ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: aún con gente que no le simpatiza, logrará emprender trabajos o proyectos con éxito. Amor: el diálogo mejorará la relación y su encanto encenderá la íntima calidez.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: surgirá una oportunidad que aunque se vea efímera, resultará genial y exitosa. Amor: superará una repentina crisis con pocos gestos y menos palabras, con madurez.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: una propuesta no le convencerá para un nuevo trabajo, pero la examinará. Amor: participará de un seductor encuentro y alguien especial le causará gran impresión.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: un asunto laboral complicado afectará temas personales, pero pondrá límites. Amor: una situación romántica hará que la pareja disfrute de vivencias inolvidables.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: un negocio o proyecto dará beneficios pero surgirán obstáculos inesperados. Amor: criticará como si fuera un defecto de su pareja, un rasgo que antes parecía virtud.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: su talento se destacará en entrevistas laborales o de nuevos negocios. Amor: surgirá un momento inolvidable en un encuentro con alguien que percibe impactante.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: hará bien en no perder la paciencia ante los errores de los demás. Amor: su capacidad de persuasión será relevante para convencer en la pareja de iniciar cambios.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: una decisión tomada justo a tiempo le hará ganar prestigio y dinero. Amor: su fuerte encanto será apreciado por una persona que le colmará de afecto.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: surgirá propuesta de un nuevo negocio que estimulará su curiosidad. Amor: la pareja podría sufrir de altibajos pero lo superarán en dulces momentos.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: nuevas actividades se sumarán y lograrán acabar con la rutina. Amor: sentirá entusiasmo por alguien que le acepta tal como es y no hace preguntas incómodas.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: terminará con cierta dispersión y se enfocará en las metas. Amor: ciertas actitudes sorprenderán y causarán confusión en la pareja, pero todo será aclarado.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: será bien visto dejar de hacer críticas a las iniciativas de los demás y cooperar. Amor: querrá que la pareja le proteja de la dura realidad pero las cosas no funcionan así.

__________________________________________________________________

SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: DISPERSA Y CON TENDENCIA A LA DIVERSIÓN. PREFIERE LAS SALIDAS CON AMIGOS.

Al gigantesco interior de un hoyo en algún lugar del planeta Tierra, le dicen “silo”. Allí, donde la luz no llega y la vida transcurre entre escaleras, túneles y reglas de obediencia, sobrevive una comunidad de 10 mil personas que desconoce por qué vive bajo tierra y quién construyó ese refugio vertical. Se trata de la serie “Silo”, basada en la trilogía literaria de Hugh Howey y creada por Graham Yost para Apple TV+. En julio, sobrevive a una tercera temporada.

La nueva entrega retoma la historia trescientos años después de una catástrofe planetaria, con Juliette Nichols (interpretada por Rebecca Ferguson) de regreso tras haber sido enviada a “limpiar” el exterior. Pero incursiona con una trama en paralelo: la temporada abre una historia de origen del Silo que se ambienta en Washington D.C., donde una periodista y un congresista (Jessica Henwick y Ashley Zukerman en los papeles) empiezan a seguir las huellas del mundo previo al encierro y el apocalipsis.

En el centro, todavía sigue estando la ingeniera Juliette. A primera impresión, es una mujer práctica y arisca, pero luego el régimen del silo la convierte en un símbolo de supervivencia frente a la comunidad. En la tercera entrega, debe habitar un cuerpo y una posición que no reconoce del todo, solamente por los recuerdos que le presentan en videos. Todo ello se manifiesta como una fabricación de los hechos en los escenarios cerrados y nocturnos de la serie.

“Como dice el showrunner y creador del personaje, Graham Yost, sobre la pasión de Juliette: siempre está motivada para encontrar la verdad y servir a las personas de su Silo”, dice Ferguson a El Comercio en una entrevista virtual.

“Juliette ha sido tan ambiciosa y sabe lo que quiere… Y no quiere ser líder, realmente no quería llegar a ser jefa de la policía. —explica Yost— Pero usó eso en la primera temporada para tratar de averiguar qué pasó en el silo. Pensamos que sería divertido poner a Rebecca en esa posición de búsqueda al perder la memoria. Fue un buen lugar para empezar”.

Juliette vuelve a un lugar donde otros le ofrecen una versión tranquilizadora de la realidad, diseñada para que no pregunte demasiado. En el fondo, “Silo” habla también de un problema contemporáneo: la manipulación de la información. No se trata exactamente de “fake news” como las entendemos hoy, con titulares virales y pantallas encendidas; más bien, de un ecosistema construido sobre medias verdades y silencios administrados desde el poder. Qué curioso, porque Hugh Howey se había basado en su libro de hace 13 años en tópicos tan contemporáneos, como la desinformación, la inteligencia artificial y otras tecnologías. “Esos paralelos son accidentales. Nos basamos en su obra”, dice Yost.

Por otro lado, destaca la escala del mundo de “Silo”, tan ambicioso y misterioso como sus personajes. Ferguson y Yost filamron en nueve escenarios sonoros, con 77 sets arquitectónicamente distintos transformados en más de 160 espacios, entre ellos el enigmático Silo 1, la zona de criostasis y nuevas áreas de las minas.

Al elenco de la tercera temporada, regresan los actores Steve Zahn, Chinaza Uche, Shane McRae, Clare Perkins, Common (nombre artístico de Lonnie Rashid Lynn), Harriet Walter, entre otros. En el caso de Henwick y Zukerman, ellos debutaron en la segunda temporada, pero ahora vuelven con una trama completa.

VIDEO RECOMENDADO

Esta gira ha dejado en evidencia una auténtica locura y un fenómeno imparable: el éxito del “Grupo de Oro del Perú” radica en que, presentación tras presentación, asume el reto de tocar en recintos cada vez más grandes y masivos, y el resultado es siempre el mismo: un lleno absoluto.

No importa la capacidad del local, la respuesta del público fue inmediata y total, convirtiendo cada concierto en una verdadera fiesta de identidad, ritmo y alegría.

El recorrido europeo arrancó con fuerza los días 12 y 13 de junio, logrando impresionantes llenos en el EUR Social Park de Roma y en el imponente Palacio Vistalegre de Madrid, donde ante 14,000 espectadores hicieron vibrar la capital española.

La euforia continuó en el prestigioso L’Élysée Montmartre de París y en el Gracepoint de Londres, donde miles de almas corearon y bailar cada uno de sus éxitos. El mercado alemán también cayó rendido ante el Grupo 5 en el reconocido TonHalle de Múnich, para luego cerrar con broche de oro la gira en el Olimpic Arena Badalona de Barcelona y en el Mind Live Arena de Milán.

Con las 7 localidades totalmente agotadas, la agrupación liderada por Christian, Andy y Elmer Yaipén no solo unió a la comunidad latina residente en el extranjero, sino que contagió al público europeo con la riqueza de la cumbia peruana.

Con un despliegue técnico de primer nivel y una convocatoria imbatible, Grupo 5 demuestra que vive su mejor momento a nivel global. Tras este gran triunfo en Europa, el “Grupo de Oro del Perú” ya se encuentra listo para reencontrarse con su público y continuar con su imbatible ritmo de presentaciones.

A continuación, se detallan las próximas presentaciones de la agrupación:

Gira en Perú - mes de julio

04: Mala

10: Huánuco

11: Huancayo

18: Casma

19: Chimbote (Versus)

24: Cusco

25: Quillabamba

Fecha internacional

Chile: 26 de julio

Regreso a Perú

27: Huaraz

28: Huacho

29: Lambayeque

Cinecolor presentó el póster de “Olaya”, la esperada película peruana inspirada en la vida de José Olaya, uno de los héroes más representativos de la Independencia del Perú. El lanzamiento llega con el anuncio del estreno del tráiler oficial que está programado para el 23 de julio a nivel nacional.

El póster, publicado en la cuenta oficial de Instagram de Cinecolor, muestra al protagonista en medio de un escenario de tensión y aventura. Y llega en el marco de las celebraciones por el Día del pescador en Perú.

“Hoy reconocemos a quienes hacen del mar su vida y su trabajo. En el Día del Pescador recordamos a José Olaya, símbolo de valentía y compromiso con el Perú. Su legado sigue vivo en nuestra historia”, se lee en la descripción de la publicación.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por The Walt Disney Company - Representantes en Perú (@cinecolorperu)

Bajo la dirección de Javier Márquez, “Olaya” propone una visión distinta del héroe peruano, presentándolo no solo como un símbolo patrio, sino también como un padre, hijo y esposo cuya vida estuvo marcada por difíciles decisiones en plena lucha por la independencia. De esta manera, el filme intenta conectar emocionalmente con el público a través de una historia que mezcla drama histórico, aventura y acción.

Asimismo, la película tiene como protagonista a Aníbal Lozano en el papel de ‘José Olaya’, acompañado por un elenco integrado por Mayella Lloclla, Emanuel Soriano, Daniela Feijóo, Reynaldo Pacheco, Miguel Dávalos, Beto Benites, Ebelin Ortiz y Jared Sánchez, entre otros reconocidos actores nacionales.

El rodaje finalizó tras grabaciones realizadas en locaciones como la Isla San Lorenzo, la Fortaleza del Real Felipe y diversos escenarios del litoral peruano.

Aunque aún no se ha anunciado una fecha oficial de estreno, la difusión del primer póster confirma que “Olaya” continúa avanzando hacia su llegada a la pantalla grande.

Uno. Dos. Tres. Cuatro. Cinco. Seis. Siete. Ocho. Respirar por estos segundos en control total del cuerpo parece un ejercicio sencillo para Giovanni Siveroni. El trompetista peruano constituye, en realidad, una forma de entender la música y también la vida. Habla de la respiración como quien describe el motor invisible de un instrumento: ¿serán los pulmones o tal vez un arte marcial? Sus principios, adquiridos en la sabiduría del kung fu, están en su trabajo en los 25 años de escenarios donde se ha presentado principalmente en Francia, Suiza e Inglaterra. En junio, cierra sus presentaciones en Lima y aprovecha para estar con su familia y amigos.

Su trompeta parece como una extensión de su brazo. Con el instrumento, Giovanni tocó en los festivales Jazz à Vienne en Francia, el Seat Music Session Tour en Suiza, entre otros. De hecho, el músico acaba de cerrar la gira Latinaje Tour, de la cantante argentina Cazzu, junto a su banda. “Ella llegó en un momento importante en mi vida”, explica sobre la referente del trap con cumbia y folklore. “Estoy desligado en eso de escuchar música”, dice, aunque parezca una broma. “Porque donde vivo (Nueva York) estudiamos partituras día a día, pero no conozco a muchos músicos. Yo no la conocía y luego ella me mostró un universo que me cambió la vida”, suspira.

En 2025, el álbum “Alma, corazón y salsa (Live at Gran Teatro Nacional)” consagró a Tony y Mimmy Succar con un Grammy al Mejor Álbum Tropical Latino del año. Ese hito también cambió la vida del solista de jazz (Siveroni), quien había participado en el concierto con un solo de trompeta de 30 segundos. “Estuve tocando con la banda de Tony ya dos años antes de quedar varado en Perú durante la pandemia. Estaba listo para hacer cualquier posición musical. Y es cuando aparece el proyecto con su mamá”, recuerda. Por su participación en el show, recibió un certificado oficial de reconocimiento de la Recording Academy como músico e ingeniero de sonido del proyecto musical con los Succar.

Su propuesta pedagógica “The Sound of Fitness” y el libro que prepara, “Mastering the Art of Martial Music”, parten de una idea poco habitual entre los músicos. “No enseño trompeta”, afirma. Su metodología reúne el control consciente de la respiración y buena parte de su práctica del kung fu desde los seis años. “Hay una práctica para llegar a la gimnasia musical, que también está en el Chi Kung (tipo de meditación en la práctica china milenaria)”, explica”, explica sobre un método que se implementó como curso especializado en el prestigioso Berklee College of Music, en Boston. “Mediante el suspiro, enseño que el cuerpo sea feliz en cualquier acto artístico”, expresa. Desde estos puntos de vista, no resulta casual que lleve un tatuaje de Bruce Lee en el brazo izquierdo, muy cerca del dibujo de una trompeta o que, incluso, sus alumnos lo llamen “sensei”.

Conciencia musical en el Perú

A pesar de poseer dos maestrías y ser docente de música en distintos países, Siveroni observa diferencias en los sistemas de formación artística entre el Perú y el extranjero. “No pueden catalogar a un artista por el diploma que no tiene”, afirma Siveroni en referencia a la creación del Colegio Profesional de Artistas del Perú (CPAP) durante la legislatura unicameral de 2026. Su opinión nace de conversaciones que, según cuenta, sostuvo con colegas y amigos peruanos que cuestionan la postura.

“No estoy en contra de eso por tener diplomas, porque yo los tengo y me han costado las pestañas. Pero tengo derecho a decir que ese colegio defrauda el esfuerzo de muchos que no llegan a poder estudiar en el Conservatorio Nacional de Música, porque las plazas son holgadas, a causa de la, diré obsoleta, educación de esa institución. La enseñanza moderna en música es más fresca. Se necesitan profesores de música que estén tocando en la escena actual, en vez de aceptar personas con 25 años de retraso en las políticas culturales del mundo. Vivimos con normas arcaicas que no hacen que la cultura en el Perú trascienda”, sostiene Siveroni.

La familia primero

Su infancia estuvo llena de arte, pues viene de una familia de padres profesionales en el ballet. Su madre Nilda Azañero fue bailarina y maestra de esa danza en el Ministerio de Cultura; su padre, José Alejandro Siveroni, bailarín y maestro del Conservatorio Municipal Profesional de Danza (CMPD) en Zaragoza, España. Por su parte, los años llevaron a Giovanni a estudiar música en instituciones como el Conservatoire de Perpignan de Francia y la Universidad de las Artes de Berna en Suiza.

“Creo que la falta de tener un padre ‘fijo’ en mi vida hizo que tuviera ganas de desarrollar una fuerza extra”, comenta el trompetista. Como cualquiera, los problemas estaban. Tras un divorcio, años en giras musicales y algunos problemas financieros en la pandemia, todavía está en los escenarios.

La música se convirtió en una profesión hace un tiempo. Sin embargo, para él, la conciencia de un músico está en reconocer quién se “es” antes de tocar una sola nota. De allí, vienen muchas de sus enseñanzas. “No es necesario ser famoso, sino transmitir el mensaje musical: cómo la música puede trascender en otras personas. Para que trascienda, un artista tiene que escucharse a sí mismo”, dice.

¿Quién es Giovanni Siveroni sin su dorada trompeta? Cabe la pregunta, por ejemplo. Antes de contestar, el músico guarda silencio unos segundos. Mira a su madre, presente en la entrevista, y sus ojos se enrojecen. “Hijo de mi madre, la artista. Ese soy yo. Un buen hijo”, responde al final.

VIDEO RECOMENDADO

La primera orden era llevar 700 soldados para ocupar el territorio, mientras la dictadura negociaría con los británicos unos cuantos meses. Luego, tres semanas después, la cifra creció a 12 mil efectivos. Apostados en unas islas sin caminos, con soldados pésimamente abastecidos. Cuando los británicos hundieron el crucero Belgrano, el buque insignia de la marina argentina, el 2 de mayo de 1982, las islas quedaron sin abastecimiento. La historia de la Guerra de la Malvinas es una historia épica que habla de sacrificio, pero también de torpezas en la cadena de mando e improvisación a todo nivel.

Para el escritor argentino Eduardo Sacheri, uno de los invitados más esperados a la Feria Internacional del Libro de Lima, su proyecto original era escribir una novela de la guerra de las Malvinas, que abarque tanto la guerra de los soldados como la de los civiles. Aquella que se libró en las islas, así como la que se reflejó en el continente. La guerra real y la guerra imaginaria vivida intensamente por los argentinos. Sin embargo, confiesa, cuando se abocó a escribirla, algunos puntos de vista de los personajes parecían disonantes. Tipos que toman café en un bar del centro de Buenos Aires, una mujer que trabaja en el cuerpo diplomático argentino, las familias de los soldados. Finalmente, decidió dividirlas en dos novelas. Ambas se publicaron en Argentina el año pasado: “Demasiado lejos” y “Qué quedará de nosotros”, dos historias tan independientes como complementarias. Una escrita con la lógica de la isla y la otra, desde el continente. Se trata de entretejer muchas voces, salvo las del poder que toma las decisiones.

― ¿Es una decisión de autor eliminar el ruido político, sacar a generales y dejar que sea la gente sin poder la que cuente las historias?

Me interesaba la gente común en la guerra. En “Demasiado lejos”, por ejemplo, hay escenas en la Casa Rosada, pero los protagonistas son un mozo y un cocinero. No Galtieri ni sus generales. Y en Qué quedará de nosotros, no son los generales que toman las decisiones en las islas, sino un mayor, un teniente y algunos soldados rasos. Eso me resultaba mucho más fecundo.

― El cineasta Juan José Campanella decía que lo tuyo es contar historias de gente común, donde lo cotidiano se vuelve épico. ¿Dónde radica la épica cuando se lucha en una guerra que se sabe perdida?

Pocas posibilidades más épicas que esa. Es la épica vaciada del éxito. Las principales batallas de infantería en la guerra de Malvinas se pelean los últimos días de la guerra, cuando no hay manera de que Argentina pueda evitar la derrota. Y me resultaba más interesante meterme en la cabeza de esos soldados. Arriesgar la vida me parece una decisión definitiva e irrevocable y quería pensar qué es lo que nos puede llevar a hacerlo. Tomar esa decisión sabiendo que no hay premio. No había pensado eso antes de escribir la novela. Solo cuando me puse a investigar la guerra en detalle. Para poder escribirla tuve que documentarme mucho. Para los soldados de infantería, la guerra de las Malvinas no fue un continuo de batallas, fue una espera. Casi dos meses de espera en posiciones fijas. Y cuando se produjo el combate, ya estaba decidido de antemano. Me interesaban esas decisiones insondables que tenían que tomar hombres de a pie, a veces muy jóvenes otras no tanto: ¿me rindo o no me rindo? ¿Me escondo o no? ¿Peleo o no peleo? Desde la comodidad de mi vida, no tengo idea de quiénes hacen bien y quienes mal. Yo no soy quién para juzgar ni a unos ni a otros. Pero sí me parecía interesante asomarme a esas disyuntivas existenciales que aparecen en los testimonios de los veteranos.

― Es curioso que en “Qué quedará de nosotros” la guerra aparezca a la mitad de la novela. Comienzas con la noticia de la ocupación y su impacto en los argentinos. “Qué día formidable”, dice alguno. ¿Fueron los argentinos ingenuos? ¿Cómo se pudo considerar como una fiesta nacional esa reivindicación?

Hay que remontarse a lo que son las Malvinas para los argentinos desde hace mucho tiempo. Los militares de la dictadura no inventan un sueño. Ese sueño ya existía. Si bien las islas están en poder británico desde 1833, hasta la década del treinta era un tema de agenda diplomática. Argentina de vez en cuando reclamaba a los británicos y los británicos le daban largas al asunto. Pero desde entonces el tema bajó la sociedad y en los años cuarenta ingresó la escuela. En los mapas de la Argentina, empezó a pintarse a las islas del mismo color que el resto del país y se las nombra como “Islas Malvinas Argentinas”. Está la marcha de las Malvinas que se canta en la escuela de vez en cuando. Hay toda una construcción de nacionalidad vinculada con la recuperación de ese territorio. Y sobre ello se monta el desembarco de 1982. Ahí se produce una situación equivoca. No importaba que fueran los militares de la dictadura los que llevaran a cabo esta empresa, la sociedad argentina se subió a esa alegría. Nadie pensaba que empezaba una guerra. Eso es muy notorio cuando te pones a investigar tanto la parte diplomática como la militar. Hoy se dice que la guerra de Malvinas empieza el 2 de abril con el desembarco argentino y no es verdad. La guerra empieza después, cuando Margaret Thatcher ordena el envío de su flota. Pero la sensación en la Argentina era que el asunto terminaba con el desembarco, pues el mundo iba a entender que esas islas le pertenecían a la Argentina. Por eso, en las semanas sucesivas, la sensación en Argentina era casi de extrañeza: “¿Por qué los británicos envían una flota?, ¿Por qué las Naciones Unidas votaron en contra de la pretensión de la Argentina? La idea de Nación, de Patria, es muy poderosa. Y sigue siendo así. Esa notoria ingenuidad que vos detectás tiene que ver con eso.

― ¿Cómo fue tu investigación? Cuánto sirve realmente la cobertura periodística de la época?

La cobertura periodística fue lejana, porque en general no hubo periodistas, salvo los primeros días, cuando la guerra no se sentía como una amenaza. Y claro, el periodista que queda es de la televisión pública. Los medios están en manos de los militares, con lo cual se genera un discurso único triunfalista, completamente sesgado. Pero es muy interesante ver cómo los medios privados, diarios y revistas, se plegaron mayoritariamente a ese discurso. Habían descubierto que la gente quería leer buenas noticias: que íbamos a ganar la guerra y que los británicos no tenían chance aunque desembarquen. Es una ficción que en el país la sociedad argentina decidió construir y sostener hasta el 14 de junio de 1982, cuando se produjo la rendición. Esa ficción no solo sostuvo el optimismo la sociedad, sino una enorme dualidad en nuestra vida cotidiana.

― Curiosamente, Argentina va a jugar el Mundial del 82 en esos días.

Argentina debuta en el Mundial el día anterior a la rendición. Debuta el domingo contra Bélgica y se rinde el lunes.

― En la novela muestras que perder contra Bélgica parecía un anticipo de la derrota real para la tropa.

Quería poner la cámara a la altura de la gente. Por supuesto hubo gente que sostuvo la racionalidad necesaria como para entender que esto era una locura. Pero no fueron la mayoría. La mayoría de la sociedad se dejó ganar por el triunfalismo y el chovinismo.

― ¿Qué fuentes te permitieron construir tu historia?

Por un lado, libros de historia militar que analizan el conflicto. Una literatura muy específica, para la que debes entender sus diagramas, sus mapas, sus terminologías. Muchos libros de memorias autoeditados, y muchos testimonios de veteranos. En Internet encuentras centenares de entrevistas, muchas entre veteranos de la guerra, que cuentan su día a día en las islas.

― Leyendo tu novela, no puedo creer aún el grado de improvisación de la operación militar. ¿Es real que la lógica de los militares fue ocupar y luego negociar? ¿Cómo explicas ese error de cálculo tan evidente?

Yo lo puedo constatar, pero no puedo explicarlo. El gobierno militar asesorado por el canciller Nicanor Costa Méndez, se basó en el antecedente del canal de Suez, nacionalizado por Nasser. Aunque la reacción inicial de británicos y franceses fue invadir y recuperarlo, la comunidad internacional les dice que pertenecía a Egipto. Algo parecido sucede con el canal de Panamá y las protestas de 1964, que terminaron en los tratados Torrijos-Carter. La dictadura pensó que podían hacer lo mismo, contando con una opinión internacional favorable. Y confiaban también en la muy buena relación que tenía el dictador Galtieri con Ronald Reagan. Pensaban que él iba a interceder para que la sangre no llegue al río.

― Pero Reagan se inclinó por Thatcher.

Reagan mandó a Alexander Haig, su secretario de Estado a Londres y Buenos Aires para negociar. A diferencia de Carter, quien tenía malos vínculos con los militares argentinos, Reagan mantenía una buena relación con Galtieri. Y Argentina lo estaba apoyando en su política en Centroamérica. Sin embargo, confiar en esos apoyos fue un error garrafal. Y donde erraron completamente fue en calcular la reacción de Thatcher. La creyeron una primer ministra acorralada por los problemas internos de Gran Bretaña, en la primera etapa de sus reformas neoliberales, con una opinión pública absolutamente crítica y enojada. Imaginaron que Thatcher no iba a querer distraerse con ese conflicto, cuando en realidad, despertaron un fervor nacionalista en Gran Bretaña. Así, el gobierno de Thatcher se benefició (del mismo modo que el argentino) de poner entre paréntesis los problemas locales para enfocarse en el objetivo internacional. Y ella salió sumamente fortalecida políticamente, tanto que permaneció una década en el poder.

― Siempre tenemos en la memoria la solidaridad peruana con la Argentina en Guerra. Pero realmente sirvieron de algo los aviones enviados por el gobierno de Belaúnde? En tu novela explicas que, desde el continente, el vuelo era muy largo y solo contaban con 10 minutos de acción bélica, mientras los británicos tenían un portaviones.

Digamos que los Mirage peruanos tienen más valor simbólico y de fraternidad continental. Aún los argentinos recordamos mucho esos Mirage peruanos recibidos y camuflados para no involucrar al régimen peruano en el conflicto. Y se recuerda también la mediación de Belaúnde Terry, del mismo modo que no se olvida, en sentido totalmente inverso, la actitud muy benévola del dictador Pinochet hacia las fuerzas británicas.

― ¿Cuántas víctimas se registraron tras la guerra?

Un total de 649 víctimas del lado argentino (322 víctimas del hundimiento del Belgrano) y 255 de soldados británicos.

― ¿Cómo quedó la guerra en la memoria de la gente?

A lo largo de los años, la memoria ha ido cambiando. El pasado no cambia, pero la memoria sí. De entrada, te diría que esa memoria fue, sobre todo, un silencio. Nadie quiso escuchar a los combatientes. Nadie quería recordar la guerra. No solo por la derrota, sino por la incomodidad social de despertar con la derrota y advertir que se había enviado soldados con pésima preparación, apoyando a la dictadura en una aventura postrera para tratar de mantenerse en el poder. Así, durante muchos años, los soldados no tuvieron con quién hablar. Y eso perjudicó mucho sus posibilidades de procesar lo sufrido.

― ¿Hubo alguna instrumentalización política de la guerra?

Te diría que la izquierda ha evolucionado en esta dirección, sobre todo a partir de los gobiernos kirchneristas, reivindicando a los soldados rasos y condenando a los militares de carrera. Lo curioso es que el kirchnerismo instaló el 2 de abril como feriado. Un régimen que se siente absolutamente distante de los militares, sin embargo toma el día del desembarco como una efeméride. Por otro lado, la derecha hace una reivindicación más redonda de la cuestión. Mientras tanto, hay soldados que se sienten víctimas de las maniobras de los militares y soldados que se despegan de esa imagen y se sienten próximos a sus tenientes o sargentos. Así como hubo soldados que se sintieron, y con razón, maltratados, torturados, vilipendiados por sus jefes, hubo otros que se sintieron amparados y cuidados todo lo que se pudo.

― Una de las consecuencias de la Guerra de las Malvinas fue el final de la dictadura y la pérdida del poder del ejército, terminando la lógica de los golpes militares ¿Cuál es el actual papel del ejército en la Argentina?

La democracia argentina es hija de la derrota militar. Fue tal el descrédito de las Fuerzas Armadas con la derrota que pasaron décadas en las que su lugar fue absolutamente marginal. El gobierno de Milei despertó críticas por la compra de aviones para la Argentina, modelos que tienen como 30 años, comprados a Dinamarca. Son las primeras aeronaves compradas desde esa época. A nadie se le ocurre, por el momento, que surja un discurso pro militar, salvo de algún trasnochado en Twitter.

― Cuatro meses después, Argentina se enfrentó contra Inglaterra en el mundial de México 86. Los dos goles de Maradona se vivieron realmente como una reivindicación?

Completamente. Fue una revancha. Y aquí me pongo descriptivo, porque no es algo racional o justificado. Sin embargo, emocionalmente, ese partido se vivió en la previa desde la angustia. Perder con los ingleses en el 86 hubiera sido como redoblar el dolor y la humillación. Racionalmente, no son comparables una cosa con la otra. Pero emocionalmente iba todo en el mismo paquete. Y te diría también que la elevación de Maradona a mito nacional viene de ese partido. Hasta ese día, Maradona era un gran jugador al que no le había ido bien en el Mundial de España 82. Jugó muy bien en Argentinos Juniors y salió campeón con Boca, pero los demás hinchas solo lo tenían como un gran jugador. No era el amor agradecido que Maradona suscitaría a partir de entonces. Porque ganarle a Inglaterra en el 86, con esos dos goles tan diferentes entre sí, uno pícaro, ladino, ilícito, pero por eso significativo y el segundo de un arte inolvidable, es algo que se repetirá a lo largo de los años. Es muy importante ese partido en un montón de sentidos. En el 86, la sociedad argentina necesitaba ganar. Luego el país volvió a jugar contra Inglaterra en otros mundiales, pero ya sin esa carga de angustia y de necesidad.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: uno de sus proyectos más elaborados será puesto a prueba y vencerá. Amor: la relación de pareja podría atravesar dificultades, pero las vencerán dialogando.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: llegará la oportunidad tan esperada que favorece los negocios o proyectos. Amor: se reiterará una discusión que tiende a ser conflictiva, pero no lo permitirán.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: el avance podría detenerse por factores ajenos a su actividad, pero lo superará. Amor: será el momento de la pareja en el que es necesario iniciar una nueva etapa.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: se repetirán errores que cree resueltos y eso provocará escasez de logros. Amor: algunas ideas que transmite en la pareja serán ignoradas y el fastidio pronto surgirá.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: llegará una ráfaga de buena fortuna que aliviará deudas y gastos en alza. Amor: surgirá entusiasmo por una relación nueva y las circunstancias favorables se conjugarán

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: promover nuevas ideas en publicidad darán prestigio y valor a su producto. Amor: momento para prestar atención y evitar descuidos innecesarios en la pareja.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: ciertos colegas se convertirán en rivales al criticar su proyecto. Amor: en un encuentro, una situación romántica se dará con alguien inesperado.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: superará momentos complicados en el negocio y alcanzará las metas. Amor: el impacto de su encanto en el entorno, hará crecer el fastidio en la pareja.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: su habilidad para resolver problemas dará confianza al entorno. Amor: con simpatía, logrará atraer a esa persona que desea conocer desde hace tiempo.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: destacarán su capacidad para ordenar el caos y lograr metas. Amor: por un hecho fortuito, se relacionará con una bella persona y se enamorará.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: surgirán desacuerdos por el lanzamiento de un negocio pero se superarán. Amor: una pauta de convivencia será señalada como generadora de un tonto conflicto.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: entre posiciones opuestas, logrará reorganizar un trabajo estancado. Amor: momento para prestar atención o le atraerán personas comprometidas o en pareja.

__________________________________________________________________

SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: LÍRICA Y FANTASIOSA. SE MANEJA EN LA VIDA CON SU GRAN INTUICIÓN.

Ser rubia es apenas una superficie. Debajo de la apariencia, Elle Woods revela una personalidad de amabilidad y determinación que desarma el estereotipo de la “rubia tonta”. En 2001, Reese Witherspoon ya había convertido a la abogada amante de la moda en una fuerza femenina dentro del universo de “Legalmente rubia” (“Legally Blonde”). Y ahora Lexi Minetree, 25 años más tarde, sale a escena en Hollywood llevando la herencia del personaje en la serie “Elle”.

La protagonista de “Legalmente rubia”, en su primera película y su secuela, se basa en el libro de Amanda Brown. La autora, inspirada en su experiencia en la Facultad de Derecho de Stanford, crea a Elle Woods en sus años de estudios en Harvard y la sigue mientras enfrenta cómo la frivolidad se usa para deslegitimar la inteligencia de las mujeres, en especial la suya, por el simple hecho de tener el cabello lacio y dorado, y vestir de rosa.

Las dos cintas recaudaron 141 y 124 millones de dólares en todo el mundo en 2001 y 2003, cifras moderadas para un éxito masivo, pero suficientes para convertir la historia de Elle en una película de culto. Tan querida como esa cinta cómoda “de toda la vida” para muchas mujeres. Por eso, al menos 60 mil usuarios de Instagram le dieron “me gusta”, y seguramente muchos pegaron un grito en el cielo, al video de Witherspoon y Prime Video cuando anunciaron el regreso del personaje.

“Elle”, protagonizada por Minetree, sigue la transición de una adolescente de 16 años en su nuevo hogar, cuando ella se muda de su vecindario de lujo y aplausos en Los Ángeles a un menos glamuroso vecindario de Seattle. En su colegio, priman los alegatos de jóvenes que cuestionan las políticas administrativas del colegio y piden justicia por causas honestas.

Además —a diferencia del común denominador de las nuevas series juveniles—, Witherspoon, como productora ejecutiva, apuesta por una línea temporal situada en 1995, cuando aún no había celulares inteligentes ni redes sociales. Al mismo tiempo, orienta el drama hacia temas de amor y desamor, política y vida en sociedad, afinados a las narrativas de la Generación Z de estos tiempos.

La nueva legalmente rubia

Algo que marcó a “Legalmente rubia” fue su casting. Britney Spears llegó a sonar para Elle Woods antes de que el equipo se convenciera de Reese Witherspoon. Hoy, Minetree recoge la posta. Apostar por una actriz aún desconocida en el medio fue un riesgo, uno que parece tener buen pronóstico, porque su presencia en cámara tiene una calidez que se traduce en empatía de inmediato. Además, la serie agrega toques de nostalgia en cuanto a diálogos y vestuarios.

Durante un evento de prensa, a Witherspoon se le salieron las lágrimas al recordar el casting de Minetree, que acaba de difundirse en redes sociales. “Me dejó sin aliento”, dijo. En el interior de su hogar, la joven actriz se graba en un video donde imita el discurso de presentación de Elle para enviar su solicitud a Harvard, siguiendo el guion de la escena que aparece en la primera parte de la cinta.

A sus 50 años y con dos hijos, Witherspoon sintió la necesidad de mostrar que ese “poder femenino” de Elle Woods se cocina en lo doméstico y no solo en la investigación legal donde el personaje destaca. En ese sentido, el relato de la guionista Laura Kittrell y la showrunner Caroline Dries se detiene en el papel de June Diane Raphael, quien interpreta a Eva, madre de Elle. Ella nunca había tenido una línea de tiempo en este universo, pero viene a dejar pellizcos de comedia y de una maternidad compleja en un personaje que realmente le cae a pelo a la actriz de 46 años.

Raphael junto a Tom Everett Scott como Wyatt, padre de Elle, componen una familia en la serie. En el drama de colegio, aparecen Gabrielle Policano, Jacob Moskovitz y Chandler Kinney y destacan Zac Looker —a quien ya se ha visto en “Geek Girl” de Netflix— y Jessica Belkin —elegida protagonista del reinicio de “Baywatch” próximamente—. Esta camada de jóvenes actores seguramente dará de qué hablar en los próximos años.

VIDEO RECOMENDADO

La cumbia y el ritmo tropical se vuelven a juntar para el Cumbia Latin Fest, evento que reunirá a grandes exponentes del género como BXS (Bryndis X Siempre) y Jambao en un solo escenario. El concierto se llevará a cabo el próximo 28 de julio en el Anfiteatro del Parque de la Exposición.

El escenario, ubicado en el centro de Lima, será el recinto que albergará esta vibrante velada. El festival se perfila como una de las opciones ideales para celebrar las Fiestas Patrias en Perú, uniendo al público bajo una sola voz.

La noche de gala contará con la participación internacional de BXS (Bryndis X Siempre) y Jambao. Ambas agrupaciones, icónicas y sumamente queridas en nuestro país, quienes se encargarán de regalar una jornada inolvidable con lo mejor de su repertorio.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Jambao de Argentina 🇦🇷 (@jambaoargoficial)

BXS (Bryndis X Siempre), agrupación de cumbia romántica y balada liderada por los hermanos Guadalupe (“Lupe”) y Juan Guevara, llegará con lo mejor de su repertorio con temas como “Popurrí x siempre”, “Simplemente amigos”, “Eres toda una mujer” y más.

Por su parte, la legendaria agrupación de cumbia argentina Jambao pondrá la cuota de energía al ritmo de “Te arrepentirás”, “La tengo que olvidar”, “Todo se parece a ti”, “Niña hermosa”, “No podrás olvidarme”, entre otros éxitos.

Organizado por Latin Music Entertainment Group, el Cumbia Latin Fest apunta a reunir lo mejor de la cumbia y el ritmo tropical romántico en un solo escenario.

La preventa para el evento ya inició. Las entradas para ver en vivo a BXS (Bryndis X Siempre) y Jambao ya se encuentran disponibles de manera oficial a través de la plataforma web vaope.com.

Rubén Blades (Ciudad de Panamá, 1948) recorre su repertorio como si caminara por las calles. El peligroso Pedro Navaja, el melancólico Pablo Pueblo y un señor que va dejando una vibrante estela de perfume a su paso son algunos de los personajes que el compositor panameño ha creado para contar historias. Sus canciones son cuentos breves y exploran la crudeza de la realidad de América Latina, aunque podría tratarse de cualquier parte del mundo. Con más de 50 años de carrera es una de las figuras más importantes de la música en español. Su poesía se baila y también invita a reflexionar.

― ¿Qué lugar cree que tienen las canciones que cuentan historias en esta época marcada por la inmediatez y el Internet?

Siguen teniendo el lugar de siempre. La gente nunca se va a cansar de escuchar y compartir experiencias ajenas, ni de aprender de ellas. Una buena historia ha entretenido a las audiencias desde el inicio de la humanidad. “La Ilíada”, considerada una obra literaria inmortal, no nació como un libro. Nació como una canción. El antecedente de la música popular viene de centurias atrás. Eso no desaparecerá mientras existan los seres humanos. Siempre habrá la necesidad de contar historias.

― ¿Cree que el arte todavía tiene la capacidad de enseñar a contemplar la vida?

Absolutamente. La pintura, la literatura y todas las formas de arte conforman una expresión que a su vez es conocimiento. La necesidad de aprender no tiene fecha de expiración, así que eso va a continuar siempre. Somos estudiantes eternos. Siempre aprendiendo y desaprendiendo. También deberían existir escuelas para desaprender, no solo para aprender.

― “Fotografías” es el título del disco, de una canción y de la gira. ¿Se encuentra en una etapa de mirar el pasado?

Soy muy consciente de que tengo más pasado que futuro. Cuando cumpla 80 años yo espero dedicar mi atención a otras cosas. Yo no sé cuánto tiempo más tengo. Nadie sabe cuánto tiempo más tiene. En mi caso, yo sé que hay cosas que quiero hacer e intentar. En esta gira las canciones son como imágenes que representan todo lo interno, espiritual e intelectual de lo que he escrito durante más de cincuenta años de trabajo.

― ¿Qué imágenes de su carrera aparecen primero cuando mira el pasado?

Lo primero es el absurdo de que yo terminé siendo músico y actor. Mi plan era ser abogado. Yo no estudié música. Recuerdo que llegué a Nueva York desde Florida con una maleta llena de comida en lata que me dio mi madre.

― ¿Qué concierto considera que cambió su carrera para siempre?

La primera presentación que tuve en Nueva York fue muy importante en mi carrera. Ese primer trabajo fue en el Madison Square Garden con Ray Barretto y su orquesta en 1974. Tito Gómez y yo éramos los cantantes de la banda. En una canción repetí la primera estrofa dos veces porque no me acordé de la segunda.

― ¿Cómo se sintió al cantar en un recinto tan emblemático?

Me sentí como un gladiador entrando al Coliseo romano. Fue tremendo. Qué increíble recuerdo. Eran como 19 mil o 20 mil personas en el Madison Square Garden. Ese concierto fue inolvidable.

― ¿Cuál considera que es su mayor logro como artista?

El mayor logro de mi carrera es haber podido sostenerme durante todos estos años. Cuando empezaba, mi papá me dijo: “Mira, Rubén, el éxito es difícil, pero no es imposible”. El hecho de que yo esté hablando con usted, que tenga salud y que cuente con el apoyo de tanta gente para seguir trabajando en lo que me gusta, todo eso lo considero un logro extraordinario. Lo agradezco mucho.

― ¿Cuándo descubrió que quería ser compositor?

Desde los 15 o 16 años tuve la claridad de escribir. Siempre me interesó lo que pasaba a mi alrededor. Eso me llevó a desarrollar una carrera como compositor que ha perdurado hasta el presente.

― “Amor y control” es una de las canciones más pedidas de su repertorio.

Esa canción se convirtió en un argumento universal para enfrentar el dolor que provoca una dificultad en cualquier familia, en cualquier parte del mundo.

― La estructura narrativa de la canción es interesante porque muestra dos historias que se cruzan por un instante.

Si analizas “Amor y control”, notas que pasa de ser una visita a mi mamá, que está muriendo de cáncer, a convertirse en una reflexión que hago sobre el dolor de otra familia. Se trata de dos dolores similares, pero que parten de motivos distintos. Finalmente, la otra familia se convierte en la protagonista de la canción.

― ¿Cree que sus propias canciones le han ayudado a comprender un poco más la vida?

Claro que sí. Lo que uno escribe es reflejo de lo que se siente. Componer canciones me hace sentir útil. También escucho a otras personas y me identifico con lo que sienten y viven. Eso me hace solidario y una mejor persona.

― ¿Qué siente cuando escucha el disco “Siembra”?

Willie Colón fue un excelente productor musical. Yo no escucho mucho mis discos, pero cuando escucho “Siembra” siento que sobresale la calidad de la producción de Willie. Eso hace que perdure hasta la actualidad. Por otro lado, esas canciones me hacen recordar mis inicios como escritor en el género de la salsa. Tuvimos muchas dificultades cuando presentamos ese disco porque la industria de aquel momento consideraba que las canciones eran muy largas.

― ¿Cuál fue la reacción del público ante ese álbum cuando salió al mercado?

Las canciones no fueron éxitos de inmediato. La gente escuchó “Siembra” por su propia cuenta. Fue voluntad propia del público. Poco a poco, el disco se convirtió en una especie de ola que fue llegando a varios países.

― ¿Cómo recuerda las giras con Willie Colón en las épocas de juventud?

Nosotros trabajamos inicialmente como dos hermanos. La relación fue buena porque se basaba en el amor por la música. Yo recuerdo esa época con mucho cariño. Las diferencias las tuvimos mucho tiempo después.

― En aquella época armaron una orquesta de músicos muy importantes para dar conciertos.

Así es. Willie Colón, Leopoldo Pineda, José Rodríguez y Lewis Kahn tocaron los trombones. Joe Torres estuvo en el piano, Milton Cardona en las congas y José Mangual Jr. en el bongó. También participaron otros músicos muy buenos.

― Hay un video memorable en el que interpreta “Todos vuelven” con el cantante peruano Lorenzo ‘Lencho’ Pedraza.

Yo lo conocí en mi primer viaje al Perú. ‘Lencho’ me llevó a peñas de música peruana. Por tal motivo se incorporó el cajón peruano en la canción “¿De qué?”, del disco “Canciones del solar de los aburridos”, grabado junto a Willie Colón y publicado en 1981. ‘Lencho’ me enseñó mucho. Era una persona muy amable, muy dulce y un músico tremendo.

― ¿Cómo conoció “Todos vuelven”, del compositor peruano César Miró?

Yo escuché “Todos vuelven” por un cubano llamado Virgilio Marti. Él llevó la canción a la segunda película que grabé, titulada “Crossover Dreams”. Virgilio hacía el papel de un director de orquesta. En la película, yo trabajaba en esa misma agrupación. Él me cantó “Todos vuelven”.

― ¿Y qué le motivó a grabarla?

Grabé “Todos vuelven” para mi disco “Buscando América” porque me pareció una canción extraordinaria desde la primera vez que la escuché. Tiene una letra muy bonita y especial.

― Otra canción peruana que ha cantado es “La flor de la canela” de Chabuca Granda.

Con esa canción participé en el disco “A Chabuca”. Conozco “La flor de la canela” desde que era niño en Panamá. Para mí es un honor que me hayan escogido para cantar un tema tan icónico y querido en el Perú.

― En 1988 publicó su disco de rock en inglés “Nothing but the Truth” con las colaboraciones de Sting, Elvis Costello y Lou Reed. ¿Cómo fue esa experiencia?

En realidad, yo siempre asumí que a ellos les interesaba colaborar con escritores. Esa fue siempre mi impresión. Y no solo hemos colaborado como escritores, sino que además somos amigos. Lamentablemente, Lou Reed hace varios años se mudó “al otro barrio”, como le llamo yo a la muerte. Vi a Sting hace unas semanas. Presentó el musical “The Last Ship” en la Metropolitan Opera, aquí en Nueva York. Me llamó y me invitó al estreno. Fui y después de la obra conversamos.

― ¿Fue sencillo trabajar con ellos?

No hay diferencia entre músicos. No importa la diferencia de idiomas. Los espíritus son iguales. El amor por la música es el mismo. Las posibilidades de colaboración son infinitas.

― ¿Pensó en llamar a más artistas para el disco “Nothing but the Truth”?

Me reuní con Bob Dylan, pero nunca terminamos de escribir la canción. La empezamos y acabamos hablando de otras cosas.

― ¿Tiene algún proyecto futuro con Sting?

Quedamos en que íbamos a escribir algo juntos. Sting me dio una canción titulada “I Can’t Say” para “Nothing but the Truth”, precisamente porque no pudimos reunirnos para escribir juntos en aquel momento. Con Lou Reed sí compuse y con Elvis Costello también. Ahora Sting y yo hemos quedado en escribir algo juntos en el futuro.

Cuando Los Prisioneros regresaron a Chile tras su primera presentación en el Perú, en setiembre de 1987, buena parte de la prensa chilena redujo aquella noche a un solo episodio: la banda había sido recibida a pedradas en la Plaza de Acho. La ironía era evidente: un grupo de rock atacado a proyectiles justo cuando venía a presentar un disco llamado “Pateando Piedras”. Pero esa no era toda la historia. Las piedras existieron, sí, aunque fueron lanzadas por un grupo minoritario de revoltosos. El resto de los presentes, cerca de doce mil personas, cantó y bailó sobre la arena de la histórica plaza del Rímac, levantando enormes columnas de polvo tan densas que los técnicos apenas podían distinguir a los músicos. Para el periodista chileno Alejandro Tapia, esas imágenes —rescatadas años después y difundidas en YouTube— cuentan una historia muy distinta a la que sobrevivió en la memoria de su país. “Cuando uno ve ese concierto se da cuenta de la magnitud, de la euforia. Es un concierto impresionante”, dice.

Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia, el trío de San Miguel, habían llegado a Lima ese año con una cierta inocencia, convencidos de que se trataba de un simple presentación promocional y terminaron descubriendo que ya eran auténticos ídolos de este lado de la frontera. “No estaban conscientes de lo famosos que eran en el Perú”, aseguraTapia. “Casi que se sintieron como los Beatles llegando a Estados Unidos en 1964”. Pese a esa gran acogida y a las piedras eventuales, el concierto les dejó otro sabor amargo. La banda no recibió honorarios por la presentación. “Ellos se sintieron bastante timados. Creían que era una actividad promocional y después se dieron cuenta de la enorme cantidad de gente que había asistido”.

Tapia, que es editor en el diario “La Tercera”, llevaba años preguntándose por qué Los Prisioneros hablaban siempre del Perú con un afecto especial. Su primer libro, “Ya viene la fuerza” (2024), reconstruía el nacimiento del grupo y la grabación de sus dos primeros álbumes, pero el relato terminaba justo cuando la banda comenzaba a salir de Chile. Quedaba pendiente una cuestión: ¿por qué el Perú ocupaba un lugar tan especial en la trayectoria de Los Prisioneros? La respuesta terminó convirtiéndose en una investigación de tres años. Tapia vino a Lima, entrevistó a más de setenta personas —entre músicos, promotores, periodistas, técnicos, programadores radiales y asistentes a los conciertos— y revisó archivos en ambos países. El resultado es “No necesitamos banderas: Los Prisioneros en el Perú” (Borrador Editores), que ya se encuentra en librerías.

Una de las principales conclusiones de su investigación es que la verdadera internacionalización de Los Prisioneros comenzó en Lima. Antes habían tocado en Uruguay, donde el impacto fue limitado por el tamaño del mercado. Después intentaron abrirse camino en Argentina, pero su propuesta chocó con una escena de rock marcadamente nacionalista y poco permeable a las bandas latinoamericanas. El Perú fue distinto. “Fue el primer país donde Los Prisioneros tuvieron éxito. Jorge González lo ha dicho muchas veces: fue el primer país donde se sintieron como en casa”, sostiene el autor. Aquí, explica, el público hizo suyo el mensaje de canciones como “El baile de los que sobran”, porque hablaban de desigualdad y falta de oportunidades, problemas que también formaban parte de la realidad peruana.

Lo curioso es que la relación de Los Prisioneros con el Perú se construyó desde abajo, no sobre el escritorio de un marketero o una agencia de publicidad. Comenzó gracias a un peruano que, durante un viaje a Buenos Aires, encontró un ejemplar de “La voz de los 80”. Le llamó la atención la fotografía de portada: tres muchachos de piel morena que creyó peruanos. Compró el disco y lo envió a Lima, donde llegó a manos del programador radial Ángel Ríos. Fue él quien comenzó a difundir canciones como “Sexo”. Solo después de comprobar la inesperada acogida que la banda y sus letras contestatarias tenían entre las radios y el público peruano, el sello El Virrey decidió editar oficialmente el álbum en el país.

La investigación también sacó a la luz un hallazgo inesperado. Mientras revisaba archivos diplomáticos, Tapia encontró documentos enviados por la embajada chilena en Lima al régimen de Augusto Pinochet tras el concierto de Acho. Los informes daban cuenta de las pedradas, pero también de algo que preocupaba mucho más al gobierno militar: la extraordinaria recepción que la banda había tenido en el Perú. “Los medios peruanos los calificaban como una banda profesional y exitosa. Incluso enviaban recortes de El Comercio y otros diarios. Al régimen le preocupaba mucho el discurso contestatario de Los Prisioneros; los trató de marxistas", explica el periodista.

Ese seguimiento revela también la dimensión que había alcanzado el fenómeno. En 1987, Los Prisioneros ya eran una piedra en el zapato para la dictadura chilena. Canciones como “El baile de los que sobran”, “Muevan las industrias” o “Por qué no se van” se habían convertido en himnos de una generación desencantada, y el hecho de que ese mensaje comenzara a cruzar fronteras era motivo suficiente para despertar suspicacias. Paradójicamente, mientras en Chile algunos medios insistían en destacar las pedradas de Acho, los informes diplomáticos reconocían que la prensa peruana hablaba de una banda profesional y de un recibimiento multitudinario.

No fue el único descubrimiento que sorprendió a Tapia. A medida que reconstruía la historia comprendió que el Perú había ocupado un lugar irrepetible en la trayectoria del grupo. “Perú fue el único país que Los Prisioneros visitaron en todas sus etapas”, explica. Vinieron en 1987 con “Pateando Piedras”, regresaron durante la gira del disco “Corazones”, volvieron con el proyecto Los Dioses —en la recordada visita en la que Gisela Valcárcel los retiró de su programa tras negarse a hacer playback— y, tras el histórico reencuentro de 2001, eligieron Lima como su primer destino internacional. Ningún otro país acompañó de forma tan constante la evolución de la banda.

Esa relación tampoco terminó con la separación definitiva. Jorge González siguió regresando al Perú como solista para presentarse no solo en Lima, sino también en ciudades como Huancayo, Puno o Huayllay. Esas giras terminaron por sorprender incluso al propio músico. “Él dice que se sentía como un artista folclórico”, cuenta Tapia entre risas. “No por el género musical, sino porque comprobó que era igual de conocido en el interior del Perú que en Lima”.

Pero el episodio más increíble de toda esa relación ocurrió muchos años después de Acho. En julio del 2002, tras el multitudinario concierto del reencuentro en el Jockey Club, los integrantes de la banda recibieron invitaciones para asistir a la inauguración de la discoteca Utopía. Estuvieron a punto de aceptar. “Iban a ir”, revela Tapia. “Ellos mismos me lo contaron. Los habrían ubicado en la zona VIP, justamente donde comenzó el incendio”. Finalmente desistieron. Horas después, el fuego consumió el local y dejó 29 muertos y decenas de heridos en una de las mayores tragedias ocurridas en un centro de entretenimiento del Perú. “Cuando se enteraron quedaron muy impactados. Se dieron cuenta de que perfectamente pudieron haber estado ahí”.

Aunque los fanáticos no dejan de fantasear con un último reencuentro, Tapia cree que hoy esa posibilidad es remota. Durante el estallido social chileno de 2019 hubo conversaciones para reunir a Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia en un gesto simbólico, aprovechando que las calles volvían a llenarse de jóvenes cantando El baile de los que sobran. El intento nunca prosperó. “La versión de Miguel es que Claudio no quiso. Claudio dice que nunca se enteró a tiempo. Lo concreto es que las tensiones siguen ahí”, resume el periodista. Después de tantos años, las heridas personales parecen más difíciles de sanar que cualquier diferencia musical.

El título del libro, “No necesitamos banderas”, alude a una de las grandes canciones de González que no fue un hit radial. Jorge tenía apenas 20 años cuando escribió una canción que corta como cuchillo —como se suele decir— mientras cuestiona el concepto de fronteras, los nacionalismos y cualquier forma de representación que pretenda hablar en nombre de los demás. Cuatro décadas después, el título adquiere un significado nuevo en el libro de Alejandro Tapia. En el fondo se habla de dos países que, pese a décadas de rivalidades y prejuicios, encontraron un lenguaje común en las canciones de tres muchachos de San Miguel. “Si a un chileno y a un peruano les hace sentido una canción como ‘El baile de los que sobran’ o ‘Muevan las industrias’, es que no somos tan distintos a como nos han querido pintar las autoridades durante años. Tenemos quizás más afinidades de las que creemos”. //

Aquel Señor Barriga bondadoso y paciente, que llegaba a la vecindad a cobrar la renta y terminaba recibiendo golpes, bromas y apodos sobre su peso, tenía detrás a un actor que conocía muy bien lo que esas palabras podían doler. En la pantalla, las caídas provocaban carcajadas. En la vida real, las burlas dejaron marcas. Édgar Vivar, el hombre que durante décadas cargó con uno de los personajes más queridos de “El Chavo del 8”, también tuvo que cargar desde niño con el peso de la obesidad y del bullying.

“Cuando yo era niño, la moneda de cambio era ser objeto de burlas muy crueles. Los niños pueden ser crueles en sus comentarios, precisamente por la inconsciencia. Cuando uno es físicamente diferente, eso lastima, marca. A mí me marcó. En ese entonces no tenía más que dos opciones: tolerarlo todo o no tolerar nada. Se te hace la piel muy dura frente a los comentarios ofensivos, que no voy a repetir. Pero cuando llegaba la agresión física, tenía que marcar un límite. Algunas veces tuve que llegar a los golpes, lo confieso. Y también me llegaron a golpear”, reconoce.

Con los años, ese cuerpo que tantas veces fue señalado en la infancia también se volvió parte de su imagen pública. Vivar llegó a pesar 169 kilos. En la televisión, sin embargo, dice que no sintió la misma discriminación que había vivido de niño. Al contrario, recuerda una frase que lo ayudó a mirar su carrera desde otro lugar.

“No sé si fue Roberto [Gómez Bolaños] quien me lo dijo, pero me tengo que referir a él porque es algo que yo inconscientemente asumía: gordos había muchos en el medio, pero gente con talento escaseaba más. Él me dijo: ‘Si yo te tengo a ti es por buen actor, no por gordo’. Eso me halagó”, cuenta.

Esa mirada le permitió entender que su lugar en la televisión no dependía únicamente de su apariencia física, aunque reconoce que buena parte de la comicidad de otra época sí se apoyaba en las diferencias corporales. El muy flaco, el muy bajo, el de lentes gruesos, el de bigotes extraños o el de cuerpo grande podían convertirse fácilmente en blanco de bromas.

“Eran los usos y costumbres de hace 40 o 50 años”, dice. “La sociedad es un poquito caníbal en ese sentido. Hoy esas burlas son menos toleradas públicamente, aunque no han desaparecido. La diferencia, quizá, es que ahora hay una conciencia más clara sobre el daño que pueden causar”.

Para él, hablar de obesidad no es solo hablar de peso, sino de salud, heridas emocionales y decisiones de vida como la de someterse a un bypass gástrico, una intervención que, asegura, le cambió la vida.

“El costo-beneficio ha sido mucho más beneficio que costo. Ahora me lleno muy rápido y hay alimentos que ya no tolero como antes. Pero eso no me quitó el placer de comer. Ahora disfruto más la comida porque puedo diferenciar entre lo que es hambre y apetito”, reflexiona.

Esa relación con la comida, con el cuerpo y con sus propias heridas también modificó su manera de entender la salud. Para Édgar Vivar, la palabra ya no se reduce a un diagnóstico ni a un resultado médico. Hoy la define como una forma de responsabilidad personal.

“La salud es el compromiso con uno mismo de invertir para poder estar mejor como persona, como individuo, como parte de una sociedad y de una familia. Si uno invierte primero en uno mismo, va a rendir como persona y como familia. Y al mismo tiempo refrenda el cariño que se debe tener primero a sí mismo”, dice.

En su caso, reconoce que durante años se descuidó porque había emociones que no había resuelto. La comida, admite, fue una manera de cubrir aquello que dolía por dentro. “Tenía problemas emocionales que trataba de cubrir a través de la comida. En años de terapia y de un proceso de sanación, una cosa lleva a la otra: una sanación mental lleva a una sanación del cuerpo”, señala.

Pausa necesaria

Hoy, a los 77 años, dice sentirse orgulloso de sus avances. Asegura que sus niveles de colesterol, presión arterial y otros parámetros médicos se encuentran bien. Sin embargo, hay un problema en la columna que lo obligará a someterse a una cirugía el próximo año. La operación lo mantendrá ocho meses lejos del trabajo, algo que para él no será fácil.

“Tengo miedo porque tengo cinco stents en las arterias coronarias y un filtro en la vena cava inferior. La operación ofrece un riesgo no muy alto, pero sí considerable por la edad y demás. De eso soy consciente”, explica.

Regreso entrañable

Antes de entrar a la sala de operaciones, su agenda seguirá en movimiento. Entre sus próximos compromisos está su regreso al Perú para reencontrarse con el público en el Circo de la Chola Chabuca, donde esta temporada se presentará “El principito”. Será su tercera participación en el circo de Ernesto Pimentel.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por El Circo de la Chola Chabuca (@elcircodelacholachabuca)

“Estoy muy feliz de regresar. Para mí es refrendar el encanto que Perú tiene en mi corazón. Es un país al que conozco muy bien, he tenido la enorme fortuna de recorrerlo en gran parte y siempre lo digo: Perú no deja de sorprenderme”, cuenta.

Pero esta vez el regreso tiene también un valor simbólico. Vivar no llega únicamente como el actor detrás de personajes entrañables, sino como parte de una memoria compartida por varias generaciones. El circo, con su vocación familiar, parece un territorio natural para alguien que hizo de la risa una forma de encuentro.

Ese vínculo con el público convive con una decisión que marcó su carrera: no quedarse atrapado para siempre en Ñoño o en el Señor Barriga, aunque ambos sigan siendo parte inseparable de su historia. Vivar eligió buscar otros caminos, asumir otros personajes y convencer de nuevo a productores y públicos de que detrás de esas figuras queridas había un actor dispuesto a empezar otra vez.

“Perdí una parte muy importante, que era la ventaja de estar en una zona de confort, donde ya no tienes que preocuparte por conquistar a un público porque tienes todo el antecedente de la televisión”, reconoce. Pero esa pérdida, dice, fue relativa. Al otro lado encontró algo más valioso: confianza.

Ingenio eterno

Esa confianza también nació de los años compartidos con Roberto Gómez Bolaños, un nombre que vuelve inevitablemente a la conversación cuando Vivar habla de su carrera. Lo conoció de cerca, trabajó con él durante años y también ha visto cómo, con el paso del tiempo, su figura ha sido contada, revisada y discutida desde distintos lugares.

Para él, la mayor verdad sobre Chespirito no está en la idea del genio inalcanzable, sino en algo más humano.

“Como todos los seres humanos, tenía un aspecto luminoso y otro que no lo era tanto. Era un hombre muy inteligente que supo hacer lo que hacía y lo hizo muy bien. Sabía escuchar y, a pesar de su enorme bagaje cultural, no era una persona arrogante. No trataba de imponerse demostrando que sabía mucho. Eso habla de un alma humilde. Roberto fue un hombre muy humilde”.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Ernesto Pimentel (@lacholachabuca)

También destaca su ingenio, sobre todo en los primeros años de “El Chavo del 8”, cuando el programa todavía empezaba a construir el lenguaje que después viajaría por México, Centroamérica, Sudamérica y otros lugares del mundo. Con el tiempo, reconoce, la fórmula pudo volverse reiterativa, pero el fenómeno ya había quedado instalado en la memoria popular.

Universo Chespirito

Esa memoria colectiva, convertida ya en patrimonio afectivo de varias generaciones, volvió a él con fuerza cuando participó como asesor en la bioserie sobre Chespirito. Vivar aclara que la producción no busca imponerse como una verdad absoluta sobre Roberto Gómez Bolaños, sino como una ficción inspirada en hechos reales y narrada desde la mirada de sus hijos.

Aun así, enfrentarse de nuevo a ese universo lo removió. No fue durante la grabación de su propia escena, sino al llegar al estudio y encontrarse con la réplica de la vecindad. Ver nuevamente ese espacio, y luego al actor caracterizado como Roberto Gómez Bolaños, lo sacudió. “Fue muy impactante. Me sacudió, de veras me sacudió”, recuerda. Se sentó, dice, porque algo dentro de él se removió.

Si pudiera sentarse una hora más con Roberto, asegura que no habría grandes cuentas pendientes. Su amistad funcionaba de otra manera. No necesitaba una frecuencia constante para mantenerse viva.

“Era como poner pausa a una música y luego regresar, quitar la pausa y continuar exactamente donde se había quedado”, dice. Hablaban de biografías, de personajes históricos, de vidas célebres marcadas por aciertos, omisiones y errores. También de acertijos y juegos de palabras.

Édgar Vivar ha vivido entre personajes enormes, burlas que marcaron, escenarios que lo reinventaron y afectos que todavía lo esperan. No reniega del Señor Barriga ni de Ñoño; los lleva consigo, pero no se queda encerrado en ellos. A los 77 años, antes de una cirugía que lo obligará a detenerse, sigue viajando, trabajando y buscando nuevas formas de encontrarse con el público.

Una de esas paradas será Lima. Volverá al Perú con el circo de Ernesto Pimentel, con “El principito”, con la memoria de generaciones que crecieron viéndolo en pantalla y con una gratitud que no intenta adornar demasiado. “Ojalá hubiera una palabra mucho mejor que gracias”, dice. Luego encuentra una frase simple, pero suficiente: “El Perú está en mi corazón”.

La fama de Lionel Messi trasciende los campos del Mundial 2026 y su popularidad es tanta que ni el mismo Spider-Man puede evitar emocionarse al conocerlo. Tal y como sucede en un nuevo video promocional de la película “Spider-Man: Brand New Day”, protagonizada por Tom Holland.

A través de un video promocional compartido en redes sociales, se muestra a las dos grandes estrellas unirse. En primer plano aparece Tom Holland, quien interpreta a ‘Peter Parker’ mientras intenta pasar desapercibido en una tienda. Sin embargo, la tranquilidad se rompe con la llegada de Lionel Messi, quien aparece siguiendo el rastro del superhéroe mediante una aplicación llamada “Spidey Tracker”.

“Eres Messi”, pregunta (en inglés) ‘Peter Parker’. A lo que sorprendido Messi responde “Si”. Al continuar la conversación Peter comenta: “¿Qué haces aquí?”, donde el futbolista contesta que está buscando a ‘Spider-Man’.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Spider-Man (@spidermanmovie)

La conversación de ambos se dio es sus respectivos idiomas, lo curioso fue cuando ‘Peter Parker’ (Tom Holland) hace gala de su versatilidad y dice: “Espera aquí”, en español.

Luego de un breve y divertido encuentro, el futbolista termina acompañando a Spider-Man en un espectacular recorrido por los cielos de Nueva York, al mismo estilo de cuando Peter se balanceaba con MJ.

Esta nueva promoción aumenta el hype por la cinta del héroe arácnido. Cabe destacar que el video concluye con el anuncio del estreno de “Spider-Man: Brand New Day”, previsto para su estreno en cines el próximo 29 de julio.

De esta manera, muchos seguidores de ambas estrellas han calificado el encuentro de los famosos como la reunión de la ‘araña’ y la ‘cabra’, hecho que ha sido muy comentado en redes sociales.

A lo largo de tres siglos, se han escrito diversas óperas en Europa sobre temas peruanos. Algunas han tomado como fuente el Incanato o la conquista, mientras que otras se han basado en aspectos de la vida cortesana del virreinato. En su mayoría, los argumentos fueron redactados sin mayor rigor ni fidelidad a la veracidad histórica. Son, más bien, documentos que reflejan la visión europea sobre el Perú, un territorio asociado a menudo a la leyenda.

La más célebre de estas obras es Alzira, compuesta por Giuseppe Verdi, con libreto de Salvatore Cammarano, basada en la tragedia teatral Alzire, ou les Américains de Voltaire. Su estreno tuvo lugar en el Teatro San Carlo de Nápoles el 12 de agosto de 1845. Lastimosamente, no tuvo mayor aceptación en Roma ni en Milán. Los registros de prensa de la época afirman que fue recibida con indiferencia a pesar del mérito de sus intérpretes: la renombrada Eugenia Todolini, el tenor Gaetano Franchini y el barítono Filippo Coletti. Sobre esta ópera, de historia accidentada, Verdi reconoció sus defectos, llegando a confesar en su correspondencia que era “realmente fea”.

Sin embargo, el fracaso no alejó al compositor italiano de la temática amerindia. El historiador argentino Adolfo Saldías refiere haber oído de boca del escritor y expresidente Domingo Faustino Sarmiento que, durante su destierro en Italia, el mariscal Andrés de Santa Cruz —responsable de la Confederación Perú-Boliviana— trabó relación con Verdi al hospedarse en el mismo hotel. Según el relato, el músico habría escuchado los yaravíes que el militar boliviano tocaba en su guitarra, anotándolos para incorporarlos posteriormente en “La traviata” (1853), aunque esta obra también resultara inicialmente un fracaso rotundo.

Alzira llegó a nuestras costas poco tiempo después. Se estrenó en el Teatro Principal de Lima el 20 de enero de 1850.

La pasta de un Inca

Por otro lado, la ópera Atahualpa es un drama lírico en cuatro actos con música de Carlo Enrico Pasta y libreto de Antonio Ghislanzoni. Fue creada en Génova y estrenada en el Teatro Paganini el 23 de noviembre de 1875. A Lima llegó al Teatro Principal el 11 de enero de 1877, interpretada por la soprano Blanca Montesini (Cora) y Giovanni Carbone (Atahualpa), bajo la dirección de orquesta de Francesco Rosa. Ghislanzoni, libretista de la Aida de Verdi, puso en escena a la nobleza incaica junto a soldados, frailes, indios y sacerdotisas.

La obra inicia con una evidente licencia histórica: en el libreto, Pizarro llega primero al Cuzco. Sus soldados, desairados por no haber sido beneficiados con el oro obtenido intentan regresar a España, pero el conquistador y el padre Valverde aplacan sus exigencias. Soto, tras cumplir una comisión negociadora, regresa con los tesoros enviados por el Inca, lo que motiva a los españoles a partir hacia Cajamarca.

Ya en el campamento, Soto conoce a Cora, sobrina del monarca, quien se enamora de él y lo salva de ser asesinado por los sacerdotes del imperio. Atahualpa encarga a Soto transmitir a Pizarro su deseo de recibirlo en la plaza. Tres días después, Valverde sale al encuentro del hijo del Sol, Biblia en mano. Cuando el Inca arroje al suelo los evangelios, se desatará la sangrienta lucha.

Tras ser apresado, Atahualpa rechaza las súplicas de Cora para que renuncie a sus creencias a cambio de su vida. Instada por los conquistadores, ella organiza al pueblo para reunir el gran tesoro del rescate; sin embargo, una vez entregado, el soberano es ajusticiado. La obra de Pasta concluye con el dolor popular y la maldición de Cora al sufrir las consecuencias de su amor prohibido.

Para Miguel Molinari, gerente de Cultura de la Municipalidad de Lima, Atahualpa —obra de estilo verdiano cantada en italiano— es un estreno que se espera con expectativa. “Se trata de una ópera escrita por un compositor italiano que vivió en el Perú. Contemporáneo de Verdi, Carlo Enrico Pasta radicó en nuestro país entre 1855 y 1872, y que a su regreso a Italia, quiso regalarle al Perú una ópera. Para ello, basándose en un texto teatral de Carlos Augusto Salaverry, escogió a Atahualpa, Inca que se convertiría en un personaje ancla para muchas corrientes artísticas, desde la pintura académica de Luis Montero hasta las obras del indigenismo”, explica.

Buscando a un Inca

En el Teatro Municipal de Lima, Atahualpa se presenta los días 3, 5 y 8 de julio con un reparto compuesto por Francesco Samuele Venuti (el Inca), Sabrina Gárdez (Cora), Matteo Roma (Soto), Giuseppe de Luca (Pizarro), Gianluca Margheri (Valverde), Alejandro Sánchez (Fernando), Juan Colmenares (Explorador) y Elizabeth Guerrero (Ancella). La dirección musical está a cargo de Andrea Poti y la puesta en escena es de Alejandro Chacón, con la participación de la Orquesta Sinfónica del Municipal y las voces del Coro Nacional del Perú.

Para Molinari, un aspecto fascinante de Atahualpa es el vínculo estrecho con el Perú plasmado en su escena final. “Cuando Cora, convertida al cristianismo y casada con Soto, comprende que han matado al Inca traicionando los acuerdos, decide quitarse la vida. En su agonía, visualiza un futuro de libertad. Es en ese momento cuando suenan las notas del Himno Nacional del Perú como un motivo dentro de la ópera, transformándose en un estudio orquestal como gran final”, añade.

La política, la historieta y el fútbol en el año 1962 era cosa de hombres. Muy poco tiempo atrás recién en Perú al menos las mujeres que sabían leer y escribir consiguieron poder votar. Y no todo el mundo estaba de acuerdo. Al otro extremo, el fútbol era el deporte masculino más popular en el mundo entero, con miles de seguidores, pero su presencia en el cómic había demorado tanto como el voto de la mujer en el Perú. Llegó recién en la década de 1950, cuando el deporte también se recuperaba de la Segunda Guerra Mundial. En Inglaterra apareció “Roy of the Rovers” (1954) y en Chile “Barrabases” (1954), revista que para cuando se celebró el mundial de Chile el año 1962, ya se había convertido en un tratado futbolístico que incluía desde clases de fútbol hasta fotonovela. Por supuesto Condorito también celebró. Ese es el momento en el que surge el compromiso de Súper Cholo con los campeonatos interplantearios que continuarán a lo largo de la historia de la tan querida historieta peruana, en la que el fútbol forma parte de su identidad. Tiempo después en la década de 1970, aparecerían historietas en serie en el resto del continente, como “Dick, el Astillero” (1971) en Argentina y en Brasil “Pelezinho” (1976).

El primer Campeonato Interplanetario de fútbol de Súper Cholo se da en medio de dos acontecimientos que sin duda influyeron en su creación el año 1962: el Mundial de Fútbol chileno y las Elecciones Generales del Perú. El Mundial se había realizado con gran esfuerzo después del terremoto más fuerte de la historia que ocurrió en el sur chileno en 1960. El Perú no había conseguido clasificar. La hinchada estaba dolida, pues habíamos perdido frente a un equipo colombiano recién formado. A la par, las Elecciones Generales del Perú que se estaban realizando por las mismas fechas del Mundial, fueron anuladas. Como el temido Partido Aprista con Víctor Raúl Haya de la Torre, sin duda iba a ganar la presidencia, los militares peruanos, presionados por Estados Unidos, comenzaron a anunciar el hallazgo de pruebas de un fraude electoral, así lo cuenta Nelson Manrique. Seguro nos resulta familiar. El suceso culminó en un breve golpe de Estado para pacificar los levantamientos al sur del Perú y convocar a nuevas elecciones. El ejército también disolvió el parlamento vigente y desconoció los resultados electorales, que mostraban que había crecido el número de mujeres parlamentarias. Era la segunda vez que las mujeres postulábamos al parlamento. El número de diputadas fue el mismo, 6, pero ya no había una solitaria senadora, en esta ocasión serían 3. Casi el número del tamaño de un equipo.

Mientras tanto en las entregas semanales de El Comercio, el equipo venusiano fue presentado como el enemigo principal de saturninos, marcianos, neptunos y terrícolas. De nada servía que los jupiterios tuvieran 2 pies y fueran los más veloces. Los saturninos, al ver cómo las venusianas habían vencido ridiculizando a los neptunos, fugaron a su planeta levantando la furia de los espectadores. Solo los terrícolas podrán contra ellas. Y fue gracias al concurso al que convocaba Súper Cholo. La historieta venía acompañada del sorteo de un uniforme completo con zapatillas y pelota para los lectores. Pero en el cómic, con el mismo cupón donde se escogían a los mejores jugadores del mundo, también los niños podían participar con un sorteo en el que el ganador sería llevado al Interplanetario en una nave espacial junto con el equipo. El equipo terrícola estaba conformado por brasileros entre quienes estaba Pelé (que no pudo ir al Mundial de Chile en la vida real), jugadores argentinos y un ruso. También formaban parte de este gran equipo dos peruanos, aquellos que jugaban en Argentina en aquel entonces. Uno era el linceño Victor “Conejo” Benitez y el otro, el iquiteño Manuel Loayza. En la historieta, la selección era vista con mucho desprecio por los demás equipos planetarios, por carecer de super poderes. Su talento era el fútbol puro. En el extremo opuesto, las más poderosas eran las venusianas: hipnotizan a los jugadores de tal manera que se podían creer un árbol o un animal y así ellas podían jugar mientras los demás quedaban en ridículo. Así conseguían cantidades impensables de goles. Fue tan fuerte el impacto que al ver cómo goleaban a los jugadores marinos de Neptuno, los cabezones saturninos dibujados con un singular y fálico sombrero, salieron disparados a su planeta.

Súper Cholo, dispuesto a resolver las cosas, enviará a Coco a la Galaxia 21 para que un científico que apareció de sorpresa para proteger a los terrícolas le entregue la solución contra el poder que tienen las venusianas. Fue todo un suspenso porque Coco no conseguía por problemas de tecnología regresar al Interplanetario. Finalmente, llega con una caja enorme con unos anteojos capaces de combatir su poder hipnotizante de las venusianas. Se consigue el triunfo que tanto había anhelado Coco, quien no comprendía cómo podían haber llegado tan lejos, siendo mujeres. Triunfan los terrícolas y además ganan la admiración de los demás equipos de cabezas y agallas poderosas.

Un año después de publicado el Campeonato, en las elecciones de 1963, sólo dos mujeres consiguieron ser diputadas en el Congreso peruano. Como bien dijo Coco, “a esas les gana hasta el “infantil” de mi colegio… y sería por GOLEADA!!”. Pero después de una dictadura, una nueva Constitución y un retorno a la democracia, la presencia de las mujeres creció muchísimo y en 1980 la defensa de sus derechos consiguió ingresar a la dinámica del gobierno nacional. Si leen los siguientes campeonatos de Súper Cholo, lo podrán notar.

Comencemos con una paradoja. En la década del 20, poco después de fundarse la Escuela de Bellas Artes en 1919, había más alumnas que alumnos. Sin embargo, dentro del activo movimiento cultural local, las mujeres brillaban por su ausencia. En efecto, como explica el investigador Luis Eduardo Wuffarden, los talleres de la escuela estaban repletos de señoritas de sociedad que estudiaban pintura, como una especie de formación humanista previa al matrimonio. Por entonces, a nadie sorprendía que aquellas estudiantes no tuvieran acceso a modelos masculinos. Para ellas solo posaban féminas más o menos recatadas.

“Pero Julia Codesido era un caso singular”, detalla Wuffarden, responsable junto con Ricardo Kusunoki de la muestra “Codesido” abierta esta semana en la sala principal del Museo de Arte de Lima (MALI). Venía de una familia de élite, con un padre diplomático y pintor amateur. Un patricio republicano cuya familia estaba estrechamente vinculada a los próceres independentistas. Esa posición le permitió muy joven conocer la Europa de la ‘belle époque’, cuando surgen las primeras manifestaciones del arte modernista.

No hay mucha información biográfica. Julia no escribió más que algunas cartas y tampoco daba muchas entrevistas. Afortunadamente, la mayoría de sus documentos, junto con su legado artístico y bibliográfico están protegidos por la Fundación Julia Codesido y Estenós, promovida por la PUCP, a la espera de nuevas lecturas. Lo que sí está claro es que tras beber de todo el espíritu liberal de la época, ella regresa a Lima, pasa por el taller del maestro Teófilo Castillo y luego ingresa a la escuela de Bellas Artes dirigida por Daniel Hernández, influencias ambas que se aprecian en sus primeros trabajos académicos. Al poco tiempo, conoce a José Sabogal, entonces profesor auxiliar de pintura. Es 1921, y pronto se verá la influencia que el padre del indigenismo tendría sobre muchos alumnos y, especialmente, sobre Julia. Así, la pintora abraza esta corriente pictórica y la hace suya. Sin embargo, sus trabajos se distinguen claramente de los del maestro y sus compañeros, mostrándose mucho más audaz. En la muestra abierta en el MALI, podemos ver dialogar las obras de Julia y sus contemporáneos: mientras el maestro Sabogal se muestra solemne en su visión del indígena, la artista nos ofrece una humanidad sensual, pícara, notablemente vital. Otro factor fundamental fue su vínculo con José Carlos Mariátegui, plasmado en su participación en “Amauta”, revista que sirve de plataforma para vincular el indigenismo con la efervescencia ideológica internacional.

Como enfatiza Wuffarden, se puede decir que Julia Codesido es la primera pintora profesional peruana. Muchas de sus compañeras de Bellas Artes se fueron casando y abandonando la profesión. Otras, como Elena de Izcue, se dedicaron al diseño. Carmen Saco fue absorbida por la militancia política. Y Teresa Carvallo, su gran compañera, se dedicó a la enseñanza, como también Leonor Vinatea. Julia Codesido vivió 95 años, y ese arco temporal abarca desde el academicismo de Hernández, el indigenismo, la abstracción, hasta las corrientes espiritualistas de los años setenta. “Todas esas fluctuaciones y matices que ella adoptó a lo largo del tiempo hacen que su legado se mantenga en plena vigencia”, afirma el curador.

Sentado frente a un piano francés de 1915, Patricio Suárez-Vértiz interpreta canciones de Elton John para el equipo de Somos. El hermoso instrumento de cola, adquirido de segunda mano hace algunos años, ocupa un lugar central en Disco Bar, el café que abrió hace un año en un sótano de San Isidro. No es la única pieza histórica en este espacio de acogedor aire clandestino. A su alrededor conviven rockolas antiguas, fotografías familiares, tornamesas vintage y una máquina italiana de espresso fabricada en 1955. Esta última es quizá su objeto favorito porque invirtió mucho en ponerla en funcionamiento. “Mi idea es que la gente entre, pueda comer, tomar y sentirse como en una cápsula del tiempo”, explica mientras reparte una ronda de espressos.

La necesidad de construir ese refugio apareció después de una seguidilla de pérdidas, cada una más dolorosa que la anterior. El primero en irse fue Pedro Suárez-Vértiz, su hermano mayor y compañero de aventuras musicales. Diez meses después falleció su madre. “Prácticamente yo ya no le encontraba sentido a la vida. Que se te vaya un hermano es bravo, pero después pasó lo de mi mamá... me pareció demasiado para poder soportarlo”. Hoy cree que ambos tuvieron algo que ver con la inesperada etapa que atraviesa al frente de Disco Bar, el proyecto que ocupa gran parte de sus días. “A veces parece que mi madre y mi hermano me bendijeron. Yo no sé cómo ocurrió todo esto”, dice mientras señala los distintos ambientes del local. “Simplemente se dio”.

Una pasión de vida

Patricio nació en una familia donde el arte era una cosa cotidiana. Su abuelo, Germán Suárez-Vértiz, fue un reconocido pintor. Su padre, Hernando, escultor. Y Pedro parecía tener un talento natural para cualquier instrumento que tocara. Patricio lo observaba siempre con atención. “Yo era su hermanito menor, admirando todo lo que él hacía”, recuerda. El bajo, el instrumento que Patricio domina, llegó gracias a un tío. Los Beatles llegaron después, impulsados por la conmoción mundial que siguió al asesinato de John Lennon en 1980. Aquella fascinación compartida terminaría moldeando el destino de ambos hermanos.

La fama apareció con Arena Hash y desapareció casi tan rápido. Cuando Pedro dejó la banda en 1993 para iniciar su carrera solista, los demás integrantes quedaron obligados a reinventarse. Patricio encontró una oportunidad. Durante un viaje a Miami descubrió la energía de la música disco y quedó fascinado. El rock de la época le sonaba demasiado melancólico; él, en cambio, quería hacer música para bailar. Así nació “Disco Bar”, el tema que le permitió construir una identidad propia lejos de Arena Hash. Pero el éxito no fue inmediato. “Recuerdo que la compuse en guitarra pensando en INXS. Y pasaron tres meses y no pasaba nada. Estaba endeudado”. La historia cambió cuando la canción empezó a sonar en las discotecas de ambiente de Lima. “Ellos la adoptaron. Ahí fue que empezó todo. Cuando vi cómo bailaban, no lo podía creer. De ahí saltó a las radios. Te digo: ‘Disco Bar’ hasta ahora me da de comer”.

Pero la industria musical suele ser inestable. Con el tiempo, pese a colocar algunos singles en la radio, la popularidad disminuyó y Patricio decidió probar suerte en Estados Unidos. No fue la aventura glamorosa que muchos imaginan. Hubo años de incertidumbre y trabajos ocasionales para mantenerse a flote. Uno de ellos consistía en tocar el piano en residencias para adultos mayores. Al principio era simple música de acompañamiento durante los almuerzos, las cenas o las partidas de bingo. Hasta que un día uno de los residentes se acercó con un pedido inesperado. “Hijito, ¿sería mucho pedirte que la próxima vez cantes una de Frank Sinatra?”.

Patricio aceptó el reto. La semana siguiente regresó con pistas musicales y una sorpresa. “De pronto me salió una voz que no sabía que tenía”, cuenta. A partir de entonces, dejó de ser únicamente el pianista del lugar y comenzó a desarrollar la faceta que hoy mejor lo define: la de ‘showman’. Llegaba vestido para la ocasión, con grandes anillos en los dedos, el cabello engominado y el porte de una vieja estrella de rock, mientras interpretaba canciones de Sinatra, Elvis Presley y otros clásicos. Cada presentación en aquel hogar de reposo era un espectáculo. Para otros músicos, aquello podría haber parecido un destino menor; para él era un privilegio. “Yo sentía que a esos viejitos nadie les daba un show”, recuerda.

Ese episodio ayuda a entender quién es realmente Patricio Suárez-Vértiz. Más allá de la fama, siempre ha sido un performer. Alguien que necesita subirse a un escenario, sin importar su tamaño. “Parte de descubrir tu talento también es lanzarte”, dice. “Tienes que lanzarte. Si no te lanzas, no pasa nada”. Esa filosofía parece haber guiado cada una de sus reinvenciones: el bajista de Arena Hash, el cantante de “Disco Bar”, el ‘showman’ y el anfitrión que hoy recibe al público en su propio refugio musical. Una vez al mes se sienta frente al piano de Disco Bar para interpretar canciones de los Beatles, Elton John o Charly García. La gente canta y acompaña el repertorio. Él observa la escena desde la tarima. Después de años de éxitos y caídas, parece haber encontrado un lugar donde todas las etapas de su vida conviven con naturalidad. //

Desde siempre, tus amigos han bromeado sobre tu terquedad. Cuando una idea te obsesiona, te aferras al asunto, te exaltas y no sueltas el mordisco. Poco ágil en las conversaciones saltarinas y ligeras, insistes en ahondar machaconamente y ser escuchada hasta la última minúscula matización. Necesitas vencer y convencer. Llegué, vi, insistí. Cuentan que Churchill –autor del mayor glosario de citas probablemente ficticias– afirmó: «Un fanático es alguien que no puede cambiar de mentalidad y no quiere cambiar de tema». Te asalta una hipótesis incómoda: quien sufre este arrebato intransigente no se da cuenta. Quizá ni siquiera tú misma.

“Fanático” deriva del latín fanum, que significaba “santuario” o “templo”. En la antigüedad llamaban así a los sacerdotes del culto de Belona o Cibeles, cuyos ritos resultaban excéntricos y frenéticos para los creyentes paganos. Desde el principio, integrista siempre es alguien de otro credo. El escritor Amos Oz se consideraba –con saludable ironía– un experto en fanatismo comparado. Sostenía que el peligro no solo acecha en las manifestaciones colectivas de fervor ciego, entre esas multitudes que agitan sus puños mientras gritan eslóganes en lenguas que no entendemos. No, el fanatismo también se expresa con modales silenciosos y un barniz civilizado. Está presente en nuestro entorno y tal vez seamos víctimas de su temida infección.

El fenómeno fan se ha incorporado a la vida cotidiana a través de la música y el deporte. Son sus manifestaciones más leves –aludidas con solo las tres primeras letras de la palabra–, aunque a veces también se desmadran. En la antigua Roma algunos devastadores motines empezaron como reyertas en los juegos de gladiadores o en el circo, entre partidarios de las distintas facciones deportivas.

El fanatismo nace de la necesidad –profundamente humana– de pertenecer a algún grupo, equipo o colectivo. Por desgracia, ese anhelo suele derivar en el rechazo a quienes no forman parte de nuestro núcleo, hasta el punto de querer cambiar a los demás, o expulsarlos. Estas actitudes comienzan en casa, en esa tendencia tan común de mejorar al vecino, de enmendar al cónyuge, de hacer ingeniero al niño o enderezar al hermano, en vez de dejarlos tranquilos. El fanático quiere salvarte, redimirte, mejorar tus hábitos. Se desvive por ti, te alecciona. En uno de sus discursos fundacionales de la democracia ateniense, Pericles formuló una idea novedosa para construir comunidades donde nadie sea despreciado: “En el trato cotidiano, no nos enfadamos con el prójimo si hace su gusto, ni ponemos mala cara”. En cada caso y en cada casa, antes de intentar modelar al otro o darle la espalda, recordemos el deseo universal de vivir a nuestro aire.

El romano Luciano de Samósata escribió en el siglo II un irresistible repertorio de obras satíricas donde parodia a los filósofos por sus feroces enemistades, su rigidez y su habilidad para olvidar sus propias faltas cuando pontifican. Con sus bromas certeras denuncia que hasta los sabios se embarran de autoritarismo. Podemos volvernos fanáticos de todo, incluso del diálogo y el respeto. Con frecuencia, quien empieza predicando la tolerancia termina apedreando verbalmente a los diferentes. En nuestras ágoras mediáticas, abundan los fanáticos antifanáticos y los cruzados antifundamentalistas.

Contra este trastorno, previene Oz en su ensayo Contra el fanatismo, no hay tratamiento de eficacia probada. Nos pueden ayudar el arte y la ficción, que abren la mirada a otras mentes y fomentan cambios de perspectiva. Incluso si alguien está absolutamente en lo cierto y el otro vive en el error, sigue siendo útil ponerse en el lugar de los demás. Aprender a mirarnos como nos ven. Asumir que, cuando nos sentimos cargados de razones, nos volvemos insoportables. Peligrosos pomposos. A la larga, es más fácil convivir si actuamos con menos inclemencia, nos reímos de nuestra solemnidad y empatizamos con el prójimo. En un arrebato de locura, incluso podríamos llegar a considerar como posibilidad que –tal vez– estemos equivocados –un poco–. Por supuesto, eso es imposible, puro delirio, pero resulta preferible caer en un exceso fantástico que fanático.

Directores de las principales salas teatrales de la región participaron en Lima en la XXIX Conferencia Anual de Ópera Latinoamérica (OLA), una cita para reflexionar sobre la cooperación y la sostenibilidad del arte lírico en la región. Ellos responden las preguntas de El Dominical.

Estas son las cuatro preguntas que les formulamos a los especialistas:

1. ¿De qué manera la OLA intenta redefinir la experiencia teatral para los jóvenes? ¿Cómo formar nuevas audiencias para la ópera?
2. En un contexto de alta polarización social, ¿cómo pueden los teatros y festivales líricos convertirse en espacios de encuentro?
3. Al ser la primera vez que esta conferencia se realiza en Lima, ¿se proyecta alguna colaboración con producciones y circulación artística en el Perú en los próximos años?
4. ¿Cómo evitar que estas instituciones, más que lugares de peregrinación turística, resulten catalizadores de la cultura viva en los centros urbanos?

1. Lo primero es dejar de pensar que las nuevas audiencias son un problema y empezar a verlas como una oportunidad. Los jóvenes no están lejos de la ópera porque les falte sensibilidad; muchas veces están lejos porque las instituciones no logramos tender los puentes. La ópera no necesita volverse otra cosa para hablarle a las nuevas generaciones. Necesita abrir mejor sus puertas, contar mejor sus historias y crear primeras experiencias significativas. Desde OLA, el desafío es compartir experiencias entre teatros, aprender de los programas educativos que funcionan, generar políticas de acceso, trabajar con escuelas, universidades, jóvenes artistas y plataformas digitales. Formar públicos no es solamente vender entradas más baratas. Es construir vínculo, pertenencia y deseo.

2. Los teatros tienen una potencia muy particular: nos reúnen en un mismo espacio para escuchar juntos. En tiempos donde todo parece fragmentarse, donde cada uno consume contenidos desde su propia burbuja, el teatro sigue proponiendo una experiencia colectiva, presencial, compartida. Eso ya es, en sí mismo, un acto profundamente democrático.

3. Sin duda. Que OLA se realice por primera vez en Lima es una señal muy importante. El Perú tiene una tradición cultural inmensa, una escena artística vibrante y un público con enorme potencial. La presencia de la red en Lima debe servir no solo para conversar, sino para activar proyectos concretos. Desde el Teatro Colón tenemos un gran interés en facilitar y profundizar la circulación regional. De hecho, estamos trabajando con Miguel Molinari para que producciones nuestras puedan presentarse en Lima, como “Cavalleria rusticana” y “Pagliacci”. Pero la mirada no debe limitarse a traer producciones ya realizadas. También debemos pensar en coproducciones, intercambio de artistas, cooperación técnica, formación, circulación de elencos y construcción de agendas comunes.

4. El riesgo existe. Muchos grandes teatros son edificios tan hermosos que pueden convertirse en monumentos contemplados desde afuera. Pero un teatro no está vivo por su arquitectura, sino por lo que sucede adentro y por el diálogo con su comunidad. El patrimonio no debe ser una vitrina, debe ser una plataforma. Si solo se visita como joya arquitectónica, pierde sentido. Si convoca artistas, públicos, estudiantes, vecinos, trabajadores, turistas, jóvenes y comunidades diversas, entonces se convierte en motor cultural. El gran desafío de nuestros teatros históricos es no quedar atrapados en su propia grandeza.

1. El problema de las nuevas generaciones es global. Para captar nuevas audiencias es fundamental que los jóvenes asistan a un espectáculo en vivo. Porque lo que se vive en un teatro, en una representación de ópera, es algo único y mágico. La cercanía del público con los artistas y la percepción de la música y el canto en vivo, no tiene comparación con un video o una ópera vista a través de You Tube.

2. El arte y, en este caso, la música y la ópera específicamente, solo unen a la gente. No importa lo que piensen políticamente o que todos tengamos opiniones divergentes en diversos temas. Cuando nos asombramos frente a una melodía de Puccini, Verdi o Rossini, eso une. Siempre se puede discutir acerca de una interpretación, un cantante o una puesta en escena. Pero eso es algo positivo. No se discute de política sino en torno a una obra musical o a una puesta en escena. En torno a la música o a algún cantante. Ver cantar a Juan Diego Flórez, por ejemplo, solo produce deleite y admiración. Por su elegancia musical, su voz preciosa y su modo de cantar. Ello produce admiración en todos, lejos de cualquiera discusión política.

3. Las colaboraciones entre teatros latinoamericanos y españoles son de la máxima importancia. Las coproducciones entre ellos y la circulación de producciones entre los distintos teatros latinos son uno de los ejes fundamentales de OLA. Hay que retomar la senda de los intercambios y hacer nuevas producciones de óperas que recorran Latinoamérica: Buenos Aires, Brasil, Colombia, Santiago, Lima y Uruguay han manifestado su gran interés en coproducir y hacer circular los títulos de ópera que se hagan en el futuro. Próximamente se verá en Lima la producción de “Cavalleria Rusticana” y “Pagliacci”, de Hugo de Ana, que inauguró la temporada 2026 del Teatro Colón.

4. Todos estos teatros que son joyas arquitectónicas y monumentos nacionales en la mayoría de los casos, tienen que abrir sus puertas a diversas actividades musicales: la ópera para comenzar, luego el ballet, clásico o moderno, los conciertos sinfónicos, la música de cámara, los recitales de piano son todas actividades que tienen su propia magia y atractivo. Y deben presentarse alternadamente en estos teatros joyas. Entrar a estos inmuebles históricos y apreciar una actividad artística en vivo es algo que no tiene precio. Solo hay que darle la oportunidad al público de asistir.

1. Todas las artes vivas deben revisar de manera permanente su compromiso con los nuevos públicos, lo que significa actualizar lo que deba actualizarse –márketing y comunicación por ejemplo–, sumar las nuevas tendencias –redes sociales en general– hasta la programación en sí misma. Ser atractivos para los nuevos públicos hoy es mucho más complejo que hace algunos años, porque el público, casi de todas las edades, es más infiel, cambiante, libre en sus elecciones. La ópera es uno más de otros espectáculos a los que se puede ir. Y eso, me parece crucial que lo entendamos quienes estamos en el mundo de la ópera: no basta con que sepamos que la ópera es un arte magnífico. Tampoco podemos ignorar hechos como, por ejemplo, que hay una profunda crisis en la educación, la irrupción de la tecnología con sus efectos (concentración, bombardeo de imágenes, etc.). Por eso, el rol de la familia también es esencial: en familia ir a diferentes espectáculos y a vivir diferentes experiencias es esencial; conversar sobre lo que se ha visto. Significar la experiencia. La familia puede jugar un rol crucial en crear un nuevo público.

2. Espontáneamente es lo que son: espacios de encuentro transversal, de públicos diversos y amplios que convocan a vivir una experiencia emocional, en la que todos conectamos. Es necesario también reforzar el mensaje respecto de que la ópera y las artes vivas en general son grandes espectáculos que hablan de los problemas actuales, que emocionan, donde vemos historias y personajes con los que podemos identificarnos. Y que les hablan a todas las personas.

3. La colaboración está siempre presente. Es cierto que no ha sido tan frecuente en los últimos años, pero espero que este renacer de la ópera en Lima impulse más producciones conjuntas. Debo decir, en todo caso, que en estos últimos dos años hemos fortalecido el esfuerzo conjunto para traer a grandes cantantes a recitales a nuestros teatros, a Latinoamérica. El 2025 fue prolífico en la materia, y este 2026 vamos muy bien. Si Lima, Santiago, Sao Paulo y Buenos Aires forman parte de la gira, todo es mucho más viable.

4. Con una propuesta de contenido atractivo, dinámica, actual, que hable a un público diverso y siempre con calidad. Para lograrlo, se necesita el apoyo del mundo público y privado, porque sin un presupuesto estable en el tiempo, difícilmente se puede desarrollar una labor ambiciosa y efectiva que permita sumar al desarrollo social y a la educación de nuestra sociedad a través de las artes que cultivamos.

1. Este tema se aborda en cada encuentro que tenemos, afortunadamente todas las instituciones somos consciente de que tenemos que invertir desde la infancia y juventud en proyectos que sirvan para iniciar a los más pequeños en el mundo de la lírica. Creo que no hay atajos ni soluciones milagrosas, educación, divulgación, mucha pedagogía.

2. Los teatros son cada vez más necesarios para hacer comunidad, para vivir experiencias emocionales juntos. Creo que no somos aún del todo conscientes del poder democrático y ciudadano de nuestras instituciones. Jugamos y jugaremos un papel muy necesario en el futuro para incluso paliar esta polarización. El teatro desde su nacimiento nos ha servido para contarnos las historias sobre las que necesitábamos reflexionar. La lírica es teatro con música.

3. Lima se ha incorporado a la red OLA con una energía y una gran conciencia de la necesidad de la cooperación. Concretamente, con el Teatro de la Zarzuela ya hemos realizado dos convenios de colaboración para traer producciones a Lima. Y esperamos seguir en esta línea.

4. Con una oferta lírica que conecte con la ciudadanía. Tenemos una gran arma: teatro, o sea, historias que nos tocan, con música excelente, artistas con un nivel increíble y montajes mágicos. Cada producción lírica implica el trabajo de casi 200 personas. Generar interés por lo que ofrecemos es el desafío.

Como si fuera una casa de campo detenida en el tiempo, permanece en pie el hogar donde pasó décadas de su vida la artista peruana Julia Codesido (1883-1979), en la avenida Paso de los Andes, en Pueblo Libre. No cabe duda de que se diseñó pensando en las principales necesidades de una pintora: grandes ventanas que permiten el ingreso de la luz natural, además de techos amplios. Es una casa rodeada de jardines donde sucedían las jaranas criollas y se escuchaban géneros como el tango y el jazz. La vida social era activa, pero al llegar la medianoche todos sabían que debían partir. Codesido tenía una huerta y bellos árboles de nísperos y pacaes que ella misma plantaba. Además, desde el ingreso, se ve un iluminado zaguán donde la artista recibía a sus amistades antes de pasar a la sala o al comedor. Con estas disposiciones fue trazada la casa de Codesido por su maestro y amigo José Sabogal, el mayor representante de la plástica indigenista.

“Sabogal diseña la casa como si fuese parte de una pintura. La ves por diferentes lados, es como una casita de campo que él hubiese pintado. El diseño está concebido para que el corazón de la casa sea el taller, donde se tiene la mejor luz. Aquí recibía la luz fría de la mañana y ella pintaba durante prácticamente todo el día. Inclusive era el lugar donde hacía la siesta”, nos cuenta Marilú Ponte, directora de Asuntos Culturales de la PUCP, institución que preside la Fundación Julia Codesido y Estenós desde el año 2004.

El taller es un amplio salón donde encontramos en estos días a las especialistas encargadas del cuidado y organización del fondo artístico, documental y bibliográfico de Codesido. Aquí vemos su antiguo diván. Lo ubicaba al centro del estudio y sobre él se recostaba al terminar de pintar, observaba el trabajo avanzado, descansaba y continuaba su labor. Aún se conserva el caballete, sus pinceles y pigmentos.

El terreno para la construcción de la casa se compró en 1942 y se terminó de levantar en 1957. Debe ser una de las pocas casas de una sola planta que se conservan tal cual se hicieron en la época. Al salón principal le sigue un sobrio comedor sin mucho aspaviento. En su habitación está su cama con el mismo colchón y cobijas usadas por ella. En toda esta gran galería de arte que es su hogar, Codesido designó un espacio al que llamó “galería”, donde colgó sus pinturas y las de su papá. Toda la familia pintó, pero solo ella estudió arte como profesión. Lo hizo tardíamente, sobre los 35 años, al regresar de vivir en Europa, en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Allí abrazó el indigenismo y, posteriormente, desarrolló su propio estilo.

Recorriendo sus salones, pasadizos y rincones, vemos los objetos personales de Julia Codesido. Los retratos familiares, las pinturas hechas por su padre, una vajilla quizá heredada, pequeñas esculturas (entre ellas identificamos una de la escultora boliviana Marina Núñez del Prado, su gran amiga), sillones, muebles, repisas, libros, así como parte de su colección de arte popular ayudan a recrear su cotidianidad. “Lo característico es que pertenece a un grupo de mujeres artistas como Carmen Saco y Teresa Carvallo, que eligen la profesión del arte por sobre el rol típico de la mujer de la época. Ninguna de las tres fue madre. Son de una generación de vanguardia, decididas a dedicarse al arte”, comenta Ponte. Y esta pasión se percibe en este recinto donde la artista se dedicó exclusivamente a pintar, siempre muy consciente de su entorno, por ello muchos investigadores analizan sus archivos para reconstruir su contexto.

Un año antes de su muerte, Julia Codesido crea la fundación con el objetivo de preservar su casa, su obra y promover el arte entre más personas. “El reto actual es poner en valor la vivienda”, comenta Marilú. Para ello, la PUCP, a cargo de la Fundación Julia Codesido, invita al empresariado y a las personas con afinidad por el arte, la conservación y su difusión a brindar su apoyo para que el inmueble y la obra de Codesido estén abiertos al estudio y al conocimiento de la comunidad. “Quisiéramos convertir la casa en parte del circuito cultural, musealizarla y acercarla a la investigación. Podría ser un espacio muy importante en Pueblo Libre”, agrega Ponte. ¿Por qué no pensar la casa de Codesido como la de Frida Kahlo en México?

En el MALI

Algunas de sus pinturas se mantienen sobre las paredes del inmueble, pero la mayoría ha sido trasladada al Museo de Arte de Lima, donde permanecerán hasta noviembre en la exposición “Codesido”. Se han reunido 150 piezas entre pinturas, grabados, archivos y su colección de arte popular. “A ella se la cataloga casi siempre como pintora indigenista, pero creo que la muestra da a conocer a una pintora que dialoga con otras tendencias, como el arte abstracto. Es una mujer que está atenta a lo que sucede en el mundo. No se niega al diálogo, siempre desde su punto de vista personal”, nos comenta Luis Eduardo Wuffarden, quien curó la muestra junto a Ricardo Kusunoki.

En ella, se podrá entender y reconocer el pensamiento de Julia Codesido a lo largo del tiempo. Afortunadamente, fue una artista longeva, por lo que dejó mucha obra con personajes peruanos de regiones andinas, amazónicas y costeñas. Una mirada del Perú como solo ella pudo entender. //

Cada año, cuando se acercan las Fiestas Patrias, cientos de artistas comienzan a ocupar plazas, explanadas y grandes carpas a lo largo del país. Es precisamente en ese contexto donde busca instalarse Pulso – Festival Internacional de Circo del Perú, un encuentro que, del 10 al 13 de julio, abrirá la temporada reuniendo en Lima a artistas de más de veinte países.

La historia del festival comenzó lejos de las pistas. En febrero de 2019, durante el Circus Market de Girona, en España, sus organizadores anunciaron por primera vez la creación de un festival internacional de circo en el Perú. Meses después llegaron los Juegos Panamericanos; luego, la pandemia. El proyecto tuvo que esperar. Volvió a anunciarse en 2020 y volvió a detenerse. Recién el año pasado logró concretar su primera edición.

La edición de este año se desarrollará en el Convexia Expo Center del Jockey y tendrá como eje central una competencia internacional dividida en los espectáculos Blanco y Rojo. Los actos mejor calificados avanzarán a la Gala Dorada, donde se entregará el Pulso de Oro, según criterio de un jurado de especialistas. A ello se sumarán clases maestras, exposiciones, conferencias y espacios de encuentro para artistas y profesionales del sector.

Sobre la pista competirán artistas procedentes de América, Europa y Asia. Entre ellos figuran el peruano Adrián Grande, referente nacional del trapecio; el chileno Gino Valentino, conocido por sus trabajos de contorsión extrema; el brasileño Alan Silva, integrante de Cirque du Soleil durante más de 17 años; la familia mexicana The Flying Caballero; la dupla aérea Ambra & Yves, de Italia y España; además de compañías provenientes de China, Rusia, Hungría, Uzbekistán y Mongolia.

“Para un festival internacional no basta con reunir muchos artistas. Tiene que haber diversidad, un jurado de alto nivel y actos por encima del estándar habitual. Esas son las condiciones que distinguen a los grandes festivales”, explica María Teresa Chirinos, directora general del encuentro.

Un año especial

La noticia más llamativa de esta edición comenzó a tomar forma varios meses después del cierre de Pulso 2025. Entre los integrantes del jurado de aquella primera edición figuraban representantes de Cirque du Soleil, quienes durante su estadía conocieron de cerca la propuesta del festival y la tradición circense peruana. Las conversaciones continuaron una vez terminado el evento.

Inicialmente, los organizadores buscaban incorporar uno de sus números dentro de la programación. Sin embargo, la respuesta tomó otro rumbo. “Nos llamaron y nos dijeron: ‘No es posible, pero queremos estar presentes de alguna manera’. Semanas después regresaron con una propuesta distinta: realizar el primer casting oficial de Cirque du Soleil en el Perú”, cuenta Chirinos. Las audiciones se realizarán el 13 de julio y estarán dirigidas por Samuel Roy, director de casting y soporte de espectáculos de la compañía.

El festival también reunirá a algunas de las figuras más reconocidas de la escena circense actual. Estará presente Bello Nock, de Estados Unidos, considerado una de las grandes leyendas del clown contemporáneo y poseedor de récords Guinness; el mongol Tulga, especialista en fuerza extrema; los Martínez Brothers, referentes mundiales de los juegos icarios; además de compañías como China National Acrobatic Troupe y Suining Acrobatic Troupe.

“Tener frente a quienes contratan artistas para los principales circos del mundo es una oportunidad gigantesca. Es una ventana que muy pocas veces se abre para un artista latinoamericano”, sostiene Chirinos, que busca convertir el festival en una oportunidad para que artistas locales se internacionalicen.

Más allá de la competencia, Pulso busca reforzar una transformación que viene ocurriendo desde hace varios años: el circo peruano ha ganado visibilidad, los artistas nacionales participan cada vez más en festivales internacionales y el país empieza a consolidarse como una plaza relevante dentro del circuito circense. “Es el momento de demostrar que podemos hacer cosas increíbles”, concluye.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: se darán las condiciones para dejar atrás las trabas y avanzar con las tareas. Amor: necesitará moderar sus impulsos si desea concretar un encuentro romántico.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: momento para estar alerta, revisar posibles fallas y evitar algún altibajo. Amor: descubrirá que posee una intensa afinidad con la persona más inesperada.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: resolverá un desacuerdo con el entorno y la cooperación comenzará a crecer. Amor: su encanto se destacará en un encuentro y todo le llevará hacia un romance.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: tomará una decisión que está injustamente postergada y las trabas cederán. Amor: los gestos más que las palabras crearán una reconciliación o un romance.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: se avecinan cambios de cierta complejidad, pero tendrán resultado positivo. Amor: algunas cosas resueltas o bien hechas darán optimismo y armonía a la pareja.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: su intuición se pondrá en alerta ante una propuesta que no es confiable. Amor: las cosas en la pareja estarán en calma, pero un cambio será inevitable.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: si mantiene un férreo control, pronto llegará un beneficio inesperado. Amor: las diferencias en la pareja crearán inquietud pero un gesto amoroso las vencerá.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: descubrirá la falta de avance en el trabajo y tomará duras iniciativas. Amor: su fuerte encanto generará situaciones incómodas en el entorno pero lo disfrutará.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: surgirá propuesta que solo asegura esfuerzo y poco beneficio. Amor: la expresión del afecto será crucial para recuperar la calidez y vencer la indiferencia.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: se dirá que un proyecto es genial pero será algo decepcionante. Amor: sin razones, germinará la idea según la cual su posición en la pareja es insegura.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: necesitará poner orden y alejará a gente poco idónea que no ayuda. Amor: en la pareja se debatirán los impulsos por disponer de espacios propios y acordarán.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: una propuesta será del agrado del entorno que decidirá cooperar en todo. Amor: surgirán dulces vivencias que fortalecerán a la pareja y permitirán un nuevo comienzo.

__________________________________________________________________

SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: ROMÁNTICA E INCLINADA A EMBELLECER LA VIDA ÍNTIMA. NO LE GUSTA DISCUTIR.

La película sobre Michael Jackson, titulada “Michael”, se ha convertido en el film biográfico más taquillero de todos los tiempos hasta el momento con 977 millones de dólares recaudados en todo el mundo.

El largometraje sobre el rey del pop ya ha superado a “Oppenheimer”, del director Christopher Nolan, que ostentaba el récord anterior en cuanto a películas basadas en personajes reales con 975 millones de dólares recaudados a nivel mundial, informa Variety.

“Michael” ya se dirigía hace semanas a ser la película biográfica musical más taquillera tras superar a la exitosa “Bohemian Rhapsody” de Queen de 2018, que generó 911 millones de dólares en todo el mundo y ahora es la tercera con más recaudación.

El largometraje sobre el autor de “Thriller”, distribuido por Lionsgate en Estados Unidos y Universal en los mercados internacionales, ha recaudado 607,2 millones de dólares fuera de Estados Unidos y 370,2 millones en el país donde fue realizada.

La película logró en su estreno 97 millones de dólares en Estados Unidos y 217 millones de dólares a nivel mundial, rompiendo el récord de taquilla para ‘biopics’ musicales establecido por “Straight Outta Compton” de 2015 (60 millones de dólares).

Impulsada por el boca a boca y las múltiples visualizaciones, “Michael” se mantuvo como un éxito de taquilla durante la competitiva temporada de estrenos del verano en el hemisferio norte, indica la revista especializada.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Michael (@michaelmovie)

Dirigida por Antoine Fuqua, “Michael” narra la trayectoria del artista desde su participación en el grupo ‘The Jackson 5’, integrado por otros cuatro de sus hermanos, hasta convertirse en el ‘Rey del Pop’.

Jaafar Jackson, sobrino del cantante, interpreta a Michael Jackson en su debut actoral, con Colman Domingo y Nia Long como sus padres, Joe y Katherine.

Según Variety, los críticos de cine se han quejado de que “Michael” ofrece una visión edulcorada de la vida de Jackson al omitir las acusaciones de abuso sexual infantil que se presentaron contra el cantante en la última etapa de su carrera.

Entre otros récords, “Michael Jackson” es ya la película más taquillera de Lionsgate de todos los tiempos, superando a “Los Juegos del Hambre: En Llamas” ( The Hunger Games: Catching Fire) de 2013 (865 millones de dólares, sin ajustar por inflación). Se espera que el estudio dé luz verde a al menos una película más sobre la vida de Jackson, agrega la revista.

La quinta entrega de la franquicia “Toy Story” se ha impuesto en la taquilla este último fin de semana con una recaudación global de 312 millones de dólares, de los que sólo en Estados Unidos ha recibido 160 tras su estreno, según los datos de la web especializada Box Office Mojo.

La recaudación en su estreno en Estados Unidos es la mayor de 2026 hasta la fecha, superando a la película “Super Mario Bros. Galaxy”, que recaudó 130,9 millones de dólares en su primer día en abril. (Se estrenó dos días antes por las vacaciones de Semana Santa y alcanzó los 190,1 millones de dólares en cinco días), según The Hollywood Reporter (THR).

También supone un récord para la franquicia, superando los 120,9 millones de dólares del estreno de “Toy Story 4″ en 2019.

“Disclosure Day”, la nueva película de Steven Spielberg, ha bajado al segundo lugar del ranking con una recaudación de 17 millones el fin de semana, aunque ya ha logrado una total de 160 millones desde su estreno.

En su primer fin de semana en salas el filme de alienígenas de Spielberg, protagonizado por Emily Blunt y Josh O’Connor, ya había conseguido 92,8 millones de dólares en taquilla.

“Obsession” logró en estos últimos días otros 14,2 millones de dólares, lo que hacen que la película de cine independiente alcance ya una recaudación global de 333 millones.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Pixar (@pixar)

En el top 3 se ubica la cinta de terror de bajo presupuesto “Backrooms” con 7,3 millones y ya suma una taquilla total de 272 millones, mientras “Scary Movie”, la sexta entrega de esta saga que mezcla terror y comedia, se hizo con 6,7 millones, para una recaudación mundial hasta la fecha de 201 millones desde que se estrenó, el 5 de junio.

Shakira lo volvió a hacer. La cantante colombiana sorprendió a sus seguidores al compartir un nuevo reel de “Dai Dai”, la canción oficial del Mundial 2026. En el video, la artista aparece luciendo distintas camisetas inspiradas en las selecciones que participan en la Copa del Mundo, incluyendo la de Colombia.

La barranquillera apostó por un look diferente en cada escena del clip, donde combina prendas con los colores de países como Argentina, Estados Unidos, Japón, Corea del Sur y Colombia. El diseño inspirado en la camiseta de la selección cafetera fue uno de los más comentados por sus seguidores.

El reel forma parte de la promoción de “Dai Dai”, tema que Shakira interpreta junto al cantante nigeriano Burna Boy y que fue elegido como la canción oficial de la Copa Mundial de la FIFA 2026. El sencillo ha ganado popularidad desde su estreno y acompaña varias de las campañas relacionadas con el torneo.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Shakira (@shakira)

Además de impulsar el tema, la cantante se ha convertido en una de las figuras más activas alrededor del Mundial. En los últimos días ha compartido mensajes de apoyo a distintas selecciones y ha celebrado los triunfos de Colombia y Brasil durante la competencia.

El video también se sumó al popular trend de “Dai Dai”, que miles de usuarios han replicado en plataformas como Instagram y TikTok. Con este contenido, Shakira busca mantener el impulso de la canción en pleno desarrollo del campeonato.

Cabe señalar que su video en Instagram alcanzó rápidamente millones de reproducciones y generó comentarios de fanáticos de diferentes países, quienes destacaron la presencia de sus colores nacionales en el reel y el estilo de la artista durante la grabación.

Con esta nueva aparición, Shakira reafirma su estrecho vínculo con el fútbol, una relación que se afianzó con “Waka Waka” en 2010 y que ahora continúa con “Dai Dai”, tema cuyo videoclip ya suma más de 267 millones de vistas en YouTube.

El acoso escolar, la resiliencia y la imaginación se entrelazan en La pecera de Koi, novela infantil del escritor peruano Miguel Ángel Vallejo Sameshima, ganadora del XIV Premio Internacional de Novela Infantil de Ediciones Altazor. El libro, ilustrado por Carlos Lavida, será presentado al público limeño el próximo 3 de agosto en la Feria Internacional del Libro de Lima (8:00 p.m., auditorio José María Arguedas).

La obra constituye la primera entrega de una pentalogía de corte fantástico y propone una aproximación al bullying desde tres perspectivas: un niño ceramista, un pez koi y el universo onírico que ambos comparten. A partir de ese vínculo, el autor reflexiona sobre las consecuencias del acoso escolar y la importancia de romper el silencio frente a esta problemática.

El jurado del premio destacó la novela “por su prosa impecable, su estilo directo y envolvente, y su capacidad para transmitir los sentimientos de los protagonistas, logrando que empaticemos con ellos ahondando en la problemática social que plantea: el bullying”.

Además del conflicto central, La pecera de Koi incorpora elementos de la cultura japonesa y de la tradición nikkei peruana, como la técnica del kintsugi y la contemplación como forma de comprender el mundo, en un homenaje a la ascendencia japonesa del autor.

Vallejo Sameshima (Lima, 1983) es doctor en Lenguas, Textos y Contextos por la Universidad de Granada y licenciado en Literatura por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha publicado 23 libros entre ficción, investigación y periodismo, además de desempeñarse como docente universitario y tallerista de escritura creativa.

Las figuras de dinosaurios construidas únicamente con papel son las protagonistas de la exposición “Dinosaurios: Arte, Papel y Experiencia Educativa”, que se inauguró el 12 de junio en la Galería SAI del Centro Cultural La Unión, en Pueblo Libre. La muestra podrá visitarse de manera gratuita durante un mes y medio.

A través del kirigami —técnica que combina cortes y pliegues sobre papel— y la ingeniería en papel, el artista Antony Llanos presenta una serie de esculturas tridimensionales que exploran la transformación de una superficie plana en volumen y movimiento.

View this post on Instagram

A post shared by Centro Cultural La Unión (@ccu.launion)

La exposición reúne interpretaciones de especies como el Tyrannosaurus rex, Ankylosaurus, Spinosaurus y Mosasaurus, concebidas como estudios de forma, equilibrio y estructura. Según el artista, su condición de persona neurodivergente influye en su proceso creativo al permitirle desarrollar una observación detallada de patrones y proporciones que luego traslada a sus obras.

La exposición cuenta con el auspicio de Fabriano y Sadipal, fabricantes de cartulinas especializadas utilizadas en la elaboración de las piezas.

La 30 Feria Internacional del Libro en La Paz (FIL), uno de los eventos más importantes de Bolivia, tendrá a Perú como invitado de honor y dará protagonismo a dos instituciones bolivianas reconocidas por su aporte a la difusión cultural y la preservación del patrimonio boliviano.

“La FIL tendrá como País Invitado de Honor a Perú, en el marco de la conmemoración de los 200 años de relaciones diplomáticas entre Bolivia y Perú, una ocasión que fortalecerá los lazos históricos, culturales y literarios entre ambas naciones”, señaló la Cámara Departamental del Libro de La Paz (CDDL).

La versión que se realizará entre el 29 de julio y el 9 de agosto también tendrá la participación de la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia (FCBCB) como institución invitada de honor, misma que administra “nueve repositorios y centros culturales fundamentales” de Bolivia.

La FCBCB tiene a su cargo la Casa de la Moneda, en Potosí; la Casa de la Libertad, junto al Archivo y Biblioteca Nacionales de Bolivia, en Sucre, la capital constitucional del país; además del Museo Nacional de Etnografía y Folklore y el Museo Nacional de Arte, en La Paz; entre otros sitios patrimoniales.

La FIL también rendirá homenaje a la Cinemateca Boliviana, que este año cumple 50 años de labor, con la programación de “una nutrida agenda que integrará literatura y producción audiovisual mediante conversatorios, conferencias, proyecciones y actividades especiales”.

El presidente de la CDDL, Carlos Ostermann, mencionó que la FIL de La Paz “es mucho más que un evento cultural”, sino que representa “tres décadas de trabajo compartido” entre todos quienes “creen en el libro como una herramienta de transformación, diálogo y de integración”.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Feria del Libro de La Paz (@ferialibrolapaz)

Este evento dedicado a las letras incluirá la presencia de escritores, autores y gestores culturales como el francés Bruno Patiño, considerado “una de las voces más influyentes en el análisis de la sociedad digital”; el mexicano Guillermo Arriaga, valorado por su aporte a la literatura y el cine latinoamericanos contemporáneos; y la sueca Åsa Lind, referente de la literatura infantil y juvenil.

También destaca en la programación la participación de la panameña Wendy Tribaldos, quien destaca por su aporte al “patrimonio cultural, educación e historia pública” en su país mediante proyectos educativos, museográficos y de investigación dedicados a la memoria, identidad y participación ciudadana.

En este espacio también habrá el “reencuentro” con autores bolivianos destacados como Magela Baudoin, Maximiliano Barrientos, Giovanna Rivero y Claudio Ferrufino-Coqueugniot, quienes “han contribuido a proyectar la literatura boliviana en el ámbito internacional”.

En los doce días de feria, los organizadores esperan la asistencia de entre 100.000 a 120.000 personas.

La FIL La Paz recibió en 2003 el reconocimiento de ‘Patrimonio Cultural de la Ciudad de La Paz’, por su impulso a la lectura y escritura, y por promover el acceso al libro legal y el apoyo a la diversidad cultural.

Hace 16 años la Feria del Libro Zona Huancayo (FELIZH) llegó a sumarse al circuito de ferias de la ciudad de Huancayo. A pesar de la altura o el frío, aquí, hay ferias de todo y para todos los públicos: gastronomía, agropecuarias, ganaderas, artesanales, y ahora, también, su respectiva feria alrededor de los libros.

Esta edición viene siendo la más exitosa de su historia. Así lo piensa Willy Mateo, organizador de la Feria del Libro Zona Huancayo desde sus inicios. La gente no para de llegar desde que abrió sus puertas el 18 de junio. Llegan delegaciones de colegios, estudiantes universitarios, profesionales, amantes de la lectura, familias y de todas las edades en busca de libros, pero también de arte. Sumadas a las presentaciones de novedades libreras, el programa cultural se vuelve cada año más atractivo con actividades musicales, homenajes, actividades interculturales, incluso algunas tienen intérprete de señas para las personas con discapacidad auditiva.

“Esta edición se la hemos dedicado al escritor José María Arguedas, muy querido en todo el país. Cuando anunciamos la feria hace dos meses y que iba a estar dedicada a él, recibimos cientos de llamadas y muchos mensajes, y cuando lanzamos las inscripciones para las editoriales, los stands se terminaron rápidamente. Hay unas 10 o 15 editoriales que se quedaron con las ganas de venir”, sostiene Willy Mateo. El público ha respondido desde el inicio: “Todas las mañanas me pongo muy feliz porque vienen los estudiantes de los colegios y recorren los stands. En un momento se llena la feria y tenemos que cerrar los ingresos por un momento para respetar el aforo y la seguridad”. Además, a pedido de las editoriales y el público, han ampliado el horario de inicio desde las 10 a. m. y ya no a las 11 a. m.

Las colas para el ingreso al auditorio y las firmas de libros se ven a cada hora. “Es una fiesta de la cultura para el pueblo y el pueblo la siente como propia”, afirma Willy. Los resultados son positivos y todavía quedan varios días de feria. Las primeras estadísticas de ventas dan un millón de soles, pero aspiran llegar al millón y medio, es el objetivo de este año. Con el fin de semana largo es un hecho que las ventas se incrementarán.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de Feria del Libro Zona Huancayo (@felizhoficial)

Estás desde el inicio en la Feria del Libro Zona Huancayo, ¿cómo han sido estos 16 años?

Son 16 años que le hemos puesto mucho punche. Trabajamos durante medio año, aproximadamente. Felizmente, tengo un buen equipo que me ayuda muchísimo en la elaboración del programa cultural, encabezado por una de las mejores gestoras culturales del país que es Doris Moromisato, premiada hace poco por el Ministerio de Cultura como Personalidad Meritoria de la Cultura. Y, del área comercial se encarga Liliana Minaya. Soy el director de orquesta, pero sobre todo me baso en el equipo que tenemos y hemos ido mejorando en el tiempo. Yo prometí que esta feria nació para quedarse en Huancayo porque es la capital ferial del Perú.

¿Cómo se apoya el hábito de la lectura con esta feria?

La intención principal es impulsar el hábito de la lectura, que la gente se acerque a los libros con el ánimo de mejorar como persona. Al vender solo libros originales se apoya la industria editorial peruana, se reconoce a nuestros escritores regionales, locales y también a los escritores del Perú. Se logra que el público de Huancayo conozca a los escritores del Perú y a los invitados internacionales. Los objetivos se están cumpliendo en esta edición.

¿La Feria del Libro Zona Huancayo es ya una tradición?

Sí, se ha convertido en una tradición y esa es una parte positiva. Antes, los escritores publicaban un libro, se juntaban con los demás escritores o poetas, se iban a un café y ahí presentaban el libro entre ellos. En cambio, ahora la diferencia está en que los escritores de la región se programan sabiendo que va a haber una feria y corren a sus editoriales, a sus imprentas, para que el libro salga en junio. Lo mismo ocurre con los escritores nacionales. Tenemos la suerte que la mayoría de ellos dicen que esta es la mejor feria regional. Para nosotros es un honor que todos lo crean así.

¿Cuáles serían los beneficios para la sociedad de descentralizar ferias y tener en Huancayo una tan importante con su propia identidad como la FELIZH?

Normalmente, la promoción de libros se hacía en la capital, pero felizmente ahora los escritores saben que pueden venir a Huancayo a vender sus libros y que el público responde. Quiero rescatar del público de la región que las presentaciones son apoteósicas, llenas de gente interesada en escuchar al escritor, en tomarse un selfie con ellos, en que le regalen un autógrafo. La escritora Karina Pacheco estuvo feliz con el auditorio lleno, Jeremías Gamboa también estuvo con el auditorio repleto. Entonces, los escritores vienen sabiendo que no solamente en Lima los promocionan, sino que aquí el público los espera. //

Juan Carlos Fisher (Lima, 1981) duda unos segundos al responder cómo era su vida hace 10 años, cuando dirigió por primera vez en Lima “Mamma Mia!”, clásico del West End que se convirtió en el musical más visto en la historia del Perú con producción de Los Productores. Una administradora de hotel y tres hombres que vuelan a su encuentro, historia de amor que a punta de baile y música de los suecos de Abba presentó un Mediterráneo donde, incluso cuando el sol se pone, pareciera que nunca es tarde para cumplir los anhelos.

“Mi vida era mucho más intensa. Diferente. Era más joven y por lo tanto, quizá menos maduro”, cuenta Fisher a El Comercio desde el teatro Peruano Japonés. “Entonces sentía que estaba cumpliendo muchos sueños y eso era muy emocionante”, añade. Al frente suyo el escenario recibe los últimos retoques; una posada de estilo griego arquetípico, casi sacada de una foto de Instagram. Paredes claras con puertas y ventanas azules, por donde cruzarán los personajes, como pasó en la versión original de Broadway de 1999, así como la película que protagonizaron Meryl Streep, Amanda Seyfried, Stellan Skarsgard, Colin Firth y Pierce Brosnan en 2008.

Experiencia transformadora

Podría decirse que esta experiencia cambió la vida de Fisher, quien pasó a dirigir la obra en su versión española. “Teatro Olympia de Valencia, función 1042”, dice de memoria sobre lo que acontece al otro lado del Atlántico durante esta entrevista. Una experiencia que se ha filtrado al nuevo montaje peruano. “Creo que es muy bonito reencontrarte con un montaje que has hecho aquí y del que tienes recuerdos maravillosos, utilizando también la experiencia que se sigue haciendo en España, con otro equipo creativo. Eso me ha servido para seguir entendiendo la obra y verla a través de ojos de otras personas, para entender más el universo de los personajes”, sostiene el director.

View this post on Instagram

A post shared by Los Productores (@losproductores_)

“Hay algo emocionante de hacer una obra que te ha acompañado tanto tiempo y que me ha generado tantas satisfacciones, no solamente en Lima, sino que me ha abierto una puerta en otro país. Esta obra genera una cosa muy especial que pone a la gente, a todos los involucrados, de buen humor. Es una obra que exuda felicidad”, dice Fisher. Razón no le falta; pocos grupos pueden darse el lujo no solo de tener tantos temas entre las canciones más pedidas de la radio, o con reproducciones en streaming. Abba tiene todo eso y, encima, melodías pegajosas de alcance mundial. Incluso quien no los conoce de nombre ha tenido que escucharlos.

Considerando el éxito de la obra [al cierre de este texto ya se habían prevendido más de 13.000 entradas], surge una duda: ¿Al peruano le gustan los musicales? “Yo creo que al peruano le gusta que le cuenten buenas historias y pasarla bien”, sostiene Fisher. “A todos nos gusta por momentos ver una película intensa, ver una cosa seria y removedora, profunda, pero también una comedia o una serie que nos haga pasar un buen rato”.

El corazón de la obra

Mientras hace una década el protagónico de Donna cayó en manos de Ebelin Ortiz, este 2026 el rol es para Érika Villalobos, experimentada tanto en drama como en comedia y en la cual Fisher vio cualidades para el papel. “A mí me parece una actriz extraordinaria y hemos trabajado hace muchísimo tiempo en otro musical que dirigí, ‘El jardín secreto’ en el Teatro Segura. A mí siempre me ha gustado el trabajo de Erika, su compromiso y conexión con la verdad en el escenario”.

“Sentía que había algo, tenía una intuición ahí de que Erika podía ser nuestra Donna y con el equipo nos dimos cuenta que era una posibilidad, se lo propusimos y se alinearon los astros, los chakras, los dioses del teatro. Todo se alineó para que pueda suceder, porque a veces queremos que algunas personas sean parte de los proyectos, pero a veces simplemente no se puede”, dice Fisher. La conversación termina y nos vamos. Por ahora, la nostalgia se canta a puerta cerrada.