ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: alguien criticará uno de sus proyectos, pero su argumento convencerá. Amor: llega el momento en que una reconciliación en la pareja será lo que más desea.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: situación propicia para establecer acuerdos y concretar negocios ventajosos. Amor: se producirá el encuentro menos esperado y se dará cuenta de que es lo que necesita.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: tendrá que resolver asuntos complicados por otros y saldrá adelante. Amor: la dispersión por meterse en muchas cosas a la vez creará fastidio en la relación.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: soplarán vientos de buena fortuna que facilitan el acceso a beneficios. Amor: gente entrometida querrá perjudicar la armonía de la pareja, pero no podrá.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: un colega cuestionará su proyecto pero no logrará cambios; su posición es sólida. Amor: una insinuación en el momento indicado provocará que alguien se interese.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: evitará que el error de un colega afecte el negocio de mejores beneficios. Amor: una decisión apresurada alterará la armonía en la pareja, pero la reparará.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: las cosas estarán óptimas en casi todas las áreas por su gran esfuerzo. Amor: más que nunca, necesitará que le expresen mucho afecto en la pareja y todo mejorará.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: aunque se acumulen problemas sin resolver, alcanzará las metas. Amor: sentimientos contradictorios le abrumarán, pero su pareja le ayudará a expresarlos.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: con menos dispersión, la puerta más esperada se abrirá. Amor: un malentendido se aclara, llena de alivio a la pareja y genera una cita romántica.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: propicio para ocuparse de lo pendiente y el éxito le alcanzará. Amor: contra todo pronóstico, la pareja se reconcilia y renueva los pactos amorosos.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: tendrá todo bajo control y personas influyentes observarán con atención. Amor: le reprocharán que su compromiso no es sólido pero su pareja confiará.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: la rutina comienza a agobiarle, pero reaccionará para crear un nuevo proyecto. Amor: apoyará los pies sobre la tierra y tomará iniciativas que serán inolvidables.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: ATROPELLADA. SE METE EN TODO Y SUS CONSEJOS RESULTAN DE LO MÁS AUDACES.

Tras consolidar una carrera en la investigación académica y el análisis de la cultura visual en el Perú, la historiadora y politóloga Christabelle Roca Rey incursiona en la literatura infantil con el libro “La cuchara perdida de Gabriel”.

El origen de esta producción literaria se encuentra en una experiencia directa de la autora con su hijo, quien perdió un cubierto durante su jornada escolar. Roca Rey explica que la trama surgió al observar la frecuencia con la que los niños desarrollan vínculos con objetos específicos y la recurrencia con la que estos se pierden. A partir de este suceso, la escritora estructuró un juego narrativo donde el extravío de un elemento simple funciona como el motor principal para el desarrollo de una secuencia de situaciones fantásticas.

El libro incorpora el trabajo del ilustrador Olivier Chien, quien estuvo a cargo de la elaboración del universo visual que acompaña el texto. El componente gráfico utiliza una paleta de colores y un estilo dinámico destinados a complementar la secuencia de las aventuras descritas en el relato.

“La cuchara perdida de Gabriel” (Planeta, 2026) ya está disponible en las principales librerías del país.

Las primeras elecciones en el Perú no se realizaron durante la etapa republicana, sino en pleno virreinato. En 1808 se había producido un verdadero cataclismo en España: el rey Carlos IV y su hijo Fernando VII habían sido tomados cautivos, tras la invasión de las tropas napoleónicas a la península ibérica. Ante el vacío de poder, los borbones, refugiados en Cádiz, decidieron otorgar representación a las colonias americanas en un intento de evitar la caída de la monarquía. Entonces, en el Perú como en otros lugares de América, se organizaron elecciones para designar a nuestros representantes ante las cortes gaditanas, los cuales debían elaborar una constitución. Al ser algo inédito, los electores se organizaron rápidamente alrededor de las dos instituciones que más conocían: las parroquias y los cabildos.

En aquel tiempo –como en la mayor parte del siglo XIX–, las parroquias eran no solo centros religiosos, sino espacios que articulaban las relaciones vecinales y resguardaban la información poblacional más fidedigna: los registros de bautizo, matrimonio y defunción. Por ello, los primeros procesos electorales giraron alrededor de ellas. “La parroquia era la unidad política, religiosa y social de la república temprana”, afirma el historiador José Ragas.

Estas elecciones de representantes a las cortes de Cádiz (1809 y 1810) sirvieron, con matices, como modelo para la mayoría de comicios desarrollados a lo largo del siglo, en medio de incertidumbres y luchas caudillistas. En síntesis, eran elecciones indirectas de dos grados, en las que no se elegían autoridades sino electores. “Se creó una suerte de elección escalonada –explica Ragas– una votación parroquial para elegir a quienes iban a ser los miembros de los colegios electorales provinciales, los que a su vez decidían quién iba a ser el presidente de la República”.

En cuanto a la participación, esta se restringió a las élites tanto limeñas como regionales. “En ese momento había una idea jerárquica y vertical de lo que era la representación política –precisa Ragas–, solo votaban los vecinos varones, aquellos que pagaban impuestos, y los que sabían leer y escribir”.

Tres momentos electorales

En “Historia de las elecciones en el Perú”, libro editado por el historiador Cristóbal Aljovín y el sociólogo Sinesio López, se identifican tres momentos electorales en el siglo XIX: un primer período, entre 1822 y 1827, marcado por la realización de comicios bajo la tutela de los libertadores –San Martín y Bolívar– y sus ejércitos. “Las elecciones de 1822 (para elegir el primer Congreso constituyente) fueron uno de los pocos procesos directos del siglo XIX –escribe Aljovín–, pero estaban circunscritas a las provincias ocupadas por las tropas de San Martín, con el curioso expediente de elegir a los representantes de las provincias controladas por el virrey entre vecinos de estas residentes en Lima”. En cambio, las votaciones para la elección del Congreso de 1825 fueron realizadas de manera indirecta y ahí jugó un papel importante la imponente figura de Simón Bolívar.

Luego, se establece un segundo período, que va de 1827 a 1851, cuando primaron las elecciones indirectas en un momento político caracterizado por asonadas y revoluciones, en un país en permanente campaña militar y electoral. Como afirma Aljovín, “todo golpe de Estado, después de todo, se legitimaba a través de las urnas”. En esta época la participación de las poblaciones indígenas fue muy activa, aunque controladas por las élites locales y los caudillos militares en una relación patrón-cliente. En su biografía sobre Castilla, la historiadora Natalia Sobrevilla refiere que en 1840 existían 58 colegios electorales. No había una lista fija de ciudadanos y se podía votar a discreción, pues estaba vigente una excepción que permitía el voto a los analfabetos. Así, en 1844, Castilla se hizo con el poder con 1.184 votos, de los 1.358 emitidos por los colegios electorales.

Finalmente, se identifica un tercer período electoral, entre 1851 y 1896, cuando se realizaron algunos comicios directos como los de 1855, 1858 y 1860. Lo importante de esta etapa fue que los clubes electorales y partidos empezaron a ser los actores principales del juego político.

El voto cantado

En las elecciones decimonónicas no existía el voto secreto. Este era abierto y, algunas veces, cantado por los sufragantes. Los votantes debían escribir el nombre de sus candidatos en las cédulas. A veces los llevaban ya impresos y en otras ocasiones se les dictaba en la cola a quienes elegir. Todo esto generaba trifulcas que, muchas veces, terminaban a pistoletazos, o con uno de los bandos raptando las ánforas.

Es conocida la frase de González Prada, quien decía que se practicaba la política de “la butifarra y el aguardiente”, es decir, la compra del voto con dádivas. “Lo que sucede –explica Ragas– es que antes de los partidos políticos existían los clubes electorales, grupos de espontáneos que presentaban a sus candidatos. No había nada institucionalizado. Los domingos de febrero, cuando tocaba hacer la votación parroquial, cada uno de estos clubes ponía su mesa en la plaza para que fueran los votantes a elegir. Algunos tomaban la plaza para que solo quedara su mesa y su lista. Eso generaba violencia y corrupción con la compra de los votos”.

Al respecto, Aljovín escribe: “Al no existir listas cerradas de candidatos, era usual que aparecieran candidatos sorpresa o que una misma persona pudiera ser elegida en diferentes provincias como congresista. Los candidatos sorpresa constituían un episodio normal en las elecciones de primer grado en que, de manera improvisada, un grupo de ciudadanos terminaba apoyando a alguien inesperado”.

Bajo el voto indirecto se eligieron a presidentes tan importantes como Castilla, Manuel Pardo y Andrés Avelino Cáceres. Justamente, la de Pardo, el primer presidente civil elegido en el Perú en 1871, fue una votación especialmente masiva. Según consta en su correspondencia, uno de sus mítines en Lima congregó a diez mil quinientas personas, cuando la población capitalina no superaba las 80.000.

El fin de una época

El sistema del voto indirecto fue perdiendo prestigio con el transcurrir del siglo XIX. Según el historiador Ragas, había un tema de fondo en su cuestionamiento: en esos años, la población se concentraba en el ámbito rural y en los Andes, y como los colegios electorales se establecían por criterios demográficos, entonces casi siempre las élites de esta parte del país terminaban decidiendo al presidente. Esto era visto con recelo por una creciente élite limeña y costeña surgida con el ‘boom’ del guano. A fines de 1896, una reforma puso fin a los colegios electorales y estableció el voto directo, tal como lo conocemos ahora. “La reforma consolidó un cambio que ya se venía dando: desplazar el eje de la política peruana de la sierra hacia la costa”, reflexiona Ragas. Así, la eliminación del voto indirecto marcó el fin de una época.

En el desierto de Utah, la arena es rojiza y el horizonte está delineado por interminables elevaciones rocosas. El ambiente es árido y por las noches las temperaturas pueden descender a menos de 15 grados bajo cero. En el centro de este escenario inhóspito se levanta la Mars Desert Research Station (MDRS), un hábitat cilíndrico de dos plantas, diseñado por The Mars Society, organización fundada en 1998 por el ingeniero aeroespacial estadounidense Robert Zubrin dedicada a desarrollar investigaciones que conduzcan a la conquista del Planeta Rojo.

A la estación llegan, periódicamente, tripulaciones de diversas partes del mundo, compuestas por equipos entrenados de ingenieros y científicos, quienes no solo simulan la vida en una base marciana, sino también validan tecnologías y realizan pruebas en el entorno hostil. De esta manera, recogen información útil para nuestra futura e hipotética existencia en el cuarto planeta.

El equipo peruano

A lo largo de los años, The Mars Society ha buscado expandirse a distintos países, entre ellos el Perú. Desde el 2013, nuestro país forma parte de las exploraciones análogas en la MDRS y ha sido el primero en la región en mandar tripulaciones. Hasta ahora se han enviado cinco equipos. Tres de ellos estuvieron integrados solo por científicos peruanos y en los otros dos se sumaron profesionales de Latinoamérica.

La sexta tripulación partirá en enero del 2027. El equipo está comandado por Noelia Caballa Huamán, bioingeniera de la Universidad de Ingeniería y Tecnología e investigadora en biotecnología espacial, quien ha realizado programas de intercambio en el Georgia Tech, de Estados Unidos, y tiene ya experiencia en misiones análogas, por su presencia en la Lunar Research Station, de Polonia. La completan cinco integrantes: Keneth Culli, ingeniero mecatrónico de la UNI; Rodrigo Martínez Chávez, estudiante de ingeniería aeroespacial en la Universidad de Berkeley; Solanch Solaligue, de la UNMSM, con formación en biología molecular y bioinformática; Aurora Díaz, médica e investigadora enfocada en salud espacial; y Arian Kuguimiya, estudiante boliviana de ingeniería geológica.

A ellos, se suman la arquitecta Claudia Benites, la ingeniera mecatrónica Rocío Zevallos y la estudiante de Comunicaciones Brenda Quispe, quienes ‘desde tierra’ (el Perú) monitorearán las comunicaciones de la misión. Según cuenta Noelia Caballa, todos ellos fueron seleccionados a partir de una convocatoria abierta.

Semillas espaciales

Cada integrante del equipo viaja con una misión específica. Actualmente, ya están desarrollando la fase inicial de los proyectos que validarán en la base. Estos tienen que ver con la administración de recursos en situaciones extremas como la recolección de agua o la medición del comportamiento y el estrés al que debe someterse la tripulación en un ambiente aislado. “Todo el tiempo enfrentaremos diversas situaciones, porque inclusive para salir y usar los rovers y vehículos debemos seguir protocolos establecidos y usar trajes especiales”, dice Keneth Culli, quien junto con Noelia Caballa, investiga en un procedimiento llamado biorremediación, en miras de hacer cultivable el suelo marciano.

“Ahora que hemos visto la misión Artemis II creo que ese sueño vibra en el pecho de cada uno de nosotros”, dice Culli. “Muchos pueden pensar que dedicarse en el Perú al rubro aeroespacial es imposible. Por eso, lo valioso de esta misión no es tanto ir, sino en el tiempo que estamos allá, contactarnos con colegios, con niños peruanos, para animarlos a soñar”.

Uno de los objetivos más importantes del Team Perú VI es posicionar a nuestro país dentro de una comunidad global que desarrolla este tipo de misiones. “¿Llegaremos a Marte?”, le preguntamos a Noelia Caballa. Inmediatamente, responde: “Vamos a llegar, todos trabajamos con esa convicción”.

El destacado actor Luis Brandoni falleció la madrugada del lunes 20 de abril, a los 86 años, tras permanecer internado en el hospital por varios días luego de una caída en su domicilio. Ante esta trágica noticia, Eduardo Blanco, amigo y actor, compartió unas palabras conmovedoras recordando a su compañero.

El actor argentino Eduardo Blanco reconoció que fue “un aprendizaje” trabajar con su amigo Luis Brandoni, quién falleció en Buenos Aires y con quien compartió escenario durante diez años en la obra teatral “Parque Lezama”, llevada luego al cine por Juan José Campanella, y que ahora está disponible en Netflix.

En conversación con el medio argentino Infobae, Eduardo Blanco declaró que, si bien sabía el desenlace que podía ocurrir, no esperaba que fuera tan pronto. Este lunes despertó con la triste noticia de quién para él ha sido su maestro y referente de la actuación.

“Fue un gran aprendizaje. Nos ha acompañado con las historias que ha contado y, para mí, en particular, es muy significativo. Yo siempre le decía, en la época que comencé a ser actor, que pasar a ser parte del sindicato de actores era un privilegio, una emoción”, comentó Blanco.

Cabe recordar que durante su permanencia como secretario general de la Asociación Argentina de Actores, entre los años 1972 y 1983, fue quien entrego a Eduardo Blanco su carnet de actor. “Yo tuve el privilegio, te sentías pertenecer cuando tenías tu carnet de actores, una cosa como muy importante y emocionante. Y él fue quien me lo entregó a mí”, afirmó.

A lo largo de su carrera, Eduardo Blanco ha trabajado en películas muy reconocidas como “El hijo de la novia” y “Luna de Avellaneda”, así como también en teatro y muchas series, entre ellas “Aquí no hay quien viva”.

Eduardo recordó a Brandoni como uno de los actores que tenía talento para sintetizas frases o graficar muchas cosas. “Muchas cosas uno puede saberlas, puede sentirlas, pero escucharlas de su boca era distinto”, destacó.

Eduardo Blanco y Luis Brandoni recorrieron decenas de teatros en Argentina, y también en España, con la obra “Parque Lezama”, un clásico teatral porteño y que en marzo pasado saltó al cine de la mano de Juan José Campanella. Este ha sido la últimas película del destacado actor argentino que también está en el catálogo de Netflix.

“Siempre recuerdo cuando hacíamos gira por Argentina e íbamos a ciudades pequeñas, en teatros hermosos y grandísimos. Y él decía ‘qué país pensaron estos tipos’”, recordó el actor.

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Asimismo, a través de cuenta oficial de Instagram, el actor compartió un mensaje emotivo: “¡Gracias por todo Beto! Por todo el aprendizaje que me representó como actor tener la fortuna de compartir un escenario tanto tiempo con vos, por tu entrega, tu compromiso, tu profesionalidad y tu enorme talento... Estoy triste y desde aquí, en Madrid donde estoy te abrazo, te despido y te aplaudo", escribió.

Este 23 de abril se cumplen cincuenta años de la aparición de “Ramones”, el disco debut de la banda neoyorquina del mismo nombre, y lo primero que habría que reconocer es que el álbum aún conserva una frescura difícil de explicar. Hoy mismo, en alguna ciudad, todavía hay adolescentes encerrados en una habitación, aporreando instrumentos y tratando de tocar así de rápido, imperfecto y amateur, como lo hacían los Ramones en 1976. Aquel primer alarido punk nació para conjurar el aburrimiento de una escena ‘mainstream’ atrofiada por su propia pomposidad. Frente a ello, su respuesta fue volver a lo esencial.

La escena que rodeaba a los Ramones en Nueva York en los años setenta era pequeña pero fértil y daría mucho que hablar tiempo después. En el ruinoso club CBGB del Bowery coincidían bandas muy distintas entre sí: estaba Television, que exploraba con guitarras largas y angulosas, luego los Talking Heads y su nervioso art rock. Todas compartían el mismo escenario, pero los Ramones eran el extremo más curioso de ese ecosistema. Eran una banda de personajes que parecían sacados de una pandilla, con canciones que apenas superaban los dos minutos.

“Nosotros solo estábamos reaccionando contra la música de ese momento”, diría sobre su estilo el guitarrista Johnny Ramone en su autobiografía “Commando” (2004). Para él, bandas como Yes o Emerson, Lake & Palmer representaban justo lo que los Ramones querían evitar: canciones largas, solos interminables y estructuras cada vez más complejas. La respuesta fue radical. “Lo único que hicimos fue tomar el viejo rock and roll y acelerarlo”, diría más tarde en el documental “End of the Century” (2003). La disciplina interna del grupo incluía una regla sencilla: nada de solos de guitarra. Johnny la rompió solo una vez, y justo en su mayor éxito, “I Wanna Be Sedated”. Pero lo hizo a su manera: el “solo” consiste en una sola nota sostenida durante ocho compases.

De la Gran Manzana a Londres

Sobre los orígenes del punk se ha escrito mucho y especulado aún más. Hay quienes insisten todavía en que los peruanos Los Saicos fueron sus creadores, una tesis romántica pero insostenible que, en todo caso, no debería herir el orgullo nacional. Antes del punk existía el rock de garaje, parecido en su aspereza pero distinto en su alcance y en su conciencia histórica. El punk no fue solo un sonido, sino un hecho social. El crítico estadounidense Greil Marcus lo formuló con precisión antropológica en su gran libro “Trazos de carmín”: “Era una cultura para quienes no encajaban”. El filósofo y crítico peruano Pedro Cornejo llegó a una conclusión similar. En “Juegos sin fronteras” observó cómo la música de los setenta relegaba a su público juvenil al papel de mero contemplador de “elaboradísimos ejercicios musicales”. En ese proceso, advertía Cornejo, el rock perdía su potencial movilizador. El punk llegó para recuperarla.

Si en Nueva York el punk tomó forma en los clubes del Bowery, al otro lado del Atlántico el movimiento adquirió un tono aún más explosivo. En 1976, irrumpieron los Sex Pistols, un grupo que transformó el descontento juvenil británico en un escándalo nacional. Su cantante, John Lydon —conocido entonces como Johnny Rotten—, convirtió el sarcasmo, la furia y la provocación en una forma de arte. Canciones como “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen” atacaban frontalmente a la monarquía, a la política y a la cultura oficial, en una Inglaterra marcada por el desempleo juvenil.

Tras el colapso de los Pistols, John Lydon decidió explorar otros caminos. En 1978, fundó Public Image Ltd. (PiL), un fascinante proyecto que empujó la energía punk hacia territorios más experimentales, con ritmos dub, estructuras abiertas y atmósferas oscuras que terminarían definiendo el llamado post-punk. Casi medio siglo después de aquel estallido, Lydon —que de anarquista ha pasado a defender posturas conservadoras— sigue siendo una de las figuras más singulares de esa historia.

Con PiL, el cantante demostró que podía sobrevivir a su propia leyenda y seguir encontrando nuevos caminos. Lydon y Public Imaged Ltd. visitarán Lima este 21 de abril, una fecha imperdible para los nostálgicos del punk y para cualquiera que quiera presenciar en vivo un pedazo de historia del rock del siglo XX. Después de todo, no todos los días pasa por la ciudad uno de los hombres que ayudó a incendiar a toda una generación con sonido, furia e inconformismo. //

Hace unas semanas, el actor Timothée Chalamet lanzó una frase que encendió el debate: dijo que no le interesaba trabajar en el ballet ni en la ópera, disciplinas que —según sugirió— suelen mantenerse vivas más por convicción que por tendencia, incluso cuando parecen no estar en el centro del interés masivo. La declaración, viral y discutida, volvió a traer la pregunta sobre el lugar que ocupan las artes clásicas en un mundo donde la inmediatez del streaming domina el entretenimiento global. Pero más allá de la polémica, surge algo evidente: la ópera sigue generando conversación. Y, sobre todo, sigue viva. Al menos en Lima, una ciudad donde esta expresión artística no solo resiste, sino que encuentra nuevas formas de sostenerse, reinventarse y convocar.

TRADICIÓN EN ESCENA

Para Miguel Molinari, gerente de Cultura de la Municipalidad de Lima, la ópera no está en crisis. “La crisis es de los teatros”, afirma. En el caso peruano —explica— el problema ha sido estructural: los grandes escenarios no han operado como espacios de producción, sino, más bien, como recintos de alquiler.

Es justamente a partir de ese diagnóstico que el modelo ha comenzado a cambiar. Desde el municipio limeño, la apuesta ha sido que los teatros asuman un rol activo en la creación de sus propias temporadas. “Este es un primer paso para institucionalizar la ópera”, señala Molinari. La clave está en la ordenanza N° 2734 aprobada el año pasado, la cual establece, por primera vez, temporadas oficiales de ópera, conciertos y danza con presupuesto asignado. “Lo importante es que no quede como una anécdota, sino que tenga continuidad en el tiempo”, añade.

En el fondo, se trata también de reconectar con una historia que Lima nunca ha dejado del todo atrás. Su tradición operística es, de hecho, fundacional. “La ópera en América nació en Lima”, comenta Molinari, aludiendo al estreno de ‘La púrpura de la rosa’ en 1701, con música de Tomás de Torrejón y Velasco. Desde entonces, la ciudad desarrolló una intensa actividad lírica. “Los antecedentes musicales e históricos son enormes”, subraya. En el siglo XIX, esa tradición se consolidó con temporadas formales y figuras como Rosa Merino, mientras que la escena alcanzó niveles hoy difíciles de imaginar. “Cuando se inaugura el Teatro Municipal, se montaron 36 óperas en cinco meses”, apunta.

Esa continuidad, sin embargo, se fue diluyendo. Durante décadas, fueron asociaciones privadas las que sostuvieron la ópera en Lima. “Se ha mantenido viva por el interés de personas y grupos que han trabajado con mucho esfuerzo y amor por la música”, reconoce. Hoy, ese impulso empieza a articularse con una política pública que busca asegurar su permanencia. Incluso —dice entre risas— polémicas recientes como las declaraciones de Timothée Chalamet “terminaron dándole promoción a la ópera sin querer”.

La temporada 2026 se desarrollará principalmente en los teatros municipales (Teatro Municipal y Teatro Segura), recuperando su rol histórico como espacios de producción y exhibición. La programación incluye títulos del repertorio clásico como ‘Il trovatore’ de Verdi y ‘Tancredi’ de Rossini, junto a propuestas vinculadas a la historia y la identidad peruana como ‘La púrpura de la rosa’ y ‘Atahualpa’, además de montajes como ‘Cavalleria rusticana’, ‘Pagliacci’ y ‘L’elisir d’amore’ (más información en el recuadro).

ARTE QUE EVOLUCIONA

Desde el 2008, el Festival Granda de Ópera se ha convertido en uno de los pilares de la escena operística en el Perú. Nacido como una iniciativa privada para mantener viva la tradición lírica en tiempos de escasa programación institucional, el festival ha logrado consolidarse como una cita clave en la agenda cultural limeña. En los últimos diez años, bajo la presidencia de Fiorella Simeone, su apuesta ha sido clara: formar públicos y demostrar que la ópera no es un arte lejano ni elitista, sino una experiencia viva y accesible.

“Durante mucho tiempo sentimos que el interés por la ópera estaba un poco dormido”, reconoce Simeone. “Nuestro principal objetivo ha sido acercar nuevos públicos, sobre todo jóvenes”, añade. Para ello, el evento apostó en sus primeras ediciones por títulos reconocibles como ‘La traviata’, ‘Carmen’ o ‘El barbero de Sevilla’, capaces de tender un puente entre la curiosidad y la experiencia. Hoy, con un público más formado, la propuesta puede arriesgar más.

La temporada 2026 marca un punto de madurez. El festival presentará ‘Aida’, una de las grandes óperas del repertorio, en el Gran Teatro Nacional, un escenario que —según Simeone— permite finalmente desplegar toda la magnitud del espectáculo. “Es una ópera que no se presenta hace muchos años en Lima y que necesita un espacio con las condiciones técnicas adecuadas”, explica. La elección no es casual: ‘Aida’ exige grandes coros, una orquesta amplia y una puesta en escena de escala monumental, elementos que encuentran en el Gran Teatro Nacional su mejor plataforma.

Detrás de esta ambición hay también una visión artística sólida. La curaduría cuenta con el respaldo de figuras como el tenor peruano Ernesto Palacio, lo que permite convocar a artistas internacionales de primer nivel y articularlos con talento local. “Buscamos propuestas innovadoras, que desmitifiquen la idea de que la ópera es aburrida”, señala Simeone.

A pesar de los desafíos (financiamiento, competencia con otros espectáculos, coyunturas políticas) el festival ha logrado crecer. “Es casi una magia que logramos gracias al equipo y a los auspiciadores”, admite. Pero más allá del espectáculo, hay una convicción: la ópera sigue teniendo un lugar en Lima. “Es una experiencia que te atraviesa, que te hace sentir. Hay que vivirla para entenderla”, dice.

En una ciudad que vuelve a mirar su tradición lírica con ambición renovada, el Festival Granda no solo acompaña ese impulso, sino que lo potencia: apuesta por espectáculos de gran escala, forma nuevos públicos y reafirma que, lejos de ser un arte del pasado, la ópera sigue encontrando en la capital peruana un escenario para proyectarse hacia el futuro. //

El cine argentino está de luto. Luis Brandoni falleció el lunes 20 de abril, a los 86 años, luego de estar internado por varios días en un hospital tras sufrir una caída en su domicilio. El recordado actor deja una trayectoria de más de sesenta años, con éxitos como “Parque Lezama”, película que fue recientemente estrenada en Netflix.

El destacado actor de televisión, cine y teatro argentino, ha dejado huella en su carrera con éxitos de taquilla con la película “La tregua”, ópera prima de Sergio Renán, que adaptó la novela homónima del escritor uruguayo Mario Benedetti. Así como también su última película “Parque Lezama”, donde compartía protagonismo con Eduardo Blanco.

Luego de ganar el Oscar con “El secreto de sus ojos” en 2010, Juan José Campanella regreso a la producción y volvió a filmar en Argentina. Cuenta con solo tres películas en 16 años: la animada “Metegol” (2013), “El cuento de las comadrejas” (2019, también con Brandoni, y está en Netflix) y ahora “Parque Lezama”, adaptación de su exitosa obra de teatro, a la vez, basada en “I’m Not Rappaport”, de Herb Gardner.

“Parque Lezama” fue estrenada el 19 de febrero, y a menos de un mes fue incorporada a Netflix el 6 de marzo de 2026. Con esta comedia dramática, Campanella utiliza y aprovecha el valor de la palabra por sobre las imágenes.

La historia de “Parque Lezama” presenta a dos ancianos: ‘León Schwartz’ interpretada por Luis Brandoni, un militante comunista, y ‘Antonio Cardozo’ por Eduardo Blanco, un hombre conformista que busca transitar sus últimos años de vida con tranquilidad y sin mayores preocupaciones.

Verónica Pelaccini, su hija en la ficción, lamenta lo sucedido y contó brevemente como fue trabajar con Luis Brandoni. “Beto es el mejor compañero que podés tener. Es cómplice, conectábamos mutuamente, tiene mucho sentido del humor y es extremadamente generoso como compañero y como actor...”, dijo.

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Con la muerte de Luis Brandoni, el personaje del actor adquiere otro peso. Su mirada, su forma de expresarse y sus pausas transmiten una profundidad que trasciende la interpretación y se percibe como un legado para los argentinos.

La curiosidad del fotógrafo británico Alexi Lubomirski cruza fronteras. A través de la pantalla de una laptop, la señal llega desde Nueva York hasta la redacción de Somos en el Centro de Lima. “¡Eso es un palacio!”, se sorprende al ver por videollamada el interior de la sede histórica de El Comercio, periódico que leía su abuelo polaco-francés, Vivian, cuando radicaba en la capital peruana junto a su esposa, Vituca, hace más de 30 años. Pero antes de iniciar la conversación, le interesa hacer algunas preguntas, como a qué se dedica esta periodista o si es feliz en su trabajo. Está concentrado en todo y en todos, menos en él —el tema de la conversación—, porque así funciona su método para fotografiar a famosos artistas del mundo. Primero entra en confianza y luego dispara.

Lubomirski tiene una carrera amplia y destacada. Entre 1999 y 2003 fue asistente del peruano Mario Testino, aunque prefiere no abordar el asunto, en parte por las denuncias de acoso que recayeron sobre Testino en 2018. Pero más allá de eso, frente a su lente han desfilado figuras como Julia Roberts, Reese Witherspoon, Taylor Swift, Brad Pitt y, recientemente, los siete integrantes de BTS, la banda surcoreana con mayor popularidad del mundo. Y aunque para su ejército de fans (ARMY) los miembros de esta ‘boyband’ sean unos semidioses del Olimpo, la lógica de Alexi no cambia al fotografiarlos. No importa su cultura ni su idioma: él busca siempre capturar, en microsegundos, el gesto menos público de sus retratados. Su trabajo para revistas de espectáculos como “Variety” o “Harper’s Bazaar” lo llevó a seguir al grupo musical en su primer concierto de reencuentro en Seúl, que dio inicio a su gira Arirang World Tour. Un regreso a los escenarios tras una pausa de casi cuatro años.

“En una sesión de fotos te das cuenta de si alguien cruza mucho los brazos o si es inseguro con sus piernas”, explica el fotógrafo. Alexi tuvo tres días de sesiones con BTS para la portada de su reciente disco “Arirang”, que rompió récords en Billboard en sus primeros días de lanzamiento. Además, registró las sesiones musicales que tuvieron lugar en el documental de Netflix “BTS: El regreso”, y allí pudo reconocer el comportamiento de cada integrante.

“Eran un inmenso rompecabezas de siete personalidades diferentes. Uno me preguntaba qué imágenes quería hacer y me decía que solo lo dirigiera. Otro me decía que lo documentara cuando esté creando de manera espontánea. RM es más abierto; es el poeta, interesado en las luces. V es más introspectivo; Jimin, con la sonrisa más linda; JK (Jungkook), superdivertido; J-Hope, siempre bailando en el set; Jin, dulce y amable; y Suga no paraba de tocar la guitarra”, recuerda Alexi sobre los momentos de grabación musical con ellos en Los Ángeles.

El atractivo de la fama

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“Estoy fascinado por las celebridades —explica Lubomirski—. Cuando hay tiempo entre tomas, he hablado con algunas de ellas sobre la fama. Me interesa la parte psicológica de todo y he llegado a preguntarles cómo diferencian ser vistos como estrellas en la pantalla o en el escenario y ser ellos mismos fuera de cámara. Porque la gente no se enamora de ellos como personas, sino que los extrapola desde lo que ven de lejos. Me parece interesante cómo manejan esa popularidad”.

La celebridad, vista desde cerca, pierde volumen. O cambia de escala. Lubomirski ha fotografiado a la realeza (como la boda de Prince Harry y Meghan Markle en 2018), campañas globales, portadas que circulan por el mundo. Y, sin embargo, la conversación concluye en una idea sobre la fama y las celebridades: “Al final, todos tienen que ir a comprar leche al supermercado”, comenta.

En realidad, la historia de Alexi Lubomirski también se arma como un rompecabezas. Aunque dice que “es un desastre” por la cantidad de nacionalidades en su familia, intenta encontrar en cada viaje un pedazo de sí mismo. “En realidad, nunca me he sentido inglés”, confiesa. En 1996, viajó al Perú y llenó un vacío en su pecho, que también rellenó su visita a Polonia tiempo después. De su padre, el polaco-francés Ladislas Lubomirski, heredó el título nobiliario de príncipe como Su Alteza Serenísima (HSH, His Serene Highness), aunque la familia perdió sus tierras y parte de su riqueza tras la Segunda Guerra Mundial.

Alexi solo ha utilizado su título paterno en una ocasión, cuando publicó el libro “Mensajes de un príncipe”, en el que reflexiona sobre esa curiosa condición. Por su lado, su madre, nacida en Lima y de ascendencia piurana, lo crio entre Londres (Reino Unido), Botsuana (África) y París (Francia). Y él, ya adulto, formó su propia familia junto a una mujer cubano-italiana, madre de sus hijos.

No sabe cuándo regresará al Perú. Mientras camina por su departamento de paredes amaderadas y se sirve un café en su cocina, aún sosteniendo el celular en la mano, dice: “Creo que la fotografía está… perdida”, en referencia a la tecnología de punta en dispositivos móviles al alcance de cualquier persona, o la amenaza de la generación de imágenes con inteligencia artificial. “Soy afortunado de aún tener mi trabajo en revistas”, reconoce. Por eso no se considera “fotógrafo”, sino un “creador de imágenes”. “Cuando te defines a ti mismo con un título, te estancas”, concluye.

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Luis Brandoni, uno de los más grandes actores argentinos, conocido por éxitos como “La tregua”, “La odisea de los giles” o “La Patagonia rebelde”, falleció este lunes a los 86 años tras haber sufrido hace unos días un accidente doméstico, según informó Multiteatro, una promotora teatral de Argentina.

“Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario”, señaló Multiteatro en un mensaje en X.

Nacido en Buenos Aires en 1940, Brandoni comenzó su carrera como actor en televisión y participó después en grandes éxitos del cine argentino. Acababa de estrenar “Parque Lezama”, de Juan José Campanella, adaptación de la obra de teatro homónima, en Netflix.

⚫️ Murió Luis Brandoni.
Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable.
Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario.
Hoy es un día muy triste para nuestra cultura.

— Multiteatro (@multiteatro) April 20, 2026

El actor, que acababa de cumplir 86 años este sábado, también se encontraba preparando la segunda temporada de “Nada”, una serie para Disney+ en la que compartió escenas con Robert De Niro, según recoge el diario Clarín.

Desde el anuncio de su muerte, se han sucedido las condolencias. Entre ellas, la del secretario de Cultura argentino, Leonardo Cifelli, quien afirmó que “Brandoni fue mucho más que un actor extraordinario: fue un emblema de nuestra identidad cultural”.

“Supo retratar como pocos el alma argentina y fue un referente cuyo compromiso con su oficio lo convirtió en ejemplo para colegas y futuras generaciones. Su talento, su vocación y su integridad seguirán siendo parte viva de nuestra cultura”, añadió Leonardo Cifelli.

El productor de cine Axel Kuschevatzky, que trabajó con él en varias ocasiones, compartió un mensaje en su perfil de Instagram en el que asegura que “Luis Brandoni fue único, y es imposible imaginar el cine argentino sin él. Su figura atraviesa algunas de las películas más importantes de nuestro ADN cultural de los últimos 55 años. Trabajé con él cinco veces, y compartir tiempo a su lado siempre fue memorable”.

La actriz Graciela Borges dijo también en Instagram: “Vas a estar siempre en mi corazón”, mientras que Soledad Silveyra, que compartía escenario junto a Bradoni en “¿Quién es quién?“, la obra que se tuvo que suspender tras su caída, lamentó la desaparición del actor.“Sos el último de los grandes en irse. Siempre con tu recuerdo. Día muy triste para la cultura”, señaló.

Según dijo el productor teatral Carlos Rottemberg a Clarín, el velatorio será hoy lunes en la Legislatura y el martes en el Panteón de Actores. Brandoni fue “un defensor de la cultura argentina”, comentó el productor.

“Después de 48 años de amigo, puedo decir que por un lado uno tiene el dolor que tiene que tener y por el otro gratificar que Brandoni vivió todo lo que él quiso vivir”, agregó.

Ante el fallecimiento del actor y exdirigente sindical, Luis Brandoni, acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional. pic.twitter.com/katvoTUhin

— Asociación Argentina de Actores (@actoresprensa) April 20, 2026

También lamentó su muerte la Asociación Argentina de Actores con un mensaje en la red X: “Acompañamos con respeto a sus familiares y seres queridos en este momento de dolor. Su sólida labor interpretativa en cine, teatro y televisión lo consolidó como una reconocida figura de la escena nacional”.

La culpa la tiene Barbie, la muñeca. Sus películas animadas, como aquellas inspiradas en “El Lago de los Cines” y “El Cascanueces” sembraron algo en Micaela Simons cuando solo tenía cuatro años de edad. Hoy, con 23, ya es bailarina profesional de ballet. Es además la primera peruana en integrar el Grand Kyiv Ballet de Ucrania, que ahora se encuentra de gira. El conflicto bélico en Europa evita que se presenten en su país de origen.

“Normalmente las compañías ensayan durante meses”, declaró Simons a El Comercio vía Zoom, horas antes de presentar “El Lago de los Cisnes” en Florida. La compañía ha estado de gira por Estados Unidos con esta obra y la peruana, cuando tuvo que prepararse para su primera función en octubre último, solo tuvo tres días. Una muestra de la exigencia que se tiene con las bailarinas en este nivel de profesionalidad.

“El ballet es una profesión sumamente demandante, requiere de una gran vocación. Es de corte, yo diría que hasta militar. Uno realmente tiene que tener un llamado porque es muy difícil técnicamente y tiene que haber mucho compromiso de trabajo. Micaela es una chica que siempre estuvo muy comprometida con ser bailarina y tiene lo que yo llamaría ángel, una manera de expresarse que es muy sincera, muy artística”, contó a este Diario Mamie Raguz, quien fue su profesora en el Estudio de Ballet Lucy Telge. En marco de sus estudios en Lima llegó a bailar con en el Ballet Municipal de Lima a los 13 años de edad.

“Es una profesora muy estricta”, dijo Simons a El Comercio al escuchar las palabras de Raguz. “Pero eso es lo que se necesita en el mundo del ballet, la verdad. Y yo estoy muy agradecida con Mamie, porque no solamente me ayudó mucho a mejorar mi técnica, pero también me apoyó mucho en el tema de las audiciones para la Joffrey Ballet School de Nueva York”.

La peruana se mudó a Nueva York al cumplir 18 años. Allí solo se dedicó a perfeccionar sus habilidades de baile; la ayuda de sus padres fue fundamental en esto, por lo cual ella se sabe afortunada. Entrar en este ambiente representó un choque para ella, porque se dio cuenta que el mundo del ballet era más grande de lo que imaginó. “Hay muchísima gente talentosa de diferentes países que conocí. No solamente las alumnas, sino las profesoras rusas que habían estudiado en escuelas como el Vaganova, que es la mejor escuela de ballet en el mundo y era un nivel de exigencia diferente”.

Ahora que su carrera profesional ya está encaminada, Simons se proyecta al futuro, lo cual es significativo en esta disciplina, donde el desgaste físico, al exigirle al cuerpo humano cosas para las que no está hecho, fuerza al retiro en la juventud. “A mí me gustaría bailar la mayor cantidad de tiempo que pueda. Si puedo llegar a los 40 y tantos como mi bailarina favorita, Marianela Núñez (Argentina), que ya tiene 43 y todavía está en el tope, me encantaría”.

Luis Brandoni, fallecido este lunes a los 86 años, siguió trabajando hasta el último momento y deja una trayectoria de más de sesenta años, con éxitos como “La tregua”, un título clave en la historia de la cinematografía argentina, o “La Patagonia rebelde”.

Y también tuvo un inquebrantable compromiso político, que le llevó a ser diputado nacional por el partido Unión Cívica Radical entre 1997 y 2001.

Nacido el 18 de abril de 1940 en Buenos Aires, comenzó su carrera como actor en teatro, en 1962 y al año siguiente llegó su primera serie de televisión, “El sátiro”. En 1966 hizo su primera película, “Escala musical”.

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A continuación, participó en grandes éxitos artísticos y de taquilla como en los filmes “La tregua” (1974), ópera prima de Sergio Renán, que adaptó la novela homónima del escritor uruguayo Mario Benedetti, y que fue el primer título argentino en ser nominado al Oscar a mejor película en lengua no inglesa.

En los setenta y ochenta trabajó también en películas como “La Patagonia rebelde”, “Juan que reía”, “Esperando la carroza” y “Made in Argentina”, sin dejar de lado su faceta teatral.

Posteriormente llegarían títulos como “Frontera sur” (1998), “Ojos que no ven” (2000), “No sos vos, soy yo” (2004), “Quiéreme” (2007), “Solo se vive una vez” (2017), “La odisea de los giles” (2019) y “Parque Lezama”, recién estrenada en Netflix y que adaptaba la novela homónima con la que recorrió Argentina y España, junto a Eduardo Blanco.

Sobre las tablas de los más prestigiosos teatros argentinos, actuó en obras como “Art” junto con Ricardo Darín, en 2001; “Don Arturo Illia”, en 2012, y su último trabajo, “¿Quién es quién?“, que tuvo que abandonar tras sufrir una caída en su casa el pasado día 11.

En televisión, participó en la exitosa serie “Mi cuñado” (1993-1996), “Los cuentos de Fontanarrosa” (2007); “Caín y Abel” (2010); “La hora del Tango” (2017) o “Nada” (2023), en la que interpretaba a un surrealista crítico gastronómico, amigo de Robert de Niro, y de la que se estaba preparando una segunda temporada.

Además, hace solo unos días Disney+ anunció que Brandoni participaría con una colaboración especial en la cuarta temporada de la serie argentina “El encargado”, protagonizada por Guillermo Francella.

Su participación fuera de los escenarios

Pero más allá de su trabajo como actor, mostró un fuerte compromiso político y entre 1974 y 1983 fue secretario general de la Asociación Argentina de Actores.

En 1976, tras el golpe militar en Argentina, fue detenido junto a su entonces esposa, la actriz Marta Bianchi, a la salida de una función teatral y fueron trasladados a un centro clandestino de detención donde fueron torturados durante varias horas y finalmente liberados.

Fue miembro del partido Unión Cívica Radical, por el que fue Diputado Nacional por la Provincia de Buenos Aires entre 1997 y 2001.

En 2005 se postuló como candidato para Senador por la Unión Cívica Radical (UCR), sacando aproximadamente un 8% de los votos. Fue en 2007, candidato a Vicegobernador de la Provincia de Buenos Aires también por la UCR, acompañando a Ricardo Alfonsín.

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Desde diciembre de 2023, era parlamentario del Mercosur tras las Elecciones al Parlasur de Argentina, por Juntos por el Cambio.

Brandoni expresó su preocupación por la falta de previsibilidad en el discurso político del presidente Javier Milei. Incluso aseguró que le inquietaba “la personalidad del presidente”.

Premio Martín Fierro (1970), otorgado por la Asociación de Periodistas de la Televisión, Premio Estrella de Mar al Mejor Actor de Teatro (1981), también contaba con cuatro galardones Radiofonía Argentinas (APTRA) y un Premio Tato, de la Cámara Argentina de Productoras Independientes de Televisión (CAPIT).

Ramón García Monteagudo (Callao, 1949) llegó tarde a la actuación, o al menos eso creyó entonces. Tenía 27 años. “Ya de viejo”, dice hoy, con una sonrisa. Hasta ese momento no se imaginaba una vida como actor. Entró a un taller de teatro siguiendo el rastro de unas muchachas que llamaron su atención. Se inscribió por ellas. Ninguna le hizo caso. Pero el teatro sí.

“Al finalizar el curso comenzaron a repartir los libretos del montaje. A algunos les tocaron dos papeles; a los más antiguos, tres. Terminaron de repartir y a mí hasta ese momento no me habían dado nada. Entonces el director sacó un libreto bonito, me lo entregó y resultó que yo era el protagonista. Ahí comenzó la aventura”, narra el actor.

García, debutó el 2 de febrero de 1977 en la Asociación de Artistas Aficionados, con la obra “El tío rico, McPato, la píldora y otras cuestiones”, dirigida por Carlos Padilla. Un mes después ingresó al Teatro de la Universidad Católica. El próximo año cumplirá 50 años de carrera, medio siglo consagrado a un oficio que le dio sentido a su vida.

Premio a la trayectoria

Hoy, a sus 76 años, Ramón García recibe el Premio Luces a la Trayectoria con gratitud. Lo asume como un reconocimiento a su carrera, pero también a la forma en que la ha construido: con trabajo constante, disposición para aprender y no detenerse.

“Agradezco los reconocimientos, pero para mí el mayor premio sigue siendo poder dejarle algo a la gente. Que una obra haga pensar. Que una clase deje una pregunta. Que el arte no sea solo entretenimiento, sino también una forma de despertar conciencia. Esa idea guía mi trabajo como actor y también como docente”, asegura.

La fecha de la ceremonia, además, tiene para él un significado especial. “No creo en las cábalas ni en la numerología, pero el 23 es un número importante en mi vida. Coincide con la suma del año en que nací; el primer Salmo que aprendí en la escuela dominical de la iglesia metodista fue el 23; y también pertenezco a la promoción 23 del colegio militar Leoncio Prado. Y así podría seguir”, comenta.

Personaje clave

Dos años después de su debut en el teatro, Ramón García dio el salto al cine. En 1980 participó en “Aventuras prohibidas”, una película de episodios en la que apareció en el corto “Doble juego”, dirigido por Luis Llosa. Más adelante, en 1995, asumió su primer gran papel en televisión al protagonizar la serie “Los choches”, donde interpretó a Chapana.

“Creo que Chapana es el personaje que más me representa. Llegué a él después de ‘Escuela de la calle: Pirañitas’. Cuando me propusieron el papel, les dije que no quería un malo plano: quería que fuera malo, pero también cobarde, miedoso, valiente, héroe, antihéroe; que tuviera de todo, como cualquier ser humano. Y además que quisiera a los niños, porque yo soy un niño viejo. Me divertí mucho grabando esa serie porque me permitía volver a una infancia que no tuve”, reconoce.

Dolor temprano

Desde muy niño, la vida le mostró su lado más duro. Quedó huérfano y creció con una soledad que lo marcaría durante años. Hay una escena que todavía recuerda con nitidez: su primera Navidad solo. Lo llevaron a la casa de una familia desconocida y, cuando llegaron las doce, todos se abrazaron mientras él permaneció en un rincón, sin querer acercarse a nadie.

“No entendía qué hacía ahí. No había siquiera un regalo preparado para mí. Creo que improvisaron uno, pero no recuerdo qué era. Ese día juré que nunca más pasaría una Navidad con extraños. Me la pasaba borracho”, confiesa.

Ese vacío empezó a cerrarse muchos años después, cuando conoció a Carmen Fernández. Con ella formó la familia que tanto ansiaba tener. La conoció a los 36 años, se casaron y entonces vivió, por primera vez, una Navidad en un hogar que sentía suyo.

“Soy un ferviente creyente de Dios. Mi esposa, mis hijas y mis nietos son regalos suyos. En las noches nos reunimos, conversamos sobre lo que pasó en el día, renegamos, nos reímos, y en esos momentos solo atino a decir: ‘Gracias, Señor’. Esto es lo que siempre quise y la vida me lo da todos los días”.

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Dura batalla

Su familia ha sido su sostén en los momentos más difíciles. Lo fue, por ejemplo, cuando a mediados del mes de agosto del 2025 debió ser internado en un hospital tras una emergencia de salud provocada por una obstrucción en el colon, a consecuencia del cáncer que padece.

“Estuve 16 días en UCI. A mi esposa le dijeron que había que operarme de inmediato porque el colon podía reventar y provocarme una sepsis. Llevaba casi dos semanas sin poder ir al baño. Me operaron de emergencia, sacaron el tumor del intestino grueso—era cáncer— y cortaron 12 centímetros. Luego examinaron los ganglios extirpados y, por suerte, ninguno estaba comprometido”, narra.

Después vinieron ocho sesiones de quimioterapia, una cada 14 días. Los resultados, cuenta, han sido óptimos. Había ingresado al hospital con 103 kilos y salió con 86. Hoy ya volvió a pasar los 90.

“Me dijeron que las quimios podían provocarme mareos, náuseas y cansancio, pero me pasó todo lo contrario: se me abrió el apetito (ríe). He subido un poco de peso, así que ahora tengo que bajar, reducir grasa y ganar masa muscular. Necesito fortalecer el cuerpo para la próxima operación, cuando me reviertan la colostomía. Ese es el siguiente paso, ahora que ya terminé las quimios”, detalla.

Segunda oportunidad

Esa experiencia límite también le cambió la manera de mirar la vida. Haber estado tan cerca de la muerte, sin siquiera ser del todo consciente de ello, le confirmó que seguir aquí es un regalo que asume con gratitud y responsabilidad.

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“En febrero retomé la docencia, que es algo que amo, después de seis meses. Me cuesta por la colostomía, pero estoy tratando de hacer, lo mejor posible, todo lo que aún me queda por hacer antes de irme de verdad. Y cuando llegue ese día, quiero irme en paz”, dice.

Días extremos

No habla de la muerte con miedo, sino con gratitud. Esa mirada se forjó después de haber atravesado una etapa oscura, marcada por los excesos, en la que perdió energía, lucidez y tiempo, y puso en riesgo lo más valioso que tenía cerca.

“He sido borracho, marihuanero, coquero, pastelero; he pasado por todo eso. Y cuando hablo con los chicos se los digo de corazón: no lo hagan. Es una estupidez. Es como si el Señor te pusiera delante algo bueno, limpio, valioso, y tú, en cambio, eligieras lo que te destruye. Yo cometí ese error”, dice.

El quiebre llegó a inicios de 1986. Después de tres días sumido en el descontrol, despertó solo en su departamento, tirado en el suelo. Al intentar levantarse, golpeó una caja que estaba sobre el velador y de allí salió una fotografía de su madre. Ese episodio, mínimo en apariencia, le dio la fuerza para parar.

La desintoxicación fue dura. La enfrentó solo, con una disciplina feroz, entre ejercicio, desgaste físico y una batalla diaria contra la ansiedad.

“Corría, hacía planchas, abdominales, transpiraba para botar todo lo destruido por dentro. Tomaba bastante agua y comía frutas. Me daba convulsiones, segregaba saliva. Pasé días duros. El alcohol tardó más en irse, pero la decisión ya estaba tomada. No había marcha atrás”, recuerda.

Trayectoria nutrida

Esa decisión de seguir también marcó su carrera. Ramón García ha participado en más de cien producciones entre teatro, cine y televisión, y en varias dejó una huella propia. En “La ciudad y los perros”, por ejemplo, no solo interpretó al teniente Huarina, sino que además propuso una de las frases más recordadas de la película: “No me mire, cadete, ¿quiere que le regale una fotografía mía calato?”.

También tuvo una presencia sostenida en la televisión. En el 2006 protagonizó junto a Jhoan Mendoza la miniserie “Las aventuras de Camote y Paquete: Camino a casa”, que luego tuvo una secuela, “Camote y Paquete: Aventura de Navidad”. También integró el elenco de producciones como “Así es la vida, Torbellino” y “Luz de Luna”, entre otras.

Su carrera incluyó, además, títulos internacionales como “The Young Pope” y “The New Pope”, donde interpretó al cardenal Aguirre, ampliando aún más un recorrido sólido.

“Fue una experiencia muy grata. El día de grabación tenía un Mercedes del año a mi disposición; acá no tienes ni bicicleta”, dice entre risas. “Había que estar listos a las 4:30 o 5:00 de la mañana. Al comienzo pensaba que me habían llevado como el sudamericano exótico, pero el trato era igual para todos. Jude Law comía conmigo y se burlaba porque yo estaba con casaca y él con polo. Me decía: ‘Sudamericano, ¿no?’, y se reía”, recuerda.

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Camino abierto

A sus más de siete décadas, Ramón García todavía piensa en los personajes que le faltan por hacer. Hay uno, sobre todo, que lo ronda desde hace tiempo: el de un payaso viejo, golpeado por la tragedia.

“Quiero hacer de un payaso que ya no sabe qué hacer, pero sigue intentando sus trucos. Se quedó loco después de ver morir a su hija trapecista en el circo. Vive en su propio mundo y solo habla con los animales. Ese personaje está en mi cabeza; todavía no aparece en el papel”, asiente.

Quizá por eso, cuando mira su trayectoria, habla de camino. “Hice todo lo que pude, con errores y aciertos. Y lo que quiero es seguir, hasta que me digan: ‘Hasta aquí llegaste’”. Y en eso sigue: caminando.

Hay un momento, repetido en distintos testimonios sobre Michael Jackson, en el que la presencia de su padre llena la habitación antes de que diga una sola palabra. Joe Jackson no necesitaba gritar para imponer control sobre su hijo de 5 años, cantante de “The Jackson 5” en 1975. El niño que alguna vez lideró la banda familiar siempre supo que separarse no sería un simple gesto de independencia, sino una ruptura que golpearía al patriarcado. Esa tensión es la coartada perfecta para que la película “Michael”, la primera biopic oficial sobre el Rey del Pop, impulse el drama y, de paso, esquive hablar de algunos temas.

La producción, respaldada por el patrimonio de la familia Jackson, utiliza todo su catálogo para reconstruir a la estrella que redefinió la cultura pop. En el papel protagónico está Jaafar Jackson, el sobrino del cantante, cuyo parecido se mimetiza de forma casi surreal con la memoria en gestos, cadencia y la voz de su tío. Tanto él como Juliano Valdi, quien interpreta su versión de niño, cantan en la película, aunque en este último caso la voz se mezcla con la del rey original.

Puede ser la película más esperada de la primera mitad del año. La mano creativa detrás de “Michael”, Fuqua —conocido por “El justiciero” y “Día de entrenamiento”—, aborda un proyecto musical que se impone a los personajes principales. En este caso, se trata de la familia Jackson: el cantante y sus padres, Joe y Katherine, interpretados por Nia Long y Colman Domingo, y sus hermanos Jackie, Tito, Jermaine y Marlon, interpretados en su versión adulta por Joseph David-Jones, Rhyan Hill, Jamal R. Henderson y Tre Horton. La excepción es Randy Jackson, el hermano menor, que no tendrá un papel en la cinta.

Domingo encarna a un padre rígido que ni Fuqua ni la familia Jackson podían ocultar en este biopic, dado que es de interés público la forma en que expuso a sus hijos a la fama desde niños. Por su parte, Miles Teller aparece como John Branca, el abogado que más tarde sería una figura clave en la administración del legado de Michael. En tanto, sus representantes más polémicos se verán reflejados en Kendrick Sampson, como Quincy Jones, y Michael Andrew Baker, como un ejecutivo sin nombre propio pero que alude a Frank DiLeo.

Jaafar Jackson carga con el peso de la decisión de Michael de separarse de su familia. Los fanáticos se emocionaron al escuchar cantar al actor en el avance de la película, que se divide musicalmente entre sus inicios, con “Don’t Stop ’Til You Get Enough”, y una segunda parte más cuesta arriba, donde tiene protagonismo “Billie Jean”, canción del histórico álbum “Thriller”.

Antes, algunos intentos en cine y televisión quisieron contar fragmentos de la vida del cantante en su etapa adulta. Estuvo Jason Weaver en “La familia Jackson: Un sueño americano” (1992) y Navi en “Michael Jackson: Searching for Neverland”.

Más allá de Michael

Muchos se preguntan qué Michael llegará a la pantalla, más allá del carisma, y si su historia incluirá los capítulos más complejos de su vida adulta. En 2005 fue juzgado por abuso de menores y absuelto, pero el caso dejó testimonios e imágenes que aún pesan sobre su legado: informes con material de menores desnudos y su propia admisión de haber compartido su cama con niños en Neverland, lo que desató el escrutinio público.

La película no coloca estas controversias en el centro. Prefiere detenerse antes, en su recorrido musical, previo a que las acusaciones marcaran su imagen pública. La familia apuesta por mostrar la otra cara: el niño formado bajo un padre autoritario y el artista de creatividad desbordante. Aun así, la figura adulta permanece rodeada de preguntas sin resolver, como un mito que nunca muere.

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ARIES (marzo 21-abril 20)

Amor: con el ánimo optimista, estará listo para una nueva relación o para reconciliarse en la pareja. Salud: se calmarán sus nervios. Sorpresa: situación ambigua.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Amor: le pedirán que demuestre su generosidad, pero tendrá que poner límites; luego se lo agradecerán. Salud: evitará un mal hábito. Sorpresa: secreto revelado.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Amor: se concentra en la persona que más le atrae y todo puede pasar. Se avecina una nueva relación. Salud: una dolencia se aliviará. Sorpresa: elogio desmedido.

CANCER (junio 22-julio 22)

Amor: un encuentro fortuito estimulará la charla y descubrirá agradable afinidad; posible romance. Salud: necesitará un descanso. Sorpresa: hallazgo en la calle.

LEO (julio 23-agosto 22)

Amor: momento para pasar a esa etapa que muestra la madurez de la pareja para tomar decisiones. Salud: la vitalidad estará a pleno. Sorpresa: reencuentro inolvidable.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Amor: si insiste en criticar, provocará discusiones que pondrán la relación en riesgo. Salud: un estudio estará bien. Sorpresa: inesperado beneficio.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Amor: logrará transmitir sentimientos profundos y la pareja tendrá mayor felicidad. Salud: una terapia no ayudará. Sorpresa: respuesta intempestiva.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Amor: expresará sentimientos reprimidos y agradará a su entorno. Alguien se acercará. Salud: duerme bien y se repone. Sorpresa: brillante liderazgo.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Amor: surgirán malentendidos que le hacen sufrir pero todo volverá a la armonía. Salud: retomará el entrenamiento. Sorpresa: un amigo se enojará.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Amor: una nueva relación crecerá en cuanto comience a cerrar heridas del pasado. Salud: necesita una dieta natural. Sorpresa: decisión excelente.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Amor: una relación que parece no tener futuro le sorprenderá; pronto verá señales de calidez. Salud: el buen humor será sanador. Sorpresa: hallará lo que necesita.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Amor: sucesión de momentos felices y comunicación plena. La estabilidad aumentará la armonía. Salud: un chequeo será oportuno. Sorpresa: llega dinero extra.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: INTERIORMENTE UN POCO ALOCADA Y CON TENDENCIA A ACTUAR IMPULSIVAMENTE.

Dos generaciones se unen en el mismo escenario. La segunda fecha del Coachella 2026 dejó una de sus escenas más memorables con Sabrina Carpenter como protagonista, ya que tuvo como invitada especial a Madonna durante su show. El gesto no solo emocionó al público, sino que desató la euforia de todos tras ver el encuentro de dos generaciones del pop.

El festival Coachella 2026 se viene desarrollando en California, exactamente en el Empire Polo Club. En el segundo fin de semana, Sabrina Carpenter sorprendió al público con su interpretación “Vogue”, cuando de pronto apareció en el centro del escenario Madonna y entonó “Strike the pose”.

Durante el show, ambas cantantes interpretaron éxitos como “Like a Prayer” y adelantaron material inédito vinculado al próximo álbum de Madonna, titulado “Confessions II”, un proyecto que la cantante lanzará el próximo 3 de julio y que funciona como secuela de su influyente disco de 2005 “Confessions on a Dance Floor”. Además, con este álbum marca su regreso discográfico luego de siete años sin publicar un disco.

“Estoy muy emocionada de estar aquí con las mismas botas, el mismo corsé y la misma chaqueta de Gucci que llevé entonces. Se cierra un círculo muy emocionante para mí”, explicó Madonna.

Cabe recordar que Madonna también regresa a los escenarios de Cochaella desde el 2015, año que participó como invitada durante el show de Drake. Este momento también se convirtió en un día especial para la artista.

“Hace 20 años, en este mismo día, actué en Coachella. Estaba en la carpa de dance y fue la primera vez que interpreté ‘Confessions On A Dance Floor: Part I’ en Estados Unidos, y eso fue muy emocionante para mí”, dijo ante el público.

Sabrina Carpenter y Madonna acaban de interpretar juntas Like A Prayer en Coachella 🤯 pic.twitter.com/HevURzZbW2

— Alitz (@AlitzTzadkiel) April 18, 2026

“Así que pueden imaginar lo emocionante que es para mí estar de vuelta 20 años después… es como un momento de círculo completo, muy significativo para mí”, agregó la artista con notable emoción.

La reciente aparición de Madonna en Coachella llega pocos días después de que la artista anunciara el lanzamiento de “Confessions II”. Este disco, programado para el 3 de julio, marcará el regreso al icónico sonido dance que definió “Confessions on a Dance Floor” (2005), considerado uno de los trabajos más exitosos y aclamados de su carrera.

Paramount ha lanzado el segundo tráiler de su anticipada adaptación de la saga de videojuegos “Street Fighter”, mostrándonos una estética que parece sacada de las salas de arcade y una excelente coreografía digna del rey de los juegos de peleas.

La cinta, dirigida por Kitao Sakurai (“Bad Trip”) y a estrenarse el próximo 16 de octubre, es la segunda adaptación de “Street Fighter” de llegar a la gran pantalla, con muchos de nosotros acordándose de la película de 1994 protagonizada por Raul Julia y Jean-Claude Van Damme.

A diferencia de esa adaptación, donde el foco estuvo en el personaje de Guile, en esta nueva adaptación la historia parece estar centrada en la amistad (y rivalidad) entre los protagonistas de la saga Ryu (Andrew Koji) y Ken Masters (Noah Centineo).

Así dice la descripción oficial de la película:

“Ambientada en 1993, los luchadores de Street Fighter Ryu (Andrew Koji) y Ken Masters (Noah Centineo), que se habían distanciado, se ven obligados a volver al combate cuando la misteriosa Chun-Li (Callina Liang) los recluta para el próximo Torneo Mundial de Guerreros: un brutal enfrentamiento de puños, destino y furia. Pero detrás de esta batalla real se esconde una conspiración mortal que los obliga a enfrentarse entre sí y a los demonios de su pasado. Y si no lo hacen, ¡se acabó el juego!”.

Además de Koji y Centineo, la película contará con la participación de Cody Rhodes como Guile, David Dastmalchian como M.Bison, Mel Jarnson como Cammy, Jason Momoa como Blanka, Orville Peck como Vega, 50 Cent como Balrog, Vidyut Jammwal como Dhalsim, Oliver Richters como Zangief, Hirooki Goto como E. Honda, entre otros.

La película animada “CHAO: La sirena” llegará a los cines peruanos el 23 de abril con una propuesta fresca dentro del género romántico. Se trata de una comedia ambientada en un mundo futurista donde humanos y criaturas marinas conviven en sociedad, dando pie a una historia inusual que mezcla humor, fantasía y emoción.

La trama sigue a ‘Stephan’, un joven ingeniero naval cuya vida cambia de forma inesperada cuando ‘ChaO’, una enigmática princesa del mar, le propone matrimonio sin previo aviso. A partir de ese momento, ambos personajes deberán enfrentar sus diferencias y descubrir si es posible construir un vínculo más allá de sus mundos opuestos.

A lo largo de la historia, la película desarrolla un romance poco convencional que apuesta por la conexión emocional entre especies distintas. Este enfoque permite explorar temas como la aceptación, la diversidad y el entendimiento mutuo, manteniendo siempre un tono ligero y accesible para todo tipo de público.

Uno de los aspectos más destacados de “CHAO: La sirena” es su propuesta visual. La cinta presenta una estética vibrante y surrealista, con un estilo que combina técnicas modernas de animación con un acabado artesanal que refuerza su identidad artística.

La producción está a cargo de Studio 4°C, reconocido por su innovación en la industria del anime. El estudio ha estado detrás de títulos como “Mind Game”, la trilogía “Berserk: The Golden Age Arc” y “The Animatrix”.

La dirección está a cargo de Yasuhiro Aoki, quien logró dar vida a más de 100 mil ilustraciones para esta película. Su trabajo fue reconocido internacionalmente al obtener el Premio del Jurado en el Festival de Animación de Annecy 2025, uno de los eventos más importantes del mundo en este género.

Además, la producción cuenta con la participación de Eiko Tanaka, una figura clave en la industria del anime y vinculada a importantes proyectos de Studio Ghibli como “Mi vecino Totoro” y “Kiki: entregas a domicilio”.

La energía desbordante de Thalía aún deja ver a la niña de los años noventa. A la bailarina de “Timbiriche”, formada entre telenovelas y rancheras. A la joven que creció entre el pozole del Día de Muertos y las enchiladas del desayuno, su favorito. Hoy, a sus 54 años, con una carrera que ha cruzado la televisión, hits globales en el género urbano y varias reinvenciones estéticas, la cantante regresa a sus raíces mexicanas con el álbum “Todo suena mejor en cumbia”.

En el nuevo álbum, la ganadora de dos Latin Grammy, con estrella en el Paseo de la Fama, dialoga con aquel espíritu de “Amor a la mexicana” y “Piel morena”, canciones de 1995 y 1997 con tonos de ranchera, regional y cumbia. Entre acordeones, percusiones y coros, abundan también las letras de despecho por un corazón roto, el deseo y la seducción por el ser amado, así como las quejas más íntimas. Tiene nueve canciones, algunas lanzadas recientemente en formato de videoclip, como “Boomerang” y “Ojitos mexicanos”.

El nuevo álbum incluye una colaboración con Yuri, ícono de la música mexicana, en “Todo, todo, todo”. La canción gira en torno al deseo y adopta un aire ranchero que dialoga con la raíz veracruzana de la cantante de 62 años. En el disco también participan Los Ángeles Azules en “Yo me lo busqué”, un tema pegadizo que sigue la línea de sus éxitos recientes. Aquí, Thalía colabora por primera vez con la agrupación mexicana, responsable de canciones como “Amor a primera vista” (con Belinda) y “Nunca es suficiente” (con Natalia Lafourcade).

No todas las canciones son nuevas. Por ejemplo, está el cover de “Dancing Queen”, de ABBA, que aquí pierde parte de su esencia disco para adaptarse a la cumbia de Thalía, en una canción que dura casi cuatro minutos. En general, el resultado es irregular por momentos, pero la mayoría de hallazgos invitan al movimiento del cuerpo.

El disco suma colaboraciones que refuerzan el rol de Thalía como puente entre generaciones. En los últimos años, se acercó al género urbano, en parte por dinámica de mercado, pero también con la intención de abrir espacio a voces emergentes, como Natti Natasha y Lali Espósito. Esa línea continúa en su nuevo álbum. En “Me fui queriéndote”, comparte con Matisse, banda liderada por Melissa Robles, quien años atrás se volvió viral interpretando “Andar conmigo”, de Julieta Venegas, en la Plaza de Armas del Cusco, mucho antes de alcanzar fama internacional.

Hace cinco años, la cantante lanzó una compilación de regional mexicano en “Thalía con Grandes Bandas: Éxitos”, donde también se incluyeron reversiones con banda mexicana de “Rosalinda” y “María la del barrio”, temas de las telenovelas que protagonizó en 1997 y 1999. Ambos casos no son netamente cumbia, pero cultivan influencias tropicales de varios tipos, una constante que se mantuvo en su trabajo en los años siguientes.

Para Thalía, aquel sonido de los noventa llegó a funcionar como el nuevo pop. Hoy, en cambio, opta por mirar hacia adentro, ya en la mitad de su década de los cincuenta. En paralelo, su imagen pública no deja de expandirse: se presentó en Premios Lo Nuestro, participó en la serie de Amazon Prime Video, “The CEO Club”, junto a figuras como Serena Williams y Dee Hilfiger, e incluso prestó su voz para una aplicación vinculada a la Biblia. Su agenda está más activa que nunca. Pero, por encima de todo, su México querido y la música siguen siendo su centro.

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J-Hope, popular integrante de la banda surcoreana BTS, vivió un emotivo momento durante un concierto de la boy band en Japón al confirmar el fallecimiento de su abuela materna. El anuncio se dio en pleno escenario, sorprendiendo y conmoviendo a miles de asistentes y al ARMY en general.

El hecho ocurrió durante una presentación en el Tokyo Dome, donde el artista decidió detenerse para compartir la noticia con sus seguidores. Según explicó, se enteró del fallecimiento poco después de llegar al país asiático, lo que hizo aún más difícil su participación en el espectáculo.

Durante su intervención, el cantante habló con sinceridad sobre el impacto emocional que esta triste noticia le ha generado. “Esta podría ser una historia un poco pesada”, expresó al público antes de revelar la pérdida de su abuela, quien fue una figura clave en su vida.

El idol también recordó que su abuela fue quien lo crio desde pequeño, destacando el papel fundamental que tuvo en su formación personal y artística. Además, aseguró que ella siempre se sintió orgullosa de su carrera y del grupo.

“Cuando llegué aquí, me dieron la noticia de que mi abuela materna, quien me crio desde pequeño, había fallecido… Me sentí muy confundido y desorientado por un momento, pero mientras comía con los demás chicos y preparábamos el ensayo del concierto, ese desconcierto se fue reduciendo mucho, creo”, reveló J-Hope.

A pesar del duro momento, J-Hope continuó con el concierto y explicó que el apoyo de sus compañeros y el trabajo en equipo lo ayudaron a sobrellevar el impacto inicial de la noticia. El artista destacó que compartir tiempo con los integrantes de BTS le permitió encontrar fortaleza.

@fans.bts.army20 Cred.btsmemeories// Hobi en el concierto de ayer en Japón nos dio la noticia que su abuelita ha fallecido 😭🤍… ARMY está contigo Hobi un fuerte abrazo ❤️‍🩹🫂 #bts #jhope #arirangworldtour #ot7 #btsarmy ♬ som original - FerxXlzin

Pese a la lamentable pérdida del cantante, BTS mantiene firme su gira mundial Arirang, con la que ofrecerán diversos conciertos alrededor del mundo, incluyendo Perú, donde ya agotaron tres fechas: el 7, 9 y 10 de octubre en el Estadio San Marcos.

La tradición ayacuchana nos dice que, para leer una tabla de Sarhua, se debe seguir un orden vertical y ascendente. Una historia gráfica que se lee de abajo hacia arriba. Este orden no es casual: lo define un simbolismo profundo vinculado a la cosmovisión andina y a la estructura de las viviendas donde la tabla, donada por los compadres de los recién casados, va instalada como la viga que sostiene el techo. A medida que vamos subiendo la mirada, recorremos la historia de los habitantes de la casa, plasmada en escenas cotidianas como la siembra, la cosecha o el tejido. Y por fin, en lo alto, vemos al sol y a la luna, divinos símbolos de protección.

Sin embargo, Violeta Quispe Yupari, parte de una familia de notables artistas de la comunidad de Sarhua, en Ayacucho, propone lecturas menos verticales para esta tradicional tabla ilustrada. En su muestra “Wasipi - May Piraq Causa” (En casa, ¿quién es el culpable?), inaugurada recientemente en la galería l’Imaginaire de la Alianza Francesa, ella deconstruye esta tradición comunitaria, la tuerce y fragmenta, con el propósito de cuestionar los roles familiares tradicionales y las silenciadas tensiones domésticas. Como advierte Gabriela Germaná, curadora de esta muestra, el trabajo de Quispe Yupari propone, desde la crítica y la sensibilidad, imaginar otras formas de vínculos y procesos de reparación.

Ganadora del concurso Pasaporte para un Artista en el 2024, la experiencia en la Cité Internationale des Arts de París le ofreció, más allá de ver museos y conocer colegas, experimentar, por primera vez, el sentimiento de distancia de su familia. Y fue esa ausencia la que le permitió tomar distancia y analizar tanto los vínculos afectivos como los conflictos en el interior. “En la cultura de la que vengo, la familia siempre ha tenido un vínculo muy sagrado, incondicional en los afectos. Y al verlo desde un contexto distinto, contrastándola con conceptos de familias distintos, advertí todo un contraste. Y empecé a escuchar y a recopilar sobre este tema”, señala.

Partiendo del diseño de tablas cuyo propósito original fue plasmar la historia familiar y un árbol genealógico lineal, Quispe Yupari propone una mirada distinta, más realista, atenta a las fricciones y violencias al interior del clan. Partiendo de lo autobiográfico, la artista recopiló información y testimonios y, tras regresar de su residencia artística, empezó a trabajar reinterpretando las tradiciones sarhuinas.

Así, la muestra profundiza en los vínculos familiares, pero también los abre y amplía. Para la artista, cruzar el río que separa a la comunidad del mundo le permite también elegir a los miembros de una nueva familia, nuevas personas con las que establecer vínculos igualmente íntimos. En este desmontaje del lenguaje de las tablas, Quispe Yupari cambia el relato lineal plasmado en dos dimensiones, y replantea la narrativa tradicional a la manera de collages o instalaciones, proponiendo una simbología fragmentaria. La tabla tradicional pintada sobre recio molle que nos recibe en la entrada de la galería se va convirtiendo en las piezas intervenidas del cántaro de cerámica de su abuela, o en textiles remendados, símbolo de la reconstrucción de los vínculos.