La primera orden era llevar 700 soldados para ocupar el territorio, mientras la dictadura negociaría con los británicos unos cuantos meses. Luego, tres semanas después, la cifra creció a 12 mil efectivos. Apostados en unas islas sin caminos, con soldados pésimamente abastecidos. Cuando los británicos hundieron el crucero Belgrano, el buque insignia de la marina argentina, el 2 de mayo de 1982, las islas quedaron sin abastecimiento. La historia de la Guerra de la Malvinas es una historia épica que habla de sacrificio, pero también de torpezas en la cadena de mando e improvisación a todo nivel.

Para el escritor argentino Eduardo Sacheri, uno de los invitados más esperados a la Feria Internacional del Libro de Lima, su proyecto original era escribir una novela de la guerra de las Malvinas, que abarque tanto la guerra de los soldados como la de los civiles. Aquella que se libró en las islas, así como la que se reflejó en el continente. La guerra real y la guerra imaginaria vivida intensamente por los argentinos. Sin embargo, confiesa, cuando se abocó a escribirla, algunos puntos de vista de los personajes parecían disonantes. Tipos que toman café en un bar del centro de Buenos Aires, una mujer que trabaja en el cuerpo diplomático argentino, las familias de los soldados. Finalmente, decidió dividirlas en dos novelas. Ambas se publicaron en Argentina el año pasado: “Demasiado lejos” y “Qué quedará de nosotros”, dos historias tan independientes como complementarias. Una escrita con la lógica de la isla y la otra, desde el continente. Se trata de entretejer muchas voces, salvo las del poder que toma las decisiones.

― ¿Es una decisión de autor eliminar el ruido político, sacar a generales y dejar que sea la gente sin poder la que cuente las historias?

Me interesaba la gente común en la guerra. En “Demasiado lejos”, por ejemplo, hay escenas en la Casa Rosada, pero los protagonistas son un mozo y un cocinero. No Galtieri ni sus generales. Y en Qué quedará de nosotros, no son los generales que toman las decisiones en las islas, sino un mayor, un teniente y algunos soldados rasos. Eso me resultaba mucho más fecundo.

― El cineasta Juan José Campanella decía que lo tuyo es contar historias de gente común, donde lo cotidiano se vuelve épico. ¿Dónde radica la épica cuando se lucha en una guerra que se sabe perdida?

Pocas posibilidades más épicas que esa. Es la épica vaciada del éxito. Las principales batallas de infantería en la guerra de Malvinas se pelean los últimos días de la guerra, cuando no hay manera de que Argentina pueda evitar la derrota. Y me resultaba más interesante meterme en la cabeza de esos soldados. Arriesgar la vida me parece una decisión definitiva e irrevocable y quería pensar qué es lo que nos puede llevar a hacerlo. Tomar esa decisión sabiendo que no hay premio. No había pensado eso antes de escribir la novela. Solo cuando me puse a investigar la guerra en detalle. Para poder escribirla tuve que documentarme mucho. Para los soldados de infantería, la guerra de las Malvinas no fue un continuo de batallas, fue una espera. Casi dos meses de espera en posiciones fijas. Y cuando se produjo el combate, ya estaba decidido de antemano. Me interesaban esas decisiones insondables que tenían que tomar hombres de a pie, a veces muy jóvenes otras no tanto: ¿me rindo o no me rindo? ¿Me escondo o no? ¿Peleo o no peleo? Desde la comodidad de mi vida, no tengo idea de quiénes hacen bien y quienes mal. Yo no soy quién para juzgar ni a unos ni a otros. Pero sí me parecía interesante asomarme a esas disyuntivas existenciales que aparecen en los testimonios de los veteranos.

― Es curioso que en “Qué quedará de nosotros” la guerra aparezca a la mitad de la novela. Comienzas con la noticia de la ocupación y su impacto en los argentinos. “Qué día formidable”, dice alguno. ¿Fueron los argentinos ingenuos? ¿Cómo se pudo considerar como una fiesta nacional esa reivindicación?

Hay que remontarse a lo que son las Malvinas para los argentinos desde hace mucho tiempo. Los militares de la dictadura no inventan un sueño. Ese sueño ya existía. Si bien las islas están en poder británico desde 1833, hasta la década del treinta era un tema de agenda diplomática. Argentina de vez en cuando reclamaba a los británicos y los británicos le daban largas al asunto. Pero desde entonces el tema bajó la sociedad y en los años cuarenta ingresó la escuela. En los mapas de la Argentina, empezó a pintarse a las islas del mismo color que el resto del país y se las nombra como “Islas Malvinas Argentinas”. Está la marcha de las Malvinas que se canta en la escuela de vez en cuando. Hay toda una construcción de nacionalidad vinculada con la recuperación de ese territorio. Y sobre ello se monta el desembarco de 1982. Ahí se produce una situación equivoca. No importaba que fueran los militares de la dictadura los que llevaran a cabo esta empresa, la sociedad argentina se subió a esa alegría. Nadie pensaba que empezaba una guerra. Eso es muy notorio cuando te pones a investigar tanto la parte diplomática como la militar. Hoy se dice que la guerra de Malvinas empieza el 2 de abril con el desembarco argentino y no es verdad. La guerra empieza después, cuando Margaret Thatcher ordena el envío de su flota. Pero la sensación en la Argentina era que el asunto terminaba con el desembarco, pues el mundo iba a entender que esas islas le pertenecían a la Argentina. Por eso, en las semanas sucesivas, la sensación en Argentina era casi de extrañeza: “¿Por qué los británicos envían una flota?, ¿Por qué las Naciones Unidas votaron en contra de la pretensión de la Argentina? La idea de Nación, de Patria, es muy poderosa. Y sigue siendo así. Esa notoria ingenuidad que vos detectás tiene que ver con eso.

― ¿Cómo fue tu investigación? Cuánto sirve realmente la cobertura periodística de la época?

La cobertura periodística fue lejana, porque en general no hubo periodistas, salvo los primeros días, cuando la guerra no se sentía como una amenaza. Y claro, el periodista que queda es de la televisión pública. Los medios están en manos de los militares, con lo cual se genera un discurso único triunfalista, completamente sesgado. Pero es muy interesante ver cómo los medios privados, diarios y revistas, se plegaron mayoritariamente a ese discurso. Habían descubierto que la gente quería leer buenas noticias: que íbamos a ganar la guerra y que los británicos no tenían chance aunque desembarquen. Es una ficción que en el país la sociedad argentina decidió construir y sostener hasta el 14 de junio de 1982, cuando se produjo la rendición. Esa ficción no solo sostuvo el optimismo la sociedad, sino una enorme dualidad en nuestra vida cotidiana.

― Curiosamente, Argentina va a jugar el Mundial del 82 en esos días.

Argentina debuta en el Mundial el día anterior a la rendición. Debuta el domingo contra Bélgica y se rinde el lunes.

― En la novela muestras que perder contra Bélgica parecía un anticipo de la derrota real para la tropa.

Quería poner la cámara a la altura de la gente. Por supuesto hubo gente que sostuvo la racionalidad necesaria como para entender que esto era una locura. Pero no fueron la mayoría. La mayoría de la sociedad se dejó ganar por el triunfalismo y el chovinismo.

― ¿Qué fuentes te permitieron construir tu historia?

Por un lado, libros de historia militar que analizan el conflicto. Una literatura muy específica, para la que debes entender sus diagramas, sus mapas, sus terminologías. Muchos libros de memorias autoeditados, y muchos testimonios de veteranos. En Internet encuentras centenares de entrevistas, muchas entre veteranos de la guerra, que cuentan su día a día en las islas.

― Leyendo tu novela, no puedo creer aún el grado de improvisación de la operación militar. ¿Es real que la lógica de los militares fue ocupar y luego negociar? ¿Cómo explicas ese error de cálculo tan evidente?

Yo lo puedo constatar, pero no puedo explicarlo. El gobierno militar asesorado por el canciller Nicanor Costa Méndez, se basó en el antecedente del canal de Suez, nacionalizado por Nasser. Aunque la reacción inicial de británicos y franceses fue invadir y recuperarlo, la comunidad internacional les dice que pertenecía a Egipto. Algo parecido sucede con el canal de Panamá y las protestas de 1964, que terminaron en los tratados Torrijos-Carter. La dictadura pensó que podían hacer lo mismo, contando con una opinión internacional favorable. Y confiaban también en la muy buena relación que tenía el dictador Galtieri con Ronald Reagan. Pensaban que él iba a interceder para que la sangre no llegue al río.

― Pero Reagan se inclinó por Thatcher.

Reagan mandó a Alexander Haig, su secretario de Estado a Londres y Buenos Aires para negociar. A diferencia de Carter, quien tenía malos vínculos con los militares argentinos, Reagan mantenía una buena relación con Galtieri. Y Argentina lo estaba apoyando en su política en Centroamérica. Sin embargo, confiar en esos apoyos fue un error garrafal. Y donde erraron completamente fue en calcular la reacción de Thatcher. La creyeron una primer ministra acorralada por los problemas internos de Gran Bretaña, en la primera etapa de sus reformas neoliberales, con una opinión pública absolutamente crítica y enojada. Imaginaron que Thatcher no iba a querer distraerse con ese conflicto, cuando en realidad, despertaron un fervor nacionalista en Gran Bretaña. Así, el gobierno de Thatcher se benefició (del mismo modo que el argentino) de poner entre paréntesis los problemas locales para enfocarse en el objetivo internacional. Y ella salió sumamente fortalecida políticamente, tanto que permaneció una década en el poder.

― Siempre tenemos en la memoria la solidaridad peruana con la Argentina en Guerra. Pero realmente sirvieron de algo los aviones enviados por el gobierno de Belaúnde? En tu novela explicas que, desde el continente, el vuelo era muy largo y solo contaban con 10 minutos de acción bélica, mientras los británicos tenían un portaviones.

Digamos que los Mirage peruanos tienen más valor simbólico y de fraternidad continental. Aún los argentinos recordamos mucho esos Mirage peruanos recibidos y camuflados para no involucrar al régimen peruano en el conflicto. Y se recuerda también la mediación de Belaúnde Terry, del mismo modo que no se olvida, en sentido totalmente inverso, la actitud muy benévola del dictador Pinochet hacia las fuerzas británicas.

― ¿Cuántas víctimas se registraron tras la guerra?

Un total de 649 víctimas del lado argentino (322 víctimas del hundimiento del Belgrano) y 255 de soldados británicos.

― ¿Cómo quedó la guerra en la memoria de la gente?

A lo largo de los años, la memoria ha ido cambiando. El pasado no cambia, pero la memoria sí. De entrada, te diría que esa memoria fue, sobre todo, un silencio. Nadie quiso escuchar a los combatientes. Nadie quería recordar la guerra. No solo por la derrota, sino por la incomodidad social de despertar con la derrota y advertir que se había enviado soldados con pésima preparación, apoyando a la dictadura en una aventura postrera para tratar de mantenerse en el poder. Así, durante muchos años, los soldados no tuvieron con quién hablar. Y eso perjudicó mucho sus posibilidades de procesar lo sufrido.

― ¿Hubo alguna instrumentalización política de la guerra?

Te diría que la izquierda ha evolucionado en esta dirección, sobre todo a partir de los gobiernos kirchneristas, reivindicando a los soldados rasos y condenando a los militares de carrera. Lo curioso es que el kirchnerismo instaló el 2 de abril como feriado. Un régimen que se siente absolutamente distante de los militares, sin embargo toma el día del desembarco como una efeméride. Por otro lado, la derecha hace una reivindicación más redonda de la cuestión. Mientras tanto, hay soldados que se sienten víctimas de las maniobras de los militares y soldados que se despegan de esa imagen y se sienten próximos a sus tenientes o sargentos. Así como hubo soldados que se sintieron, y con razón, maltratados, torturados, vilipendiados por sus jefes, hubo otros que se sintieron amparados y cuidados todo lo que se pudo.

― Una de las consecuencias de la Guerra de las Malvinas fue el final de la dictadura y la pérdida del poder del ejército, terminando la lógica de los golpes militares ¿Cuál es el actual papel del ejército en la Argentina?

La democracia argentina es hija de la derrota militar. Fue tal el descrédito de las Fuerzas Armadas con la derrota que pasaron décadas en las que su lugar fue absolutamente marginal. El gobierno de Milei despertó críticas por la compra de aviones para la Argentina, modelos que tienen como 30 años, comprados a Dinamarca. Son las primeras aeronaves compradas desde esa época. A nadie se le ocurre, por el momento, que surja un discurso pro militar, salvo de algún trasnochado en Twitter.

― Cuatro meses después, Argentina se enfrentó contra Inglaterra en el mundial de México 86. Los dos goles de Maradona se vivieron realmente como una reivindicación?

Completamente. Fue una revancha. Y aquí me pongo descriptivo, porque no es algo racional o justificado. Sin embargo, emocionalmente, ese partido se vivió en la previa desde la angustia. Perder con los ingleses en el 86 hubiera sido como redoblar el dolor y la humillación. Racionalmente, no son comparables una cosa con la otra. Pero emocionalmente iba todo en el mismo paquete. Y te diría también que la elevación de Maradona a mito nacional viene de ese partido. Hasta ese día, Maradona era un gran jugador al que no le había ido bien en el Mundial de España 82. Jugó muy bien en Argentinos Juniors y salió campeón con Boca, pero los demás hinchas solo lo tenían como un gran jugador. No era el amor agradecido que Maradona suscitaría a partir de entonces. Porque ganarle a Inglaterra en el 86, con esos dos goles tan diferentes entre sí, uno pícaro, ladino, ilícito, pero por eso significativo y el segundo de un arte inolvidable, es algo que se repetirá a lo largo de los años. Es muy importante ese partido en un montón de sentidos. En el 86, la sociedad argentina necesitaba ganar. Luego el país volvió a jugar contra Inglaterra en otros mundiales, pero ya sin esa carga de angustia y de necesidad.

La Lima fundada por Pizarro no era solo una ciudad animada por el sonido de las campanas de sus numerosos conventos, iglesias y beaterios, sino era, sobre todo, una urbe alimentada por la cotidiana vitalidad de sus pulperías. Presentes en las esquinas de las cuadras desde el mismo momento de la fundación de la ciudad (llamadas pulperías de ordenanza), estos establecimientos se fueron multiplicando con el tiempo, y entre los siglos XVIII y XIX se podían contar de doscientas a cuatrocientas pulperías en Lima, cuyos propietarios llegaron a constituir uno de los gremios más influyentes de la sociedad colonial.

La historia de sus dependientes, de los productos que ofrecían, de los litigios y pleitos en los que se vieron envueltos y de las ordenanzas, impuestos y alcabalas que tuvieron que pagar para desarrollar sus negocios ha sido contada por el historiador Arnaldo Mera Ávalos en el libro "Las pulperías de Lima: del periodo borbónico a la temprana República" (1701-1862) que reconstruye más de 160 años de vida cotidiana limeña. “Fue como buscar una aguja en un pajar”, dice el autor, refiriéndose a su recorrido por archivos y su revisión de miles de documentos en el Perú y el extranjero para reconstruir una historia que nunca antes había sido registrada.

Cuatro categorías

La ubicación y características de una pulpería estaba regulada por ley: se ubicaba en una “casa esquina” y debía tener dos puertas abiertas a cada lado. Mera Ávalos cita un balance de marzo de 1779 para graficar lo que una pulpería podía ofrecer a su clientela: “losa serrana, losa criolla, losa vidriada, canastas exteriores, cola y escoba, leña y cañas, velas, bujías, docenas de quetas, sogas, dulces, queso y chocolate, miel, guarapo, papel, seda, clavo, hilo, agujas, alfileres, pita, pitilla, arrobas de charque, hilo a carrete, azúcar, arrobas de parras, quinua, aguardiente de almacén, yerba, menudencias, costales, carbón, sal, ocho frascos pintados, cuatro frascos sin pintar, tres garrafas, nueve botellas, un frasquito, una limetita, dos vasos de cristal, un frasco de marca mayor, una olla grande vidriada, un farol, dos soperos, dos cajones, diez docenas de cucharitas, botijas de vino, botijas de vinagre”. Dos meses después, otro balance del mismo local añadía cigarros, trompos, papas, maíz, aceite y pasas.

En opinión del autor, esta tienda debió haber sido una pulpería de primera categoría. “Existían cuatro categorías —detalla—, la primera vendía de todo, la segunda tenía menos productos, mientras que la tercera y la cuarta eran de poco rango, vendían lo mínimo indispensable, por ejemplo, no tenían permiso para vender velas ni pan, tampoco leña, porque no tenían espacio donde guardar este producto”. Las de última categoría ya estaban en el límite con unos pequeños locales que para fines del siglo XVIII comenzaron a proliferar en Lima al interior de las cocheras, sitios que la voz popular comenzó a llamar chinganas.

En el libro hay un subcapítulo que aborda las disputas entre las pulperías y las chinganas que eran lugares a donde la gente usualmente acudía a beber aguardiente. Aunque los dueños de ambos negocios llegaron a pertenecer al mismo gremio, los pulperos acusaron a los apoderados de las chinganas de adulterar licores y de acoger a gente “holgazana”, dedicada al juego, algo que no ocurría en las respetadas pulperías de las esquinas, que abastecían de productos a la cuadra.

Cuidado, al cruzar la pista

“Las pulperías estaban en cada esquina frente a frente —cuenta el autor—, puede hoy parecer increíble, pero la gente no solía cruzar la calle para comprar, porque era peligroso, podía caer en una canaleta llena de desperdicios y aguas servidas, o ser embestida por una carreta, un carruaje o un jinete que la podía mandar al otro mundo. Entonces en una manzana podía haber hasta cuatro pulperías y cada una abastecía a su propia calle”.

Quizás por esto alrededor de estos locales se generó toda una vida vecinal que los convirtió en centros de transmisión de noticias, rumores y novedades. “Las noticias eran cantadas por los pregones, luego corrían de boca en boca y los lugares donde se transmitían eran las pulperías, ahí uno podía enterarse de lo que estaban pasando”, precisa Mera Ávalos. ¿Y quiénes iban a comprar a las pulperías? “No iba el aristócrata, no iba el profesional, sino se mandaba a comprar a los esclavos, a los libertos, a los criados indígenas. Y sobre todo en el siglo XIX, los problemas que ocurrían en las pulperías eran los que la gente traía del callejón o de la calle, me refiero a peleas y hechos de violencia”, refiere el historiador.

La capa más alta de la plebe

Sobre los propietarios de estos negocios, en el libro se menciona una ordenanza de fines del siglo XVI que estipulaba que aquellos debían ser peninsulares, es decir españoles y casados. Pero hacia el final del siglo XVIII ya se habían relajado las normas y solo se exigía que los candidatos al oficio de pulpero no hubiesen sido procesados en juicios criminales, eso sí se excluía de la actividad a los afrodescendientes, aunque no se decía nada de los mestizos ni de los europeos de otras nacionalidades. No es casualidad que para entonces el gremio de pulperos estaba presidido por el napolitano Francisco Serio.

Una relación de 1710 elaborada para cobrar el impuesto de alcabala de cabezón (tributo a los productos procedentes del exterior del virreinato) revela que algunas pulperías fueron regentadas por mujeres. De los 180 pulperos registrados en aquel momento 158 eran varones y 22 mujeres. “La mujer podía ejercer el negocio por muerte del marido o por decisión propia, algo que era inconcebible para otros oficios —comenta el autor—, aunque inexplicablemente su número fue disminuyendo a lo largo del siglo XVIII”.

En síntesis, podríamos decir que el negocio de pulpero inicialmente fue ejercido por la clase media de la época: “La mayoría eran españoles o descendientes de españoles que pertenecían a la capa más alta de la plebe limeña, y buscaban preservar el matrimonio entre ellos”, especifica Mera Ávalos. Sin embargo, esta tendencia no pudo escapar del proceso de mestizaje que experimentó la sociedad capitalina a lo largo del tiempo y tampoco a la llegada de inmigrantes italianos, franceses e incluso eslavos, quienes abrirían pulperías entre los siglos XVIII y XIX.

Muchos de estos comerciantes fundaron la cofradía de Nuestra Señora de la Gracia y con sus impuestos, contribuciones o aportes “voluntarios”, ellos y otros gremios financiaron las fastuosas celebraciones en Lima por la proclamación del rey Carlos IV o las campañas del Río de la Plata y del Alto Perú, cuando los ejércitos realistas salieron a combatir a los insurgentes patriotas. Después, en los inestables días de la independencia, muchos de estos negocios fueron asaltados y saqueados. La investigación de Mera Ávalos avanza hasta la mitad del siglo XIX: “Ya con la independencia se pueden vender anticuchos, chicharrones en las puertas de las pulperías —apunta— y encontré documentos sobre la venta de pescado y hasta de cebiche de un pulpero decimonónico”.

Con la prosperidad del guano, Lima se modernizó en términos urbanísticos y acogió nuevas y foráneas modas. El gremio de pulperos desapareció entre 1860 y 1862. Se abrieron almacenes, bodegas y casas importadoras y todo esto derivó en que el término pulpería fuera cayendo en desuso. Pero, más allá de las palabras, eso marcó el fin de toda una época y de una forma de entender y configurar la vida social y urbana en la capital.

Sergio Ken ha llevado su violín a lugares donde pocos imaginarían escucharlo: tocó para futbolistas como Pedro Gallese y Yoshimar Yotún, participó en el lanzamiento del libro de Jean Ferrari y, ahora, prepara una colaboración con Bombo de la Barra, agrupación de filiación crema. Tiene 17 años, toca desde los cinco y posee oído absoluto, una habilidad excepcional que le permite escuchar una melodía y trasladarla casi de inmediato a las cuerdas.

Peruano-japonés y radicado en Miami, Sergio recuerda que, de niño, quería tocar guitarra. Fue su madre, la cantante Denisse Shashiki, quien lo convenció de probar con el violín cuando en el colegio, en Lima, le pidieron aprender un instrumento.

“Al principio, en realidad, no se me daba muy bien. Pero cuando descubrí que tenía oído absoluto algo cambió. Le agarré mucho cariño al violín. Puedo tocar cualquier cosa que escuche”, cuenta. La habilidad, sin embargo, no le resta dificultad al instrumento. “En el piano, tocas una nota y sale esa nota siempre. En el violín es muy milimétrico, muy preciso”, explica.

Cuando se le pregunta qué representa el violín en su vida, no necesita pensarlo demasiado: “Es mi vida”, asegura sonriente.

Vitrina mundial

A los nueve años se mudó a Miami, una ciudad que terminó ampliando su horizonte musical. “Mi vida cambió porque la diferencia en las oportunidades y en todo el apoyo que recibía era tremenda”, recuerda.

Fue seleccionado para tocar en Los Ángeles en YOLA, el proyecto juvenil impulsado por Gustavo Dudamel. Hoy estudia en Miami Arts Studio, una escuela de artes desde la cual empezó a abrirse camino hacia sus primeras experiencias de proyección internacional.

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“El coro de mi escuela colaboró con Emilio Estefan en ‘Love Always Wins’, una canción del Mundial 2026 en la sede de Miami e interpretada por Cimafunk. Yo no participé porque estoy en el área de cuerdas, pero me siento muy orgulloso de que mi escuela haya sido parte de ese proyecto”, detalla.

Pero su camino no se limita a la música clásica. En Miami, Sergio escucha salsa, reguetón, cumbia y sonidos caribeños. También se ha interesado por el reparto cubano, un género que, dice, suena mucho en su entorno. Su sueño es colaborar algún día con el cubano Bebeshito. “No ha habido una conversación formal, pero estoy trabajando en eso”, afirma.

Cuerdas urbanas

Esa mezcla de intereses también atraviesa “Panamar”, su primer tema propio. Se trata de una pieza instrumental de aire tropical en la que el violín lleva la melodía principal, acompañado por trompetas, timbales y tambores. “Quería ver qué tanto podía hacer una obra sin necesidad de tener cantantes”, cuenta.

Para él, este sencillo marca el inicio de su faceta como compositor y demuestra que el violín también puede sonar latino, actual y cercano.

“A mí me gusta mucho la música popular, desde la salsa hasta el reguetón, la cumbia. Y me parece que no hay muchos violinistas que hagan eso. Y si yo tengo el privilegio de poder combinar las dos cosas, estoy completamente a favor”, refiere.

Pasión crema

El fútbol apareció en su vida antes que los escenarios. De niño jugaba como delantero. “El nueve”, precisa. Su padre le inculcó esa afición, aunque la música terminó imponiéndose. Aun así, la pelota siguió cerca. Gracias a contactos familiares y a su entorno musical, pudo tocar para Pedro Gallese y Yoshimar Yotún. A Gallese le ofreció una presentación privada con temas salseros de Marc Anthony; a Yotún lo conoció por intermedio de su profesora de violín, Natasha Encinas. “A él le toqué una canción de Cristal”, recuerda.

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Sergio es hincha de Universitario, pero habla del fútbol peruano sin cerrar la puerta a otros colores. “De Perú siempre”, dice. Por eso, aunque ha tocado para jugadores identificados con distintos equipos, hoy su proyecto más personal lo acerca a la tribuna crema. Durante su estadía en Lima trabaja en una colaboración con el grupo Bombo de la barra, de filiación crema. Una propuesta que busca unir la música tribunera con el sonido del violín.

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La idea todavía está en proceso, pero Sergio tiene claro el concepto: “Queremos tocar temas clásicos que la gente conozca, pero mezclando la voz con el violín”, adelanta.

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Admira a Lindsey Stirling, violinista estadounidense conocida por llevar el instrumento hacia formatos menos tradicionales, y quiere seguir ese camino desde una identidad propia: peruana, japonesa, latina y futbolera.

Sergio todavía está en formación, pero ya tiene una ruta. Espera audicionar en el Berklee College of Music, en Boston., presentarse en el Perú, seguir componiendo y lograr que su nombre suene también entre la comunidad peruana en Miami.

“Quisiera que los peruanos, en distintas partes del mundo me conozcan y que sepan que hay un violinista peruano-japonés representando al Perú”, finaliza.

Como si fuera una casa de campo detenida en el tiempo, permanece en pie el hogar donde pasó décadas de su vida la artista peruana Julia Codesido (1883-1979), en la avenida Paso de los Andes, en Pueblo Libre. No cabe duda de que se diseñó pensando en las principales necesidades de una pintora: grandes ventanas que permiten el ingreso de la luz natural, además de techos amplios. Es una casa rodeada de jardines donde sucedían las jaranas criollas y se escuchaban géneros como el tango y el jazz. La vida social era activa, pero al llegar la medianoche todos sabían que debían partir. Codesido tenía una huerta y bellos árboles de nísperos y pacaes que ella misma plantaba. Además, desde el ingreso, se ve un iluminado zaguán donde la artista recibía a sus amistades antes de pasar a la sala o al comedor. Con estas disposiciones fue trazada la casa de Codesido por su maestro y amigo José Sabogal, el mayor representante de la plástica indigenista.

“Sabogal diseña la casa como si fuese parte de una pintura. La ves por diferentes lados, es como una casita de campo que él hubiese pintado. El diseño está concebido para que el corazón de la casa sea el taller, donde se tiene la mejor luz. Aquí recibía la luz fría de la mañana y ella pintaba durante prácticamente todo el día. Inclusive era el lugar donde hacía la siesta”, nos cuenta Marilú Ponte, directora de Asuntos Culturales de la PUCP, institución que preside la Fundación Julia Codesido y Estenós desde el año 2004.

El taller es un amplio salón donde encontramos en estos días a las especialistas encargadas del cuidado y organización del fondo artístico, documental y bibliográfico de Codesido. Aquí vemos su antiguo diván. Lo ubicaba al centro del estudio y sobre él se recostaba al terminar de pintar, observaba el trabajo avanzado, descansaba y continuaba su labor. Aún se conserva el caballete, sus pinceles y pigmentos.

El terreno para la construcción de la casa se compró en 1942 y se terminó de levantar en 1957. Debe ser una de las pocas casas de una sola planta que se conservan tal cual se hicieron en la época. Al salón principal le sigue un sobrio comedor sin mucho aspaviento. En su habitación está su cama con el mismo colchón y cobijas usadas por ella. En toda esta gran galería de arte que es su hogar, Codesido designó un espacio al que llamó “galería”, donde colgó sus pinturas y las de su papá. Toda la familia pintó, pero solo ella estudió arte como profesión. Lo hizo tardíamente, sobre los 35 años, al regresar de vivir en Europa, en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Allí abrazó el indigenismo y, posteriormente, desarrolló su propio estilo.

Recorriendo sus salones, pasadizos y rincones, vemos los objetos personales de Julia Codesido. Los retratos familiares, las pinturas hechas por su padre, una vajilla quizá heredada, pequeñas esculturas (entre ellas identificamos una de la escultora boliviana Marina Núñez del Prado, su gran amiga), sillones, muebles, repisas, libros, así como parte de su colección de arte popular ayudan a recrear su cotidianidad. “Lo característico es que pertenece a un grupo de mujeres artistas como Carmen Saco y Teresa Carvallo, que eligen la profesión del arte por sobre el rol típico de la mujer de la época. Ninguna de las tres fue madre. Son de una generación de vanguardia, decididas a dedicarse al arte”, comenta Ponte. Y esta pasión se percibe en este recinto donde la artista se dedicó exclusivamente a pintar, siempre muy consciente de su entorno, por ello muchos investigadores analizan sus archivos para reconstruir su contexto.

Un año antes de su muerte, Julia Codesido crea la fundación con el objetivo de preservar su casa, su obra y promover el arte entre más personas. “El reto actual es poner en valor la vivienda”, comenta Marilú. Para ello, la PUCP, a cargo de la Fundación Julia Codesido, invita al empresariado y a las personas con afinidad por el arte, la conservación y su difusión a brindar su apoyo para que el inmueble y la obra de Codesido estén abiertos al estudio y al conocimiento de la comunidad. “Quisiéramos convertir la casa en parte del circuito cultural, musealizarla y acercarla a la investigación. Podría ser un espacio muy importante en Pueblo Libre”, agrega Ponte. ¿Por qué no pensar la casa de Codesido como la de Frida Kahlo en México?

En el MALI

Algunas de sus pinturas se mantienen sobre las paredes del inmueble, pero la mayoría ha sido trasladada al Museo de Arte de Lima, donde permanecerán hasta noviembre en la exposición “Codesido”. Se han reunido 150 piezas entre pinturas, grabados, archivos y su colección de arte popular. “A ella se la cataloga casi siempre como pintora indigenista, pero creo que la muestra da a conocer a una pintora que dialoga con otras tendencias, como el arte abstracto. Es una mujer que está atenta a lo que sucede en el mundo. No se niega al diálogo, siempre desde su punto de vista personal”, nos comenta Luis Eduardo Wuffarden, quien curó la muestra junto a Ricardo Kusunoki.

En ella, se podrá entender y reconocer el pensamiento de Julia Codesido a lo largo del tiempo. Afortunadamente, fue una artista longeva, por lo que dejó mucha obra con personajes peruanos de regiones andinas, amazónicas y costeñas. Una mirada del Perú como solo ella pudo entender. //

Cuando Los Prisioneros regresaron a Chile tras su primera presentación en el Perú, en setiembre de 1987, buena parte de la prensa chilena redujo aquella noche a un solo episodio: la banda había sido recibida a pedradas en la Plaza de Acho. La ironía era evidente: un grupo de rock atacado a proyectiles justo cuando venía a presentar un disco llamado “Pateando Piedras”. Pero esa no era toda la historia. Las piedras existieron, sí, aunque fueron lanzadas por un grupo minoritario de revoltosos. El resto de los presentes, cerca de doce mil personas, cantó y bailó sobre la arena de la histórica plaza del Rímac, levantando enormes columnas de polvo tan densas que los técnicos apenas podían distinguir a los músicos. Para el periodista chileno Alejandro Tapia, esas imágenes —rescatadas años después y difundidas en YouTube— cuentan una historia muy distinta a la que sobrevivió en la memoria de su país. “Cuando uno ve ese concierto se da cuenta de la magnitud, de la euforia. Es un concierto impresionante”, dice.

Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia, el trío de San Miguel, habían llegado a Lima ese año con una cierta inocencia, convencidos de que se trataba de un simple presentación promocional y terminaron descubriendo que ya eran auténticos ídolos de este lado de la frontera. “No estaban conscientes de lo famosos que eran en el Perú”, asegura Tapia. “Casi que se sintieron como los Beatles llegando a Estados Unidos en 1964”. Pese a esa gran acogida y a las piedras eventuales, el concierto les dejó otro sabor amargo. La banda no recibió honorarios por la presentación. “Ellos se sintieron bastante timados. Creían que era una actividad promocional y después se dieron cuenta de la enorme cantidad de gente que había asistido”.

Tapia, que es editor en el diario “La Tercera”, llevaba años preguntándose por qué Los Prisioneros hablaban siempre del Perú con un afecto especial. Su primer libro, “Ya viene la fuerza” (2024), reconstruía el nacimiento del grupo y la grabación de sus dos primeros álbumes, pero el relato terminaba justo cuando la banda comenzaba a salir de Chile. Quedaba pendiente una cuestión: ¿por qué el Perú ocupaba un lugar tan especial en la trayectoria de Los Prisioneros? La respuesta terminó convirtiéndose en una investigación de tres años. Tapia vino a Lima, entrevistó a más de setenta personas —entre músicos, promotores, periodistas, técnicos, programadores radiales y asistentes a los conciertos— y revisó archivos en ambos países. El resultado es “No necesitamos banderas: Los Prisioneros en el Perú” (Borrador Editores), que ya se encuentra en librerías.

Una de las principales conclusiones de su investigación es que la verdadera internacionalización de Los Prisioneros comenzó en Lima. Antes habían tocado en Uruguay, donde el impacto fue limitado por el tamaño del mercado. Después intentaron abrirse camino en Argentina, pero su propuesta chocó con una escena de rock marcadamente nacionalista y poco permeable a las bandas latinoamericanas. El Perú fue distinto. “Fue el primer país donde Los Prisioneros tuvieron éxito. Jorge González lo ha dicho muchas veces: fue el primer país donde se sintieron como en casa”, sostiene el autor. Aquí, explica, el público hizo suyo el mensaje de canciones como “El baile de los que sobran”, porque hablaban de desigualdad y falta de oportunidades, problemas que también formaban parte de la realidad peruana.

Lo curioso es que la relación de Los Prisioneros con el Perú se construyó desde abajo, no sobre el escritorio de un marketero o una agencia de publicidad. Comenzó gracias a un peruano que, durante un viaje a Buenos Aires, encontró un ejemplar de “La voz de los 80”. Le llamó la atención la fotografía de portada: tres muchachos de piel morena que creyó peruanos. Compró el disco y lo envió a Lima, donde llegó a manos del programador radial Ángel Ríos. Fue él quien comenzó a difundir canciones como “Sexo”. Solo después de comprobar la inesperada acogida que la banda y sus letras contestatarias tenían entre las radios y el público peruano, el sello El Virrey decidió editar oficialmente el álbum en el país.

La investigación también sacó a la luz un hallazgo inesperado. Mientras revisaba archivos diplomáticos, Tapia encontró documentos enviados por la embajada chilena en Lima al régimen de Augusto Pinochet tras el concierto de Acho. Los informes daban cuenta de las pedradas, pero también de algo que preocupaba mucho más al gobierno militar: la extraordinaria recepción que la banda había tenido en el Perú. “Los medios peruanos los calificaban como una banda profesional y exitosa. Incluso enviaban recortes de El Comercio y otros diarios. Al régimen le preocupaba mucho el discurso contestatario de Los Prisioneros; los trató de marxistas", explica el periodista.

Ese seguimiento revela también la dimensión que había alcanzado el fenómeno. En 1987, Los Prisioneros ya eran una piedra en el zapato para la dictadura chilena. Canciones como “El baile de los que sobran”, “Muevan las industrias” o “Por qué no se van” se habían convertido en himnos de una generación desencantada, y el hecho de que ese mensaje comenzara a cruzar fronteras era motivo suficiente para despertar suspicacias. Paradójicamente, mientras en Chile algunos medios insistían en destacar las pedradas de Acho, los informes diplomáticos reconocían que la prensa peruana hablaba de una banda profesional y de un recibimiento multitudinario.

No fue el único descubrimiento que sorprendió a Tapia. A medida que reconstruía la historia comprendió que el Perú había ocupado un lugar irrepetible en la trayectoria del grupo. “Perú fue el único país que Los Prisioneros visitaron en todas sus etapas”, explica. Vinieron en 1987 con “Pateando Piedras”, regresaron durante la gira del disco “Corazones”, volvieron con el proyecto Los Dioses —en la recordada visita en la que Gisela Valcárcel los retiró de su programa tras negarse a hacer playback— y, tras el histórico reencuentro de 2001, eligieron Lima como su primer destino internacional. Ningún otro país acompañó de forma tan constante la evolución de la banda.

Esa relación tampoco terminó con la separación definitiva. Jorge González siguió regresando al Perú como solista para presentarse no solo en Lima, sino también en ciudades como Huancayo, Puno o Huayllay. Esas giras terminaron por sorprender incluso al propio músico. “Él dice que se sentía como un artista folclórico”, cuenta Tapia entre risas. “No por el género musical, sino porque comprobó que era igual de conocido en el interior del Perú que en Lima”.

El impacto de Utopía

Pero el episodio más increíble de toda esa relación ocurrió muchos años después de Acho. En julio del 2002, tras el multitudinario concierto del reencuentro en el Jockey Club, los integrantes de la banda recibieron invitaciones para asistir a la inauguración de la discoteca Utopía. Estuvieron a punto de aceptar. “Iban a ir”, revela Tapia. “Ellos mismos me lo contaron. Los habrían ubicado en la zona VIP, justamente donde comenzó el incendio”. Finalmente desistieron. Horas después, el fuego consumió el local y dejó 29 muertos y decenas de heridos en una de las mayores tragedias ocurridas en un centro de entretenimiento del Perú. “Cuando se enteraron quedaron muy impactados. Se dieron cuenta de que perfectamente pudieron haber estado ahí”.

Aunque los fanáticos no dejan de fantasear con un último reencuentro, Tapia cree que hoy esa posibilidad es remota. Durante el estallido social chileno de 2019 hubo conversaciones para reunir a Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia en un gesto simbólico, aprovechando que las calles volvían a llenarse de jóvenes cantando El baile de los que sobran. El intento nunca prosperó. “La versión de Miguel es que Claudio no quiso. Claudio dice que nunca se enteró a tiempo. Lo concreto es que las tensiones siguen ahí”, resume el periodista. Después de tantos años, las heridas personales parecen más difíciles de sanar que cualquier diferencia musical.

El título del libro, “No necesitamos banderas”, alude a una de las grandes canciones de González que no fue un hit radial. Jorge tenía apenas 20 años cuando escribió una canción que corta como cuchillo —como se suele decir— mientras cuestiona el concepto de fronteras, los nacionalismos y cualquier forma de representación que pretenda hablar en nombre de los demás. Cuatro décadas después, el título adquiere un significado nuevo en el libro de Alejandro Tapia. En el fondo se habla de dos países que, pese a décadas de rivalidades y prejuicios, encontraron un lenguaje común en las canciones de tres muchachos de San Miguel. “Si a un chileno y a un peruano les hace sentido una canción como ‘El baile de los que sobran’ o ‘Muevan las industrias’, es que no somos tan distintos a como nos han querido pintar las autoridades durante años. Tenemos quizás más afinidades de las que creemos”. //

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: su habilidad será considerada positiva por gente influyente y le recomendarán. Amor: una cita a ciegas quizá no sea una buena idea pero podría resultar divertida.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: rechazará ideas que parecen disparatadas pero otros querrán considerarla. Amor: conocerá a una persona discreta que se revelará como agradable confidente.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: aplicará cambios en un negocio y las expectativas generadas se cumplirán. Amor: la emoción le desbordará cuando una bella persona se acerque para hablarle.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: se manejará con obstinación ante un proyecto que a su juicio, no aporta nada. Amor: un encuentro romántico aportará calidez a la pareja y disipa las diferencias.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: llega la hora de resolver problemas que otros dejan de lado por complicados. Amor: las sombras que puede haber en la relación se disiparán en un encuentro romántico.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: con un argumento inapelable vencerá ideas con éxito engañoso. Amor: su actitud segura despertará admiración en alguien atraído por su fuerte encanto.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: la gente con menos capacidad le hará críticas con poca consistencia. Amor: la intromisión de terceros provocará confusión pero lo resolverá con carácter.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: los problemas serán superados pero el éxito no llegará; atención. Amor: cualquier discordia se disipará si permiten crecer la mutua calidez en la relación.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: su capacidad para el optimismo atraerá a personas colaborativas. Amor: evitará que su pareja caiga en un engaño y le responderá de modo inolvidable.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: su talento no pasará desapercibido; gente influyente lo evaluará bien. Amor: ante cierta persona ejercerá todo su encanto y surgirá una nueva relación.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: la persona menos imaginada se convertirá en su colaborador más eficaz. Amor: momento para actuar con mucho tacto y alguien que le atrae querrá conocerle.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: tendrá firmes progresos y las mejorías proyectadas comenzarán a cumplirse. Amor: cierto mal momento se disipará ante el encanto de alguien; posible romance.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: INCÓMODA CON LA RUTINA Y CON PROCEDIMIENTOS ABURRIDOS. AMA LA VARIEDAD.

Taylor Swift ha cantado durante años sobre amores que empiezan, terminan, duelen o se convierten en promesa. Travis Kelce ha construido su nombre entre estadios, campeonatos y domingos de NFL. Este 3 de julio, ambos mundos se encontraron en Nueva York: la artista estadounidense y el jugador de los Kansas City Chiefs se casaron en el Madison Square Garden, un escenario acostumbrado a conciertos, finales deportivas y noches históricas.

La ceremonia tuvo todos los elementos de un acontecimiento cultural. Afuera, una pantalla del recinto iluminó la frase “JUST&T MARRIED!”, un juego con las iniciales de Taylor y Travis que terminó de confirmar lo que durante semanas había sido objeto de rumores. También hubo fanáticos esperando en los alrededores, pulseras de la amistad, cámaras, seguridad reforzada y la sensación de que la ciudad asistía a una boda íntima convertida, inevitablemente, en espectáculo global.

Uno de los detalles más comentados fue el papel de Adam Sandler. El actor y comediante, amigo de la pareja, fue el encargado de oficiar la unión. La elección sorprendió a muchos, pero también le dio a la ceremonia un gesto inesperado. En medio de una boda rodeada de celebridades, fue una figura del humor y del cine popular quien condujo el momento más solemne de la noche.

Taylor y Travis optaron, además, por una celebración familiar y poco tradicional en su estructura. No tuvieron damas de honor ni padrinos convencionales. Austin Swift, hermano de la cantante, fue su acompañante de honor, mientras que Jason Kelce, hermano de Travis y exjugador de la NFL, estuvo al lado del novio como padrino principal. Ese gesto reforzó una de las ideas más íntimas de la boda. Detrás de la magnitud del evento, la pareja quiso reservar el corazón de la ceremonia para su círculo más cercano.

Moda nupcial

La moda también ocupó un lugar protagónico. Swift y Kelce vistieron diseños de Christian Dior Haute Couture creados por Jonathan Anderson, director creativo de la casa francesa, en colaboración con los novios. Ella completó su look con joyas Cartier y zapatos Christian Louboutin, marca que también calzó al jugador. No se difundieron imágenes oficiales de los trajes de inmediato, lo que aumentó la expectativa alrededor de una de las bodas más observadas del año.

Alfombra global

La lista de invitados reunió a figuras de distintos mundos: música, cine, televisión, moda y deporte. Entre los asistentes estuvieron Jennifer López, Ed Sheeran, Jimmy Fallon, Hugh Grant, Ethan Hawke, Jason Sudeikis, Camila Cabello, Karlie Kloss y Gigi Hadid. También participaron deportistas y figuras cercanas a la NFL, un reflejo del puente que la relación de Swift y Kelce ha tendido entre el pop y el fútbol americano.

El Madison Square Garden, uno de los recintos más emblemáticos de Nueva York, fue transformado para una celebración que mantuvo buena parte de sus detalles bajo reserva. La ausencia inicial de fotografías oficiales, incluso ante una lista de invitados que habría llegado a cerca de mil personas, alimentó todavía más la curiosidad del público. En una época donde casi todo se filtra, la boda pareció apostar por un raro equilibrio entre la grandiosidad y el misterio.

Ruta sentimental

La relación entre Swift y Kelce empezó a hacerse pública en 2023 y, desde entonces, cada aparición compartida fue leída como un capítulo: ella en los partidos de los Chiefs, él en los conciertos, ambos moviéndose entre estadios, giras y alfombras rojas sin ocultar del todo una historia que millones siguieron casi en tiempo real.

En Nueva York, bajo el brillo del Madison Square Garden, Taylor Swift y Travis Kelce dejaron de ser únicamente una pareja observada por el mundo para convertirse en marido y mujer.

Decir que "Confessions II", el primer disco de Madonna en siete años, es una decepción sería exagerar. Para decepcionar, primero hay que generar grandes expectativas, y hace tiempo que la entrañable Reina del Pop dejó de hacerlo, al menos fuera de su núcleo más fiel de seguidores. Su carrera reciente se recuerda más bien como una sucesión de giros erráticos, desde sus intentos de subirse al tren del trap en “Rebel Heart" hasta su coqueteo con el latin pop en “Madame X”. Lo que sí sorprende son el aluvión de reseñas celebratorias que han acompañado este lanzamiento, producido por Stuart Price. Hablan de “la mejor Madonna en 20 años”. Da la impresión de que escucharon otro disco. O, quizá, de que la valla estaba demasiado baja.

Para empezar, hay algo paradójico en “Confessions II”. Es un disco que busca reivindicar la pista de baile como un espacio de libertad, identidad y comunión. Lo curioso es que Madonna parece más interesada en explicar esa experiencia que en provocarla. A lo largo del álbum interrumpe con frecuencia la inercia de las canciones para lanzar reflexiones en spoken word sobre el baile, la música electrónica y el poder liberador de la pista. Es cierto que ese recurso ya estaba presente en “Confessions on a Dance Floor”, el álbum de 2005 al que esta secuela pretende dar continuidad, e incluso en “Erotica”, el clásico de 1992 producido por Shep Pettibone. La diferencia está en la medida. Lo que antes funcionaba como un recurso puntual aquí se convierte en una muletilla que termina rozando el exceso.

Todo eso se experimenta desde el track 1 con “I Feel Free”, una oda a la pista de baile como refugio para quienes alguna vez se sintieron diferentes. La idea es poderosa. La contradicción aparece en la producción. El sonido resulta tan impersonal y derivativo del EDM que termina conspirando contra la singularidad que la letra pretende celebrar. Dicho de otra forma, resulta difícil hablar de identidad cuando la música parece renunciar a cualquier rasgo propio.

La secuencia continúa con “Good for Soul”, que confirma la estructura que se repetirá durante buena parte del álbum: introducción en spoken word, versos casi recitados y una base funcional. La buena noticia es que el estribillo aparece al rescate con una melodía elegante y recuerda, por un momento, a la compositora que alguna vez convirtió tantos coros en himnos. Es uno de los primeros indicios de que, cuando deja que las canciones hablen por sí solas, “Confessions II” encuentra su mejor versión..

Estamos ante un disco nostálgico, aunque no de la misma manera que su ilustre antecesor. Cuando “Confessions on a Dance Floor” apareció en 2005, recuperaba la música disco, sampleaba a ABBA y miraba con descaro hacia los años setenta. Cuando aquel álbum salió, Dua Lipa y muchas de las artistas que años después liderarían el revival disco todavía estaban en la primaria. La diferencia es que aquella nostalgia sonaba visionaria. “Confessions II”, en cambio, rinde tributo a la electrónica de fines de los noventa y comienzos de los dos mil en una decisión que ya no resulta ni original ni subversiva. Se limita a transitar un camino bastante pavimentado ya.

¿Un disco para pensar o para bailar?

Decíamos que el abuso del spoken word termina siendo uno de los principales problemas del disco. Cada cierto tiempo, Madonna interrumpe la secuencia para lanzar pequeñas reflexiones que conspiran contra la esencia misma de la música escapista: hacer bailar antes que pensar. El caso más evidente es “One Step Away”, una de las mejores canciones del álbum, sin duda. En lugar de dejar que el tema despegue, decide abrirlo con un manifiesto: “La gente piensa que la música electrónica es superficial. Pero están equivocados. La pista de baile no es solo un lugar, es un umbral. Un espacio ritualístico donde el movimiento reemplaza al lenguaje.” La reflexión, aislada, es interesante. El problema es que aparece justo cuando uno esperaba que empezara la canción. Es como entrar a una discoteca y descubrir que el DJ decidió reemplazar la primera pista por un sermón.

Esta es la mayor contradicción de “Confessions II”. Basta pensar en “Confessions on a Dance Floor”, “Discovery” de Daft Punk o hasta “Future Nostalgia” de Dua Lipa. Ninguno se detiene a explicar por qué la pista de baile puede ser un espacio de liberación personal. Simplemente lo hacen sentir. El cuerpo entiende antes que la cabeza. El mejor arte (y la mejor música bailable no es la excepción) no necesita venir acompañado de un manual de instrucciones. Le basta con provocar una emoción.

El momento estelar del álbum, al menos sobre el papel, es el dueto con Sabrina Carpenter, “Bring Your Love”. La canción parte con ventaja. La batería programada sobre el inconfundible pulso de la Roland TR-909 remite de inmediato a “Vogue”, uno de los grandes himnos house de Madonna. Los pianos robustos, el ritmo saltarín y los sintetizadores a contratiempo parecen diseñados para invocar aquella misma euforia. Como ejercicio de evocación funciona; como canción propia, bastante menos. La sensación de déjà vu termina pesando más que cualquier hallazgo.

La presencia de Sabrina Carpenter, además, parece responder más a una estrategia de posicionamiento que a una necesidad artística. Madonna lleva años rodeándose de los nombres del momento para demostrar que sigue siendo parte de la conversación pop. La ironía es que casi todos esos artistas terminan haciendo música más estimulante que la suya. Digo casi todos. Tampoco es cuestión de exagerar: ahí está Maluma.

“Read My Lips” introduce el primer cambio de ánimo del disco. Con sus guiños latinos y una guitarra española en primer plano, bien podría haber encontrado acomodo en su disco “Madame X. Pero el verdadero giro está en el discurso. Después de varios temas entregados al hedonismo de la pista de baile, Madonna deja asomar una faceta mucho más amarga. La revancha, el resentimiento y las cuentas pendientes empiezan a ocupar el centro del relato. La prensa especula que “Bizarre” está dedicada a su ex esposo Sean Penn, con quien tuvo una relación tóxica muy comentada a fines de los 80. Sea cierto o no, ese cambio de ánimo beneficia al álbum. Junto con “Love Sensation”, “Everything” y “Love Without Words”, conforma su tramo más sólido. Buenos beats, buenas melodías.

Como ocurría en “Confessions on a Dance Floor”, la mayor parte del disco transcurre en un rango muy similar de BPM. Esa decisión le otorga una notable sensación de continuidad y hace que suene como una larga sesión de DJ donde las transiciones apenas se perciben. La apuesta tiene sentido dentro de una pista de baile. Pero escuchado de principio a fin en casa, sin embargo, corre el riesgo de confundirse con una misma canción interminable.

El último tramo introduce, por fin, un cambio de paisaje. Desde “Fragile”, las revoluciones descienden hasta un territorio cercano a la electrónica downtempo, evocando a la Madonna más atmosférica y trip hop de “Bedtime Stories” (1994). Las baterías se vuelven pausadas y elegantes, los punteos de piano adquieren un aire fantasmal y un saxo melancólico flota sobre una masa de sintetizadores reverberados. Después de casi una hora de pulsación constante, ese cambio de temperatura se agradece. El disco respira y nosotros también.

Madonna reserva para el cierre una pequeña joya lo-fi: “L.E.S. Girl”. Es una canción sencilla, pero no por ello menor. En ella recuerda a un antiguo amor cuya falta de ambición terminó haciendo inevitable la separación. Como ocurre también con “Dancetería” y “The Test”, se trata de uno de los pasajes más autobiográficos del álbum. La primera evoca sus años de formación en Nueva York y las discotecas donde empezó a forjar el personaje que más tarde conquistaría al mundo. La segunda aborda la compleja relación con su hija Lola, quien además aporta voces a la grabación.

Lo curioso es que “L.E.S. Girl” parece pertenecer a otro disco. Apenas dialoga con el resto del álbum, pero quizá por eso mismo termina convirtiéndose en uno de sus momentos más memorables. Es una prueba más de que, cuando Madonna deja de teorizar sobre sí misma y simplemente cuenta una historia, “Confessions II” encuentra su mejor versión. El problema es que ese descubrimiento llega demasiado cerca del final. //

Mientras Noruega celebra su histórica clasificación a los octavos de final del Mundial 2026, Erling Haaland también consolida otra faceta: la de referente del nuevo lujo masculino. Entre la sastrería italiana de Dolce & Gabbana y una codiciada colección de bolsos Hermès, el delantero demuestra que hoy su influencia va mucho más allá del fútbol.

Con un gol decisivo, Erling Haaland volvió a convertirse en el héroe de Noruega. El delantero selló la clasificación de su selección a los octavos de final del Mundial 2026, donde ahora enfrentará a Brasil, manteniendo vivo el sueño de un país que llevaba casi tres décadas esperando volver a competir entre los grandes del fútbol.

El momento también tiene un fuerte componente simbólico. La última gran generación noruega fue la que disputó el Mundial de Estados Unidos 1994, torneo en el que también estuvo presente Alf-Inge Haaland, padre de Erling. Más de treinta años después, es su hijo quien lidera el renacimiento del fútbol noruego y escribe un nuevo capítulo para la selección.

@footballparadisee1 #erlinghaaland and #isabelhaugseng at #dolcegabbana fashion show in Italy 🇮🇹 ❤️ #fyp #football #altamoda #explore ♬ Bridgerton (Wildest Dreams) - The Theme System

Pero si dentro del campo Haaland está construyendo un legado deportivo, fuera de él está protagonizando una transformación igual de interesante: la de convertirse en uno de los hombres mejor vestidos del deporte.

Durante sus primeros años como estrella internacional, Haaland era conocido por apostar por looks extravagantes. Conjuntos tropicales estampados con flamencos, pijamas de animal print, colores vibrantes y prendas oversized hacían que sus apariciones fueran tan comentadas como sus goles.

Desde que fue nombrado embajador de Dolce & Gabbana en 2023, el delantero ha ido refinando su imagen hasta convertirse en uno de los mejores representantes del llamado quiet luxury con ADN italiano. Su armario ahora gira en torno a trajes monocromáticos, pantalones de caída amplia, tejidos fluidos, camisas satinadas y siluetas relajadas que transmiten elegancia sin perder personalidad.

@erlinghaaland 😎 #DolceGabbana @Dolce & Gabbana ♬ original sound - Erling Haaland

Su reciente paso por los eventos de Alta Sartoria de la firma en Roma confirmó esa evolución. Un impecable traje blanco de doble botonadura y otro look gris empolvado con cuello alto demostraron que Haaland ya no busca llamar la atención únicamente mediante estampados, sino a través de la construcción de una imagen mucho más sofisticada.

El futbolista que convirtió los bolsos Hermès en protagonistas

Quizá el detalle más inesperado de su evolución sea su colección de bolsos.

En los últimos meses, Haaland ha sido fotografiado en numerosas ocasiones llevando exclusivos bolsos Hermès, especialmente modelos Haut à Courroies (HAC), considerados entre las piezas más codiciadas de la maison francesa. Algunos especialistas estiman que varias de estas piezas alcanzan valores superiores a los 50 mil dólares en el mercado de reventa.

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Una nueva generación de futbolistas

Hace apenas unos años, resultaba difícil imaginar a un delantero de élite asistiendo a desfiles de Alta Moda, coleccionando bolsos Hermès y vistiendo transparencias o pantalones fluidos sin que ello generara polémica.

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Hoy, la nueva generación de futbolistas ha entendido que la moda forma parte de su identidad pública. Nombres como Jules Koundé, Héctor Bellerín o incluso David Beckham abrieron el camino, pero Haaland representa una evolución distinta: menos preocupada por seguir tendencias y más enfocada en construir una estética coherente y fiel a sí mismo.

Haaland está demostrando que el estilo puede convertirse en otra forma de liderazgo

El género del reparto sigue posicionándose en el Perú. El cantante cubano Ya Ice Dilan vive uno de los mejores momentos de su carrera gracias al éxito viral de la canción “Dichávate”, que ha conquistado las redes sociales y ahora impulsa una exitosa gira nacional con presentaciones que congregan a miles de seguidores.

La popularidad del tema se refleja tanto en plataformas digitales como en los escenarios. Durante sus primeras fechas en el país, el artista logró agotar las entradas en importantes locales de Lima, confirmando el gran respaldo del público peruano hacia el género reparto.

Tras estos exitosos conciertos, Ya Ice Dilan continuará recorriendo diversas ciudades del país en las próximas semanas. La gira busca acercar al cantante a sus seguidores peruanos y así consolidar una base importante de fans en la región.

“Dichávate”, interpretada junto a Rey Tony y Helabusador, alcanzó notoriedad internacional gracias a TikTok y otras plataformas digitales. Su característico baile ha sido replicado por millones de usuarios, convirtiendo la canción en una tendencia global.

En el Perú, el fenómeno también ha llegado a figuras de la farándula y reconocidos futbolistas, quienes compartieron videos bailando el tema y contribuyeron a incrementar su popularidad. Tan solo en YouTube, el videoclip del tema ya cuenta con más de 67 millones de vistas desde su publicación.

El crecimiento de Ya Ice Dilan ha estado acompañado por una estrategia que combina el ritmo del reparto cubano con una fuerte presencia digital. Gracias a ello, “Dichávate” ha logrado posicionarse en distintos países de Latinoamérica, Europa y Estados Unidos, consolidando el alcance internacional del artista.

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Cabe señalar que la gira peruana es organizada por Bedoya Producciones. Con una convocatoria que continúa en ascenso, Ya Ice Dilan busca seguir consolidando el éxito de “Dichávate”, posicionando el reparto cubano en el país con lo mejor de sus referentes.

Tras la negativa del Instituto Nacional de Deportes (IND) de autorizar el uso del Estadio Nacional para los esperados conciertos de BTS en Chile, la alcaldesa de Viña del Mar, Macarena Ripamonti, ofreció el Estadio Sausalito como alternativa para recibir a la popular banda surcoreana.

A través de un comentario publicado en Instagram, la autoridad comunal lamentó la decisión del IND y destacó la enorme expectativa que existe entre los fanáticos chilenos. Según expresó, miles de personas esperan un show que ha recibido elogios en distintas partes del mundo y que Chile merece albergar.

“Es una lástima esta noticia son miles las personas que esperan este espectáculo, que ha recibido excelentes críticas en todo el mundo. Chile merece tener este show. El Estadio Sausalito de Viña del Mar está desde ya disponible para hacerlo posible”, escribió en su comentario.

“Por la música y la cultura, espero sinceramente que esta situación pueda resolverse y que el público chileno tenga la oportunidad de vivir esta experiencia”, agregó, dejando abierta la posibilidad de que la ciudad reciba uno de los eventos musicales más importantes del año en Chile.

Cabe señalar que el ofrecimiento se da en medio de la polémica generada por el rechazo del IND, organismo que argumentó razones técnicas y la necesidad de resguardar el calendario deportivo e institucional del Estadio Nacional. El montaje de un escenario central de 360 grados implicaría varios días de intervención sobre la cancha, afectando compromisos previamente programados.

Pese a la controversia, el IND aclaró que no se opone a la realización de conciertos masivos y planteó como opciones otros espacios del mismo recinto, como la Explanada Sur o el Parque Sur. Sin embargo, estas alternativas aún no han sido confirmadas por la productora del evento.

Hasta el momento, la productora DG Medios no ha informado si trasladará los conciertos al Estadio Sausalito, elegirá otra sede o reprogramará las fechas. Los seguidores de BTS permanecen a la espera de un anuncio oficial que despeje el futuro de uno de los espectáculos más esperados de 2026 en Chile.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: una restricción de fondos será superada con un buen manejo de los negocios. Amor: no será buena idea insistir con respuestas impulsivas, mejor activar la paciencia.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: un traspié económico será evitado con una colaboración inesperada pero exitosa. Amor: actitudes indiferentes viran a receptivas y dan lugar a una inolvidable calidez.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: asuntos complicados no se resolverán pero pondrá a salvo un negocio. Amor: habrá discusiones seguidas de una dulce reconciliación y su encanto lo logrará.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: la buena fortuna llegará para quedarse y una oportunidad se aprovechará. Amor: su obstinación será un escollo para la armonía de la pareja, pero querrá escuchar.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: un préstamo no será devuelto a tiempo, pero sin enojarse, hará una propuesta. Amor: su encanto será buena influencia en la relación y la llenará de mutua calidez.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: alguna traba será superada y facilitarán que el trabajo alcance las metas. Amor: se avecina el romance menos imaginado que cumplirá con todas sus expectativas.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: una adquisición se cumple para poner en valor iniciativas o proyectos. Amor: un espléndido agasajo disipará los roces y permitirá recuperar una cálida armonía.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: problemas económicos generarán inquietud pero alcanzará las metas. Amor: aunque se enfoque en otros temas, de modo fortuito hallará a la persona deseada.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: sus cuentas se equilibrarán y los proyectos serán posibles. Amor: la relación estará bien pero podría ser empañada por la indiscreción de terceros.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: habrá cobranzas difíciles pero el recupero será productivo. Amor: pequeñas y grandes diferencias se resolverán merced a la permanencia de su encanto.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: llegará gente que criticará su negocio o proyecto pero sus razones vencerán. Amor: su actitud ante la confusión creará expectativas en alguien que querrá acercarse.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: llegará la ayuda más inesperada para el avance de un proyecto. Amor: conocerá a alguien con gran capacidad de afecto y comprensión; será su alma gemela.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: POSEEDORA DE GRAN SENSIBILIDAD E INTUICIÓN SOBRE LAS PERSONAS QUE LE RODEAN.

Rubén Blades (Ciudad de Panamá, 1948) recorre su repertorio como si caminara por las calles. El peligroso Pedro Navaja, el melancólico Pablo Pueblo y un señor que va dejando una vibrante estela de perfume a su paso son algunos de los personajes que el compositor panameño ha creado para contar historias. Sus canciones son cuentos breves y exploran la crudeza de la realidad de América Latina, aunque podría tratarse de cualquier parte del mundo. Con más de 50 años de carrera es una de las figuras más importantes de la música en español. Su poesía se baila y también invita a reflexionar.

― ¿Qué lugar cree que tienen las canciones que cuentan historias en esta época marcada por la inmediatez y el Internet?

Siguen teniendo el lugar de siempre. La gente nunca se va a cansar de escuchar y compartir experiencias ajenas, ni de aprender de ellas. Una buena historia ha entretenido a las audiencias desde el inicio de la humanidad. “La Ilíada”, considerada una obra literaria inmortal, no nació como un libro. Nació como una canción. El antecedente de la música popular viene de centurias atrás. Eso no desaparecerá mientras existan los seres humanos. Siempre habrá la necesidad de contar historias.

― ¿Cree que el arte todavía tiene la capacidad de enseñar a contemplar la vida?

Absolutamente. La pintura, la literatura y todas las formas de arte conforman una expresión que a su vez es conocimiento. La necesidad de aprender no tiene fecha de expiración, así que eso va a continuar siempre. Somos estudiantes eternos. Siempre aprendiendo y desaprendiendo. También deberían existir escuelas para desaprender, no solo para aprender.

― “Fotografías” es el título del disco, de una canción y de la gira. ¿Se encuentra en una etapa de mirar el pasado?

Soy muy consciente de que tengo más pasado que futuro. Cuando cumpla 80 años yo espero dedicar mi atención a otras cosas. Yo no sé cuánto tiempo más tengo. Nadie sabe cuánto tiempo más tiene. En mi caso, yo sé que hay cosas que quiero hacer e intentar. En esta gira las canciones son como imágenes que representan todo lo interno, espiritual e intelectual de lo que he escrito durante más de cincuenta años de trabajo.

― ¿Qué imágenes de su carrera aparecen primero cuando mira el pasado?

Lo primero es el absurdo de que yo terminé siendo músico y actor. Mi plan era ser abogado. Yo no estudié música. Recuerdo que llegué a Nueva York desde Florida con una maleta llena de comida en lata que me dio mi madre.

― ¿Qué concierto considera que cambió su carrera para siempre?

La primera presentación que tuve en Nueva York fue muy importante en mi carrera. Ese primer trabajo fue en el Madison Square Garden con Ray Barretto y su orquesta en 1974. Tito Gómez y yo éramos los cantantes de la banda. En una canción repetí la primera estrofa dos veces porque no me acordé de la segunda.

― ¿Cómo se sintió al cantar en un recinto tan emblemático?

Me sentí como un gladiador entrando al Coliseo romano. Fue tremendo. Qué increíble recuerdo. Eran como 19 mil o 20 mil personas en el Madison Square Garden. Ese concierto fue inolvidable.

― ¿Cuál considera que es su mayor logro como artista?

El mayor logro de mi carrera es haber podido sostenerme durante todos estos años. Cuando empezaba, mi papá me dijo: “Mira, Rubén, el éxito es difícil, pero no es imposible”. El hecho de que yo esté hablando con usted, que tenga salud y que cuente con el apoyo de tanta gente para seguir trabajando en lo que me gusta, todo eso lo considero un logro extraordinario. Lo agradezco mucho.

― ¿Cuándo descubrió que quería ser compositor?

Desde los 15 o 16 años tuve la claridad de escribir. Siempre me interesó lo que pasaba a mi alrededor. Eso me llevó a desarrollar una carrera como compositor que ha perdurado hasta el presente.

― “Amor y control” es una de las canciones más pedidas de su repertorio.

Esa canción se convirtió en un argumento universal para enfrentar el dolor que provoca una dificultad en cualquier familia, en cualquier parte del mundo.

― La estructura narrativa de la canción es interesante porque muestra dos historias que se cruzan por un instante.

Si analizas “Amor y control”, notas que pasa de ser una visita a mi mamá, que está muriendo de cáncer, a convertirse en una reflexión que hago sobre el dolor de otra familia. Se trata de dos dolores similares, pero que parten de motivos distintos. Finalmente, la otra familia se convierte en la protagonista de la canción.

― ¿Cree que sus propias canciones le han ayudado a comprender un poco más la vida?

Claro que sí. Lo que uno escribe es reflejo de lo que se siente. Componer canciones me hace sentir útil. También escucho a otras personas y me identifico con lo que sienten y viven. Eso me hace solidario y una mejor persona.

― ¿Qué siente cuando escucha el disco “Siembra”?

Willie Colón fue un excelente productor musical. Yo no escucho mucho mis discos, pero cuando escucho “Siembra” siento que sobresale la calidad de la producción de Willie. Eso hace que perdure hasta la actualidad. Por otro lado, esas canciones me hacen recordar mis inicios como escritor en el género de la salsa. Tuvimos muchas dificultades cuando presentamos ese disco porque la industria de aquel momento consideraba que las canciones eran muy largas.

― ¿Cuál fue la reacción del público ante ese álbum cuando salió al mercado?

Las canciones no fueron éxitos de inmediato. La gente escuchó “Siembra” por su propia cuenta. Fue voluntad propia del público. Poco a poco, el disco se convirtió en una especie de ola que fue llegando a varios países.

― ¿Cómo recuerda las giras con Willie Colón en las épocas de juventud?

Nosotros trabajamos inicialmente como dos hermanos. La relación fue buena porque se basaba en el amor por la música. Yo recuerdo esa época con mucho cariño. Las diferencias las tuvimos mucho tiempo después.

― En aquella época armaron una orquesta de músicos muy importantes para dar conciertos.

Así es. Willie Colón, Leopoldo Pineda, José Rodríguez y Lewis Kahn tocaron los trombones. Joe Torres estuvo en el piano, Milton Cardona en las congas y José Mangual Jr. en el bongó. También participaron otros músicos muy buenos.

― Hay un video memorable en el que interpreta “Todos vuelven” con el cantante peruano Lorenzo ‘Lencho’ Pedraza.

Yo lo conocí en mi primer viaje al Perú. ‘Lencho’ me llevó a peñas de música peruana. Por tal motivo se incorporó el cajón peruano en la canción “¿De qué?”, del disco “Canciones del solar de los aburridos”, grabado junto a Willie Colón y publicado en 1981. ‘Lencho’ me enseñó mucho. Era una persona muy amable, muy dulce y un músico tremendo.

― ¿Cómo conoció “Todos vuelven”, del compositor peruano César Miró?

Yo escuché “Todos vuelven” por un cubano llamado Virgilio Marti. Él llevó la canción a la segunda película que grabé, titulada “Crossover Dreams”. Virgilio hacía el papel de un director de orquesta. En la película, yo trabajaba en esa misma agrupación. Él me cantó “Todos vuelven”.

― ¿Y qué le motivó a grabarla?

Grabé “Todos vuelven” para mi disco “Buscando América” porque me pareció una canción extraordinaria desde la primera vez que la escuché. Tiene una letra muy bonita y especial.

― Otra canción peruana que ha cantado es “La flor de la canela” de Chabuca Granda.

Con esa canción participé en el disco “A Chabuca”. Conozco “La flor de la canela” desde que era niño en Panamá. Para mí es un honor que me hayan escogido para cantar un tema tan icónico y querido en el Perú.

― En 1988 publicó su disco de rock en inglés “Nothing but the Truth” con las colaboraciones de Sting, Elvis Costello y Lou Reed. ¿Cómo fue esa experiencia?

En realidad, yo siempre asumí que a ellos les interesaba colaborar con escritores. Esa fue siempre mi impresión. Y no solo hemos colaborado como escritores, sino que además somos amigos. Lamentablemente, Lou Reed hace varios años se mudó “al otro barrio”, como le llamo yo a la muerte. Vi a Sting hace unas semanas. Presentó el musical “The Last Ship” en la Metropolitan Opera, aquí en Nueva York. Me llamó y me invitó al estreno. Fui y después de la obra conversamos.

― ¿Fue sencillo trabajar con ellos?

No hay diferencia entre músicos. No importa la diferencia de idiomas. Los espíritus son iguales. El amor por la música es el mismo. Las posibilidades de colaboración son infinitas.

― ¿Pensó en llamar a más artistas para el disco “Nothing but the Truth”?

Me reuní con Bob Dylan, pero nunca terminamos de escribir la canción. La empezamos y acabamos hablando de otras cosas.

― ¿Tiene algún proyecto futuro con Sting?

Quedamos en que íbamos a escribir algo juntos. Sting me dio una canción titulada “I Can’t Say” para “Nothing but the Truth”, precisamente porque no pudimos reunirnos para escribir juntos en aquel momento. Con Lou Reed sí compuse y con Elvis Costello también. Ahora Sting y yo hemos quedado en escribir algo juntos en el futuro.

Una obra construida sobre 4.256 tornillos en homenaje a Banksy; piezas tridimensionales en seda natural, lana de alpaca y algodón; collages análogos y fotografías intervenidas con hilorama dan una primera pista de lo que se verá en Artmotiv 2026. En su sexta edición, la feria vuelve al museo Amano con cerca de 100 artistas de Perú, Chile, Bolivia y Argentina, reunidos alrededor de una escena contemporánea que sigue ampliando sus lenguajes.

Del 8 al 15 de julio, las salas de arte contemporáneo del museo recibirán una selección que combina artistas consolidados con creadores emergentes. Para Joseph Firbas, director de la feria, esa convivencia marca el espíritu de esta edición: nombres con trayectoria y nuevas miradas que permiten leer el momento actual del arte latinoamericano desde distintas generaciones, técnicas y búsquedas.

Entre los artistas renombrados figuran Mateo Cabrera, César Martínez, David Rejas, Sebastián Poggi, Su Wand, Vidal Bedoya, Talía Duclos, Wylona, Nora Sidoine, Marcela Paz, Claudia Freundt, Marisol Sánchez, Sandra Cáceres Simons, Carmen Arata Llona, Marina Bassi y Sally Cotera. A ellos se suman propuestas de creadores emergentes como Barbara Ilse, Germán Paredes y Brenda Kogan.

El criterio de Artmotiv, explica su director, parte de la buena factura de la obra y de la capacidad de cada pieza para proponer un lenguaje propio. Por eso, la edición reúne pintura, escultura, fotografía, arte digital y técnicas mixtas, con trabajos que se apoyan en el oficio, la experimentación material y la construcción de una mirada personal.

En la feria, cada obra se encuentra con públicos distintos: coleccionistas, galeristas, curadores, artistas y visitantes que llegan por curiosidad. “Se genera una dinámica muy importante tanto en visibilidad y promoción de los artistas como en el ámbito comercial, potenciando las ventas y generando un acercamiento de galeristas y curadores para conocer nuevos talentos o ver las nuevas obras de los artistas consolidados”, asegura Firbas. //

La banda japonesa Flow atraviesa uno de los mejores momentos de su carrera con el rotundo éxito de su gira “Naruto The Rock World Tour 2026”, que ha registrado récords de asistencia y una alta demanda de entradas en las ciudades donde se presentará. Ahora, se prepara para ofrecer en Lima un esperado show el 7 de julio en Costa 21.

El grupo, reconocido por interpretar algunos de los temas más icónicos del anime Naruto, continúa consolidando su alcance internacional. A pocos días del espectáculo en Lima, todavía quedan las últimas entradas disponibles a través de Teleticket.

El entusiasmo por la gira también se refleja en otros países de Latinoamérica. En Chile, Argentina y México, la venta de boletos se agotó rápidamente, demostrando el gran interés de sus seguidores por ver en vivo a una de las bandas japonesas más representativas del universo anime.

El éxito de la gira no se limita a la región. Flow también recorrerá varias ciudades de Asia durante una segunda etapa que incluirá presentaciones en Hong Kong, Singapur, Bangkok, Taipéi y Manila.

Con una trayectoria de más de 15 años, Flow ha construido una sólida carrera dentro de la música japonesa. La banda suma más de 30 sencillos, 10 álbumes de estudio publicados bajo Sony Music Entertainment Japan y exitosas giras internacionales como “Naruto The Rock World Tour” y “Anime Shibari World Tour”, que los han llevado por América, Europa y Asia.

La relación con el público peruano también se ha fortalecido con el tiempo. En anteriores visitas, la agrupación consiguió conciertos con localidades agotadas, convirtiendo al país en una de sus plazas más importantes de Latinoamérica.

Durante el show en Lima, los asistentes podrán disfrutar en vivo de canciones emblemáticas como “GO!!!”, “Sign” y “Re:member”, temas que se convirtieron en himnos para los seguidores de Naruto.

La realización de los conciertos de BTS en Chile enfrentan un escenario de incertidumbre luego de que el Instituto Nacional de Deportes (IND) no autorizara el uso del Estadio Nacional para los espectáculos previsto en octubre. La decisión mantiene en suspenso uno de los eventos musicales más esperados del año.

Mediante un comunicado emitido por la entidad nacional se precisa que el recinto deportivo debe priorizar actividades vinculadas al deporte, una postura que ya había sido planteada por las autoridades durante los últimos meses. Además, tienen que ver con el cuidado de la cancha y los plazos para poder armar el escenario.

“Tras una evaluación técnica y operacional exhaustiva, se resolvió no autorizar la utilización del Coliseo Central para la realización del concierto del grupo BTS en las fechas solicitadas de octubre de 2026″, señala el comunicado recogido por el medio The Clinic.

Este informe ha generado preocupación entre productores y fanáticos, considerando que el estadio es el único espacio con las características necesarias para albergar un espectáculo de la magnitud de BTS.

“La decisión responde exclusivamente a criterios técnicos y de continuidad asociados al estado actual del campo de juego y al impacto que generaría un montaje de escenario central tipo 360°, configuración que representa el mayor nivel de exigencia posible para una superficie de césped natural híbrido como la del Coliseo Central”, detalla el Ministerio del Deporte.

Asimismo, el Ministerio del Deporte enfatizó que la prioridad del principal recinto de Chile debe ser el cumplimiento del calendario de actividades ya pactadas como el partido oficial de la selección chilena y la Teletón 2026. Un retraso en los tiempos de recuperación del césped tras los shows de BTS pondría en riesgo estos eventos.

¿Qué pasará con las entradas y el concierto de BTS en Santiago?

De momento, el concierto de BTS en Chile 2026 no está oficialmente cancelado, pero se encuentra en un complejo estado de suspenso. Se reporta que las autoridades han puesto sobre la mesa alternativas de reubicación dentro del mismo recinto, como la Explanada Sur (Parque Sur), para no cerrar las puertas de forma definitiva a la industria del entretenimiento.

La productora a cargo aún no ha emitido un comunicado definitivo sobre si aceptarán el cambio de locación o si buscarán un recinto alternativo capaz de albergar la masiva infraestructura 360°.

Como se sabe, el grupo surcoreano tiene programados conciertos en Santiago de Chile para el 14, 16 y 17 de octubre del 2026, como parte de su gira “BTS World Tour Arirang”.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: un largo trámite resultará favorable y los negocios fluirán sin problemas. Amor: se arreglarán los altibajos en la relación por falta de comunicación; nuevo comienzo.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: llegará una propuesta que no genera entusiasmo pero tendrá algo positivo. Amor: la dinámica de la pareja ayudará a resolver momentos difíciles y crear felicidad.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: el proyecto o negocio que menos esperanza genera será el único que será exitoso. Amor: su encanto impactará en alguien que se sentirá atraído y comenzará a acercarse.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: se encontrará con personas que quieren colaborar en su proyecto o negocio. Amor: pocas palabras y un gesto disolverán la tensión y se recuperará la armonía.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: surgirá una sucesión de errores por información mal entendida pero lo remontará. Amor: la proximidad de una ex pareja podría ser tóxica; la pondrá en su lugar: lejos.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: tomará nota de la sugerencia de un experto y las cosas mejorarán. Amor: un encuentro fortuito le pondrá en contacto con la persona que quiere conocer.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: otra gente podría tener un rápido éxito pero no modificará su estrategia. Amor: la pareja se recuperará de altibajos provocados por gente que causa confusiones.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: una nueva actividad le dará la oportunidad de mostrar su habilidad. Amor: una exigencia en la relación será desactivada y la calidez comenzará a aumentar.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: se producirá un cambio inesperado pero será una oportunidad. Amor: tendrá fortaleza luego de una decepción y recuperará las ganas de divertirse.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: resolverá un asunto comercial con argumentos imposibles de vencer. Amor: logrará una armonía que permitirá a la pareja disfrutar de momentos de calidez.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: problema económico o financiero se resuelve y los plazos se cumplen. Amor: en la pareja surgirá el tema de pasar a una nueva etapa de mayor compromiso.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: superará restricción de dinero con el manejo exitoso de una crisis inesperada. Amor: su alma sensible evitará la indiferencia en la relación y creará dulces vivencias.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: ALGO ATROPELLADA PORQUE LLENA SUS ACTIVIDADES CON ALEGRÍA Y BUEN HUMOR.

Shakira sigue sumando récords con “Dai Dai”, el tema oficial del Mundial 2026 que interpreta junto al artista nigeriano Burna Boy. La canción alcanzó el primer lugar del Top 50 Global de Spotify, convirtiéndose en la más escuchada del mundo y reafirmando el impacto internacional de la cantante colombiana en plena celebración de la Copa del Mundo.

A través de su cuenta oficial de Instagram, Shakira compartió un video junto a su equipo reaccionando y celebrando el histórico resultado. Emocionada, la artista barranquillera agradeció el respaldo de sus seguidores y destacó que este reconocimiento les pertenece.

“Quiero agradecerles a todos mis fans que han estado empujando muchísimos desde el primer día que salió ‘Dai Dai’ para que esta canción llegara al número 1, se lo debo a ustedes y solo a ustedes”, comentó la artista colombiana.

“No saben lo que me emociona, no saben lo felices que estamos todos aquí celebrando este número 1. Hemos trabajado muchísimo, muy duro para conseguirlo, pero ustedes han sido los verdaderos protagonistas, los que realmente han trabajado en cada rincón del planeta para darnos esta satisfacción. Gracias, los quiero tanto, tanto y les debo todo”, agregó Shakira en su video publicado en redes sociales.

Cabe resaltar que el ascenso al primer puesto estuvo acompañado por un notable crecimiento en las reproducciones de toda la discografía mundialista de la barranquillera. Según datos difundidos por Spotify, “Dai Dai” registró un incremento del 136% en reproducciones durante el Mundial.

El éxito del sencillo también ha reforzado el legado de Shakira como la artista más representativa de los himnos mundialistas. Tras el fenómeno de “Waka Waka” en 2010 y “La La La” en 2014, la cantante vuelve a liderar las plataformas digitales con una propuesta que fusiona ritmos latinos y africanos junto a Burna Boy.

Con este nuevo hito, Shakira amplía una trayectoria marcada por récords y confirma su vigencia como una de las figuras más influyentes de la música latina. El liderazgo de “Dai Dai” en Spotify Global demuestra el alcance de su propuesta artística.