Lima Design Week Internacional, reconocida por articular creatividad, industria, academia e identidad cultural, y considerada una de las plataformas más relevantes de la región, promueve el diseño como motor de desarrollo y transformación social a través de exposiciones, experiencias y contenidos curatoriales, posicionando al talento latinoamericano en circuitos globales.

El Tigullio Design District se ubica en la Riviera Italiana, en la región de Liguria, al norte de Italia, entre Génova y las Cinque Terre. Este territorio es reconocido por su tradición artística, arquitectónica y artesanal, y se ha consolidado como un distrito creativo que vincula diseño, innovación, paisaje y cultura mediterránea. La elección de Tigullio como sede refuerza el carácter simbólico del encuentro entre dos países con profundas raíces culturales y una sólida herencia creativa.

La iniciativa cuenta con el respaldo del Tigullio Design District, bajo la dirección de Davide Conte, cuya visión ha sido clave para consolidar este espacio como un polo de intercambio internacional entre diseñadores, instituciones y comunidades creativas. Asimismo, el evento cuenta con el apoyo institucional del Consulado General del Perú en Génova, fortaleciendo los lazos culturales, diplomáticos y creativos entre el Perú e Italia.

La Semana del Diseño Peruano en Tigullio reunirá una exposición de diseño contemporáneo, además de actividades culturales orientadas a visibilizar el talento creativo peruano en sus múltiples expresiones. La muestra propone un diálogo entre tradición e innovación, identidad y contemporaneidad, así como una reflexión sobre sostenibilidad, territorio y procesos artesanales reinterpretados desde el diseño actual.

El evento contará con la participación de 46 diseñadores peruanos, provenientes de tres regiones del país: Arequipa, Piura y Lima, evidenciando la diversidad geográfica y cultural del diseño peruano, así como la riqueza de sus miradas, materiales y saberes locales.

Las categorías participantes incluyen:

* Diseño de interiores, con la participación del Arq. César Ruiz La Rosa, Javier Artadi y Ángel Tenorio, desde el Reino Unido.

* Diseño de producto, con la participación de Álvaro Chan Say, Ernesto Rosales y Rodolfo Ciudad Witzel, desde Alemania.

* Moda, representada por los diseñadores Carlos Vigil y TWO Kahn.

* Joyería, con Gaya by Mariana Magtaz.

La curaduría integra propuestas emergentes y consolidadas, articulando distintas escalas del diseño y poniendo en valor el origen regional de cada proyecto.

El proyecto cuenta, además, con el respaldo de aliados académicos como la Universidad de Ciencias y Artes de América Latina (UCAL) y la Universidad Privada del Norte (UPN), reafirmando el rol de la educación en la formación de nuevas generaciones de diseñadores con visión global. A ello se suma el apoyo de empresas peruanas e italianas, cuyo compromiso ha sido fundamental para la realización de esta iniciativa binacional.

Para Lima Design Week Internacional, dirigida por la Mg. Arq. Teresa Edwards Ames, esta participación representa un hito clave en su proceso de internacionalización:

“Italia es un referente histórico del diseño a nivel mundial. Presentar el diseño peruano en Tigullio no solo significa exhibir objetos o propuestas creativas, sino compartir identidad, territorio y visión contemporánea. Esta semana es una oportunidad para mostrar cómo el diseño peruano dialoga con el mundo desde su diversidad cultural y su profundo vínculo con la tradición”, señaló la directora.

La Semana del Diseño Peruano en el Tigullio Design District se presenta como un espacio de encuentro, colaboración y proyección internacional, consolidando al diseño como un lenguaje universal capaz de conectar culturas, territorios y visiones de futuro, y posicionando al Perú como un actor relevante dentro del mapa global del diseño contemporáneo.

En el desierto de Utah, la arena es rojiza y el horizonte está delineado por interminables elevaciones rocosas. El ambiente es árido y por las noches las temperaturas pueden descender a menos de 15 grados bajo cero. En el centro de este escenario inhóspito se levanta la Mars Desert Research Station (MDRS), un hábitat cilíndrico de dos plantas, diseñado por The Mars Society, organización fundada en 1998 por el ingeniero aeroespacial estadounidense Robert Zubrin dedicada a desarrollar investigaciones que conduzcan a la conquista del Planeta Rojo.

A la estación llegan, periódicamente, tripulaciones de diversas partes del mundo, compuestas por equipos entrenados de ingenieros y científicos, quienes no solo simulan la vida en una base marciana, sino también validan tecnologías y realizan pruebas en el entorno hostil. De esta manera, recogen información útil para nuestra futura e hipotética existencia en el cuarto planeta.

El equipo peruano

A lo largo de los años, The Mars Society ha buscado expandirse a distintos países, entre ellos el Perú. Desde el 2013, nuestro país forma parte de las exploraciones análogas en la MDRS y ha sido el primero en la región en mandar tripulaciones. Hasta ahora se han enviado cinco equipos. Tres de ellos estuvieron integrados solo por científicos peruanos y en los otros dos se sumaron profesionales de Latinoamérica.

La sexta tripulación partirá en enero del 2027. El equipo está comandado por Noelia Caballa Huamán, bioingeniera de la Universidad de Ingeniería y Tecnología e investigadora en biotecnología espacial, quien ha realizado programas de intercambio en el Georgia Tech, de Estados Unidos, y tiene ya experiencia en misiones análogas, por su presencia en la Lunar Research Station, de Polonia. La completan cinco integrantes: Keneth Culli, ingeniero mecatrónico de la UNI; Rodrigo Martínez Chávez, estudiante de ingeniería aeroespacial en la Universidad de Berkeley; Solanch Solaligue, de la UNMSM, con formación en biología molecular y bioinformática; Aurora Díaz, médica e investigadora enfocada en salud espacial; y Arian Kuguimiya, estudiante boliviana de ingeniería geológica.

A ellos, se suman la arquitecta Claudia Benites, la ingeniera mecatrónica Rocío Zevallos y la estudiante de Comunicaciones Brenda Quispe, quienes ‘desde tierra’ (el Perú) monitorearán las comunicaciones de la misión. Según cuenta Noelia Caballa, todos ellos fueron seleccionados a partir de una convocatoria abierta.

Semillas espaciales

Cada integrante del equipo viaja con una misión específica. Actualmente, ya están desarrollando la fase inicial de los proyectos que validarán en la base. Estos tienen que ver con la administración de recursos en situaciones extremas como la recolección de agua o la medición del comportamiento y el estrés al que debe someterse la tripulación en un ambiente aislado. “Todo el tiempo enfrentaremos diversas situaciones, porque inclusive para salir y usar los rovers y vehículos debemos seguir protocolos establecidos y usar trajes especiales”, dice Keneth Culli, quien junto con Noelia Caballa, investiga en un procedimiento llamado biorremediación, en miras de hacer cultivable el suelo marciano.

“Ahora que hemos visto la misión Artemis II creo que ese sueño vibra en el pecho de cada uno de nosotros”, dice Culli. “Muchos pueden pensar que dedicarse en el Perú al rubro aeroespacial es imposible. Por eso, lo valioso de esta misión no es tanto ir, sino en el tiempo que estamos allá, contactarnos con colegios, con niños peruanos, para animarlos a soñar”.

Uno de los objetivos más importantes del Team Perú VI es posicionar a nuestro país dentro de una comunidad global que desarrolla este tipo de misiones. “¿Llegaremos a Marte?”, le preguntamos a Noelia Caballa. Inmediatamente, responde: “Vamos a llegar, todos trabajamos con esa convicción”.

Lima vuelve a ser el epicentro de la felicidad con en una noche llena de energía con el regreso de “The Color Run Night 2026”, que se realizará el próximo sábado 16 de mayo. Esta edición nocturna apunta a transformar la Costa Verde en un espectáculo de luces, música y color.

El evento tendrá como escenario principal la zona de Chorrillos, donde miles de participantes recorrerán un circuito de 5 kilómetros en un ambiente festivo. A diferencia de las carreras tradicionales, esta experiencia no es competitiva, ya que busca promover la diversión, el bienestar y la integración social.

Durante el recorrido, los llamados ‘color runners’ serán cubiertos con polvos de colores en diferentes estaciones. Al finalizar, los asistentes podrán disfrutar de una fiesta con DJ en vivo, animación, pantallas gigantes y las clásicas explosiones de color que caracterizan a esta actividad.

“The Color Run” se ha consolidado como un fenómeno global con más de 8 millones de participantes en más de 35 países. En el Perú, el evento sigue ganando popularidad como una de las propuestas recreativas más atractivas del calendario.

Las entradas ya están disponibles a través de Teleticket, con un beneficio especial del 20% de descuento para quienes compren con tarjetas de Diners Club. Cada inscripción incluye un kit oficial con polo, morral, pulsera LED, dorsal y medalla finisher.

Uno de los aspectos más destacados del evento es el uso de polvos de colores elaborados a base de almidón de maíz y colorantes naturales, lo que garantiza la seguridad de los participantes durante toda la actividad.

Inspirados en las tradicionales celebraciones Holi de la India, estos elementos son el sello distintivo del Color Run Night 2026, evento que invita a vivir el deporte de una manera distinta, inclusiva y llena de energía.

Ricardo de Pascual, reconocido por interpretar al ‘Señor Calvillo’ en “El Chavo del 8”, falleció a los 85 años este 21 de abril de 2026, según confirmó la Asociación Nacional de Actores (ANDA), a través de un comunicado oficial difundido en redes sociales.

“La Asociación Nacional de Actores lamenta el sensible fallecimiento de nuestro compañero Ricardo de Pascual (@ricardodepascual). Nuestro más sentido pésame a familiares, amistades y colegas. Q.E.P.D.”, indicó la institución en un comunicado.

Hasta el momento, no se ha confirmado la causa exacta de su fallecimiento. Sin embargo, a fines de octubre del 2025, el propio actor reveló que había sido diagnosticado con una enfermedad crónica.

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“Tengo EPOC (enfermedad pulmonar obstructiva crónica) porque no entendí que el cigarro hace daño. De joven fumé 20 años; tengo 45 sin fumar. Aprendí a fumar con una obra de teatro y se me quedó el vicio… Después ya era mucho, hasta tres cajetillas diarias”, comentó el actor en una entrevista con la periodista Matilde Obregón.

Trayectoria artística de Ricardo de Pascual

Nacido el 21 de agosto de 1940 en Ciudad de México, Ricardo de Pascual inició su carrera artística en 1958, participando en teatro y posteriormente en el cine mexicano durante la década de 1970, donde consolidó su presencia en la industria.

Su fama se catapultó al ingresar al elenco de “El Chavo del 8”, donde interpretó al ‘Señor Calvillo’, un personaje que buscaba adquirir la vecindad para demolerla, además de otros roles como el ‘Señor Hurtado’ y participaciones en “El Chapulín Colorado”.

A lo largo de su carrera, también destacó en producciones como “Vecinos”, “El privilegio de amar” y “Locura de amor”, demostrando su versatilidad en distintos géneros televisivos y consolidando una trayectoria de más de seis décadas.

En un ecosistema artístico donde las oportunidades suelen concentrarse fuera, la plataforma Apuesta por Artistas Jóvenes (AAJ!) Apuesta por Artistas Jóvenes plantea una operación inversa: internacionalizar sin migrar. En su primera edición, once artistas peruanos menores de 35 años participarán en un programa intensivo que combina clínicas de obra, revisión de portafolio y asesorías con la curadora mexicana Gaby Cepeda, quien estará en Lima para la inauguración del proyecto el 27 de abril en proyectoamil (av. Pedro de Osma 409. Barranco).

La iniciativa, fundada por el arquitecto Santiago Dammert y el escultor Octavio Centurión, surge de una constatación concreta: la precariedad del circuito local para artistas emergentes. “El mercado local, al ser muy pequeño, significaba que no había tantas oportunidades para muchos de los artistas jóvenes”, explica Dammert. La consecuencia es conocida: quienes buscan insertarse en circuitos más amplios suelen verse obligados a salir recurrir a instituciones que muchas veces los llevan a irse del país.

Frente a ese escenario, AAJ! propone un desplazamiento estratégico. No se trata de reemplazar la experiencia internacional, sino de acercarla. “Nuestra solución —más que solución, una de las muchas posibles— fue hacer un proyecto de internacionalización, pero en Lima”, señala Dammert. “Es un proyecto que busca profesionalizar, no perfeccionar”, agrega Centurión.

El programa, que recibió más de 70 postulaciones, fue diseñado como una plataforma de formación y articulación. No solo convoca a un curador internacional cada año, sino que se inserta en la escena local mediante alianzas con instituciones como el Museo de Arte de Lima, Proyecto AMIL y Espacio Encuentro. “No es un proyecto que funcione en una burbuja, sino que se inserta dentro de un ecosistema que busca fortalecer”, precisa Centurión.

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Un ecosistema frágil

Más allá del entusiasmo inicial, el diagnóstico que sostiene el proyecto es menos optimista. La escena local, coinciden sus impulsores, carece de una estructura que acompañe el tránsito entre formación y profesionalización. “Sentíamos que no había un intermedio, una bisagra entre las escuelas de arte y los programas ya consolidados”, señala Dammert.

El problema no es solo institucional, sino también estructural. Los apoyos estatales existen, pero suelen estar dirigidos a artistas con trayectoria previa. “No hay programas específicos que vengan del Ministerio de Cultura para artistas jóvenes”, apuntan. “Este proyecto es un poco a como llenar estos vacíos que la institución no llena”, explica Gaby Cepeda.

En ese vacío, la autogestión comenzó a ocupar un lugar central. Espacios independientes impulsados por artistas han empezado a tejer redes propias. Sin embargo, estos esfuerzos, aunque vitales, no siempre logran sostener procesos de largo aliento. “Hay más artistas jóvenes que están generando redes entre ellos”, reconocen, pero el alcance sigue siendo limitado.

Desde esa perspectiva, AAJ! se posiciona como una “nueva institucionalidad”: una estructura más flexible que busca responder a necesidades específicas sin la rigidez de los modelos tradicionales. En palabras de Cepeda, se trata de entender que la profesionalización hoy ya no responde a un único camino. “La profesionalización se ha complejizado: no pasa solo por habilidades técnicas, sino por cómo te insertas en un ecosistema más amplio”, afirma.

El proyecto apunta a algo menos visible pero igual de decisivo: la construcción de vínculos. En un campo donde las relaciones personales suelen definir trayectorias, la posibilidad de generar encuentros cara a cara resulta clave. “Los vínculos interpersonales son súper poderosos, sobre todo en el mundo del arte”, subraya Dammert. En esa red —todavía en construcción— podría estar la diferencia entre una carrera que se dispersa y otra que logra sostenerse.

Jeffry Fischman, recordado compositor de Libido, presenta “Alejándome de ti”, su primer sencillo como solista, marcando así el inicio de su nueva etapa musical. La canción fue escrita durante un momento de transición en Nueva York y producida entre Perú, Argentina y Estados Unidos.

Jeffry Fischman es conocido por ser fundador y principal compositor de Libido, una de las agrupaciones más influyentes del rock peruano de los años 2000. Bajo su autoría nacieron temas icónicos como “En esta habitación”, “Invencible” y “Sin rencor”. La banda fue incluso reconocida por Billboard dentro de las 50 mejores bandas de rock en español de todos los tiempos.

“Alejándome de ti” parte de una ruptura, pero trasciende el relato romántico para abordar procesos de cambio personal, crecimiento y la incertidumbre de avanzar sin respuestas claras. La canción combina una letra introspectiva con una energía fresca y envolvente, conectando con quienes atraviesan momentos de cambios.

El sencillo fue coproducido con Tweety González en el estudio Unísono de Buenos Aires, y cuenta con la colaboración de destacados músicos. La mezcla estuvo a cargo de Tom Lord-Alge y el mastering de Ted Jensen, ambos referentes internacionales de la industria musical.

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Rodrigo Dulanto, que retrata una historia de transformación personal en paralelo a la fuerza de una banda en vivo. En esta nueva etapa, Fischman asume el rol de frontman junto a una alineación completamente femenina, reforzando el concepto de cambio y renovación.

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Más que un debut solista, “Alejándome de ti” representa una etapa más directa y auténtica para Jeffry Fischman, quien apuesta por una conexión emocional con su audiencia, basada en la experiencia y la evolución personal.

El cineasta argentino Luis Puenzo, director de “La historia oficial”, la primera película de su país galardonada con un Oscar, murió a los 80 años, según informó este martes la Sociedad General de Autores. El guionista estaba alejado de la vida pública desde hace un tiempo por problemas de salud. Las causas de su muerte no fueron precisadas.

“Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció hoy, en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años”, dijo la organización Argentores en un comunicado.

Luis Puenzo se consagró cuando “La historia oficial” se alzó con el Oscar a la Mejor película extranjera en 1986.

La película recrea el último tramo de la dictadura cívico-militar (1976-1983), la apropiación por parte de los militares de los niños nacidos de mujeres bajo cautiverio y la búsqueda de las Madres de Plaza de Mayo de esos hijos desaparecidos.

La película, protagonizada por los argentinos Héctor Alterio y Norma Aleandro, también había sido nominada en el rubro Mejor guion, escrito Puenzo junto a la autora Aída Bortnik.

Puenzo dirigió también “Gringo viejo” (1989), protagonizada por las estrellas estadounidenses Jane Fonda y Gregory Peck, y “La peste” (1992), basada en la novela del Nobel argelino-francés Albert Camus con actuaciones de William Hurt, Robert Duvall y Sandrine Bonnaire.

Además de su prolífica carrera como director y guionista, Luis Puenzo también fue uno de los impulsores de la Ley de Cine aprobada en 1994 que motivó un fuerte desarrollo de la industria cinematográfica en Argentina.

Luis Puenzo ganó el Oscar un 24 de marzo, una fecha emblemática en Argentina ya que marca el inicio del último golpe de Estado, algo que el director remarcó al recibir la estatuilla en aquella histórica ceremonia en Estados Unidos.

El actor Patrick Muldoon, conocido por sus papeles en “Days of Our Lives”, “Melrose Place” y “Starship Troopers”, ha fallecido a los 57 años tras sufrir un infarto, según confirmó el portal TMZ.

La hermana de Muldoon, Shana Muldoon-Zappa, declaró a TMZ que Patrick fue a ducharse el domingo por la mañana después de tomar café con su novia en su casa de Beverly Hills.

Su novia decidió ir a ver cómo estaba porque tardaba demasiado y lo encontró inconsciente en el suelo del baño, según explicó Shanna.

Los médicos del servicio de urgencias acudieron al domicilio del actor e intentaron reanimarlo, pero no se pudo hacer nada por salvar su vida, según TMZ.

Muldoon comenzó su carrera como actor mientras aún estaba en la universidad, consiguiendo el papel de Matt en la comedia de situación “Quién es el jefe?” (“Who’s the Boss?”). Tras graduarse, asumió el papel de Jeffrey Hunter en “Salvados por la campana” (“Saved By The Bell”).

El actor, originario de Los Ángeles, interpretó a Austin Reed en la telenovela “Days of Our Lives” de 1992 a 1995, y nuevamente de 2011 a 2012. También dio vida a Richard Hart en la popular “Melrose Place” durante varias temporadas.

Además de su éxito televisivo, Patrick fue reconocido por sus papeles cinematográficos protagonizando “Starship Troopers” (1997) como Zander Barcalow, recuerda TMZ.

También participó en “Deadlock” (2021), “Vanquish” (2021), “Dakota” (2022), “Marlowe” (2022) y “Murder at Hollow Creek” (2023).

Su última película, “Dirty Hands”, se estrenará de forma póstuma a finales de este año.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: mostrará habilidad para las soluciones prácticas que favorecen proyectos. Amor: momento propicio para iniciar un romance o promover la reconciliación.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: se avecina la etapa en la que podrá concretar proyectos de sostenido éxito. Amor: un planteo insistente de su pareja le alterará los nervios, pero querrá dialogar.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: tomará iniciativas con acciones que le conducirán al éxito y le llegarán elogios. Amor: su pareja le encenderá el corazón con un amoroso agasajo y todo mejorará.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: momento para ignorar críticas y ponerse al frente de un proyecto complicado. Amor: le hablarán de falta de compromiso y se esforzará para mostrar que no es así.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: la clave será no involucrarse en proyectos o negocios con cierto riesgo. Amor: gestos de indiferencia lastimarán su ego, pero le servirá para ver las cosas tal como son.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: momento propicio para lograr cambios significativos en el trabajo. Amor: su pareja convertirá el hogar en un lugar amable, en el que puede disfrutar de la vida.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: una propuesta laboral será interesante pero los beneficios no estarán claros. Amor: una discusión puede evidenciar que no acepta las críticas de su pareja.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: resolverá problemas que otros eluden o postergan y será elogiado. Amor: llamará la atención a su pareja sobre la malicia encubierta de gente maliciosa.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: una situación complicada será resuelta si aplica el carácter. Amor: su pareja se mostrará feliz y entusiasmada con su talento para recrear el romance.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: con perseverancia, su negocio pasará de estancado a dar beneficios. Amor: le insistirán para recuperar la calidez y alcanzará una dulce armonía.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: revisará los errores que afectan su proyecto y los resolverá uno a uno. Amor: cuando escuche algo sobre una relación que promete estabilidad, será lo que desea.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: aún con escasa precisión, tomará las decisiones correctas para ganar. Amor: propicio para las parejas que buscan cambiar de vivienda o de ciudad; nuevo comienzo.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: RESPETUOSA DE LA AUTORIDAD PERO SI HACE FALTA, LA CUESTIONA CON VEHEMENCIA.

La curiosidad del fotógrafo británico Alexi Lubomirski cruza fronteras. A través de la pantalla de una laptop, la señal llega desde Nueva York hasta la redacción de Somos en el Centro de Lima. “¡Eso es un palacio!”, se sorprende al ver por videollamada el interior de la sede histórica de El Comercio, periódico que leía su abuelo polaco-francés, Vivian, cuando radicaba en la capital peruana junto a su esposa, Vituca, hace más de 30 años. Pero antes de iniciar la conversación, le interesa hacer algunas preguntas, como a qué se dedica esta periodista o si es feliz en su trabajo. Está concentrado en todo y en todos, menos en él —el tema de la conversación—, porque así funciona su método para fotografiar a famosos artistas del mundo. Primero entra en confianza y luego dispara.

Lubomirski tiene una carrera amplia y destacada. Entre 1999 y 2003 fue asistente del peruano Mario Testino, aunque prefiere no abordar el asunto, en parte por las denuncias de acoso que recayeron sobre Testino en 2018. Pero más allá de eso, frente a su lente han desfilado figuras como Julia Roberts, Reese Witherspoon, Taylor Swift, Brad Pitt y, recientemente, los siete integrantes de BTS, la banda surcoreana con mayor popularidad del mundo. Y aunque para su ejército de fans (ARMY) los miembros de esta ‘boyband’ sean unos semidioses del Olimpo, la lógica de Alexi no cambia al fotografiarlos. No importa su cultura ni su idioma: él busca siempre capturar, en microsegundos, el gesto menos público de sus retratados. Su trabajo para revistas de espectáculos como “Variety” o “Harper’s Bazaar” lo llevó a seguir al grupo musical en su primer concierto de reencuentro en Seúl, que dio inicio a su gira Arirang World Tour. Un regreso a los escenarios tras una pausa de casi cuatro años.

“En una sesión de fotos te das cuenta de si alguien cruza mucho los brazos o si es inseguro con sus piernas”, explica el fotógrafo. Alexi tuvo tres días de sesiones con BTS para la portada de su reciente disco “Arirang”, que rompió récords en Billboard en sus primeros días de lanzamiento. Además, registró las sesiones musicales que tuvieron lugar en el documental de Netflix “BTS: El regreso”, y allí pudo reconocer el comportamiento de cada integrante.

“Eran un inmenso rompecabezas de siete personalidades diferentes. Uno me preguntaba qué imágenes quería hacer y me decía que solo lo dirigiera. Otro me decía que lo documentara cuando esté creando de manera espontánea. RM es más abierto; es el poeta, interesado en las luces. V es más introspectivo; Jimin, con la sonrisa más linda; JK (Jungkook), superdivertido; J-Hope, siempre bailando en el set; Jin, dulce y amable; y Suga no paraba de tocar la guitarra”, recuerda Alexi sobre los momentos de grabación musical con ellos en Los Ángeles.

El atractivo de la fama

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“Estoy fascinado por las celebridades —explica Lubomirski—. Cuando hay tiempo entre tomas, he hablado con algunas de ellas sobre la fama. Me interesa la parte psicológica de todo y he llegado a preguntarles cómo diferencian ser vistos como estrellas en la pantalla o en el escenario y ser ellos mismos fuera de cámara. Porque la gente no se enamora de ellos como personas, sino que los extrapola desde lo que ven de lejos. Me parece interesante cómo manejan esa popularidad”.

La celebridad, vista desde cerca, pierde volumen. O cambia de escala. Lubomirski ha fotografiado a la realeza (como la boda de Prince Harry y Meghan Markle en 2018), campañas globales, portadas que circulan por el mundo. Y, sin embargo, la conversación concluye en una idea sobre la fama y las celebridades: “Al final, todos tienen que ir a comprar leche al supermercado”, comenta.

En realidad, la historia de Alexi Lubomirski también se arma como un rompecabezas. Aunque dice que “es un desastre” por la cantidad de nacionalidades en su familia, intenta encontrar en cada viaje un pedazo de sí mismo. “En realidad, nunca me he sentido inglés”, confiesa. En 1996, viajó al Perú y llenó un vacío en su pecho, que también rellenó su visita a Polonia tiempo después. De su padre, el polaco-francés Ladislas Lubomirski, heredó el título nobiliario de príncipe como Su Alteza Serenísima (HSH, His Serene Highness), aunque la familia perdió sus tierras y parte de su riqueza tras la Segunda Guerra Mundial.

Alexi solo ha utilizado su título paterno en una ocasión, cuando publicó el libro “Mensajes de un príncipe”, en el que reflexiona sobre esa curiosa condición. Por su lado, su madre, nacida en Lima y de ascendencia piurana, lo crio entre Londres (Reino Unido), Botsuana (África) y París (Francia). Y él, ya adulto, formó su propia familia junto a una mujer cubano-italiana, madre de sus hijos.

No sabe cuándo regresará al Perú. Mientras camina por su departamento de paredes amaderadas y se sirve un café en su cocina, aún sosteniendo el celular en la mano, dice: “Creo que la fotografía está… perdida”, en referencia a la tecnología de punta en dispositivos móviles al alcance de cualquier persona, o la amenaza de la generación de imágenes con inteligencia artificial. “Soy afortunado de aún tener mi trabajo en revistas”, reconoce. Por eso no se considera “fotógrafo”, sino un “creador de imágenes”. “Cuando te defines a ti mismo con un título, te estancas”, concluye.

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A Isabel Allende le encanta el término “cocina literaria”. Su día de trabajo empieza con el sabor del café, bien cargado aunque no muy amargo. A esa primera taza le seguirán otras hasta que las palabras, cómo ingredientes que se van integrando en un sabroso caldo, vayan encontrando nuevos sentidos y suelten sus sabores sutiles.

Hay tantas recetas y métodos de creación como hay cocineros y escritoras, aunque son relativamente pocos los que se sientan a compartir sus secretos. Y en “La Palabra Mágica”, su más reciente libro, la autora chilena se anima a hacerlo.

— En tu libro recuerdas cuando olvidaste el manuscrito de “La casa de los espíritus” en una peluquería y que al volver, lo reencontraste en la basura de aquel salón. ¿Buscas reivindicar al escritor distraído?

No, mira: yo trabajaba doce horas diarias en un colegio entonces. Corría como un enano porque tenía que hacerme cargo también de todas las cosas de la casa. Tenía una vida muy difícil y en aquella época no existía ninguna de las facilidades que tenemos hoy. Tenía un solo manuscrito en una bolsa que llevaba conmigo como si fuera un recién nacido. ¡Y se me fue a quedar en la peluquería! Yo creo que fue casi una metáfora de cómo el tremendo esfuerzo que supone escribir algo muchas veces va a dar a la basura. Uno escribe porque ama el proceso, pero también porque quiere comunicarse. Y tantos escritores se quedan con el manuscrito, si no es en la basura, en una gaveta.

— ¿Si el camión de la basura se lo hubiera llevado, lo habrías reescrito?

Yo creo que sí. Por supuesto, habría sido otro libro. Pero el proceso de escribirlo me salvó la vida. Yo iba a cumplir 40 años y estaba seca por dentro, sentía que mi vida no iba a ninguna parte. En el fondo, pienso que “La casa de los espíritus” fue un ejercicio de nostalgia. De tratar de recuperar todo lo perdido: mi país, la familia, los amigos, las anécdotas, el ambiente, todo lo que yo recibí de niña. Fue tan rico ese proceso, tan sanador, que lo habría hecho de nuevo.

— ¿Qué libros sobre el proceso de escritura te apasionan especialmente?

Ninguno. Yo no estudié literatura. No sabía que existían talleres, cursos, clases. No tenía idea de la industria del libro tampoco. Había sido periodista, andaba en la calle reporteando, sin pensar en literatura. Y nunca tuve un libro de referencia de cómo escribir. Pero me leí con pasión todo el “Boom” latinoamericano. Esa fue mi gran inspiración. Ese coro de voces múltiples, diferentes pero armónicas, que nos contaron un continente.

— Eres de las escritoras que afirman que un trauma, o una experiencia fundamental en la vida definen la vocación literaria. ¿Es necesario un dolor original para ser escritor?

Mira, yo no sé. Hay escritores que han podido escribir sin salir nunca de su casa, pero que tienen la imaginación y la empatía suficiente para ponerse en cualquier caso. Pero yo creo que de las experiencias dolorosas, difíciles, nace el deseo de exorcizarlas. Esos demonios que se quedan con uno y que necesitas ventilar. Y encuentra maneras que, a veces, son muy torcidas. Eso me pasó, por ejemplo, con “La isla bajo el mar”. No sabía por qué yo estaba escribiendo durante cuatro años un libro sobre la esclavitud en Haití. Pero cuando terminé el libro, me di cuenta que trataba sobre la impunidad del poder absoluto, un tema que me ha atormentado desde chica. Yo creo que es de ahí de donde sale, aunque no estés consciente de eso. ¡Por eso me cuesta tanto escribir una novela romántica! Yo quisiera ser una novelista romántica, pero no me sale. Mi experiencia de vida no ha sido esa. En cambio, podría escribir una sobre asesinatos, eso de todas maneras.

— ¿Sueñas con escribir tu propia Madame Bovary?

No. A veces me han preguntado qué libro me habría gustado escribir. Y yo siempre digo que “Harry Potter”. Porque la novela de J.K. Rowling puso a leer a una generación completa de niños, completamente absortos.

— Citas a Nietzsche diciendo, “Si me dan una hoja de papel y algo para escribir, podría poner el mundo al revés.” La frase se parece mucho a la dicha por Arquímedes sobre la palanca: “Denme un punto de apoyo y moveré al mundo”. ¿Es la escritura una palanca?

Muy pocos libros tienen el poder de cambiar algo fundamental. Cito siempre “La cabaña del tío Tom”, que hizo por el movimiento anti esclavista más que todo lo hecho antes por los abolicionistas. ¿Por qué? Porque tocó gente que nunca habría escuchado una voz que hablara sobre el fin de la esclavitud. Les cayó la novela en las manos y se dieron cuenta de que la esclavitud era el pecado de su nación, y cambió toda una manera de pensar. Cuando escritores latinoamericanos como Vargas Llosa o García Márquez escriben sobre dictadura, penetran en un medio donde no llegan otros discursos. Y obligan a pensar. Yo no creo que puedas mover el mundo con un libro, pero sí puedes sacudir conciencias.

— ¿Cuánto influye la familia en un escritor? ¿El miedo a ventilar misterios familiares puede cortar la inspiración?

Yo recibo mucho correo. Me llegan a menudo cartas de personas que quieren escribir algo que les pasó: un divorcio, un cáncer, lo que sea. Y entonces me dicen que temen la reacción de la familia involucrada en el libro. Yo les digo siempre que pongan en la balanza la opinión de esta gente por un lado y por otro la necesidad absoluta de contar la historia. Cuéntala y después vemos, podemos cambiar los nombres, editamos, ¡pero cuéntala! Cuando mi mamá leyó “La casa de los espíritus”, se molestó mucho. Decía que estaba exponiendo muchas cosas. Lo que más le molestó fue que le había puesto el nombre de mi padre al villano. Acepté cambiar el nombre, que no me costaba nada. Pero si mi mamá me hubiera pedido que eliminara algo de la novela, no lo habría aceptado. Si me dan a elegir entre ofender a la familia o contar la historia, yo cuento la historia. Si se ofenden, ¡qué le vamos a hacer!

— “Tengo una pegatina en la puerta del refrigerador que me recuerda que no es necesario ser genial, lo bueno es suficiente”, escribes. ¿Es necesario bajar un poco las expectativas en el proceso creativo?

En una ocasión fui con mi hija Paula a dar unos cursos en Clermont. Yo no había enseñado nunca nada, y antes de entrar a la clase, Paula me dice: “Dile a tus estudiantes que escriban una mala novela”. “Pero, Paula, ¿cómo?”, pregunté. “Sí”, me responde, “Porque si se proponen escribir la gran novela americana, no van a empezar nunca”. Lo malo se puede corregir, pero lo que no está en el papel no existe. Entonces, dale, empieza, lánzate. Ya uno verá cómo flota. Pero no se puede esperar ser un perfecto nadador antes de lanzarse al agua. Es un poco arrogante pensar que uno es capaz de escribir una novela perfecta.

— ¿A nivel de estilo, cómo llevas la manía con las palabras? ¿Te peleas con los adjetivos, con los adverbios, con los gerundios?

Procuro no caer en el cliché. No diré que “Fulanita tenía ojos verdes”; voy a decir que “tenía ojos de espinaca”. Busco lo diferente. Trato que mis frases sean claras, aunque sean largas, aunque tengan adjetivos. Me llegan a veces correos de aspirantes a escritores, y no entiendo lo que dicen. Es tal el barroco, le dan tantas vueltas a las cosas, que no se les entiende. Cuando leo mis primeros libros siento que recargaba demasiado el lenguaje. Después de cuarenta años viviendo en inglés, me han depurado el castellano. Para los latinos, es casi una falta de cortesía ir directo al grano. En Estados Unidos no quieres que el otro pierda tiempo, y eso me ha ayudado mucho en depurar el lenguaje.

— Me llama la atención cómo en tu libro vinculas tu disciplina literaria con la disciplina militar de tu abuelo. Coincides totalmente con Vargas Llosa en eso.

Yo aprendí la disciplina por mi abuelo. Me crié en la escuela del rigor, aprendiendo que la vida no es fácil, que uno no viene a este mundo a pasarlo bien, que uno viene a este mundo a trabajar, a sufrir, a hacerse fuerte. Y me ha servido inmensamente en la vida, sobre todo en el exilio y la escritura.

— ¿Crees que el lector de hoy es menos capaz que antes?

En general, sí. Hace 50 años, lo que había era literatura. No existían las miniseries. Había la costumbre de leer. Y se empezaba a leer desde chico. Salvo el cine, no había otra entretención. Ahora hay muchas otras distracciones. Los jóvenes tienen miedo de la página de papel porque están acostumbrados a la pantalla. La gente quiere todo resumido. Los libros ya no pueden ser largos porque el editor te los rechaza.

— ¿Y cómo va el proceso de escribir tus memorias? ¿Será una continuación de “La suma de los días”?

¡Ya la terminé! Será distinta. Son sólo diez años, desde mi divorcio de Willy (William Gordon) con quien estuve 28 años. Es el tiempo en que estuve sola y encontré otro amor. Todo el mundo se divorcia, todo el mundo se vuelve a casar. ¡Pero no a mi edad! Cuando me separé a los 74 años, la gente no lo podía creer. Pero pienso que es mucho más difícil quedarse en algo que no funciona que estar sola. Entonces vendí la casa enorme y me compré una casa chiquita, con un solo dormitorio y una cama para terminar mis días con mi perra. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes que me cayera otro marido. Nos habíamos recién conocido y nos pescó el Covid allí. Cuando se enfermaba él, yo dormía en el sofá. Y cuando me daba a mí, también dormía en el sofá, porque él no cabía. Ahora tenemos una casa con dos camas. Es una memoria sobre la vejez, sobre el amor a cualquier edad.

Karol G anunció su gira mundial durante su última presentación en el festival Coachella 2026 y sorprendió a sus fans al incluir un show en Perú como parte del “Viajando por el mundo Tropitour”. El concierto se realizará el próximo 22 de enero de 2027 en el Estadio San Marcos. La preventa de entradas estará disponible desde el miércoles 29 de abril a través de Teleticket.

El regreso de la ‘Bichota’ a Perú se da en su mejor momento, pues llega consolidada como una de las figuras latinas más influyentes de la nueva escena musical global. “Viajando por el mundo Tropitour” recorrerá más de 39 estadios en Norteamérica, Sudamérica y Europa. Además, sumará nuevas ciudades próximamente.

El anunció de su gira se dio al finalizar su actuación el domingo por la noche en el escenario principal de Coachella 2026, la cantante proyectó en las pantallas gigantes un mensaje: “Nos vamos de tour”. Luego, la propia Karol G, fue quien confirmó su gira, desatando la euforia en todo el recinto. “¡Familia! ¡Nos vamos de tour!”, exclamó la ‘Bichota’.

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De esta manera, la expectativa de los fans peruanos crece tras el anuncio del show promovido por Live Nation. La cantante colombiana volverá a Perú luego de tres años, ya que se presentó en abril de 2024 como parte de su tour “Mañana será bonito”.

La preventa de entradas arrancará el miércoles 29 de abril a las 9 a.m., exclusiva para clientes Mastercard BBVA. En tanto, la venta general se habilitará el jueves 30 desde las 9:30 a.m. (o al agotar tickets de preventa) a través de la plataforma Teleticket.

Cabe resaltar que Carolina Giraldo, nombre real de Karol G, hizo historia al convertirse en la primera artista latina en presentarse en el escenario principal del Coachella en su edición 2026. Durante su show, hizo vibrar al público al ritmo de “Tropicoqueta”, “Papasito” y “Qlona”.

Con “Viajando por el mundo Tropitour”, Karol G se prepara para elevar el nivel de sus presentaciones, brindando su experiencia en vivo más ambiciosa e inmersiva hasta la fecha, llevando su música y su impacto cultural a sus fans en todo el mundo, especialmente en Perú, donde reúne a una gran legión de admiradores.

Hace unas semanas, el actor Timothée Chalamet lanzó una frase que encendió el debate: dijo que no le interesaba trabajar en el ballet ni en la ópera, disciplinas que —según sugirió— suelen mantenerse vivas más por convicción que por tendencia, incluso cuando parecen no estar en el centro del interés masivo. La declaración, viral y discutida, volvió a traer la pregunta sobre el lugar que ocupan las artes clásicas en un mundo donde la inmediatez del streaming domina el entretenimiento global. Pero más allá de la polémica, surge algo evidente: la ópera sigue generando conversación. Y, sobre todo, sigue viva. Al menos en Lima, una ciudad donde esta expresión artística no solo resiste, sino que encuentra nuevas formas de sostenerse, reinventarse y convocar.

TRADICIÓN EN ESCENA

Para Miguel Molinari, gerente de Cultura de la Municipalidad de Lima, la ópera no está en crisis. “La crisis es de los teatros”, afirma. En el caso peruano —explica— el problema ha sido estructural: los grandes escenarios no han operado como espacios de producción, sino, más bien, como recintos de alquiler.

Es justamente a partir de ese diagnóstico que el modelo ha comenzado a cambiar. Desde el municipio limeño, la apuesta ha sido que los teatros asuman un rol activo en la creación de sus propias temporadas. “Este es un primer paso para institucionalizar la ópera”, señala Molinari. La clave está en la ordenanza N° 2734 aprobada el año pasado, la cual establece, por primera vez, temporadas oficiales de ópera, conciertos y danza con presupuesto asignado. “Lo importante es que no quede como una anécdota, sino que tenga continuidad en el tiempo”, añade.

En el fondo, se trata también de reconectar con una historia que Lima nunca ha dejado del todo atrás. Su tradición operística es, de hecho, fundacional. “La ópera en América nació en Lima”, comenta Molinari, aludiendo al estreno de ‘La púrpura de la rosa’ en 1701, con música de Tomás de Torrejón y Velasco. Desde entonces, la ciudad desarrolló una intensa actividad lírica. “Los antecedentes musicales e históricos son enormes”, subraya. En el siglo XIX, esa tradición se consolidó con temporadas formales y figuras como Rosa Merino, mientras que la escena alcanzó niveles hoy difíciles de imaginar. “Cuando se inaugura el Teatro Municipal, se montaron 36 óperas en cinco meses”, apunta.

Esa continuidad, sin embargo, se fue diluyendo. Durante décadas, fueron asociaciones privadas las que sostuvieron la ópera en Lima. “Se ha mantenido viva por el interés de personas y grupos que han trabajado con mucho esfuerzo y amor por la música”, reconoce. Hoy, ese impulso empieza a articularse con una política pública que busca asegurar su permanencia. Incluso —dice entre risas— polémicas recientes como las declaraciones de Timothée Chalamet “terminaron dándole promoción a la ópera sin querer”.

La temporada 2026 se desarrollará principalmente en los teatros municipales (Teatro Municipal y Teatro Segura), recuperando su rol histórico como espacios de producción y exhibición. La programación incluye títulos del repertorio clásico como ‘Il trovatore’ de Verdi y ‘Tancredi’ de Rossini, junto a propuestas vinculadas a la historia y la identidad peruana como ‘La púrpura de la rosa’ y ‘Atahualpa’, además de montajes como ‘Cavalleria rusticana’, ‘Pagliacci’ y ‘L’elisir d’amore’ (más información en el recuadro).

ARTE QUE EVOLUCIONA

Desde el 2008, el Festival Granda de Ópera se ha convertido en uno de los pilares de la escena operística en el Perú. Nacido como una iniciativa privada para mantener viva la tradición lírica en tiempos de escasa programación institucional, el festival ha logrado consolidarse como una cita clave en la agenda cultural limeña. En los últimos diez años, bajo la presidencia de Fiorella Simeone, su apuesta ha sido clara: formar públicos y demostrar que la ópera no es un arte lejano ni elitista, sino una experiencia viva y accesible.

“Durante mucho tiempo sentimos que el interés por la ópera estaba un poco dormido”, reconoce Simeone. “Nuestro principal objetivo ha sido acercar nuevos públicos, sobre todo jóvenes”, añade. Para ello, el evento apostó en sus primeras ediciones por títulos reconocibles como ‘La traviata’, ‘Carmen’ o ‘El barbero de Sevilla’, capaces de tender un puente entre la curiosidad y la experiencia. Hoy, con un público más formado, la propuesta puede arriesgar más.

La temporada 2026 marca un punto de madurez. El festival presentará ‘Aida’, una de las grandes óperas del repertorio, en el Gran Teatro Nacional, un escenario que —según Simeone— permite finalmente desplegar toda la magnitud del espectáculo. “Es una ópera que no se presenta hace muchos años en Lima y que necesita un espacio con las condiciones técnicas adecuadas”, explica. La elección no es casual: ‘Aida’ exige grandes coros, una orquesta amplia y una puesta en escena de escala monumental, elementos que encuentran en el Gran Teatro Nacional su mejor plataforma.

Detrás de esta ambición hay también una visión artística sólida. La curaduría cuenta con el respaldo de figuras como el tenor peruano Ernesto Palacio, lo que permite convocar a artistas internacionales de primer nivel y articularlos con talento local. “Buscamos propuestas innovadoras, que desmitifiquen la idea de que la ópera es aburrida”, señala Simeone.

A pesar de los desafíos (financiamiento, competencia con otros espectáculos, coyunturas políticas) el festival ha logrado crecer. “Es casi una magia que logramos gracias al equipo y a los auspiciadores”, admite. Pero más allá del espectáculo, hay una convicción: la ópera sigue teniendo un lugar en Lima. “Es una experiencia que te atraviesa, que te hace sentir. Hay que vivirla para entenderla”, dice.

En una ciudad que vuelve a mirar su tradición lírica con ambición renovada, el Festival Granda no solo acompaña ese impulso, sino que lo potencia: apuesta por espectáculos de gran escala, forma nuevos públicos y reafirma que, lejos de ser un arte del pasado, la ópera sigue encontrando en la capital peruana un escenario para proyectarse hacia el futuro. //

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: alguien criticará uno de sus proyectos, pero su argumento convencerá. Amor: llega el momento en que una reconciliación en la pareja será lo que más desea.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: situación propicia para establecer acuerdos y concretar negocios ventajosos. Amor: se producirá el encuentro menos esperado y se dará cuenta de que es lo que necesita.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: tendrá que resolver asuntos complicados por otros y saldrá adelante. Amor: la dispersión por meterse en muchas cosas a la vez creará fastidio en la relación.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: soplarán vientos de buena fortuna que facilitan el acceso a beneficios. Amor: gente entrometida querrá perjudicar la armonía de la pareja, pero no podrá.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: un colega cuestionará su proyecto pero no logrará cambios; su posición es sólida. Amor: una insinuación en el momento indicado provocará que alguien se interese.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: evitará que el error de un colega afecte el negocio de mejores beneficios. Amor: una decisión apresurada alterará la armonía en la pareja, pero la reparará.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: las cosas estarán óptimas en casi todas las áreas por su gran esfuerzo. Amor: más que nunca, necesitará que le expresen mucho afecto en la pareja y todo mejorará.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: aunque se acumulen problemas sin resolver, alcanzará las metas. Amor: sentimientos contradictorios le abrumarán, pero su pareja le ayudará a expresarlos.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: con menos dispersión, la puerta más esperada se abrirá. Amor: un malentendido se aclara, llena de alivio a la pareja y genera una cita romántica.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: propicio para ocuparse de lo pendiente y el éxito le alcanzará. Amor: contra todo pronóstico, la pareja se reconcilia y renueva los pactos amorosos.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: tendrá todo bajo control y personas influyentes observarán con atención. Amor: le reprocharán que su compromiso no es sólido pero su pareja confiará.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: la rutina comienza a agobiarle, pero reaccionará para crear un nuevo proyecto. Amor: apoyará los pies sobre la tierra y tomará iniciativas que serán inolvidables.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: ATROPELLADA. SE METE EN TODO Y SUS CONSEJOS RESULTAN DE LO MÁS AUDACES.

Tras consolidar una carrera en la investigación académica y el análisis de la cultura visual en el Perú, la historiadora y politóloga Christabelle Roca Rey incursiona en la literatura infantil con el libro “La cuchara perdida de Gabriel”.

El origen de esta producción literaria se encuentra en una experiencia directa de la autora con su hijo, quien perdió un cubierto durante su jornada escolar. Roca Rey explica que la trama surgió al observar la frecuencia con la que los niños desarrollan vínculos con objetos específicos y la recurrencia con la que estos se pierden. A partir de este suceso, la escritora estructuró un juego narrativo donde el extravío de un elemento simple funciona como el motor principal para el desarrollo de una secuencia de situaciones fantásticas.

El libro incorpora el trabajo del ilustrador Olivier Chien, quien estuvo a cargo de la elaboración del universo visual que acompaña el texto. El componente gráfico utiliza una paleta de colores y un estilo dinámico destinados a complementar la secuencia de las aventuras descritas en el relato.

“La cuchara perdida de Gabriel” (Planeta, 2026) ya está disponible en las principales librerías del país.

Las primeras elecciones en el Perú no se realizaron durante la etapa republicana, sino en pleno virreinato. En 1808 se había producido un verdadero cataclismo en España: el rey Carlos IV y su hijo Fernando VII habían sido tomados cautivos, tras la invasión de las tropas napoleónicas a la península ibérica. Ante el vacío de poder, los borbones, refugiados en Cádiz, decidieron otorgar representación a las colonias americanas en un intento de evitar la caída de la monarquía. Entonces, en el Perú como en otros lugares de América, se organizaron elecciones para designar a nuestros representantes ante las cortes gaditanas, los cuales debían elaborar una constitución. Al ser algo inédito, los electores se organizaron rápidamente alrededor de las dos instituciones que más conocían: las parroquias y los cabildos.

En aquel tiempo –como en la mayor parte del siglo XIX–, las parroquias eran no solo centros religiosos, sino espacios que articulaban las relaciones vecinales y resguardaban la información poblacional más fidedigna: los registros de bautizo, matrimonio y defunción. Por ello, los primeros procesos electorales giraron alrededor de ellas. “La parroquia era la unidad política, religiosa y social de la república temprana”, afirma el historiador José Ragas.

Estas elecciones de representantes a las cortes de Cádiz (1809 y 1810) sirvieron, con matices, como modelo para la mayoría de comicios desarrollados a lo largo del siglo, en medio de incertidumbres y luchas caudillistas. En síntesis, eran elecciones indirectas de dos grados, en las que no se elegían autoridades sino electores. “Se creó una suerte de elección escalonada –explica Ragas– una votación parroquial para elegir a quienes iban a ser los miembros de los colegios electorales provinciales, los que a su vez decidían quién iba a ser el presidente de la República”.

En cuanto a la participación, esta se restringió a las élites tanto limeñas como regionales. “En ese momento había una idea jerárquica y vertical de lo que era la representación política –precisa Ragas–, solo votaban los vecinos varones, aquellos que pagaban impuestos, y los que sabían leer y escribir”.

Tres momentos electorales

En “Historia de las elecciones en el Perú”, libro editado por el historiador Cristóbal Aljovín y el sociólogo Sinesio López, se identifican tres momentos electorales en el siglo XIX: un primer período, entre 1822 y 1827, marcado por la realización de comicios bajo la tutela de los libertadores –San Martín y Bolívar– y sus ejércitos. “Las elecciones de 1822 (para elegir el primer Congreso constituyente) fueron uno de los pocos procesos directos del siglo XIX –escribe Aljovín–, pero estaban circunscritas a las provincias ocupadas por las tropas de San Martín, con el curioso expediente de elegir a los representantes de las provincias controladas por el virrey entre vecinos de estas residentes en Lima”. En cambio, las votaciones para la elección del Congreso de 1825 fueron realizadas de manera indirecta y ahí jugó un papel importante la imponente figura de Simón Bolívar.

Luego, se establece un segundo período, que va de 1827 a 1851, cuando primaron las elecciones indirectas en un momento político caracterizado por asonadas y revoluciones, en un país en permanente campaña militar y electoral. Como afirma Aljovín, “todo golpe de Estado, después de todo, se legitimaba a través de las urnas”. En esta época la participación de las poblaciones indígenas fue muy activa, aunque controladas por las élites locales y los caudillos militares en una relación patrón-cliente. En su biografía sobre Castilla, la historiadora Natalia Sobrevilla refiere que en 1840 existían 58 colegios electorales. No había una lista fija de ciudadanos y se podía votar a discreción, pues estaba vigente una excepción que permitía el voto a los analfabetos. Así, en 1844, Castilla se hizo con el poder con 1.184 votos, de los 1.358 emitidos por los colegios electorales.

Finalmente, se identifica un tercer período electoral, entre 1851 y 1896, cuando se realizaron algunos comicios directos como los de 1855, 1858 y 1860. Lo importante de esta etapa fue que los clubes electorales y partidos empezaron a ser los actores principales del juego político.

El voto cantado

En las elecciones decimonónicas no existía el voto secreto. Este era abierto y, algunas veces, cantado por los sufragantes. Los votantes debían escribir el nombre de sus candidatos en las cédulas. A veces los llevaban ya impresos y en otras ocasiones se les dictaba en la cola a quienes elegir. Todo esto generaba trifulcas que, muchas veces, terminaban a pistoletazos, o con uno de los bandos raptando las ánforas.

Es conocida la frase de González Prada, quien decía que se practicaba la política de “la butifarra y el aguardiente”, es decir, la compra del voto con dádivas. “Lo que sucede –explica Ragas– es que antes de los partidos políticos existían los clubes electorales, grupos de espontáneos que presentaban a sus candidatos. No había nada institucionalizado. Los domingos de febrero, cuando tocaba hacer la votación parroquial, cada uno de estos clubes ponía su mesa en la plaza para que fueran los votantes a elegir. Algunos tomaban la plaza para que solo quedara su mesa y su lista. Eso generaba violencia y corrupción con la compra de los votos”.

Al respecto, Aljovín escribe: “Al no existir listas cerradas de candidatos, era usual que aparecieran candidatos sorpresa o que una misma persona pudiera ser elegida en diferentes provincias como congresista. Los candidatos sorpresa constituían un episodio normal en las elecciones de primer grado en que, de manera improvisada, un grupo de ciudadanos terminaba apoyando a alguien inesperado”.

Bajo el voto indirecto se eligieron a presidentes tan importantes como Castilla, Manuel Pardo y Andrés Avelino Cáceres. Justamente, la de Pardo, el primer presidente civil elegido en el Perú en 1871, fue una votación especialmente masiva. Según consta en su correspondencia, uno de sus mítines en Lima congregó a diez mil quinientas personas, cuando la población capitalina no superaba las 80.000.

El fin de una época

El sistema del voto indirecto fue perdiendo prestigio con el transcurrir del siglo XIX. Según el historiador Ragas, había un tema de fondo en su cuestionamiento: en esos años, la población se concentraba en el ámbito rural y en los Andes, y como los colegios electorales se establecían por criterios demográficos, entonces casi siempre las élites de esta parte del país terminaban decidiendo al presidente. Esto era visto con recelo por una creciente élite limeña y costeña surgida con el ‘boom’ del guano. A fines de 1896, una reforma puso fin a los colegios electorales y estableció el voto directo, tal como lo conocemos ahora. “La reforma consolidó un cambio que ya se venía dando: desplazar el eje de la política peruana de la sierra hacia la costa”, reflexiona Ragas. Así, la eliminación del voto indirecto marcó el fin de una época.

El destacado actor Luis Brandoni falleció la madrugada del lunes 20 de abril, a los 86 años, tras permanecer internado en el hospital por varios días luego de una caída en su domicilio. Ante esta trágica noticia, Eduardo Blanco, amigo y actor, compartió unas palabras conmovedoras recordando a su compañero.

El actor argentino Eduardo Blanco reconoció que fue “un aprendizaje” trabajar con su amigo Luis Brandoni, quién falleció en Buenos Aires y con quien compartió escenario durante diez años en la obra teatral “Parque Lezama”, llevada luego al cine por Juan José Campanella, y que ahora está disponible en Netflix.

En conversación con el medio argentino Infobae, Eduardo Blanco declaró que, si bien sabía el desenlace que podía ocurrir, no esperaba que fuera tan pronto. Este lunes despertó con la triste noticia de quién para él ha sido su maestro y referente de la actuación.

“Fue un gran aprendizaje. Nos ha acompañado con las historias que ha contado y, para mí, en particular, es muy significativo. Yo siempre le decía, en la época que comencé a ser actor, que pasar a ser parte del sindicato de actores era un privilegio, una emoción”, comentó Blanco.

Cabe recordar que durante su permanencia como secretario general de la Asociación Argentina de Actores, entre los años 1972 y 1983, fue quien entrego a Eduardo Blanco su carnet de actor. “Yo tuve el privilegio, te sentías pertenecer cuando tenías tu carnet de actores, una cosa como muy importante y emocionante. Y él fue quien me lo entregó a mí”, afirmó.

A lo largo de su carrera, Eduardo Blanco ha trabajado en películas muy reconocidas como “El hijo de la novia” y “Luna de Avellaneda”, así como también en teatro y muchas series, entre ellas “Aquí no hay quien viva”.

Eduardo recordó a Brandoni como uno de los actores que tenía talento para sintetizas frases o graficar muchas cosas. “Muchas cosas uno puede saberlas, puede sentirlas, pero escucharlas de su boca era distinto”, destacó.

Eduardo Blanco y Luis Brandoni recorrieron decenas de teatros en Argentina, y también en España, con la obra “Parque Lezama”, un clásico teatral porteño y que en marzo pasado saltó al cine de la mano de Juan José Campanella. Este ha sido la últimas película del destacado actor argentino que también está en el catálogo de Netflix.

“Siempre recuerdo cuando hacíamos gira por Argentina e íbamos a ciudades pequeñas, en teatros hermosos y grandísimos. Y él decía ‘qué país pensaron estos tipos’”, recordó el actor.

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Asimismo, a través de cuenta oficial de Instagram, el actor compartió un mensaje emotivo: “¡Gracias por todo Beto! Por todo el aprendizaje que me representó como actor tener la fortuna de compartir un escenario tanto tiempo con vos, por tu entrega, tu compromiso, tu profesionalidad y tu enorme talento... Estoy triste y desde aquí, en Madrid donde estoy te abrazo, te despido y te aplaudo", escribió.

Este 23 de abril se cumplen cincuenta años de la aparición de “Ramones”, el disco debut de la banda neoyorquina del mismo nombre, y lo primero que habría que reconocer es que el álbum aún conserva una frescura difícil de explicar. Hoy mismo, en alguna ciudad, todavía hay adolescentes encerrados en una habitación, aporreando instrumentos y tratando de tocar así de rápido, imperfecto y amateur, como lo hacían los Ramones en 1976. Aquel primer alarido punk nació para conjurar el aburrimiento de una escena ‘mainstream’ atrofiada por su propia pomposidad. Frente a ello, su respuesta fue volver a lo esencial.

La escena que rodeaba a los Ramones en Nueva York en los años setenta era pequeña pero fértil y daría mucho que hablar tiempo después. En el ruinoso club CBGB del Bowery coincidían bandas muy distintas entre sí: estaba Television, que exploraba con guitarras largas y angulosas, luego los Talking Heads y su nervioso art rock. Todas compartían el mismo escenario, pero los Ramones eran el extremo más curioso de ese ecosistema. Eran una banda de personajes que parecían sacados de una pandilla, con canciones que apenas superaban los dos minutos.

“Nosotros solo estábamos reaccionando contra la música de ese momento”, diría sobre su estilo el guitarrista Johnny Ramone en su autobiografía “Commando” (2004). Para él, bandas como Yes o Emerson, Lake & Palmer representaban justo lo que los Ramones querían evitar: canciones largas, solos interminables y estructuras cada vez más complejas. La respuesta fue radical. “Lo único que hicimos fue tomar el viejo rock and roll y acelerarlo”, diría más tarde en el documental “End of the Century” (2003). La disciplina interna del grupo incluía una regla sencilla: nada de solos de guitarra. Johnny la rompió solo una vez, y justo en su mayor éxito, “I Wanna Be Sedated”. Pero lo hizo a su manera: el “solo” consiste en una sola nota sostenida durante ocho compases.

De la Gran Manzana a Londres

Sobre los orígenes del punk se ha escrito mucho y especulado aún más. Hay quienes insisten todavía en que los peruanos Los Saicos fueron sus creadores, una tesis romántica pero insostenible que, en todo caso, no debería herir el orgullo nacional. Antes del punk existía el rock de garaje, parecido en su aspereza pero distinto en su alcance y en su conciencia histórica. El punk no fue solo un sonido, sino un hecho social. El crítico estadounidense Greil Marcus lo formuló con precisión antropológica en su gran libro “Trazos de carmín”: “Era una cultura para quienes no encajaban”. El filósofo y crítico peruano Pedro Cornejo llegó a una conclusión similar. En “Juegos sin fronteras” observó cómo la música de los setenta relegaba a su público juvenil al papel de mero contemplador de “elaboradísimos ejercicios musicales”. En ese proceso, advertía Cornejo, el rock perdía su potencial movilizador. El punk llegó para recuperarla.

Si en Nueva York el punk tomó forma en los clubes del Bowery, al otro lado del Atlántico el movimiento adquirió un tono aún más explosivo. En 1976, irrumpieron los Sex Pistols, un grupo que transformó el descontento juvenil británico en un escándalo nacional. Su cantante, John Lydon —conocido entonces como Johnny Rotten—, convirtió el sarcasmo, la furia y la provocación en una forma de arte. Canciones como “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen” atacaban frontalmente a la monarquía, a la política y a la cultura oficial, en una Inglaterra marcada por el desempleo juvenil.

Tras el colapso de los Pistols, John Lydon decidió explorar otros caminos. En 1978, fundó Public Image Ltd. (PiL), un fascinante proyecto que empujó la energía punk hacia territorios más experimentales, con ritmos dub, estructuras abiertas y atmósferas oscuras que terminarían definiendo el llamado post-punk. Casi medio siglo después de aquel estallido, Lydon —que de anarquista ha pasado a defender posturas conservadoras— sigue siendo una de las figuras más singulares de esa historia.

Con PiL, el cantante demostró que podía sobrevivir a su propia leyenda y seguir encontrando nuevos caminos. Lydon y Public Imaged Ltd. visitarán Lima este 21 de abril, una fecha imperdible para los nostálgicos del punk y para cualquiera que quiera presenciar en vivo un pedazo de historia del rock del siglo XX. Después de todo, no todos los días pasa por la ciudad uno de los hombres que ayudó a incendiar a toda una generación con sonido, furia e inconformismo. //

El cine argentino está de luto. Luis Brandoni falleció el lunes 20 de abril, a los 86 años, luego de estar internado por varios días en un hospital tras sufrir una caída en su domicilio. El recordado actor deja una trayectoria de más de sesenta años, con éxitos como “Parque Lezama”, película que fue recientemente estrenada en Netflix.

El destacado actor de televisión, cine y teatro argentino, ha dejado huella en su carrera con éxitos de taquilla con la película “La tregua”, ópera prima de Sergio Renán, que adaptó la novela homónima del escritor uruguayo Mario Benedetti. Así como también su última película “Parque Lezama”, donde compartía protagonismo con Eduardo Blanco.

Luego de ganar el Oscar con “El secreto de sus ojos” en 2010, Juan José Campanella regreso a la producción y volvió a filmar en Argentina. Cuenta con solo tres películas en 16 años: la animada “Metegol” (2013), “El cuento de las comadrejas” (2019, también con Brandoni, y está en Netflix) y ahora “Parque Lezama”, adaptación de su exitosa obra de teatro, a la vez, basada en “I’m Not Rappaport”, de Herb Gardner.

“Parque Lezama” fue estrenada el 19 de febrero, y a menos de un mes fue incorporada a Netflix el 6 de marzo de 2026. Con esta comedia dramática, Campanella utiliza y aprovecha el valor de la palabra por sobre las imágenes.

La historia de “Parque Lezama” presenta a dos ancianos: ‘León Schwartz’ interpretada por Luis Brandoni, un militante comunista, y ‘Antonio Cardozo’ por Eduardo Blanco, un hombre conformista que busca transitar sus últimos años de vida con tranquilidad y sin mayores preocupaciones.

Verónica Pelaccini, su hija en la ficción, lamenta lo sucedido y contó brevemente como fue trabajar con Luis Brandoni. “Beto es el mejor compañero que podés tener. Es cómplice, conectábamos mutuamente, tiene mucho sentido del humor y es extremadamente generoso como compañero y como actor...”, dijo.

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Con la muerte de Luis Brandoni, el personaje del actor adquiere otro peso. Su mirada, su forma de expresarse y sus pausas transmiten una profundidad que trasciende la interpretación y se percibe como un legado para los argentinos.

Luis Brandoni, uno de los más grandes actores argentinos, conocido por éxitos como “La tregua”, “La odisea de los giles” o “La Patagonia rebelde”, falleció este lunes a los 86 años tras haber sufrido hace unos días un accidente doméstico, según informó Multiteatro, una promotora teatral de Argentina.

“Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario”, señaló Multiteatro en un mensaje en X.

Nacido en Buenos Aires en 1940, Brandoni comenzó su carrera como actor en televisión y participó después en grandes éxitos del cine argentino. Acababa de estrenar “Parque Lezama”, de Juan José Campanella, adaptación de la obra de teatro homónima, en Netflix.

⚫️ Murió Luis Brandoni.
Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable.
Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario.
Hoy es un día muy triste para nuestra cultura.

— Multiteatro (@multiteatro) April 20, 2026

El actor, que acababa de cumplir 86 años este sábado, también se encontraba preparando la segunda temporada de “Nada”, una serie para Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro, según recoge el diario Clarín.

Desde el anuncio de su muerte, se han sucedido las condolencias. Entre ellas, la del secretario de Cultura argentino, Leonardo Cifelli, quien afirmó que “Brandoni fue mucho más que un actor extraordinario: fue un emblema de nuestra identidad cultural”.

“Supo retratar como pocos el alma argentina y fue un referente cuyo compromiso con su oficio lo convirtió en ejemplo para colegas y futuras generaciones. Su talento, su vocación y su integridad seguirán siendo parte viva de nuestra cultura”, añadió Leonardo Cifelli.

El productor de cine Axel Kuschevatzky, que trabajó con él en varias ocasiones, compartió un mensaje en su perfil de Instagram en el que asegura que “Luis Brandoni fue único, y es imposible imaginar el cine argentino sin él. Su figura atraviesa algunas de las películas más importantes de nuestro ADN cultural de los últimos 55 años. Trabajé con él cinco veces, y compartir tiempo a su lado siempre fue memorable”.

La actriz Graciela Borges dijo también en Instagram: “Vas a estar siempre en mi corazón”, mientras que Soledad Silveyra, que compartía escenario junto a Bradoni en “¿Quién es quién?“, la obra que se tuvo que suspender tras su caída, lamentó la desaparición del actor.“Sos el último de los grandes en irse. Siempre con tu recuerdo. Día muy triste para la cultura”, señaló.

Según dijo el productor teatral Carlos Rottemberg a Clarín, el velatorio será hoy lunes en la Legislatura y el martes en el Panteón de Actores. Brandoni fue “un defensor de la cultura argentina”, comentó el productor.

“Después de 48 años de amigo, puedo decir que por un lado uno tiene el dolor que tiene que tener y por el otro gratificar que Brandoni vivió todo lo que él quiso vivir”, agregó.

Ante el fallecimiento del actor y exdirigente sindical, Luis Brandoni, acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional. pic.twitter.com/katvoTUhin

— Asociación Argentina de Actores (@actoresprensa) April 20, 2026

También lamentó su muerte la Asociación Argentina de Actores con un mensaje en la red X: “Acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional”.

La culpa la tiene Barbie, la muñeca. Sus películas animadas, como aquellas inspiradas en “El Lago de los Cines” y “El Cascanueces” sembraron algo en Micaela Simons cuando solo tenía cuatro años de edad. Hoy, con 23, ya es bailarina profesional de ballet. Es además la primera peruana en integrar el Grand Kyiv Ballet de Ucrania, que ahora se encuentra de gira. El conflicto bélico en Europa evita que se presenten en su país de origen.

“Normalmente las compañías ensayan durante meses”, declaró Simons a El Comercio vía Zoom, horas antes de presentar “El Lago de los Cisnes” en Florida. La compañía ha estado de gira por Estados Unidos con esta obra y la peruana, cuando tuvo que prepararse para su primera función en octubre último, solo tuvo tres días. Una muestra de la exigencia que se tiene con las bailarinas en este nivel de profesionalidad.

“El ballet es una profesión sumamente demandante, requiere de una gran vocación. Es de corte, yo diría que hasta militar. Uno realmente tiene que tener un llamado porque es muy difícil técnicamente y tiene que haber mucho compromiso de trabajo. Micaela es una chica que siempre estuvo muy comprometida con ser bailarina y tiene lo que yo llamaría ángel, una manera de expresarse que es muy sincera, muy artística”, contó a este Diario Mamie Raguz, quien fue su profesora en el Estudio de Ballet Lucy Telge. En marco de sus estudios en Lima llegó a bailar con en el Ballet Municipal de Lima a los 13 años de edad.

“Es una profesora muy estricta”, dijo Simons a El Comercio al escuchar las palabras de Raguz. “Pero eso es lo que se necesita en el mundo del ballet, la verdad. Y yo estoy muy agradecida con Mamie, porque no solamente me ayudó mucho a mejorar mi técnica, pero también me apoyó mucho en el tema de las audiciones para la Joffrey Ballet School de Nueva York”.

La peruana se mudó a Nueva York al cumplir 18 años. Allí solo se dedicó a perfeccionar sus habilidades de baile; la ayuda de sus padres fue fundamental en esto, por lo cual ella se sabe afortunada. Entrar en este ambiente representó un choque para ella, porque se dio cuenta que el mundo del ballet era más grande de lo que imaginó. “Hay muchísima gente talentosa de diferentes países que conocí. No solamente las alumnas, sino las profesoras rusas que habían estudiado en escuelas como el Vaganova, que es la mejor escuela de ballet en el mundo y era un nivel de exigencia diferente”.

Ahora que su carrera profesional ya está encaminada, Simons se proyecta al futuro, lo cual es significativo en esta disciplina, donde el desgaste físico, al exigirle al cuerpo humano cosas para las que no está hecho, fuerza al retiro en la juventud. “A mí me gustaría bailar la mayor cantidad de tiempo que pueda. Si puedo llegar a los 40 y tantos como mi bailarina favorita, Marianela Núñez (Argentina), que ya tiene 43 y todavía está en el tope, me encantaría”.

Luis Brandoni, fallecido este lunes a los 86 años, siguió trabajando hasta el último momento y deja una trayectoria de más de sesenta años, con éxitos como “La tregua”, un título clave en la historia de la cinematografía argentina, o “La Patagonia rebelde”.

Y también tuvo un inquebrantable compromiso político, que le llevó a ser diputado nacional por el partido Unión Cívica Radical entre 1997 y 2001.

Nacido el 18 de abril de 1940 en Buenos Aires, comenzó su carrera como actor en teatro, en 1962 y al año siguiente llegó su primera serie de televisión, “El sátiro”. En 1966 hizo su primera película, “Escala musical”.

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A continuación, participó en grandes éxitos artísticos y de taquilla como en los filmes “La tregua” (1974), ópera prima de Sergio Renán, que adaptó la novela homónima del escritor uruguayo Mario Benedetti, y que fue el primer título argentino en ser nominado al Oscar a mejor película en lengua no inglesa.

En los setenta y ochenta trabajó también en películas como “La Patagonia rebelde”, “Juan que reía”, “Esperando la carroza” y “Made in Argentina”, sin dejar de lado su faceta teatral.

Posteriormente llegarían títulos como “Frontera sur” (1998), “Ojos que no ven” (2000), “No sos vos, soy yo” (2004), “Quiéreme” (2007), “Solo se vive una vez” (2017), “La odisea de los giles” (2019) y “Parque Lezama”, recién estrenada en Netflix y que adaptaba la novela homónima con la que recorrió Argentina y España, junto a Eduardo Blanco.

Sobre las tablas de los más prestigiosos teatros argentinos, actuó en obras como “Art” junto con Ricardo Darín, en 2001; “Don Arturo Illia”, en 2012, y su último trabajo, “¿Quién es quién?“, que tuvo que abandonar tras sufrir una caída en su casa el pasado día 11.

En televisión, participó en la exitosa serie “Mi cuñado” (1993-1996), “Los cuentos de Fontanarrosa” (2007); “Caín y Abel” (2010); “La hora del Tango” (2017) o “Nada” (2023), en la que interpretaba a un surrealista crítico gastronómico, amigo de Robert de Niro, y de la que se estaba preparando una segunda temporada.

Además, hace solo unos días Disney+ anunció que Brandoni participaría con una colaboración especial en la cuarta temporada de la serie argentina “El encargado”, protagonizada por Guillermo Francella.

Su participación fuera de los escenarios

Pero más allá de su trabajo como actor, mostró un fuerte compromiso político y entre 1974 y 1983 fue secretario general de la Asociación Argentina de Actores.

En 1976, tras el golpe militar en Argentina, fue detenido junto a su entonces esposa, la actriz Marta Bianchi, a la salida de una función teatral y fueron trasladados a un centro clandestino de detención donde fueron torturados durante varias horas y finalmente liberados.

Fue miembro del partido Unión Cívica Radical, por el que fue Diputado Nacional por la Provincia de Buenos Aires entre 1997 y 2001.

En 2005 se postuló como candidato para Senador por la Unión Cívica Radical (UCR), sacando aproximadamente un 8% de los votos. Fue en 2007, candidato a Vicegobernador de la Provincia de Buenos Aires también por la UCR, acompañando a Ricardo Alfonsín.

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Desde diciembre de 2023, era parlamentario del Mercosur tras las Elecciones al Parlasur de Argentina, por Juntos por el Cambio.

Brandoni expresó su preocupación por la falta de previsibilidad en el discurso político del presidente Javier Milei. Incluso aseguró que le inquietaba “la personalidad del presidente”.

Premio Martín Fierro (1970), otorgado por la Asociación de Periodistas de la Televisión, Premio Estrella de Mar al Mejor Actor de Teatro (1981), también contaba con cuatro galardones Radiofonía Argentinas (APTRA) y un Premio Tato, de la Cámara Argentina de Productoras Independientes de Televisión (CAPIT).

Ramón García Monteagudo (Callao, 1949) llegó tarde a la actuación, o al menos eso creyó entonces. Tenía 27 años. “Ya de viejo”, dice hoy, con una sonrisa. Hasta ese momento no se imaginaba una vida como actor. Entró a un taller de teatro siguiendo el rastro de unas muchachas que llamaron su atención. Se inscribió por ellas. Ninguna le hizo caso. Pero el teatro sí.

“Al finalizar el curso comenzaron a repartir los libretos del montaje. A algunos les tocaron dos papeles; a los más antiguos, tres. Terminaron de repartir y a mí hasta ese momento no me habían dado nada. Entonces el director sacó un libreto bonito, me lo entregó y resultó que yo era el protagonista. Ahí comenzó la aventura”, narra el actor.

García, debutó el 2 de febrero de 1977 en la Asociación de Artistas Aficionados, con la obra “El tío rico, McPato, la píldora y otras cuestiones”, dirigida por Carlos Padilla. Un mes después ingresó al Teatro de la Universidad Católica. El próximo año cumplirá 50 años de carrera, medio siglo consagrado a un oficio que le dio sentido a su vida.

Premio a la trayectoria

Hoy, a sus 76 años, Ramón García recibe el Premio Luces a la Trayectoria con gratitud. Lo asume como un reconocimiento a su carrera, pero también a la forma en que la ha construido: con trabajo constante, disposición para aprender y no detenerse.

“Agradezco los reconocimientos, pero para mí el mayor premio sigue siendo poder dejarle algo a la gente. Que una obra haga pensar. Que una clase deje una pregunta. Que el arte no sea solo entretenimiento, sino también una forma de despertar conciencia. Esa idea guía mi trabajo como actor y también como docente”, asegura.

La fecha de la ceremonia, además, tiene para él un significado especial. “No creo en las cábalas ni en la numerología, pero el 23 es un número importante en mi vida. Coincide con la suma del año en que nací; el primer Salmo que aprendí en la escuela dominical de la iglesia metodista fue el 23; y también pertenezco a la promoción 23 del colegio militar Leoncio Prado. Y así podría seguir”, comenta.

Personaje clave

Dos años después de su debut en el teatro, Ramón García dio el salto al cine. En 1980 participó en “Aventuras prohibidas”, una película de episodios en la que apareció en el corto “Doble juego”, dirigido por Luis Llosa. Más adelante, en 1995, asumió su primer gran papel en televisión al protagonizar la serie “Los choches”, donde interpretó a Chapana.

“Creo que Chapana es el personaje que más me representa. Llegué a él después de ‘Escuela de la calle: Pirañitas’. Cuando me propusieron el papel, les dije que no quería un malo plano: quería que fuera malo, pero también cobarde, miedoso, valiente, héroe, antihéroe; que tuviera de todo, como cualquier ser humano. Y además que quisiera a los niños, porque yo soy un niño viejo. Me divertí mucho grabando esa serie porque me permitía volver a una infancia que no tuve”, reconoce.

Dolor temprano

Desde muy niño, la vida le mostró su lado más duro. Quedó huérfano y creció con una soledad que lo marcaría durante años. Hay una escena que todavía recuerda con nitidez: su primera Navidad solo. Lo llevaron a la casa de una familia desconocida y, cuando llegaron las doce, todos se abrazaron mientras él permaneció en un rincón, sin querer acercarse a nadie.

“No entendía qué hacía ahí. No había siquiera un regalo preparado para mí. Creo que improvisaron uno, pero no recuerdo qué era. Ese día juré que nunca más pasaría una Navidad con extraños. Me la pasaba borracho”, confiesa.

Ese vacío empezó a cerrarse muchos años después, cuando conoció a Carmen Fernández. Con ella formó la familia que tanto ansiaba tener. La conoció a los 36 años, se casaron y entonces vivió, por primera vez, una Navidad en un hogar que sentía suyo.

“Soy un ferviente creyente de Dios. Mi esposa, mis hijas y mis nietos son regalos suyos. En las noches nos reunimos, conversamos sobre lo que pasó en el día, renegamos, nos reímos, y en esos momentos solo atino a decir: ‘Gracias, Señor’. Esto es lo que siempre quise y la vida me lo da todos los días”.

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Dura batalla

Su familia ha sido su sostén en los momentos más difíciles. Lo fue, por ejemplo, cuando a mediados del mes de agosto del 2025 debió ser internado en un hospital tras una emergencia de salud provocada por una obstrucción en el colon, a consecuencia del cáncer que padece.

“Estuve 16 días en UCI. A mi esposa le dijeron que había que operarme de inmediato porque el colon podía reventar y provocarme una sepsis. Llevaba casi dos semanas sin poder ir al baño. Me operaron de emergencia, sacaron el tumor del intestino grueso—era cáncer— y cortaron 12 centímetros. Luego examinaron los ganglios extirpados y, por suerte, ninguno estaba comprometido”, narra.

Después vinieron ocho sesiones de quimioterapia, una cada 14 días. Los resultados, cuenta, han sido óptimos. Había ingresado al hospital con 103 kilos y salió con 86. Hoy ya volvió a pasar los 90.

“Me dijeron que las quimios podían provocarme mareos, náuseas y cansancio, pero me pasó todo lo contrario: se me abrió el apetito (ríe). He subido un poco de peso, así que ahora tengo que bajar, reducir grasa y ganar masa muscular. Necesito fortalecer el cuerpo para la próxima operación, cuando me reviertan la colostomía. Ese es el siguiente paso, ahora que ya terminé las quimios”, detalla.

Segunda oportunidad

Esa experiencia límite también le cambió la manera de mirar la vida. Haber estado tan cerca de la muerte, sin siquiera ser del todo consciente de ello, le confirmó que seguir aquí es un regalo que asume con gratitud y responsabilidad.

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“En febrero retomé la docencia, que es algo que amo, después de seis meses. Me cuesta por la colostomía, pero estoy tratando de hacer, lo mejor posible, todo lo que aún me queda por hacer antes de irme de verdad. Y cuando llegue ese día, quiero irme en paz”, dice.

Días extremos

No habla de la muerte con miedo, sino con gratitud. Esa mirada se forjó después de haber atravesado una etapa oscura, marcada por los excesos, en la que perdió energía, lucidez y tiempo, y puso en riesgo lo más valioso que tenía cerca.

“He sido borracho, marihuanero, coquero, pastelero; he pasado por todo eso. Y cuando hablo con los chicos se los digo de corazón: no lo hagan. Es una estupidez. Es como si el Señor te pusiera delante algo bueno, limpio, valioso, y tú, en cambio, eligieras lo que te destruye. Yo cometí ese error”, dice.

El quiebre llegó a inicios de 1986. Después de tres días sumido en el descontrol, despertó solo en su departamento, tirado en el suelo. Al intentar levantarse, golpeó una caja que estaba sobre el velador y de allí salió una fotografía de su madre. Ese episodio, mínimo en apariencia, le dio la fuerza para parar.

La desintoxicación fue dura. La enfrentó solo, con una disciplina feroz, entre ejercicio, desgaste físico y una batalla diaria contra la ansiedad.

“Corría, hacía planchas, abdominales, transpiraba para botar todo lo destruido por dentro. Tomaba bastante agua y comía frutas. Me daba convulsiones, segregaba saliva. Pasé días duros. El alcohol tardó más en irse, pero la decisión ya estaba tomada. No había marcha atrás”, recuerda.

Trayectoria nutrida

Esa decisión de seguir también marcó su carrera. Ramón García ha participado en más de cien producciones entre teatro, cine y televisión, y en varias dejó una huella propia. En “La ciudad y los perros”, por ejemplo, no solo interpretó al teniente Huarina, sino que además propuso una de las frases más recordadas de la película: “No me mire, cadete, ¿quiere que le regale una fotografía mía calato?”.

También tuvo una presencia sostenida en la televisión. En el 2006 protagonizó junto a Jhoan Mendoza la miniserie “Las aventuras de Camote y Paquete: Camino a casa”, que luego tuvo una secuela, “Camote y Paquete: Aventura de Navidad”. También integró el elenco de producciones como “Así es la vida, Torbellino” y “Luz de Luna”, entre otras.

Su carrera incluyó, además, títulos internacionales como “The Young Pope” y “The New Pope”, donde interpretó al cardenal Aguirre, ampliando aún más un recorrido sólido.

“Fue una experiencia muy grata. El día de grabación tenía un Mercedes del año a mi disposición; acá no tienes ni bicicleta”, dice entre risas. “Había que estar listos a las 4:30 o 5:00 de la mañana. Al comienzo pensaba que me habían llevado como el sudamericano exótico, pero el trato era igual para todos. Jude Law comía conmigo y se burlaba porque yo estaba con casaca y él con polo. Me decía: ‘Sudamericano, ¿no?’, y se reía”, recuerda.

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Camino abierto

A sus más de siete décadas, Ramón García todavía piensa en los personajes que le faltan por hacer. Hay uno, sobre todo, que lo ronda desde hace tiempo: el de un payaso viejo, golpeado por la tragedia.

“Quiero hacer de un payaso que ya no sabe qué hacer, pero sigue intentando sus trucos. Se quedó loco después de ver morir a su hija trapecista en el circo. Vive en su propio mundo y solo habla con los animales. Ese personaje está en mi cabeza; todavía no aparece en el papel”, asiente.

Quizá por eso, cuando mira su trayectoria, habla de camino. “Hice todo lo que pude, con errores y aciertos. Y lo que quiero es seguir, hasta que me digan: ‘Hasta aquí llegaste’”. Y en eso sigue: caminando.

Hay un momento, repetido en distintos testimonios sobre Michael Jackson, en el que la presencia de su padre llena la habitación antes de que diga una sola palabra. Joe Jackson no necesitaba gritar para imponer control sobre su hijo de 5 años, cantante de “The Jackson 5” en 1975. El niño que alguna vez lideró la banda familiar siempre supo que separarse no sería un simple gesto de independencia, sino una ruptura que golpearía al patriarcado. Esa tensión es la coartada perfecta para que la película “Michael”, la primera biopic oficial sobre el Rey del Pop, impulse el drama y, de paso, esquive hablar de algunos temas.

La producción, respaldada por el patrimonio de la familia Jackson, utiliza todo su catálogo para reconstruir a la estrella que redefinió la cultura pop. En el papel protagónico está Jaafar Jackson, el sobrino del cantante, cuyo parecido se mimetiza de forma casi surreal con la memoria en gestos, cadencia y la voz de su tío. Tanto él como Juliano Valdi, quien interpreta su versión de niño, cantan en la película, aunque en este último caso la voz se mezcla con la del rey original.

Puede ser la película más esperada de la primera mitad del año. La mano creativa detrás de “Michael”, Fuqua —conocido por “El justiciero” y “Día de entrenamiento”—, aborda un proyecto musical que se impone a los personajes principales. En este caso, se trata de la familia Jackson: el cantante y sus padres, Joe y Katherine, interpretados por Nia Long y Colman Domingo, y sus hermanos Jackie, Tito, Jermaine y Marlon, interpretados en su versión adulta por Joseph David-Jones, Rhyan Hill, Jamal R. Henderson y Tre Horton. La excepción es Randy Jackson, el hermano menor, que no tendrá un papel en la cinta.

Domingo encarna a un padre rígido que ni Fuqua ni la familia Jackson podían ocultar en este biopic, dado que es de interés público la forma en que expuso a sus hijos a la fama desde niños. Por su parte, Miles Teller aparece como John Branca, el abogado que más tarde sería una figura clave en la administración del legado de Michael. En tanto, sus representantes más polémicos se verán reflejados en Kendrick Sampson, como Quincy Jones, y Michael Andrew Baker, como un ejecutivo sin nombre propio pero que alude a Frank DiLeo.

Jaafar Jackson carga con el peso de la decisión de Michael de separarse de su familia. Los fanáticos se emocionaron al escuchar cantar al actor en el avance de la película, que se divide musicalmente entre sus inicios, con “Don’t Stop ’Til You Get Enough”, y una segunda parte más cuesta arriba, donde tiene protagonismo “Billie Jean”, canción del histórico álbum “Thriller”.

Antes, algunos intentos en cine y televisión quisieron contar fragmentos de la vida del cantante en su etapa adulta. Estuvo Jason Weaver en “La familia Jackson: Un sueño americano” (1992) y Navi en “Michael Jackson: Searching for Neverland”.

Más allá de Michael

Muchos se preguntan qué Michael llegará a la pantalla, más allá del carisma, y si su historia incluirá los capítulos más complejos de su vida adulta. En 2005 fue juzgado por abuso de menores y absuelto, pero el caso dejó testimonios e imágenes que aún pesan sobre su legado: informes con material de menores desnudos y su propia admisión de haber compartido su cama con niños en Neverland, lo que desató el escrutinio público.

La película no coloca estas controversias en el centro. Prefiere detenerse antes, en su recorrido musical, previo a que las acusaciones marcaran su imagen pública. La familia apuesta por mostrar la otra cara: el niño formado bajo un padre autoritario y el artista de creatividad desbordante. Aun así, la figura adulta permanece rodeada de preguntas sin resolver, como un mito que nunca muere.

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