que la pareja se consolide y madure.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: errores de otros podrían afectar su proyecto, pero gente influyente ayudará. Amor: un encuentro que se vuelve romántico eliminará cualquier rigidez en la pareja.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: una actitud obstinada complicará aún más una situación difícil. Amor: será indispensable reflexionar y tener claridad antes de dar una respuesta apresurada.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: alguien traerá un trabajo que necesita modificaciones y le dará lo mejor. Amor: verá fantasmas donde no los hay y su pareja le pedirá que se ubique y vea la realidad.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: una buena idea arrojará beneficios que comienzan a concretar los sueños. Amor: sin dudar, no permitirá que una expareja aún tenga cierta gravitación en su vida.

LIBRA (setiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: verá que es la hora de terminar con lo obsoleto y provocar cambios audaces. Amor: un agasajo sorpresivo será el inicio de una etapa en la que se cumplirán sueños.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: aunque no alcance el éxito esperado, su prestigio crecerá en su entorno. Amor: habrá intercambio de regalos y un hermoso momento, preludio de una nueva etapa.

SAGITARIO (noviembre22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: no deja pasar la oportunidad y recibe una propuesta excelente para crecer. Amor: su irresistible encanto atraerá a alguien de su entorno y surgirá un dulce romance.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: un detalle que parece menor será la clave del éxito. Llegan beneficios. Amor: descubrirá la importancia de la íntima calidez y la relación crecerá en madurez.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: tomará una acción decidida que impedirá que el negocio o proyecto decaiga. Amor: alguien de su pasado le hará un reclamo insólito, pero acertará si lo ignora.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: surgirá un obstáculo que otros creen difícil de mover, pero logrará superarlo. Amor: insistentes halagos podrían acariciar su ego y provocar que descuide la pareja.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: PRECIPITADA PARA DECIDIR. ES AFICIONADA AL ARTE Y, SOBRE TODO, A LA PLÁSTICA.

A Isabel Allende le encanta el término “cocina literaria”. Su día de trabajo empieza con el sabor del café, bien cargado aunque no muy amargo. A esa primera taza le seguirán otras hasta que las palabras, cómo ingredientes que se van integrando en un sabroso caldo, vayan encontrando nuevos sentidos y suelten sus sabores sutiles.

Hay tantas recetas y métodos de creación como hay cocineros y escritoras, aunque son relativamente pocos los que se sientan a compartir sus secretos. Y en “La Palabra Mágica”, su más reciente libro, la autora chilena se anima a hacerlo.

— En tu libro recuerdas cuando olvidaste el manuscrito de “La casa de los espíritus” en una peluquería y que al volver, lo reencontraste en la basura de aquel salón. ¿Buscas reivindicar al escritor distraído?

No, mira: yo trabajaba doce horas diarias en un colegio entonces. Corría como un enano porque tenía que hacerme cargo también de todas las cosas de la casa. Tenía una vida muy difícil y en aquella época no existía ninguna de las facilidades que tenemos hoy. Tenía un solo manuscrito en una bolsa que llevaba conmigo como si fuera un recién nacido. ¡Y se me fue a quedar en la peluquería! Yo creo que fue casi una metáfora de cómo el tremendo esfuerzo que supone escribir algo muchas veces va a dar a la basura. Uno escribe porque ama el proceso, pero también porque quiere comunicarse. Y tantos escritores se quedan con el manuscrito, si no es en la basura, en una gaveta.

— ¿Si el camión de la basura se lo hubiera llevado, lo habrías reescrito?

Yo creo que sí. Por supuesto, habría sido otro libro. Pero el proceso de escribirlo me salvó la vida. Yo iba a cumplir 40 años y estaba seca por dentro, sentía que mi vida no iba a ninguna parte. En el fondo, pienso que “La casa de los espíritus” fue un ejercicio de nostalgia. De tratar de recuperar todo lo perdido: mi país, la familia, los amigos, las anécdotas, el ambiente, todo lo que yo recibí de niña. Fue tan rico ese proceso, tan sanador, que lo habría hecho de nuevo.

— ¿Qué libros sobre el proceso de escritura te apasionan especialmente?

Ninguno. Yo no estudié literatura. No sabía que existían talleres, cursos, clases. No tenía idea de la industria del libro tampoco. Había sido periodista, andaba en la calle reporteando, sin pensar en literatura. Y nunca tuve un libro de referencia de cómo escribir. Pero me leí con pasión todo el “Boom” latinoamericano. Esa fue mi gran inspiración. Ese coro de voces múltiples, diferentes pero armónicas, que nos contaron un continente.

— Eres de las escritoras que afirman que un trauma, o una experiencia fundamental en la vida definen la vocación literaria. ¿Es necesario un dolor original para ser escritor?

Mira, yo no sé. Hay escritores que han podido escribir sin salir nunca de su casa, pero que tienen la imaginación y la empatía suficiente para ponerse en cualquier caso. Pero yo creo que de las experiencias dolorosas, difíciles, nace el deseo de exorcizarlas. Esos demonios que se quedan con uno y que necesitas ventilar. Y encuentra maneras que, a veces, son muy torcidas. Eso me pasó, por ejemplo, con “La isla bajo el mar”. No sabía por qué yo estaba escribiendo durante cuatro años un libro sobre la esclavitud en Haití. Pero cuando terminé el libro, me di cuenta que trataba sobre la impunidad del poder absoluto, un tema que me ha atormentado desde chica. Yo creo que es de ahí de donde sale, aunque no estés consciente de eso. ¡Por eso me cuesta tanto escribir una novela romántica! Yo quisiera ser una novelista romántica, pero no me sale. Mi experiencia de vida no ha sido esa. En cambio, podría escribir una sobre asesinatos, eso de todas maneras.

— ¿Sueñas con escribir tu propia Madame Bovary?

No. A veces me han preguntado qué libro me habría gustado escribir. Y yo siempre digo que “Harry Potter”. Porque la novela de J.K. Rowling puso a leer a una generación completa de niños, completamente absortos.

— Citas a Nietzsche diciendo, “Si me dan una hoja de papel y algo para escribir, podría poner el mundo al revés.” La frase se parece mucho a la dicha por Arquímedes sobre la palanca: “Denme un punto de apoyo y moveré al mundo”. ¿Es la escritura una palanca?

Muy pocos libros tienen el poder de cambiar algo fundamental. Cito siempre “La cabaña del tío Tom”, que hizo por el movimiento anti esclavista más que todo lo hecho antes por los abolicionistas. ¿Por qué? Porque tocó gente que nunca habría escuchado una voz que hablara sobre el fin de la esclavitud. Les cayó la novela en las manos y se dieron cuenta de que la esclavitud era el pecado de su nación, y cambió toda una manera de pensar. Cuando escritores latinoamericanos como Vargas Llosa o García Márquez escriben sobre dictadura, penetran en un medio donde no llegan otros discursos. Y obligan a pensar. Yo no creo que puedas mover el mundo con un libro, pero sí puedes sacudir conciencias.

— ¿Cuánto influye la familia en un escritor? ¿El miedo a ventilar misterios familiares puede cortar la inspiración?

Yo recibo mucho correo. Me llegan a menudo cartas de personas que quieren escribir algo que les pasó: un divorcio, un cáncer, lo que sea. Y entonces me dicen que temen la reacción de la familia involucrada en el libro. Yo les digo siempre que pongan en la balanza la opinión de esta gente por un lado y por otro la necesidad absoluta de contar la historia. Cuéntala y después vemos, podemos cambiar los nombres, editamos, ¡pero cuéntala! Cuando mi mamá leyó “La casa de los espíritus”, se molestó mucho. Decía que estaba exponiendo muchas cosas. Lo que más le molestó fue que le había puesto el nombre de mi padre al villano. Acepté cambiar el nombre, que no me costaba nada. Pero si mi mamá me hubiera pedido que eliminara algo de la novela, no lo habría aceptado. Si me dan a elegir entre ofender a la familia o contar la historia, yo cuento la historia. Si se ofenden, ¡qué le vamos a hacer!

— “Tengo una pegatina en la puerta del refrigerador que me recuerda que no es necesario ser genial, lo bueno es suficiente”, escribes. ¿Es necesario bajar un poco las expectativas en el proceso creativo?

En una ocasión fui con mi hija Paula a dar unos cursos en Clermont. Yo no había enseñado nunca nada, y antes de entrar a la clase, Paula me dice: “Dile a tus estudiantes que escriban una mala novela”. “Pero, Paula, ¿cómo?”, pregunté. “Sí”, me responde, “Porque si se proponen escribir la gran novela americana, no van a empezar nunca”. Lo malo se puede corregir, pero lo que no está en el papel no existe. Entonces, dale, empieza, lánzate. Ya uno verá cómo flota. Pero no se puede esperar ser un perfecto nadador antes de lanzarse al agua. Es un poco arrogante pensar que uno es capaz de escribir una novela perfecta.

— ¿A nivel de estilo, cómo llevas la manía con las palabras? ¿Te peleas con los adjetivos, con los adverbios, con los gerundios?

Procuro no caer en el cliché. No diré que “Fulanita tenía ojos verdes”; voy a decir que “tenía ojos de espinaca”. Busco lo diferente. Trato que mis frases sean claras, aunque sean largas, aunque tengan adjetivos. Me llegan a veces correos de aspirantes a escritores, y no entiendo lo que dicen. Es tal el barroco, le dan tantas vueltas a las cosas, que no se les entiende. Cuando leo mis primeros libros siento que recargaba demasiado el lenguaje. Después de cuarenta años viviendo en inglés, me han depurado el castellano. Para los latinos, es casi una falta de cortesía ir directo al grano. En Estados Unidos no quieres que el otro pierda tiempo, y eso me ha ayudado mucho en depurar el lenguaje.

— Me llama la atención cómo en tu libro vinculas tu disciplina literaria con la disciplina militar de tu abuelo. Coincides totalmente con Vargas Llosa en eso.

Yo aprendí la disciplina por mi abuelo. Me crié en la escuela del rigor, aprendiendo que la vida no es fácil, que uno no viene a este mundo a pasarlo bien, que uno viene a este mundo a trabajar, a sufrir, a hacerse fuerte. Y me ha servido inmensamente en la vida, sobre todo en el exilio y la escritura.

— ¿Crees que el lector de hoy es menos capaz que antes?

En general, sí. Hace 50 años, lo que había era literatura. No existían las miniseries. Había la costumbre de leer. Y se empezaba a leer desde chico. Salvo el cine, no había otra entretención. Ahora hay muchas otras distracciones. Los jóvenes tienen miedo de la página de papel porque están acostumbrados a la pantalla. La gente quiere todo resumido. Los libros ya no pueden ser largos porque el editor te los rechaza.

— ¿Y cómo va el proceso de escribir tus memorias? ¿Será una continuación de “La suma de los días”?

¡Ya la terminé! Será distinta. Son sólo diez años, desde mi divorcio de Willy (William Gordon) con quien estuve 28 años. Es el tiempo en que estuve sola y encontré otro amor. Todo el mundo se divorcia, todo el mundo se vuelve a casar. ¡Pero no a mi edad! Cuando me separé a los 74 años, la gente no lo podía creer. Pero pienso que es mucho más difícil quedarse en algo que no funciona que estar sola. Entonces vendí la casa enorme y me compré una casa chiquita, con un solo dormitorio y una cama para terminar mis días con mi perra. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes que me cayera otro marido. Nos habíamos recién conocido y nos pescó el Covid allí. Cuando se enfermaba él, yo dormía en el sofá. Y cuando me daba a mí, también dormía en el sofá, porque él no cabía. Ahora tenemos una casa con dos camas. Es una memoria sobre la vejez, sobre el amor a cualquier edad.

Piedra angular del cine contracultural en Hollywood. Autor de un cuerpo eléctrico y fascinante de largometrajes. ‘Rey Midas’ del cine de explotación. Promotor de nuevos talentos que llegaron a conquistar la gran industria. Ganador de un Óscar honorario tardío, pero más que merecido. Hablamos, por supuesto, del gran Roger Corman, cineasta al que he admirado desde que vi “Frankenstein perdido en el tiempo” (1990), la última película que dirigió. No es necesariamente una de sus mejores obras, pero sí una creación lo suficientemente extraña y delirante como para capturar mi imaginación de cinéfilo en formación.

Como tantos espectadores jóvenes antes de la llegada del cable, llegué a Corman por caminos laterales, casi accidentales. Un poco más adelante, gracias a las transmisiones de la televisión abierta, descubrí sus formidables adaptaciones de Edgar Allan Poe, un ciclo de culto que contó con la participación memorable de Vincent Price a lo largo de ocho largometrajes realizados entre 1960 y 1964. Para entonces, Corman ya era para mí un maestro del terror. Aún estaba por descubrir sus múltiples facetas detrás de cámaras, ya que también exploró la ciencia ficción, el cine negro, la comedia negra, el cine de gánsteres e incluso el drama social. Su posterior fama como productor eclipsó parcialmente sus logros como realizador, pero su mayor legado seguirán siendo siempre las películas que dirigió: rápidas, económicas e imaginativas.

Corman y yo

En el 2022, tuve la fortuna de entrevistarlo a través de una videollamada. Mi intención era saber más sobre su incursión en el Perú como productor de películas serie B, capítulo curioso en su biografía que se remonta a mediados de los ochenta. Para entonces, Corman tenía 95 años, pero conservaba una memoria intacta: recordaba anécdotas de aquella aventura que él y su esposa Julie, compañera inseparable, valoraban como muy satisfactoria, lo que atribuían a los esfuerzos de Luis Llosa, su socio y amigo.

Yo también recordaba esa época con intensidad porque, entonces, era un niño que empezaba a aprenderse los nombres de los directores de cine. El suyo fue uno de los primeros que llamaron mi atención. Me intrigaba qué hacía un personaje tan legendario de Hollywood en un país como el nuestro, donde parecía no existir espacio para ficciones tan aparatosas como las que él producía: cintas de acción que recurrían a explosiones, persecuciones de autos y otras parafernalias. Corman no reaccionaba contra Hollywood: quería competir con los blockbusters desde Filipinas, Argentina, el Perú o cualquier país donde su modesta inversión en dólares pudiera multiplicarse gracias a sus alicaídas economías.

Ninguna de esas películas de consumo rápido ha quedado inscrita en la historia del cine mundial, y hoy muy pocos las recuerdan. Sin embargo, es innegable que Corman inauguró una variante en el desarrollo del cine peruano industrial. Como efecto colateral de esta empresa, muchos técnicos, actores y profesionales locales tuvieron la oportunidad de ejercer sus oficios en condiciones inéditas hasta entonces, enfrentándose a ritmos de producción y exigencias narrativas poco frecuentes en el contexto local. Tan solo por eso, hay toda una generación de cineastas peruanos en deuda con Corman. Porque más allá de los efectos especiales defectuosos, del humor involuntario o la simpleza de algunos argumentos, esas películas nos enseñaron –en un momento en que el país atravesaba años particularmente oscuros– que en el Perú también estaba permitido jugar haciendo cine. Y ese gesto, aparentemente menor, fue en realidad profundamente liberador y dejó una marca que ha resistido el paso del tiempo.

XX

Las primeras elecciones en el Perú no se realizaron durante la etapa republicana, sino en pleno virreinato. En 1808 se había producido un verdadero cataclismo en España: el rey Carlos IV y su hijo Fernando VII habían sido tomados cautivos, tras la invasión de las tropas napoleónicas a la península ibérica. Ante el vacío de poder, los borbones, refugiados en Cádiz, decidieron otorgar representación a las colonias americanas en un intento de evitar la caída de la monarquía. Entonces, en el Perú como en otros lugares de América, se organizaron elecciones para designar a nuestros representantes ante las cortes gaditanas, los cuales debían elaborar una constitución. Al ser algo inédito, los electores se organizaron rápidamente alrededor de las dos instituciones que más conocían: las parroquias y los cabildos.

En aquel tiempo –como en la mayor parte del siglo XIX–, las parroquias eran no solo centros religiosos, sino espacios que articulaban las relaciones vecinales y resguardaban la información poblacional más fidedigna: los registros de bautizo, matrimonio y defunción. Por ello, los primeros procesos electorales giraron alrededor de ellas. “La parroquia era la unidad política, religiosa y social de la república temprana”, afirma el historiador José Ragas.

Estas elecciones de representantes a las cortes de Cádiz (1809 y 1810) sirvieron, con matices, como modelo para la mayoría de comicios desarrollados a lo largo del siglo, en medio de incertidumbres y luchas caudillistas. En síntesis, eran elecciones indirectas de dos grados, en las que no se elegían autoridades sino electores. “Se creó una suerte de elección escalonada –explica Ragas– una votación parroquial para elegir a quienes iban a ser los miembros de los colegios electorales provinciales, los que a su vez decidían quién iba a ser el presidente de la República”.

En cuanto a la participación, esta se restringió a las élites tanto limeñas como regionales. “En ese momento había una idea jerárquica y vertical de lo que era la representación política –precisa Ragas–, solo votaban los vecinos varones, aquellos que pagaban impuestos, y los que sabían leer y escribir”.

Tres momentos electorales

En “Historia de las elecciones en el Perú”, libro editado por el historiador Cristóbal Aljovín y el sociólogo Sinesio López, se identifican tres momentos electorales en el siglo XIX: un primer período, entre 1822 y 1827, marcado por la realización de comicios bajo la tutela de los libertadores –San Martín y Bolívar– y sus ejércitos. “Las elecciones de 1822 (para elegir el primer Congreso constituyente) fueron uno de los pocos procesos directos del siglo XIX –escribe Aljovín–, pero estaban circunscritas a las provincias ocupadas por las tropas de San Martín, con el curioso expediente de elegir a los representantes de las provincias controladas por el virrey entre vecinos de estas residentes en Lima”. En cambio, las votaciones para la elección del Congreso de 1825 fueron realizadas de manera indirecta y ahí jugó un papel importante la imponente figura de Simón Bolívar.

Luego, se establece un segundo período, que va de 1827 a 1851, cuando primaron las elecciones indirectas en un momento político caracterizado por asonadas y revoluciones, en un país en permanente campaña militar y electoral. Como afirma Aljovín, “todo golpe de Estado, después de todo, se legitimaba a través de las urnas”. En esta época la participación de las poblaciones indígenas fue muy activa, aunque controladas por las élites locales y los caudillos militares en una relación patrón-cliente. En su biografía sobre Castilla, la historiadora Natalia Sobrevilla refiere que en 1840 existían 58 colegios electorales. No había una lista fija de ciudadanos y se podía votar a discreción, pues estaba vigente una excepción que permitía el voto a los analfabetos. Así, en 1844, Castilla se hizo con el poder con 1.184 votos, de los 1.358 emitidos por los colegios electorales.

Finalmente, se identifica un tercer período electoral, entre 1851 y 1896, cuando se realizaron algunos comicios directos como los de 1855, 1858 y 1860. Lo importante de esta etapa fue que los clubes electorales y partidos empezaron a ser los actores principales del juego político.

El voto cantado

En las elecciones decimonónicas no existía el voto secreto. Este era abierto y, algunas veces, cantado por los sufragantes. Los votantes debían escribir el nombre de sus candidatos en las cédulas. A veces los llevaban ya impresos y en otras ocasiones se les dictaba en la cola a quienes elegir. Todo esto generaba trifulcas que, muchas veces, terminaban a pistoletazos, o con uno de los bandos raptando las ánforas.

Es conocida la frase de González Prada, quien decía que se practicaba la política de “la butifarra y el aguardiente”, es decir, la compra del voto con dádivas. “Lo que sucede –explica Ragas– es que antes de los partidos políticos existían los clubes electorales, grupos de espontáneos que presentaban a sus candidatos. No había nada institucionalizado. Los domingos de febrero, cuando tocaba hacer la votación parroquial, cada uno de estos clubes ponía su mesa en la plaza para que fueran los votantes a elegir. Algunos tomaban la plaza para que solo quedara su mesa y su lista. Eso generaba violencia y corrupción con la compra de los votos”.

Al respecto, Aljovín escribe: “Al no existir listas cerradas de candidatos, era usual que aparecieran candidatos sorpresa o que una misma persona pudiera ser elegida en diferentes provincias como congresista. Los candidatos sorpresa constituían un episodio normal en las elecciones de primer grado en que, de manera improvisada, un grupo de ciudadanos terminaba apoyando a alguien inesperado”.

Bajo el voto indirecto se eligieron a presidentes tan importantes como Castilla, Manuel Pardo y Andrés Avelino Cáceres. Justamente, la de Pardo, el primer presidente civil elegido en el Perú en 1871, fue una votación especialmente masiva. Según consta en su correspondencia, uno de sus mítines en Lima congregó a diez mil quinientas personas, cuando la población capitalina no superaba las 80.000.

El fin de una época

El sistema del voto indirecto fue perdiendo prestigio con el transcurrir del siglo XIX. Según el historiador Ragas, había un tema de fondo en su cuestionamiento: en esos años, la población se concentraba en el ámbito rural y en los Andes, y como los colegios electorales se establecían por criterios demográficos, entonces casi siempre las élites de esta parte del país terminaban decidiendo al presidente. Esto era visto con recelo por una creciente élite limeña y costeña surgida con el ‘boom’ del guano. A fines de 1896, una reforma puso fin a los colegios electorales y estableció el voto directo, tal como lo conocemos ahora. “La reforma consolidó un cambio que ya se venía dando: desplazar el eje de la política peruana de la sierra hacia la costa”, reflexiona Ragas. Así, la eliminación del voto indirecto marcó el fin de una época.

Felipe Staiti, guitarrista y fundador de Enanitos Verdes, falleció a los 64 años tras complicaciones en su salud mientras permanecía internado en un hospital de Mendoza, Argentina. Tras su partida, la agrupación decidió compartir un sentido comunicado.

A través de sus redes sociales, Enanitos Verdes publicó una emotiva carta en la que lamentan la pérdida de uno de sus fundadores. Además, resalta la trascendencia que tuvo Staiti para la agrupación y para la música de Latinoamérica.

“Con profundo dolor informamos el fallecimiento de nuestro querido Felipe Staiti. Su música, su entrega y su historia quedan para siempre con nosotros y con todos los que lo acompañaron a lo largo de estos años”, señala la carta de Enanitos Verdes.

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Asimismo, la agrupación reveló que, por pedido de la familia del guitarrista, no se realizará velatorio ni ceremonia para despedir al ícono de la música. Ante esta decisión, pidieron respeto y cariño hacia los familiares.

“La familia de Felipe agradece la enorme cantidad de llamados y mensajes de apoyo que están recibiendo en este momento. Por decisión de la familia, no se realizará velatorio ni ceremonia. Acompañamos a sus seres queridos con respeto y cariño”, finaliza el comunicado de Enanitos Verdes.

¿Quién fue Felipe Staiti?

Felipe Staiti nació el 29 de agosto de 1961, en Mendoza, Argentina. Desde muy temprana edad empezó su amor por la música. El primer grupo que formó fue Esencia Natural, durante su adolescencia, bajo la influencia musical de Deep Purple.

Posteriormente, se unió a Marciano Cantero y Daniel Piccolo para dar forma a los Enanitos Verdes, en 1979. El grupo se consagró como un referente del rock latinoamericano, publicando 14 álbumes de estudio y cuatro más en vivo y dejando himnos como ‘Lamento Boliviano’ y ‘La muralla verde’.

Con la muerte de Staiti, sobrevive el baterista Daniel Piccolo como miembro original de la banda Enanitos Verdes, de la que se retiró en 2009, mientras el vocalista y bajista Marciano Cantero falleció en 2022.

La banda argentina Enanitos Verdes iba a llegar a Lima en junio para presentar un concierto junto a otras agrupaciones en el “Rock en Lima 2026”. Sin embargo, tras la muerte del guitarrista Felipe Staiti, la organización anunció que los intérpretes de “La muralla verde” ya no serán parte de la cartelera del festival.

La Boveda y New Star Producciones, empresas a cargo de la producción del festival, comunicó a través de sus redes sociales que Enanitos Verdes ya no formarán parte de la cartelera del “Rock en Lima 2026”, programado para el 28 de junio en el Estadio San Marcos.

“Lamentamos profundamente el fallecimiento de Felipe Staiti, guitarrista, fundador y referente fundamental de Enanitos Verdes. En señal de respeto ante está irreparable pérdida, la banda ya no formará parte de la cartelera del festival programado para el 28 de junio en Lima”, se lee en el comunicado.

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Como se recuerda la banda iba a compartir escenario con Los Auténticos Decadentes, Vilma Palma e Vampiros y Proyecto Uno en el “Rock en Lima 2026”. Ante esta triste noticia, la organización anunció a un artista invitado que tomaría el lugar de Enanitos Verdes.

“En los próximos días estaremos anunciando un artista invitado que se sumará al evento, entendiendo que el legado de Enanitos Verdes es imposible de reemplazar”, señaló la organización.

Además, como tributo, se anunció que durante el festival se rendirá homenaje a Marciano Cantero y Felipe Staiti, fundadores y reconocidos músicos de Enanitos Verdes.

“Durante el festival rendiremos un sentido homenaje a Marciano Cantero y Felipe Staiti, cuya música seguirá acompañándonos siempre”, finaliza el comunicado.

Cabe resaltar, que el evento “Rock en Lima 2026” tendrá lugar el 28 de junio en el Estadio San Marcos de Lima. Esta fecha reunirá a grandes exponentes de la música en español y a bandas nacionales, en un escenario preparado para recibir a miles de asistentes.

La muerte de Felipe Staiti, cierra una etapa clave en la historia del rock latinoamericano. Guitarrista, cantante y cofundador de Los Enanitos Verdes, su voz —más discreta que la de los escenarios, pero igual de firme— quedó registrada en la entrevista que concedió a este Diario en noviembre del 2023. En ella, hablaba de la ausencia de Marciano Cantero, de la decisión de seguir tocando y de una etapa atravesada por la resistencia.

A continuación la entrevista

La partida de Marciano Cantero, el 8 de setiembre del 2022, dejó corazones rotos. Fue un impacto desequilibrante para el resto de los integrantes de Los Enanitos Verdes, quienes en lugar de recordarlo desde la melancolía y el dolor, decidieron seguir adelante: honrar al amigo y cómplice de aventuras desde el escenario, interpretando temas nuevos y los clásicos que marcaron una época.

“Aunque ya no somos el trío, nos falta Marciano, seguiremos heridos, pero vivos”, señala Felipe Staiti, guitarrista y ahora cantante de la banda, con quien conversamos sobre cómo llevan la ausencia de quien fue su líder, los pormenores de esta nueva etapa y de sus proyectos que incluyen un nuevo disco, una gira y un documental.

El 3 de diciembre del 2022, en el festival Bésame Mucho, en Los Angeles’ Dodger Stadium, en California, los Enanitos verdes volvieron a sonar en vivo por primera vez desde la muerte de Marciano. Los acompañaron en el escenario para interpretar algunas canciones, David Summers de Hombres G, Rubén Albarrán de Café Tacvba y Noel Schajris. Desde entonces no han parado. El último tres de noviembre llegaron al Perú para participar en el Live Stage Rock Festival Lima 2023, pero el evento fue cancelado debido al estado de emergencia.

“Perú es un país al que quiero mucho y con el cual tengo una relación de largos años a través de la música. Íbamos a tocar el pasado fin de semana, pero, lamentablemente, no se pudo. Sin embargo, aproveché para darle fuerza a mi línea de vinos, que ya la tenemos aquí. Ha tenido muy buena recepción. Me entusiasma esta faceta, pero el motor de mi vida es la música”, aclara el artista argentino.

La aclamada banda de rock, responsable de éxitos como “Lamento Boliviano” y “La muralla verde”, comenzó su trayectoria en 1979, durante la dictadura militar argentina. Formada por Marciano, Staiti y Daniel Piccolo, la agrupación se catapultó al estrellato con “Aún sigo cantando” a mediados de la década de 1980.

La historia del nombre

Enanitos Verdes es una banda icónica que guarda grandes historias detrás, como el origen de su nombre. Felipe Staiti, cuenta que un periodista aprovechó la anomalía de una foto, tomada en 1970 a una familia de turistas que se encontraban en el Puente del Inca, un lugar turístico argentino, para bautizar a la banda.

“Estábamos recién empezando a tocar cuando apareció esa famosa foto en Puente del Inca, que en realidad no son enanitos verdes, son como una manchita naranja en forma de un diablito. El trascendido fue que habían aparecido unos enanitos verdes, y un amigo nuestro, corresponsal de una revista en Buenos Aires, mandó una gacetilla diciendo que se había formado el grupo Enanitos verdes de Puente del Inca. Obviamente, como estaba Marciano, se relacionaba muy bien. En esa época los grupos tenían nombres místicos, el nuestro sonaba ridículo, pero pegó”, recuerda Staiti.

─¿Cómo se tomó la decisión de asumir la primera voz en la banda?

Usualmente, cantaba dos o tres canciones en vivo, ahora tengo que cantar más, además de tocar la guitarra. Obviamente, la falta de Marciano cambió en algún punto mi funcionamiento. Tengo que estar más atento con el tema del canto porque la guitarra la tengo mecanizada. Lo hablamos con Jota (Morelli, baterista que lleva más de diez años en el grupo), que estuvo totalmente de acuerdo. Al buscar al bajista, el primero en quien pensamos fue en Guillermo Vadalá. Luego se sumaron como invitados especiales el tecladista Bosco Aguilar y los coros de Arita Rodríguez y Damián Castroviejo. Lo estamos haciendo con todo el corazón, el amor y la honestidad posible, porque tampoco era cuestión de buscar a alguien que se le parezca. Sería un poco fake, pues no tendría historia con nosotros.

─¿Tu objetivo es cantar como Marciano?

De ninguna manera. Ese no es mi objetivo porque él es irreemplazable.

─¿En algún momento se plantearon la posibilidad del fin del grupo?

La verdad es que no. Francamente, hemos seguido adelante con muchas tormentas, somos un barrilete saliendo de una tempestad, pero hay que seguir adelante. Inclusive, al día siguiente de la muerte de Marciano, me llamó un grupo que hacía homenaje a Enanitos Verdes, para tocar la guitarra. Prácticamente me pedían hacerme un homenaje a mí mismo (ríe). Nos falta Marciano, pero Jota y yo seguimos.

─¿Removió muchos sentimientos, hacer “Mi fan número 1”, una emotiva canción que le dedicaste a Marciano?

Me costó muchísimo hacerla. Fue al mes que falleció. La subí a Spotify, pero no dije nada porque no quise hacer un negocio de un duelo, de la muerte o una ausencia. Esta canción es un sentimiento genuino, no tiene un fin comercial. Es un sentimiento al desnudo. No quiero hacer bandera de eso porque porque no es la idea. Prefiero seguir haciendo música y mantener en alto el nombre de los Enanitos Verdes y las canciones que hicimos juntos.

─¿Cómo recuerdas a Marciano a más de un año de su partida?

Tengo mil formas de recordarlo. Casi todos los días me acuerdo de él por distintas situaciones, por cosas. Por ahí extraño la complicidad que teníamos, a la hora de tocar, de mirarnos en los shows, de resolver alguna situación con las miradas, en vivo. Lo recuerdo en distintos momentos, cuando estamos por subir al avión, o cuando llegamos al hotel. Recuerdo mucho las conversaciones que teníamos.

─Coincidían en señalar que la música salva vidas.

Esa es una muletilla que la explicábamos en muchos casos, sobre todo cuando llegábamos bajoneados y después de tocar todo fluía bien. Por eso con Marciano siempre decíamos que la música tiene el poder de salvarnos la vida. Un poco esa es la concepción de seguir tocando con los Enanos Verdes. Somos una banda que tenemos que seguir.

─¿Están trabajan en alguna nueva producción?

Estamos pensando hacer un disco de versiones con invitados. Y en cuanto a las presentaciones, ahora vamos para México y la próxima semana estaremos en Estados Unidos. El próximo año en Centroamérica. Para el 2024 también se viene un documental sobre la historia de los Enanos (transitará por los éxitos, fracasos, pérdidas y momentos más significativos de la banda)

─¿Cómo defines esta etapa de tu vida?

Es una etapa, como todas las otras: de lucha, sorteando obstáculos contra el tiempo y la marea.

─¿Cuál ha sido el obstáculo más complicado que sorteaste?

Creo que el obstáculo más difícil es uno mismo: nuestros miedos y la falta de fe. Solo erradicándolos se puede seguir adelante. Hay que tirarse al vacío, que la red aparece sola.

Felipe Staiti, guitarrista y fundador del grupo de rock argentino Enanitos Verdes, murió el lunes 13 de abril a los 64 años tras complicaciones en su salud, según reportaron los medios argentinos como Clarín y La Nación. Ante ese contexto, el cantautor peruano Gian Marco compartió un emotivo mensaje a quién en vida fue uno de sus “guitarristas favoritos”.

A través de su cuenta oficial de Instagram, Gian Marco compartió un mensaje a su amigo Felipe Staiti, quien falleció en Argentina. En el texto que escribió y que acompaña una foto del guitarrista, resalta la oportunidad que tuvo de conocerlo y compartir juntos momentos únicos.

“Se fue uno de mis guitarristas favoritos de la vida. Felipe, hermano… te nos adelantaste de sorpresa… recuerdo nuestras conversaciones, los vinos y los acordes que me enseñaste alguna vez. No puedo creer que te hayas ido”, se lee en las primeras líneas de la publicación de Instagram.

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Además, el cantautor nacional recuerda que la música de Enanito Verdes lo acompañó en su adolescencia. “La vida me regaló la inmensa oportunidad de conocerte, de compartir junto a ti y a Marciano Cantero y ese grupo que llenó de música mi walkman caminando por las calles de Lima en mi adolescencia”, escribió.

“De todas tus grabaciones, me quedo con este solo magistral y tan elegante que sólo tú podías hacer y dejar para la eternidad. Hasta siempre Felipe Staiti”, finalizó su mensaje.

¿Quién fue Felipe Staiti?

Felipe Staiti nació el 29 de agosto de 1961, en Mendoza, Argentina. Desde muy temprana edad empezó su amor por la música. El primer grupo que formó fue Esencia Natural, durante su adolescencia, bajo la influencia musical de Deep Purple.

Posteriormente, se unió a Marciano Cantero y Daniel Piccolo para dar forma a Enanitos Verdes, en 1979. El grupo se consagró como un referente del rock latinoamericano, publicando 14 álbumes de estudio y cuatro más en vivo y dejando himnos como “Lamento boliviano” y “La muralla verde”.

Con la muerte de Staiti, sobrevive el baterista Daniel Piccolo como miembro original de la banda, de la que se retiró en 2009, mientras el vocalista y bajista Marciano Cantero falleció en 2022.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: una reunión habitual se convertirá en la clave para que un proyecto sea un éxito. Amor: con paciencia resolverá un conflicto que traba la posible armonía en la pareja.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: momento favorable para impulsar un buen proyecto y la cooperación surgirá. Amor: la pareja creerá estar en un mundo perfecto, pero habrá problemas para superar.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: las tareas crecerán, así como los beneficios y será la oportunidad para destacarlo. Amor: le presentarán a una persona interesante y tras una cita, el romance nacerá.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: exceso de tareas por demasiadas directivas; podría haber imprecisiones. Amor: posibles altibajos o desencuentros, pero si favorece el diálogo, la relación estará mejor.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: con acertada intuición alcanzará el éxito con un proyecto que parecía mediocre. Amor: un rasgo de su pareja será el estímulo que hará crecer la calidez en la intimidad.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: ya no tendrá que ocuparse de todo, llegará un hábil colega que ayudará. Amor: disfruta de un estado de armonía, propicio para un romance o reconciliación.

LIBRA (setiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: su trabajo en las relaciones públicas se destacará por acercarle las metas. Amor: querrá compartir un secreto en la pareja y la confianza resultará fortalecida.

ESCORPIO (octubre 23-nov.21)

Trabajo y negocios: necesitará paciencia para resolver una situación nueva y desafiante. Amor: su encanto será percibido a la distancia y alguien del entorno querrá acercarse.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: hará bien en manejarse con discreción respecto de su negocio o proyecto. Amor: su simpatía romperá con la frialdad de alguien y disfrutará de una hermosa cita.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: parecerá que el entorno está en su contra, pero pronto comprenderán. Amor: un encuentro romántico será todo lo que necesita para iniciar una relación.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: infundirá optimismo a sus colegas y con la cooperación alcanzará el éxito. Amor: una actitud de su pareja le dará inspiración para recuperar la armonía perdida.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: un proyecto trabado creará tensiones en el entorno, pero hará cambios. Amor: su pareja tomará una decisión inconsulta que resultará chocante y querrá dialogar.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: DELICADA Y SERVICIAL. CONFÍA EN EL CÍRCULO DE FAMILIARES Y AMIGOS.

Lionsgate sorprendió a todos con el lanzamiento del tráiler oficial de “The Hunger Games: Sunrise on the Reaping” (‘Los Juegos del Hambre: Amanecer en la cosecha’), la más reciente entrega de la franquicia de “Los Juegos del Hambre”, que marca el regreso al fascinante y oscuro mundo de Panem.

La cinta, que llegará a los cines en noviembre de 2026, se centra en la mañana de la cosecha de los 50º Juegos del Hambre, conocidos como el Segundo Vasallaje de los Veinticinco. En el tráiler oficial, que fue lanzado este lunes 13 de abril, se muestra los primeros pasos del ascenso de un joven ‘Haymitch Abernathy’, quien más tarde, se convertiría en el mentor de Katniss y Peeta.

Asimismo, en el tráiler se puede ver a ‘Haymitch’, quien es interpretado por Joseph Zada, no solo enfrentándose a otros competidores, sino también al sistema opresivo del Capitolio, adelantando una historia más emocionante y compleja.

Uno de los elementos que más ha sorprendido es la aparición de versiones más jóvenes de personajes emblemáticos. La presencia de figuras como Effie Trinket, Caesar Flickerman y Plutarch Heavensbee en el adelanto fortalece la conexión con la historia que los fans ya conocen.

La nueva entrega de la saga presenta un reparto encabezado por Joseph Zada en el papel de ‘Haymitch’, acompañado por reconocidos actores como Elle Fanning, Ralph Fiennes, Jesse Plemons y Maya Hawke.

“Los Juegos del Hambre: Amanecer en la cosecha” está dirigida por Francis Lawrence, quien ya ha participado en anteriores producciones de la saga, aportando continuidad narrativa y coherencia visual al proyecto cinematográfico.

Además, el tráiler muestra una alta calidad visual y una estética más oscura, con escenarios que refuerzan la opresiva característica de Panem. La sexta película de la franquicia tiene previsto su estreno para el 20 de noviembre de 2026 a nivel nacional

El cantautor nacional Jeff Gaván, recordado por su trabajo en reconocidas agrupaciones como Los Conquistadores de la Salsa y los Hermanos Yaipén, anunció una nueva etapa en su carrera musical con el lanzamiento del “Mix Poco a poco”, una propuesta que combina tradición, fiesta y sonidos peruanos.

En este lanzamiento, el artista nacional se une a la boy band de cumbia “Que tal cumbión”, quienes vienen destacando en la escena local. Para este proyecto, Gaván apuesta por una fórmula fresca a nivel musical.

El lanzamiento reúne en un solo formato canciones como “Poco a poco”, “Matarina” y un cierre con carnaval arequipeño, logrando un recorrido musical que rinde homenaje a distintas regiones del país.

“La música me eligió antes de que yo pudiera elegirla. Desde niño, descubrí que las melodías podían contar historias que las palabras no alcanzaban. Con esa certeza en el corazón, empecé a cantar, sin imaginar que algún día compartiría escenario con algunos de los grupos más icónicos del Perú”, confiesa el cantante.

“Mi carrera dio un gran giro cuando formé parte de Los Conquistadores de la Salsa, una experiencia que me enseñó el rigor del escenario y la magia de conectar con miles de personas a través de la música tropical. Más adelante, me uní a Hermanos Yaipén, otro capítulo fundamental en mi vida artística. Con ellos recorrí el país, viví giras inolvidables y confirmé que, para mí, la música no era un trabajo sino mi forma de vivir”, agrega.

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En esta nueva etapa, Jeff Gaván no solo destaca como cantante, sino también por su sello distintivo: el trombón, instrumento que cobra protagonismo dentro del show y que encuentra uno de sus momentos más potentes en el cierre del mix.

Como se sabe, Jeff Gaván ha desarrollado su carrera entre agrupaciones y proyectos propios. Tras su paso por orquestas importantes, continuó como solista y lanzó propuestas como el “Mix Fiebre 2000” junto a Álvaro Rod.

“Planchando el despecho: todas vuelven” marcará el regreso, por primera y única vez, de sus cinco protagonistas originales: Almendra Gomelsky, Rebeca Escribens, Gianella Neyra, Maricarmen Marín y Katia Condos, en una edición especial por el Día de la Madre. Pero no se tratará solo de un reencuentro histórico. Para Condos, este será también el montaje más honesto y personal, porque hoy esas canciones de ruptura, dolor y nuevos comienzos resuenan de otra manera en su propia vida.

“Siempre decía que lo único que no me gustaba de Planchando era que todas representábamos a mujeres felizmente casadas. Y eso no refleja la realidad: hay mujeres solas, separadas, divorciadas, viudas, felices o no. Me daba pena que el mensaje pareciera ser que para ser feliz hay que estar enamorada y con años de matrimonio. No estábamos representando a todas”, reflexiona la actriz.

Ahora, reconoce, la vida ha hecho que ese discurso cobre otro sentido. “Las circunstancias nos están llevando a que hoy estemos representando una experiencia más cercana a la de muchas mujeres. Y bueno, me tocó a mí”, admite.

“Planchando el despecho” nació en el 2023, a partir de una idea de Neyra de traer al Perú el formato colombiano creado por Juan Carlos Mazo. La propuesta original fue adaptada al estilo de sus intérpretes locales, con una combinación de historias propias, humor, drama y canciones sobre el amor y el desamor. Ese cruce le permitió al espectáculo encontrar rápidamente una identidad cercana al público peruano.

Para Katia, buena parte del éxito de este show musical radica en la vigencia emocional de su repertorio. Las llamadas “canciones cortavenas”, dice, siguen convocando porque apelan a experiencias universales. A eso se suma el componente colectivo del espectáculo, que convierte cada función en una suerte de catarsis compartida, cercana a la energía de un karaoke o un concierto, donde el público no solo escucha, sino que canta, recuerda y se identifica con las historias.

“Sabes que la experiencia va a ser grupal, fuerte, intensa, divertida”, resume la actriz, convencida de que esa conexión emocional es la que ha permitido que el show mantenga su llegada entre espectadores de distintas generaciones.

Condos atribuye otro de los pilares del espectáculo a la química entre sus integrantes. Más allá del guion o la dirección, sostiene, hay proyectos que encuentran una fuerza especial cuando entre quienes participan se instala una complicidad genuina, y eso es justamente lo que, a su juicio, ocurrió con “Planchando el despecho” desde el inicio.

Nueva etapa

Primero con la formación original y luego con la incorporación de Maricarmen Marín, esa conexión —hecha de compañerismo y confianza sobre el escenario— terminó por convertirse en una de las marcas del show.

“En esta nueva etapa, el público volverá a encontrarse con una propuesta de calidad, pero renovada. Nosotras siempre buscamos innovar y ofrecer algo distinto, para que la gente se vaya con sorpresas. La presencia de las cinco en escena transforma el montaje, el ensamble vocal, las coreografías y la dinámica general del show. Además, el Parque de la Exposición le dará una dimensión diferente”, destaca.

Para esta temporada, el repertorio reunirá lo mejor de las entregas anteriores, con una selección pensada para sorprender otra vez al público. En el caso de Condos, volverá a interpretar “Chico de mi barrio”, uno de los temas más celebrados por los asistentes, y retomará también “Ella y él”, de José Luis Perales, que canta junto a Raúl Zuazo y que, admite, es uno de sus momentos favoritos del espectáculo. A eso se sumarán varios números grupales, entre ellos “Un beso y una flor”.

Entre otros temas, también figuran “Era mi vida él”, “Corazón de piedra”, “A dónde va el amor”, “Mamma mía” y “A quién le importa”.

“Supongo que todas las canciones van a tener bastante feeling, como siempre las he cantado”, asegura.

Condos atraviesa hoy una etapa incierta, pero no está detenida. Más que buscar respuestas inmediatas, ha optado por avanzar con calma, concentrada en lo esencial: sus hijos, su bienestar y el cuidado de los vínculos que la sostienen. En medio de ese tránsito, el escenario aparece también como un espacio de afirmación, un lugar desde el cual seguir adelante sin perder de vista lo que importa.

“Esta etapa de vida la defino como un gran signo de interrogación. Se hace camino al andar y este es un proceso que recorro un día a la vez”, subraya.

Illya Kuryaki and the Valderramas ya no es una banda en el sentido tradicional. Es, más bien, un acuerdo tácito entre Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur: tocar cuando hay ganas y desaparecer cuando no. No hay fechas fijas de conciertos, ni próximos álbumes, mucho menos un plan a largo plazo bajo una performance. “No somos Ca7riel & Paco Amoroso”, aclara Spinetta, quien se presentó el 28 de marzo en Lima y lanzó su nuevo disco, “Día 3”.

Lo que empezó como un único concierto en Buenos Aires se extendió a países como Colombia, México y Perú, donde se presentaron en el Club Cultural Deportivo Lima. Esta forma esporádica de convivir les permite, afirma el artista, sostener el vínculo con el público sin forzarlo, aunque a veces la demanda termine marcando el ritmo de los ahora solistas, que alternan escenarios con sus proyectos personales.

Horvilleur, por ejemplo, tiene previsto presentarse el 10 de septiembre en el C.C. Barranco, mientras Spinetta continúa desarrollando nuevos proyectos. En ese frente, acaba de lanzar su sexto álbum de estudio, consolidando una etapa creativa más personal. Un disco de 12 canciones donde el funk y el soul dialogan con el bolero y el tango, pero, sobre todo, con una mirada más introspectiva. “Es un disco de resurrección”, resume el artista.

El título alude al momento en que la vida vence al caos, una idea que atraviesa todo el álbum. La narrativa parte del desamor, pero se expande hacia temas más amplios como la ansiedad y la soledad. “Estamos pasando por epidemias de eso como humanidad”, sostiene. Frente a ese diagnóstico, el disco propone una respuesta: volver a lo real. “Hay algo que la tecnología no puede replicar: el alma puesta en las cosas”, enfatiza.

Legado familiar

El apellido Spinetta es, inevitablemente, un peso simbólico. Hijo de Luis Alberto Spinetta, Dante no lo vive como una carga, sino como una herencia vital. “Para mí siempre fue una bendición. Es lo que me dio las alas”, afirma el músico, que hoy observa en sus hijos la continuidad de ese legado. A ellos, dice, les toca encontrar el equilibrio entre el peso del apellido y la posibilidad de resignificarlo dentro de una nueva generación.

“No quiero sonar a papá baboso, pero la van llevando bien. Los veo sanos y aceptando la realidad como es, su apellido como es —cuenta Spinetta—. El problema puede aparecer con el ego: es necesario para valorarse, pero también hay que saber dejarlo de lado para asumir tu herencia”.

Esa mirada también atraviesa la forma en que su familia entiende la música. Más que perseguir la perfección técnica o apoyarse en herramientas digitales, la búsqueda apunta a lo esencial: volver a las raíces para crear algo propio y genuino. No reniegan de la tecnología, pero eligen no depender de ella, privilegiando esas imperfecciones que finalmente le dan vida a sus canciones. “Lo viejo siempre es lo confiable”, agrega Spinetta.

Sin embargo, ese enfoque convive con un presente donde la tecnología avanza sobre el terreno artístico. A veces son sus propios hijos quienes le enseñan nuevas herramientas digitales; él escucha y se adapta como puede. La posibilidad de recrear figuras a través de estas tecnologías es otra realidad que parece tocarle la puerta, como ocurre con Gustavo Cerati en los espectáculos vinculados a Soda Stereo Ecos. “Si la familia está de acuerdo y los otros están de acuerdo, está bien que lo hagan para quienes no pudieron conectar con sus artistas favoritos”, comenta Spinetta.

—¿Replicarías esa experiencia con la imagen de tu padre?

— “No”.

El punto de partida no es una obra, sino una ausencia. Durante años, el teatro de Vargas Llosa permaneció en segundo plano frente a su narrativa. “Vargas Llosa en escena” parte de ese vacío para construir una respuesta desde el escenario: 12 escenas, 13 personajes y una estructura que rehúye la linealidad para apostar por el cruce de historias, tonos y registros. No hay una sola voz, sino un coro que oscila entre lo épico, lo íntimo y lo irónico.

La puesta no intenta “adaptar” en el sentido clásico. Más bien, toma los textos como materia viva. “Elegimos escenas que, incluso condensadas, permitieran entender la esencia de cada obra”, explica el director, Percy Encinas. Así, personajes como Odiseo, Sherezade o La Chunga aparecen como núcleos dramáticos autónomos, pero articulados por un dispositivo que los conecta sin diluir sus diferencias.

Ese dispositivo —una suerte de marco dramático y musical— es clave para sostener la propuesta. “No es un simple collage de escenas”, insiste el director. La música en vivo y la progresión escénica funcionan como hilo conductor de un montaje que se desplaza entre registros sin perder cohesión, evitando el riesgo de la dispersión.

El origen del proyecto refuerza esa lógica de exploración. “Lo que pensé que sería un interés pasajero se convirtió en un proceso sostenido”, recuerda Encinas sobre el trabajo iniciado en las aulas de San Marcos tras la muerte del autor. El tránsito de la investigación al montaje profesional no solo define el proceso, sino también el resultado: un espectáculo que muestre el oficio dramaturgo del Nobel

El dramaturgo

Revisar el teatro de Mario Vargas Llosa implica desmontar una idea instalada: la de un autor cuya potencia reside exclusivamente en la novela. Sin embargo, su producción dramática —diez obras escritas a lo largo de varias décadas— revela una preocupación constante por la representación, el artificio y la construcción de la ficción en vivo.

En escena, esa preocupación adquiere otra textura. “El teatro le permite explorar su idea de que la ficción dice verdades a través de mentiras, pero de manera directa, con el cuerpo y la voz”, señala Encinas. A diferencia del narrador, el dramaturgo expone sus mecanismos, juega con ellos y los convierte en parte del conflicto.

La diversidad de su obra teatral fue, también, un problema práctico. “Hay textos ambientados en Lima, otros en contextos históricos, otros que dialogan con clásicos”, explica el director. La selección, entonces, no responde a una lógica cronológica ni temática, sino a la potencia escénica.

Ese ejercicio de curaduría obliga a intervenir el material. “Se han hecho ajustes, cortes y empalmes, siempre con mucho respeto”, afirma Encinas. El resultado no busca fidelidad literal, sino eficacia teatral. En ese tránsito, el texto original se reescribe en cada etapa: dirección, actuación y recepción.

Hay, además, una reivindicación implícita. El propio Vargas Llosa consideraba el teatro como “la forma suprema de la ficción”, una idea que el montaje pone a prueba frente al espectador. “Creo que el público va a descubrir un lado menos explorado de su obra”, dice el director.

El montaje, en ese sentido, no clausura una lectura, sino que la abre. Al devolver estos textos al escenario, Vargas Llosa en Escena plantea una pregunta que atraviesa toda la función: qué ocurre cuando se pone a un autor consagrado sobre las tablas. “Donde se ve un trabajo marcado por esa línea que se ve en su literatura, pero con la mística que solo el teatro puede ofrecer”, concluye Encinas.

La cantante Britney Spears ha ingresado voluntariamente en un centro de rehabilitación, un paso que su entorno considera clave para su recuperación, cinco semanas después de ser detenida por conducir bajo los efectos del alcohol y otras sustancias, según informó la revista People magazine.

Fuentes cercanas a la artista señalan que la decisión de ingresar en un centro especializado responde a la necesidad de “dar un paso adelante” en su bienestar personal, tras un episodio que su propio equipo calificó de “completamente inexcusable”. Spears ingresó al centro de rehabilitación el domingo 12 de abril.

El arresto se produjo el 4 de marzo, cuando agentes del condado de Ventura, en el sur de California, detectaron un comportamiento errático al volante. Tras someterse a varios controles para comprobar si estaba sobria, Britney Spears fue detenida y puesta en libertad horas más tarde.

Spears deberá comparecer ante un juez el próximo 4 de mayo por esta detención, según señala el medio The Hollywood Reporter.

El entorno de la cantante también ha subrayado que se mostró afectada y arrepentida por lo ocurrido, especialmente por el impacto que la situación pudiera tener en sus hijos, de acuerdo con la citada publicación.

“Britney tomará las medidas necesarias y cumplirá con la ley, y esperamos que este sea el primer paso hacia el cambio que necesita desde hace mucho tiempo. Ojalá pueda obtener la ayuda y el apoyo que necesita durante este difícil momento”, señaló un representante de la artista en un comunicado difundido entonces.

“Sus hijos pasarán tiempo con ella -añadió-. Sus seres queridos elaborarán un plan necesario para garantizar su bienestar y éxito”.

Spears, que logró poner fin en 2021 a la tutela legal ejercida por su padre, ha mantenido una activa presencia en redes sociales que ha generado preocupación entre sus seguidores.

En octubre de 2025, su exmarido Kevin Federline expresó su preocupación por la artista en unas memorias en las que consideró que era “hora de dar la voz de alarma” sobre su comportamiento.

La cantante ya ingresó brevemente en rehabilitación en 2007 tras protagonizar varios incidentes públicos. En enero de 2008, en medio de la disputa por la custodia de sus hijos, fue hospitalizada en dos ocasiones brevemente en un centro de tratamientos de salud mental.

La nueva película de Super Mario se mantiene por segunda semana consecutiva como líder de taquilla, suma 256 millones de dólares de recaudación y alcanza más de los 628 millones en todo el mundo, consolidándose como mayor éxito de cine de 2026, según datos de la web Box Office Mojo.

La recaudación de la película de animación inspirada en la saga de videojuegos se divide en 308 millones de dólares en Norteamérica -Estados Unidos y Canadá- y 320 millones en el resto de mercados.

La venta de entradas ha caído un 48% respecto a la primera semana de estreno pero este sigue siendo un buen resultado para una superproducción de esta magnitud, según señala Variety.

Tras dos semanas en cartelera la franquicia ha conseguido superar a la película más taquillera del año ‘Project Hail Mary’ (‘Proyecto Salvación’) que acumula 510 millones de recaudación en todo el mundo desde su estreno el 20 de marzo. Este film ocupa se mantiene en el segundo puesto de la película más vista en Norteamérica.

El estreno de “Super Mario Galaxy: La película” -que recaudó 372 millones de dólares en su primera semana en todo el mundo- batió varios récords: es el quinto mejor estreno de la historia para una película de animación y el cuarto mejor para un lanzamiento de un estudio de Hollywood, solo superado por “Zootopia 2″ , “Moana 2″ y “Super Mario” -sin ajustar inflación-, según datos de Hollywood Reporter.

“The Drama”, la película protagonizada por Robert Pattison y Zendaya, se mantiene en tercer puesto en Estados Unidos y Norteamérica -30 millones recaudados- y alcanza una recaudación total de 42 millones en todo el mundo.

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La única película que entra en la lista de más vistas esta semana es “You, Me & Tuscany”, una comedia romántica dirigida por Kat Coiro, que ha recaudado 9 millones de dólares en todo el mundo, principalmente en Estados Unidos y Canadá -8 millones-.

La película de animación “Hoppers” cierra el listado de las películas más vistas y acumula 354 millones de recaudación en todo el mundo, de los que 157 son en Norteamérica y 197 en el resto del mundo.

En el principio, todo fue brevedad. Si nos referimos al lenguaje, a sus primeras articulaciones en la historia del ser humano, con dos o tres monosílabos todo estaba dicho. La brevedad, sin embargo, como comúnmente se piensa, no es una técnica ni un recurso estilístico: es una toma de posición frente al tiempo, al lenguaje y a la experiencia. Desde la escritura, lo breve no es lo reducido por pobreza, sino lo concentrado por precisión. En esa concentración, la palabra deja de expandirse y se convierte en una caja que resuena. Cada término adquiere así un peso específico y, paradójicamente, como también lo propone Ítalo Calvino en sus “Seis propuestas para el próximo milenio”, adquiere su levedad. La brevedad, entonces, no elimina el sentido: lo desplaza hacia lo no dicho. Y es allí donde aparece el silencio como parte constitutiva del texto. Ese silencio, convengamos, no es vacío, sino espacio activo.

En esta experiencia de decir (y de escribir), la brevedad funciona como un umbral y conduce rápidamente a ese punto donde la palabra cesa, el silencio aparece, pero el sentido continúa. Los que escribimos microrrelatos sabemos que lo importante es llegar antes a ese silencio, pero no para callar, sino para permitir que algo más ocurra.

Por supuesto, estos caminos hacia la brevedad se han nutrido de diversos derroteros. Por ejemplo, la relación entre brevedad y silencio encuentra una de sus formulaciones más precisas en la tradición japonesa y el budismo zen. El haiku, consolidado durante el período Edo, es quizás su registro más evidente. En apenas 17 sílabas, distribuidas en un esquema de 5-7-5, se busca capturar un instante irrepetible. No se trata aquí de describirlo exhaustivamente, sino de fijar su intensidad. El haiku no desarrolla: sugiere. No explica: muestra. Y en ese gesto mínimo, lo efímero se vuelve perceptible.

Vinculado a esta práctica aparece el concepto de mono no aware, una sensibilidad hacia la fugacidad de las cosas. Lo breve, en este contexto, no es solo una forma, sino una ética de la percepción. Se trata de reconocer que todo instante es transitorio y que, precisamente por ello, merece ser atendido sin artificio. Y al hacerlo, permite que lo esencial emerja sin resistencia.

En el mismo ámbito del budismo zen, esta lógica la vemos radicalizada a través de los koan. Estas historias breves, a menudo paradójicas, no buscan transmitir un conocimiento discursivo, sino provocar una ruptura en el pensamiento lógico. Su brevedad no es decorativa ni estilística: es funcional. Un koan actúa como un golpe seco que interrumpe la cadena habitual de razonamiento. Un ejemplo muy conocido es el siguiente: “Dos manos aplauden y producen un sonido. ¿Cuál es el sonido de una sola mano?”. Como es evidente, este texto no se interpreta; se lo atraviesa. En esa interrupción, lo que se produce no es una respuesta, sino una forma de comprensión inmediata, no mediada por el lenguaje.

Así, tanto en el haiku como en el koan, la brevedad aparece como una vía de acceso a una experiencia que excede la palabra pero que necesita de ella. No se trata de decir menos, sino de decir de otro modo.

Esta misma lógica de lo breve, aunque desde otra tradición, puede rastrearse en el surrealismo francés. Los surrealistas, interesados en acceder a lo inconsciente, privilegiaron formas breves que permitieran la irrupción de imágenes no mediadas por la razón. La escritura automática, los fragmentos, las asociaciones inesperadas: todo ello responde a una búsqueda de lo instantáneo. Lo breve, dentro de las líneas de este marco, no ordena la experiencia, sino que la desestabiliza. Basta recordar el célebre verso de Paul Éluard: “La tierra es azul como una naranja”, para advertir que, en el surrealismo, la brevedad no resume ni aclara: irrumpe.

Aunque la influencia japonesa en el surrealismo no siempre es directa, existen puntos de contacto evidentes. En todos estos casos, la brevedad no es síntesis de algo previo, sino su aparición.

En esta línea, la brevedad no busca el efecto inmediato ni el golpe de ingenio, sino la apertura de un campo de posibilidades. Desde la literatura, cada microrrelato funciona como un dispositivo de interrupción: plantea una situación y la suspende, dejando al lector en un estado de incertidumbre productiva.

De este modo, la brevedad se configura como una práctica que articula tiempo, silencio e intensidad. No es una limitación, sino, finalmente, una forma de libertad. Permite que la escritura se desprenda de la obligación de explicarlo todo y que el lector asuma un papel activo en la construcción del sentido. En última instancia, elogiar la brevedad no es defender lo mínimo por sí mismo, sino reconocer que, en ciertos casos, decir menos es la única manera de decir mejor.