La lectura de “Todos los muertos de mi felicidad”, de Gabriel Rimachi Salier, nos mueve a formular algunas cuestiones. Se habla mucho de los narradores que apuestan por nuevos caminos que los alejen del imperante realismo, pero tal vez no se ha tratado lo suficiente a quienes intentan renovar las estructuras, motivos y temas de la vertiente realista sin escapar a sus influjos. Rimachi nos llama a tomarlo en cuenta desde ese ámbito.

Hablamos de un narrador de largo rodaje (sus primeros libros, “Despertares nocturnos” y “Como en el infierno” son de los primeros años de este siglo). En su etapa inicial se mostró como un creador de buenas ideas que usualmente no eran adecuadamente ejecutadas: los desbalances de su prosa, la impericia técnica y cierta adherencia al lugar común terminaban lastrando sus proyectos. Es a partir de “La casa de los vientos”, llamativa novela sobre las tribulaciones y excesos de un joven homosexual en la Lima contemporánea, que Rimachi pega el salto al adoptar una mirada menos esquemática y más dada a una sutileza tan enrarecida como eficaz.

Rimachi cree en la tradición de la que emerge. Pero no asume ese bagaje desde la epigonalidad ni desde la claudicación mimética. Sus métodos son otros. Por ejemplo: reconocerse vargasllosiano por las vías periféricas. Ello da pie a tres de los cuentos aquí reunidos, resueltos con diversa suerte. “Elogio de la sirvienta” quiere enseñarnos las trastiendas de “Elogio de la madrastra”, pero todo lo que en un inicio promete se pierde en la anécdota no muy ingeniosa. Sale mejor parado con “¿Quién mató a Palomino Molero?”, texto revisionista del clásico policial de Vargas Llosa, al que dota de un hálito espectral insólito. Pero el que destaca es “Monsieur Hernández”, derivación no confesada a las secciones periodísticas de “Conversación en La Catedral”, que pone al día la sordidez urbana y el declive moral retratados en aquellas páginas.

Otra reconstrucción del ideal realista comparece en “Manual del ingresante”, lo más logrado de este volumen y evidencia palmaria de la madurez de su autor. En él Rimachi despliega el candente vía crucis de un inmigrante venezolano obligado a aceptar un trabajo que se vuelve más degradante con el paso de los minutos y que lo conduce a una suerte de inmolación que va más allá de su circunstancia particular para proyectarse en los humillados y ofendidos de un armagedón laboral que solo pertenece a la Lima de hoy.

Y aunque hallamos cuentos de provecho como “La vergüenza de los ahorcados”, también nos topamos con algunos que no exceden una situación bien planteada pero de conclusión insuficiente (“Ciudad solitaria”) o la pretensión fantástica demasiado alambicada (“Paraísos artificiales”). No obstante, el balance de “Todos los muertos de mi felicidad” es positivo. Hay en este libro una voz sencilla, firme, capaz de elaborar algunos pasajes de una emocionalidad contenida que valen por sí mismos. Rimachi no es un narrador sofisticado. Tampoco necesita serlo: lo suyo funciona desde la visceralidad, la intuición y una fatalidad que nunca sabe cómo transformarse en rabia. Desde ese limbo intolerable escribe.

El húngaro László Krasznahorkai (Gyula, 1954) se ha dedicado, desde los años ochenta, a poner la literatura occidental del revés, expandiendo la mente de sus lectores y atrapándolos en un flujo verbal y mental que te arrastra.

Definido por Susan Sontag como “maestro del apocalipsis”, capaz de escribir una novela de más de 400 páginas con una sola frase, con él hemos asistido a la llegada de un fraudulento mesías en “Tango satánico” (1985), al odio que desata en un pueblo la presencia de un circo con ballena en “Melancolía de la resistencia” (1989), nos hemos sumergido en una intensa experiencia oriental en “Al Norte la montaña, al Sur el lago, al Oeste el camino, al Este el río” (2003), o seguido las peripecias de un noble arruinado en los casinos de Argentina que regresa aclamado a su localidad natal en “El barón Wenckeim vuelve a casa” (2016)... Krasznahorkai, invitado a la Ciudad Condal por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, en su primer acto público tras recibir el Nobel, nos recibe.

— ¿Cómo fue su infancia?

No voy a sorprender a nadie diciendo que un día nací. Durante un tiempo, fue mi madre quien me alimentó y, luego, ya fui capaz de comer por mí mismo. Llegó un momento en que ya no tuvieron que cambiarme los pañales. Más tarde, llegaron los años del parvulario y de la escuela. Sucedió todo en este orden, estrictamente y lamentablemente, porque yo hubiera preferido al revés. Me lo puedo imaginar perfectamente: primero la escuela primaria, luego el jardín de infancia, perder la capacidad de andar, más tarde volver al pañal y, por último, los gritos hacia atrás de un nacimiento revocado. Pero eso solo es posible en el mundo cuántico.

— En sus obras, consigue convertir incluso las cosas más cotidianas en algo sagrado. ¿Qué relación tiene con la religión?

Respeto mucho a quienes creen en un ser superior. En mi obra, lo manejo como el más alto valor cultural.

— Usted escribió su tesis doctoral sobre Sándor Márai...

Ese trabajo fue, en realidad, un intento de acabar con el mito de Márai. No me apetecía nada redactar una tesis porque no sé escribir otra cosa que literatura, y una tesis impone ciertas limitaciones formales. Me ocupé de sus obras prohibidas en la Hungría comunista, quería ser útil, al menos para los demás estudiantes. Me pasaron de contrabando esos libros y mi conclusión fue que Márai tenía una gran tendencia a la cursilería. Era joven y quise ser honesto, objetivo, pero ahora pienso que fui injusto. Márai se merecía mejor trato. Fue un personaje extraordinario que vivió su emigración con una dignidad humana muy poco común y un gran sufrimiento espiritual. Aún leo sus diarios, hoy mismo los he leído.

— Pero yo si fuera el dictador de Hungría en los años ochenta prohibiría antes sus libros que los de Márai...

¡Yo también!

— Son más subversivos...

Pero no solo desde el punto de vista de un dictador, sino que los hubiera prohibido porque no son perfectos. Yo me convertí en escritor porque mi primer libro no me gustó. En el segundo, intentaba corregir aquel error.

— Su primer libro fue “Tango satánico”. ¿No le gusta?

No todo es malo, entiéndame, pero hay una parte que es un efecto kafkiano total, una imitación. Y yo quería escribir un libro perfecto, sin ningún error. A mí me da igual que solo haya un 1% de error. Eso lo mancha todo.

— ¿Y su siguiente novela, “Melancolía de la resistencia”, ya fue perfecta?

Fue terrible, allí ya no había un 1% de error, sino el 7%.

— Ahora, en el 2026, tiene ya muchos otros libros publicados. ¿Ha conseguido ya la obra perfecta?

Es horrible, la cosa va empeorando... Por eso yo no quería ser escritor.

— Pero yo he leído ahora su nueva obra, “Herscht 07769”, y me ha gustado mucho.

Me alegro que le haya gustado, es usted muy amable... pero yo considero que sigo empeorando cada vez. Esto es una condena. Lo único que conseguiría detener esta decadencia es mi desaparición.

— No sé si lo considerará una herejía, pero “Herscht 07769” puede verse como una novela negra, hasta hay un detective.

Tengo muy buena relación con la novela policíaca. Me gusta mucho Philip Marlow, a quien conocí a través de William Faulkner; uno de sus fans, dijo haber aprendido mucho de esa serie de Raymond Chandler. Mezclar a Chandler y Faulkner resulta estimulante.

— ¿Fue víctima de espionaje?

Mire, realmente a mí no me molestaban mucho porque vivía tan alejado de la vida literaria... Yo despreciaba enormemente a aquellos escritores que se prestaban a la comedia de ese régimen comunista, en cualquiera de sus ámbitos. Es verdad que alguna vez, una, dos o tres veces, sí que me interrogaron o pincharon mi teléfono. Pero eso ocurrió porque empezaron a prohibir revistas literarias y los represaliados decidieron celebrar una fiesta de despedida en mi casa, porque ellos pensaron que ahí estarían muy protegidos porque yo no me metía en política y nadie sospecharía de mí. Se metieron 120 personas en mi piso de 43 metros cuadrados, pero entraron y nos lo pasamos fenomenal.

— ¿Y cómo fue el interrogatorio?

Pues los policías insistían en que les hablara de política y yo no me metía en esas cosas. Se impacientaban, me acusaban de escribir contra el régimen y ya no pude más y les grité: “¿Pero cómo piensan que yo voy a escribir de personas como ustedes?”. En Hungría había tantísimos policías por la calle, uniformados o civiles, que cuando estabas borracho era muy difícil esquivarlos. Chocabas con los policías y, ebrio, les decías: “Vete a donde quieras, llévate a los rusos también de aquí”.

— En casi todos sus libros hay un personaje que se emborracha. ¿Cree que la ebriedad tiene puntos en común con la literatura?

No, esas borracheras de las que yo hablo, de cuando vivíamos en el régimen comunista, no tienen nada en común con las de la antigua Grecia, cuando la ebriedad suponía elevarte, no abrazar al vecino. Mi país pasó esas décadas prácticamente borracho, todos estaban borrachos siempre. De hecho, de 10 millones de habitantes, hoy, en pleno régimen de Orbán, seguimos teniendo un millón de alcohólicos.

— Muchos de sus libros deben mucho a sus viajes, por Mongolia, Japón, China, Bosnia, España...

Hasta 1987 no tuve pasaporte y no pude viajar. Tenía 33 años. La mitad de mi vida, prácticamente. No es que yo fuera un disidente, no era nadie ni quería ser nadie. Pero, en aquel sistema, era suficiente escribir una bonita frase para que te convirtieras en sospechoso. Recuerdo el choque que me produjo, ya treintañero, conocer el ‘mundo libre’, al cruzar la frontera con Austria. Todo era intenso, ver una manifestación me parecía la mayor maravilla. Yo creía que Hungría era el mundo, pero me di cuenta de que, más allá, el cielo era azul y la hierba verde, mientras que en mi país todo tenía el color blanquecino turbio de los ojos de los alcohólicos. El peligro era idealizar el otro lado, creer que la Europa occidental era un mundo ideal porque la realidad tampoco es así.

— Usted habla de la dignidad de la pobreza y muchos de sus personajes son seres fracasados.

¿Cómo no voy a sentir compasión por la gente caída que está pidiendo dinero en un supermercado, en una iglesia? Es que yo lo que no entiendo es a la gente que no siente compasión por ellos. Eso no es un rasgo moral excepcional. Pienso que mucha gente está de acuerdo con eso. Estos personajes son los que están más expuestos a las vicisitudes del mundo, son los más vulnerables. Por supuesto que forman parte de mis obras. Hace unos años, mis amigos y yo nos casábamos con rumanas y rumanos, procedentes de un país empobrecido, para facilitar que pudieran venir por matrimonio y tener la residencia y nacionalidad, no sé con cuántas mujeres me casé falsamente, o con cuántos hombres se casó mi esposa, un montón, todo era por solidaridad, los acogíamos en casa y les dábamos de desayunar.

— En enero falleció su amigo, el cineasta Béla Tarr, que adaptó varias de sus novelas al cine...

Todavía me duele esa gran pérdida. Béla sufrió toda su vida unos dolores horribles, por un problema de columna, y tenía mal carácter. Fue muy exigente consigo mismo y con los demás. En realidad, no adaptó mis libros al cine, como se dice, él sabía que había que crear desde cero. Yo era su guionista y me esforzaba en pensar qué efecto le habían causado mis novelas para trasladar eso a imágenes. Creyó en la revolución radical, yo ahora soy más ambivalente. Murió en mis brazos, yo lo acariciaba, le hablaba suavemente durante sus últimos días.

— ¿Su literatura es más optimista con los años?

No, eso no lo podemos decir. Un optimista está muy lejos de la realidad... pero un pesimista también. Tanto el mundo descrito por un optimista como por un pesimista no existen. Ambos utilizan la esperanza, que es siempre un error. Para uno, todo va a ser peor, y para el otro todo va a ser mejor. Lo único que debe existir es la compasión. Las cosas no van bien, pero nunca han ido bien, ni siquiera cuando vivíamos en las cavernas. Sucede que, de repente, pasan cosas aparentemente insignificantes que lo transforman todo. Como cuando alguien se puso a explicar historias alrededor del fuego. El apocalipsis no es un final, sino un continuo, no se acaba nunca nada con él, siempre vivimos en él. Siempre ha habido gente como Putin, Hitler, Mao Tse Tung...

— Usted ha dicho que, según como vayan las elecciones húngaras de abril, si triunfa otra vez la ultraderecha aconseja a sus compatriotas huir. ¿A dónde?

¡Lo más lejos posible! ¡Que corran muy lejos! Espero que nos acojan, solo somos unos pocos millones. No creo que haya, en ningún otro país que no sea formalmente una dictadura, el riesgo de ser duramente castigado por tus opiniones críticas. Lamento no poder usar ya la palabra ‘patria’, me da lástima porque es el lugar donde fui feliz de niño, pero es una palabra que se ha erosionado, está muy sucia y desgastada.

Veinte años después de su estreno, la película “La pasión de Cristo” aún se ubica entre las más vistas durante la Semana Santa que este año se celebra desde el 29 de marzo. El filme protagonizado por Jim Caviezel y dirigido por Mel Gibson es uno de los imperdibles para este feriado largo.

La cinta, a partir del éxito entre el público, también obtuvo nominaciones por parte de la Academia a la 77 edición de los premios Oscar por Mejor maquillaje, Mejor banda sonora y Mejor fotografía. ¿Quieres saber dónde disfrutar el filme este feriado largo? A continuación, te lo contamos.

¿Dónde ver “La pasión de Cristo” en streaming?

El clásico de Semana Santa “La pasión de Cristo” (2004) se encuentra disponible a través de la plataforma de streaming Netflix bajo suscripción.

Este es el link para ver la película en streaming.

Netflix tiene un costo mensual de 28.90 soles (moneda peruana) por su plan básico. Puedes saber más de sus tarifas aquí.

¿De qué trata “La pasión de Cristo”?

“´La pasión de Cristo´ se centra en las últimas doce horas de la vida de Jesús de Nazareth. Jesús reza luego de La última cena y debe resistir las tentaciones de Satanás. Traicionado por Judas Iscariote, Jesús es arrestado y llevado dentro de las murallas de Jerusalén donde los líderes de los fariseos lo confrontan con acusaciones de blasfemia. Su juicio resulta en una condena a muerte”, cita la sinopsis oficial.

¿Quiénes integran el elenco de “La pasión de Cristo”?

La película dirigida por Mel Gibson es protagonizada por el estadounidense Jim Caviezel en el papel de Jesús de Nazareth; mientras que la actriz Maia Morgenstern da vida a su madre, la Virgen María.

Estos son los actores que participan en “La pasión de Cristo”:

• Jim Caviezel como Jesús
• Monica Bellucci como María Magdalena
• Rosalinda Celentano como Satán
• Maia Morgenstern como Virgen María
• Hristo Jivkov como Juan

Guía de ficciones para Semana Santa

Elegidos 5 títulos imperdibles para que disfrutes de estos días de reflexión del feriado largo sin salir de casa. La mayoría son clásicos, pero incluimos también un nuevo favorito de la temporada:

• “Ben Hur” (1959)

Esta producción fue ambiciosa desde su estreno. Tuvo uno de los presupuestos más grandes jamás visto para recrear con precisión la Judea de los años 30 antes de Cristo. La llegada de un nuevo Mesías se vive con pasión y fiereza en este clásico protagonizado por Charlton Heston. Disponible en HBO Max.

• “Los 10 mandamientos” (1956)

El genial director Cecil B. DeMille nos muestra la odisea de Moisés, el príncipe egipcio convertido en profeta de los judíos en esta película que es imperdible en esta temporada. Disponible en YouTube.

• “La vida pública de Jesús” (1979)

Tiene tantos nombres que es fácil confundirse. En inglés es simplemente “Jesús”. En los años 80 la llamaban “El Proyecto Génesis” y después “Jesús o La Vida Pública de Jesús”, hoy es una fija en Semana Santa con la caracterización memorable de Brian Deacon de Jesuscristo. Disponible en YouTube.

• “Noé” (2014)

Aunque duramente criticada (tanto por el público como por los especialistas), “Noé” ha experimentado un incremento de popularidad desde su llegada al streaming, donde suele posicionarse entre las más buscadas en esta temporada. Protagonizada por Russell Crowe, sigue la famosa historia bíblica de Noé y el arca con la que salva a varias almas del diluvio universal, pero con los riesgos visuales y narrativos de Darren Aronofsky. Disponible en Netflix.

• “Los Elegidos” (2021)

Serie de televisión que devolvió a la lista de los más populares en el mundo los títulos bíblicos. Cuenta con cinco temporadas que nos narran la historia de Jesús desde la óptima de sus discípulos. Disponible en Prime Video y Netflix.

Hay varios aspectos en “Proyecto fin del mundo” que delatan sus grandes ambiciones: su renuncia a las pantallas verdes como forma de recrear escenarios enteramente digitales; la inclusión de marionetas robóticas en vez de figurines hechos a punta de píxeles; o incluso la incorporación en su elenco de una actriz como la alemana Sandra Hüller, proveniente más bien del círculo europeo y del cine de autor (este debe ser su primer trabajo para un gran estudio de Hollywood).

Desde luego, no hay nada de malo en esas grandes aspiraciones. Pero comparadas la expectativa y el resultado, la cinta dirigida por Phil Lord y Christopher Miller termina sabiendo a poco; o por lo menos luciendo mucho menos profunda, compleja o audaz de lo que prometían su premisa y su aparato publicitario. Tal vez el principal defecto de la película es la forma en que se ha venido anunciando, y el sobredimensionamiento de una historia que es más bien ligera y sin pretensiones. Aparentar otra cosa termina haciéndole daño.

Protagonizada por Ryan Gosling, la cinta cuenta la historia de un científico que despierta de un coma inducido dentro de una nave espacial. Sus dos compañeros de tripulación ya están muertos, así que Ryland (ese es su nombre) va descubriendo de a poco, recordando por partes, que su misión es atajar una extraña sustancia que parece estar provocando la extinción del Sol y, con ello, de toda la vida en la Tierra.

Narrada prácticamente en su totalidad en tono de comedia, “Proyecto fin del mundo” ironiza con la soledad de su protagonista: perdido en el espacio, deambulando entre los fríos interiores de su nave, intentando encontrar detalles que reactiven su memoria. El carismático Gosling ejerce un correcto trabajo en ese sentido, y la gracia de la cinta aumenta cuando, de pronto, el personaje consigue entablar contacto con un alienígena tan aislado como él: la dinámica entre estos seres extraños, que se las ingenian para comunicarse, es de lo más divertido de la cinta

En paralelo, el guion va revelando lentamente las razones de la expedición. Lo hace a través de ‘flashbacks’ (aquí es donde aparece Hüller, como la implacable jefa de la misión), que si bien al principio guardan cierta intriga e interés, terminan alargándose (le sobran por lo menos 30 minutos, valgan verdades), diluyéndose en sus idas y vueltas, y perdiendo peso frente a la narración central.

Aquí es cuando entendemos que la película de Lord y Miller es, en esencia, un producto comercial correctamente confeccionado, pero no un relato que nos confronte con algo superior. No tiene, desde luego, ni las inquietudes filosóficas del “2001” de Kubrick ni la emotiva introspección del “Solaris” de Tarkovsky; pero tampoco llega a mostrar la inventiva de cintas más recientes como “Moon” (Duncan Jones, 2009) o “The Martian” (Ridley Scott, 2017), que confirman que el subgénero espacial tiene muchísimo por ofrecernos.

El amor de Mario Vargas Llosa por el teatro fue a primera vista. No solo escribió de adolescente una obra teatral —La huida del inca—, sino cuando ya era un consagrado novelista, a partir de la década de 1980 volvió a la dramaturgia con una serie de obras que complementan su universo narrativo y se interrogan por la naturaleza y el poder de la ficción, entre las que destacan La señorita de Tacna, Kathie y el hipopótamo, Los cuentos de la peste y Odiseo y Penélope. En este último texto da voz a los dos personajes homéricos para volver a contar esa maravillosa aventura del héroe griego en su accidentado camino hacia Ítaca.

En honor a ello, la Cátedra Vargas Llosa y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida (España), han creado el Premio Internacional de Teatro Clásico “Odiseo y Penélope”, para impulsar la creación dramatúrgica contemporánea inspirada en los grandes textos de la tradición grecorromana y grecolatina. El anuncio se realizó el martes pasado durante el emotivo encuentro Mario Vargas Llosa: El Perú Imaginado. Al respecto, dialogamos con Jesús Cimarro, director del festival y reconocido productor teatral sobre el teatro y su vínculo con nuestro Nobel.

— Existen productores que ven el teatro como una empresa y otros más bien interesados en contar historias. ¿En qué grupo se ubica usted?

Yo creo en la parte cultural, social y económica de las artes escénicas y en la iniciativa mixta, pública y privada, como es el Festival de Mérida. Es un modelo que en Europa se está empezando a ver con buenos ojos por los resultados que da esta colaboración. Me defino como un productor de la iniciativa privada, pero en el caso del festival, trabajamos junto con las administraciones públicas.

— Se inició en la producción teatral a los 15 años, ¿cómo fue esa experiencia?

A esa edad fundé un taller de teatro en el País Vasco, y en la producción empecé realmente a los dieciocho. Luego, a los 21 años, me fui a Madrid y fundé, con otras cuatro personas, la empresa que hoy dirijo y gestiono, que es Pentación Espectáculos, y que lleva 38 años en el sector de las artes escénicas. En la actualidad trabajan en la empresa más de 120 personas y en el Festival de Mérida otras cien más.

— ¿Cómo llega al teatro de Mario Vargas Llosa?

Vi la escenificación de Odiseo y Penélope, en el Festival de Mérida, interpretada por el propio Vargas Llosa y Aitana Sánchez-Gijón y después hice la gira por todo España de Kathie y el hipopótamo, que dirigió Magüi Mira, y protagonizó Ana Belén, la cantante y actriz. Esas son las dos relaciones que he tenido con la obra teatral de Vargas Llosa, y por eso mismo, hemos hecho esta unión entre la Cátedra Vargas Llosa y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, y hemos creado el primer premio “Odiseo y Penélope”. La idea es premiar textos teatrales de temática grecolatina y grecorromana (se pueden presentar hasta el 30 de junio próximo), que es la esencia del Festival de Mérida. El texto ganador se publicará en un libro y será representado en la edición de 2027 del festival. Luego, ese espectáculo girará por toda España y quién sabe si por otros países también.

— La idea es recoger entonces el espíritu de esa obra, de esa conversación entre Odiseo y Penélope, que es un retorno a los clásicos, pero desde la contemporaneidad.

Ese es el objetivo. Una visión hecha por autoras y autores contemporáneos de textos o de historias ocurridas hace 2.000 años. Pues, bueno, hay mucha literatura, pero se conservan pocas obras de teatro, desde Edipo, Antígona, Electra, Fedra… Nosotros queremos que haya más historias y más ficción al respecto.

— Es una temática específica y no tan fácil de realizar.

Sí, es muy complicada, porque el Festival de Mérida es el único festival, en el sur de Europa, con esa temática clásica. Y como podrás ver en el programa de este año, toda la actividad que se desarrolla no solo son obras de teatro, sino hay danza, musicales, exposiciones, conferencias, talleres, encuentros, pasacalles, teatro familiar, infantil, todo con una temática que no es fácil encontrar.

— ¿Cómo calificaría su experiencia como director del Festival de Mérida?

La experiencia ha sido muy positiva, porque cuando yo asumí la dirección del festival, venían 42 mil personas y el año pasado se alcanzó los 174 mil asistentes. Se ha más que triplicado la asistencia y se ha ampliado la programación. Estamos hablando de un festival que dura dos meses, con mucha actividad. Esto implica para una región como Extremadura algo muy importante en la parte económica, social y cultural.

— ¿Este premio contribuirá a fortalecer las relaciones con el Perú e Iberoamérica?

Lo que tenemos muy claro es que queremos incentivar las relaciones con los distintos países de América Latina, es decir, hemos presentado el festival ya en Buenos Aires y este premio “Odiseo y Penélope” también es una manera de iniciar el contacto con el Perú.

A veces crítica y público no se ponen de acuerdo; ocurre con superproducciones y con el cine independiente. Ahora le tocó el turno a una cinta de animación para toda la familia: “Super Mario Galaxy. La película”, adaptación del juego del 2007 para la consola Nintendo Wii y secuela de la segunda cinta más taquillera del 2023, que recaudó 1.360 millones de dólares en todo el mundo.

La trama: el villano Bowser Jr. (Benny Safdie) secuestra a la princesa Rosalina (Brie Larson), por lo que los Lumas, pequeñas estrellas, piden ayuda a la princesa Peach (Anya Taylor-Joy). Esto desencadena una trama donde tanto ella como Mario (Chris Pratt), Luigi (Charlie Day), Toad (Keegan-Michael Key), Bowser (Jack Black) y el recién llegado Yoshi (Donald Glover) viajan por el espacio exterior. Dirigen Aaron Horvath y Michael Jelenic, responsables de la anterior entrega.

Es en la trama donde la cinta se distancia del juego, donde la gravedad tiene un rol: el juego se sostiene en el efecto que esta fuerza ejerce sobre el personaje, que dependiendo del nivel puede caminar por las paredes y techos. No hay trama, solo un objetivo: rescatar a la princesa. La película les da cosas que hacer a sus personajes, pero su verdadero objetivo es homenajear a toda la saga creada por Shigeru Miyamoto. Hay secuencias que parecen sacadas de una partida y la película no se molesta en ocultarlo.

¿Qué pasa con la crítica?

Una cosa es que la audiencia y la crítica discrepen; otra, que ambos sectores parezcan haber visto cintas totalmente distintas. El diario británico “The Guardian” dijo que la película es un “salvapantallas aburrido, peor que la inteligencia artificial”. “Variety”, en tanto, cree que “Galaxy” es tan agitada y caótica que deberían darle Ritalin.

También hay críticas que toman la cinta por lo que es. El diario “ABC” de España la considera el nuevo “estándar de oro” para las adaptaciones de videojuegos a la pantalla grande (“hay una belleza existencial en ver al grupo saltar entre constelaciones que recuerda a la esencia del videojuego”). “The Washington Post”, en cambio, habla de sus fortalezas sin ignorar sus fallas, como que la banda sonora desaproveche las piezas musicales compuestas por Koji Kondo, haciéndolas aparecer brevemente cuando fueron responsables directas del éxito duradero del juego.

Al cierre de esta edición, la cinta ha recaudado más de 59,1 millones de dólares solo en EE.UU. Se espera que internacionalmente consiga unos 350 millones de dólares hasta este domingo. De momento, parece que Mario ha llegado con buena estrella.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: gente influyente destacará su talento en la elaboración de proyectos. Amor: su impulsividad alterará la dinámica de la pareja, pero lo revertirá rápidamente.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: promoverá cambios que podrían atrasar las tareas pero las ventajas serán positivas. Amor: tomará la iniciativa y se verá con una bella persona; todo resultará bien.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: se moverá con rapidez y resolverá asuntos convertidos en obstáculos. Amor: un momento íntimo derivará en una cálida situación romántica que cambia todo.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: gente que apoya sus planes se demorará en participar y podría perjudicarle. Amor: una actitud de su pareja le tomará por sorpresa pero al final lo disfrutará.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: alguien querrá arrebatarle el éxito, pero no podrá hacerlo por ser tan ineficiente. Amor: no será justo que su pareja se ocupe de todo, pero con un regalo la agasajará.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: no será oportuno criticar a quienes arriesgan negocios o idean proyectos. Amor: con menos rigidez, la pareja estará mejor y así podrán divertirse con amigos.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: una seguidilla de éxitos disiparán las dudas y crecerá la confianza. Amor: no necesita una relación problemática sino despertar y amarse con intensidad.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: se interesará en proyectos nuevos que atraerán beneficios. Amor: disfrutará de armonía plena y calidez intensa; la pareja estará bien, madurando.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: llegan resultados excelentes en negocios o proyectos y todo crecerá. Amor: idealizar a la pareja no le hará bien; podría haber momentos de desencanto.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: comenzará una nueva actividad que le llenará de entusiasmo. Amor: dejará de lado lo rutinario y se animará a participar de encuentros divertidos.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: alcanzará un nivel de excelencia para llegar a metas complicadas. Amor: su fuerte encanto será notado de inmediato en el entorno y le verán irresistible.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: una solución simple ayudará a que los demás vean las cosas tal como son. Amor: su alma sensible será admirada por su pareja y significará un cambio de actitud.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: AMANTE DE TODAS LAS EXPERIENCIAS COMUNICATIVAS. LE GUSTA SABER DE TODO.

El Estadio Monumental reabre sus puertas al circuito de espectáculos ante la falta de espacios para grandes eventos en la capital. Tras varios años sin conciertos masivos, el recinto reabre sus puertas con una propuesta renovada que prioriza la seguridad, visibilidad y experiencia integral del público.

En un contexto donde los estándares técnicos y operativos son cada vez más exigentes, el Monumental se presenta como una alternativa sólida para albergar eventos de gran escala. Su infraestructura ha sido preparada para responder a las demandas de mega producciones internacionales.

Daniel Amador, gerente comercial y de marketing del Club Universitario de Deportes, señaló que el estadio cuenta con las condiciones necesarias para cumplir con los requerimientos de la industria global del entretenimiento.

Arena Monumental

A esta propuesta se suma Arena Monumental, un espacio versátil con capacidad para hasta 15 mil asistentes. Diseñado para conciertos, festivales y eventos corporativos, ofrece un escenario de más de 20 metros, camerinos equipados, zonas de alimentos y amplios estacionamientos.

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La integración de ambos espacios apunta a incrementar las opciones de lugares para eventos en el Perú. Este complejo apunta a optimizar la planificación, el cuidado de la infraestructura y la experiencia del público en cada evento.

El diseño del proyecto estuvo a cargo de Walther Alarcón, mientras que la operación recae en LIVE STUDIO PERÚ S.A.C., empresa especializada en producción y logística audiovisual, responsable de su implementación.

Cabe recordar que el Arena Monumental ya ha albergado shows de artistas como Beéle, Yuri y Anuel AA, y proyecta próximas presentaciones de Los Fabulosos Cadillacs, Kenny García y más.

Con esta reapertura, el complejo refuerza su apuesta por elevar el estándar de los espectáculos en vivo en el país y consolidarse como una plataforma preparada para el presente y futuro de la industria.

La estrella estadounidense John Travolta presentará en el Festival de Cannes 2026 su primera película “Propeller One-Way Night Coach”, un proyecto personal inspirado en la aviación y protagonizado por su propia hija.

El actor de 72 años se puso por primera vez detrás de la cámara para filmar la historia de “Propeller One-Way Night Coach”, cuya historia relata la vida de un niño de 8 años que toma un avión, por primera vez, para seguir a su madre, actriz, de camino a Hollywood, una adaptación de un libro que el propio intérprete publicó en 1997.

En el trayecto el niño conocerá a sorprendentes viajeros y vivirá una serie de aventuras bajo la mirada de las azafatas de vuelo, una de las cuales está encarnada por Ella Bleu Travolta, la hija del reconocido actor.

El actor John Travolta, reconocido por interpretar a ‘Vincent Vega’ en “Pulp Fiction” (Palma de Oro en 1994), creció en las cercanías del Aeropuerto La Guardia, en Nueva York. Además de su carrera actoral, es un piloto profesional experimentado y obtuvo su primera licencia de vuelo a los 22 años, según informó el Festival de Cannes, cuya edición de este año se celebrará del 12 al 23 de mayo.

Asimismo, la producción será exhibida en la sección Cannes Première, un espacio reservado para obras destacadas de cineastas consagrados.

En 1997, John Travolta publicó el libro “Propeller One Way Night Coach”, una historia escrita para su hijo mayor, Jett Travolta, quien padecía crisis epilépticas desde la infancia y falleció en 2009. Asimismo, se anunció que la película estará disponible directamente en Apple TV a partir del 29 de mayo.

El actor ha participado en varias ediciones del Festival de Cannes, incluyendo tres ocasiones en la sección oficial en competencia con “Pulp Fiction”, “Atrapada entre dos hombres” (1997) y “Primary Colors” (1998).

Travolta alcanzó la fama internacional a finales de la década de 1970 gracias a su interpretación de ‘Tony Manero’ en “Fiebre de sábado por la noche”, papel que impulsó su carrera. Al año siguiente, protagonizó el musical “Grease”, consolidándose como uno de los actores más populares de su generación.

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Durante la década de 1990, varias de sus películas reforzaron su estatus como figura destacada de la cultura popular, entre ellas “Pulp Fiction” y “El nombre del juego”, por la que obtuvo un Globo de Oro, así como “Contracara”, donde compartió el rol protagónico con Nicolas Cage.

Un pueblo joven. Dos chicos que acaban de perder a su madre. Un extorsionador con un tatuaje que irrumpe como una amenaza en la vida de una familia. Son las primeras imágenes del cortometraje universitario “Lo que aprenden los perros”, que con su banda sonora embriaga en una sensación de peligro de un barrio marginal del país. La idea nace de aspirantes a cineastas, quienes hoy compiten en el Festival Nacional de Cine Universitario (UNIFEST).

En la edición de este año, más de 250 estudiantes de 25 instituciones educativas provenientes de 20 ciudades del Perú compiten en diferentes equipos por el autodenominado “Oscar universitario”. Los cortometrajes seleccionados se enfrentan en tres bloques temáticos —drama, acción y aventura, y thriller y terror— para ganar el Trofeo oficial UNIFEST al Mejor Cortometraje Nacional.

Los cortometrajes son evaluados por Norma Martínez, Susana Torres, Hugo Coya, Dorian Fernández-Moris y Rosario García-Montero, importantes representantes del audiovisual peruano. Ellos califican en diferentes categorías, como dirección, guion, fotografía o sonido.

“Hay universos súper particulares que no pensé encontrar en estos cortos. Interesantes, genuinos, atrevidos, que trascienden lo coyuntural”, dice la actriz Norma Martínez, presidenta del jurado de UNIFEST 2026. En la programación hay títulos que, de por sí, ya sugieren un mundo propio, como “Yuyariway” (Universidad Nacional de San Cristóbal de Huamanga, Ayacucho), “Enfermo que come no muere” (Cineclub Manguaré, Iquitos) o “Jeremías 17:5” (Universidad Nacional del Altiplano, Puno).

Para Martínez, el contexto del cortometraje pesa, pero no manda quién gana. “Para el jurado, no es un factor determinante evaluar la situación actual del Perú, pero vimos concursando muchos cortometrajes que hablan de la realidad social nacional. Casi ninguno está desvinculado de la actualidad política del Perú o de las discusiones de género; los temas son variados”, dice.

Costa, sierra y selva están representadas en el festival, que ya va por su tercera edición, aunque con matices a nivel de representación universitaria. Hay regiones donde la universidad lidera la producción y otras donde intervienen colectivos locales ante la ausencia de formación académica especializada en artes, principalmente en la selva peruana. En ediciones anteriores, regiones como Ayacucho y Apurímac han ocupado los primeros lugares.

“Ayacucho y Puno son una cantera de chicos muy talentosos”, dice el fundador de la productora peruana Séptimo Sello, desde donde se conduce el UNIFEST, Eduardo Mendoza. Aunque parezca que lo regional responde a más talento, la mayoría tienen vallas en cuestiones de producción audiovisual. Algunos, sin mayores recursos, se las ingenian para tener accesos a cámaras y otros equipos mediante “rentals” (alquiler) y redes de colaboración, pues los estudiantes saben que es lo único que les permitirá filmar con mejor calidad de imagen y sonido. Es la realidad: contar historias en cine es difícil.

Tras su victoria en UNIFEST el año pasado, Valeria Salcedo, ganadora a Mejor Dirección en 2025, pudo hacer el viaje de sus sueños al Bogotá Audiovisual Market, uno de los espacios más importantes de la región para el cine. “En la segunda edición del festival, ya había más directoras que directores”, señala Mendoza. Alrededor del 55% de los cargos clave están ocupados por mujeres, incluyendo áreas “tradicionalmente masculinizadas, como la dirección de fotografía”, apunta.

Entre los beneficios para estos jóvenes cineastas, está la “mini universidad intensiva”. Los equipos seleccionados reciben clases maestras durante tres meses, con figuras como el director Salvador del Solar, el guionista Héctor Gálvez, la directora Micaela Cajahuaringa, entre otros profesionales, pues, que tienen experiencia en una centena de películas en Perú y el extranjero. Cuando en épocas pasadas no había ni universidades que enseñaran el oficio del cine, hoy la intención del festival es acortar la distancia entre formación académica y práctica profesional.

A esto se suman los premios: los ganadores de cada género reciben la creación de un DCP (formato estándar para exhibición en salas) a cargo de la productora Guarango, mientras que el equipo ganador nacional accede a pasantías en 20 productoras del país. El mejor director o directora viajará al festival Bogoshorts en Colombia. Tal vez la respuesta no esté en los premios, sino en esa suma de historias producidas por los más jóvenes en distintos rincones del Perú que quieren mirarse entre sí a través del cine.

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La obra “Escenas de la vida conyugal” confirmó dos nuevas funciones en Lima luego de agotar rápidamente sus tres primeras presentaciones. El montaje teatral, protagonizado por Ricardo Darín y Andrea Pietra, se presentará también el sábado 25 y domingo 26 de abril, alcanzando un total de cinco funciones en su paso por el país.

El éxito en taquilla no ha sido una sorpresa para los seguidores del teatro, ya que la obra ha conquistado a más de 700 mil espectadores en Iberoamérica, consolidándose como uno de los montajes más exitosos de los últimos años.

Basada en el clásico de Ingmar Bergman, la obra presenta una mirada profunda y honesta sobre las relaciones de pareja. A través de distintos episodios, se narra la historia de Juan y Mariana, quienes atraviesan momentos de amor, rutina, conflictos y rupturas, reflejando la complejidad de la vida conyugal.

La puesta en escena cuenta con la dirección y adaptación de la reconocida actriz Norma Aleandro, quien logra trasladar la intensidad emocional del texto original al teatro. La historia expone con crudeza y sensibilidad los vínculos humanos, conectando de manera directa con el espectador.

La versión teatral, adaptada en 2018 por Federico González y Fernando Masllorens, apuesta por una propuesta sobria y centrada en las actuaciones. Sin grandes artificios escenográficos, el foco recae en los diálogos y en la interpretación de los actores, que transitan entre el humor, la ternura y el dolor.

Cada escena funciona como un episodio independiente, pero en conjunto construyen una narrativa que evoluciona y se transforma frente al público. Esta estructura permite explorar las distintas etapas de una relación, generando una experiencia emocional intensa y cercana.

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Las funciones programadas para el 22, 23 y 24 de abril cuentan con las últimas entradas disponibles a través de Teleticket. En tanto, los boletos para las nuevas fechas ya están a la venta para el show en el Auditorio del Pentagonito.

“Super Mario Galaxy: La película” tuvo un gran arranque en la taquilla mundial y se ha posicionado como uno de los mayores estrenos cinematográficos de lo que va del 2026. La nueva cinta logró recaudar más de 68 millones de dólares en su primer día en cines a nivel global, marcando un debut histórico para la franquicia.

Este resultado supera el arranque de “Super Mario Bros.: La película” (2023), que había registrado cerca de 66 millones de dólares en su primer día. La nueva aventura, ambientada en un universo espacial, reafirma la vigencia del icónico personaje.

Del total recaudado en su debut en la pantalla grande, aproximadamente 34 millones de dólares provinieron del mercado internacional, evidenciando el fuerte impacto global de la cinta. América Latina y Europa han sido regiones clave para este desempeño.

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Entre los mercados más destacados figura México, donde la película alcanzó alrededor de 6,7 millones de dólares en su primer día, convirtiéndose en uno de los mejores estrenos recientes de Universal en ese país. En Europa también lideró la taquilla en varios territorios desde su debut.

En Estados Unidos, la cinta también mostró un sólido rendimiento al recaudar cerca de 34,5 millones de dólares en su arranque en los cines, posicionándose como el mejor estreno del año hasta ahora y reafirmando el atractivo de las adaptaciones de videojuegos.

El éxito de “Super Mario Galaxy: la película” llega pese a las diversas críticas que ha recibido el proyecto. La franquicia sigue beneficiándose del éxito de su primera entrega, que superó los 1.300 millones de dólares a nivel global y ahora buscará repetir e incluso superar el gran logro en taquilla.

Con estos resultados iniciales, las proyecciones apuntan a que la película podría alcanzar cifras récord durante su primer fin de semana. Todo indica que la historia de ‘Mario’ volverá a dominar la taquilla internacional y podría ser uno de los grandes éxitos del cine este 2026.

No se puede hablar de la historieta peruana sin mencionar el aporte de “Carboncito”, revista de tipo fanzine que difundió esta disciplina como medio artístico a lo largo de 20 números entre el 2001 y 2017, alejándose de lo que dictaba el mercado, antes también de que renaciera el interés por esta forma de narrar en el Perú. Desde hace unos años la marca, convertida en festival, se enfoca en arte gráfico impreso y en formar una comunidad.

“Seguimos manteniendo el mismo espíritu que con la revista, que es difundir el cómic, el arte gráfico y las publicaciones independientes. En Perú y en otros países ‘Carboncito’ ha servido de puente para el intercambio cultural, hemos contado con invitados internacionales como sucedía con la revista y han surgido otros proyectos, colaboraciones”, contó a este Diario Amadeo Gonzales, cocreador del festival y revista junto a su hermano Renso. “Esta edición es como un regreso, porque hicimos una pausa necesaria para replantear todo, y estamos volviendo como al inicio pero con todos los conocimientos adquiridos y abiertos siempre a aprender más”, agregó.

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Participan en esta edición los historietistas Chica Espinaca, Eduardo Romero y Gino Palomino, la ilustradora y muralista Natasha Cabrera, los ilustradores Jimbo, Búho Iluso, Yito, Familia Gutierrez, el ilustrador que homenaje a Guamán Poma de Ayala Neocrónicas, el fotógrafo Adrián Portugal, etc.

Orígenes y proyección

“Carboncito” fue un fanzine hecho artesanalmente, a mano, fotocopiado, sin computadoras de por medio. “En el camino nos encontramos con amigos y colegas que nos dieron su opinión, crítica, artistas que colaboraron con sus historietas y dibujos en nuestra publicación, sin ninguna pretensión o expectativa llegamos a durar 16 años”, recuerda Gonzales, quien cuenta que la experiencia los puso en contacto con dibujantes, músicos, cineastas, escritores y artistas en general del Perú, Latinoamérica y Europa.

Tras estos años, él cree que el festival conserva su espíritu underground de contar y dibujar historias sin ninguna limitación o autocensura. “Seguimos siendo underground, seguimos haciendo fanzines, creo que es ya nuestra forma de ver y realizar las cosas, aplicando el hazlo tú mismo”, sostuvo.

A inicios del 2026, mientras estaba en Madrid, Francisca Aronsson recibió el llamado para formar parte de un proyecto que la pondría a prueba, pero que era algo que venía esperando desde que empezó a explorar la actuación fuera del Perú. “Nunca imaginé que tan pronto iba a realizar mi primera producción americana”, dice la actriz sueco-peruana desde Ciudad del Cabo, Sudáfrica, donde filma “Boyz Trip”, su primera producción de habla inglesa.

“Fue en enero de este año. Todo ha sido superrápido. Tuvimos un Zoom y yo solo pensaba: ‘¿estás preparada?’. Lo único que hacía era dudar, tenía mucho miedo porque Estados Unidos intimida un poco. Yo ya había actuado en España, en México…, en industrias grandes, pero esto era distinto”, recuerda.

“Mi presión era saber si realmente iba a cumplir con las expectativas que ellos buscaban y, sobre todo, representar bien a mi país en una película estadounidense”, admite.

Dirigida por Kyle Scott, “Boyz Trip” sigue la historia de cuatro amigos universitarios que, cansados de su encuentro anual, deciden hacer un viaje solo de chicos que pronto se convierte en un caos internacional.

A sus 19 años, Aronsson entra así en una nueva etapa de su carrera. El reto ahora no pasa solo por ampliar mercado, sino por adaptarse a otro idioma y otro nivel de exigencia. Aunque el inglés ha sido parte de su vida desde niña, por influencia de su padre sueco, nunca antes había actuado en un rodaje donde todas las indicaciones y códigos técnicos pasaran por esa lengua.

En “Boyz Trip”, interpreta a Valeria, una peruana que trabaja como agente de inteligencia e interviene en un caso de tráfico ilegal de objetos de valor.

“Es superdistinta a mí. Es una chica madura, recta, muy fría y decidida”, resume Aronsson. Para construirla, tuvo que familiarizarse con protocolos y gestos técnicos propios de alguien que examina piezas para determinar si son auténticas o falsas.

La actriz subraya además el valor simbólico de su presencia en una producción de este tipo. Su personaje habla en español y luego pasa al inglés, un detalle que para ella no es menor.

“Se siente lindo cómo personalidades de Perú y de Latinoamérica están en producciones internacionales porque nos hace conectar más con el proyecto. En una industria cada vez más atenta a la diversidad de sus elencos”, afirma.

La película combina acción y comedia y reúne a actores de distintos países, como los estadounidenses Rome Flynn y Desi Banks. También está la peruana Alessandra Fuller.

Su principal preocupación, admite, era responder a las expectativas del equipo y representar bien al Perú en una película vinculada a la industria estadounidense. Superada esa prueba, lo que queda es la confirmación de que puede moverse en un terreno más amplio.

“Me muero de ganas de explorar diferentes equipos de trabajo, mundos, perspectivas. Esa es como mi mayor meta. Hollywood, por supuesto, está dentro de ese horizonte, aunque considero que ‘Boyz Trip’ ya pertenece, hasta cierto punto, a la industria de Hollywood, aunque el rodaje ocurra fuera de Estados Unidos. Pero reservaría esa etiqueta para el momento en que filme directamente en territorio estadounidense”, aclara.

Según cuenta Francisca Aronsson, Kyle Scott mantiene un vínculo especial con el Perú. Ha visitado el país en varias ocasiones, ha rodado aquí campañas comerciales e incluso quiso filmar parte de “Boyz Trip” en territorio peruano. No pudo concretarlo por temas de gestión, pero la idea —asegura la actriz— sigue en pie.

“La idea es que esta película se convierta en una saga. Como se quedó con las ganas de grabar la primera entrega en Perú, la segunda sí o sí quiere hacerla”, señala Aronsson. Y añade que el interés de una producción de este tipo por mirar al país no es menor: abre la posibilidad de que actores peruanos funcionen como puentes reales entre industrias.

El rodaje de “Boyz Trip” terminará en los próximos días, tras casi un mes de trabajo en Sudáfrica. Para Francisca, esta película marca algo más que una primera vez en inglés. Marca el momento en que una actriz joven, que ya había comenzado a abrirse camino fuera del país, confirma que también puede sostenerse en un escenario más grande.

Después de Cristo y antes de Netflix, hubo un largo camino para que las escrituras sagradas se transformaran en la espectacularidad que hoy miles de personas a nivel mundial pueden ver desde la comodidad de sus casas. El cine de corte bíblico surge poco antes de la década de 1950, cuando superproducciones como “Los diez mandamientos” o “Ben-Hur” convirtieron estas historias en filmes de gran escala. En 2026, hay una nueva agenda con las plataformas de streaming y productoras como Angel Studios, que en los últimos años han marcado buena parte de la conversación de Semana Santa.

Incluso proyectada en parroquias de Lima, la serie “The Chosen”, producción bandera de Angel Studios, convirtió la vida de Jesús y sus apóstoles en un fenómeno del cine y la televisión (al mismo tiempo). Desde su llegada a cines en 2022, los estrenos de episodios han recaudado más 115 millones de dólares a nivel mundial; y con su quinta temporada, “La última cena”, se mantiene como la franquicia bíblica más taquillera. Además, está disponible en plataformas como Prime Video y Netflix, lo que permite verla también desde casa.

“¿Por qué hoy están resurgiendo películas de corte religioso del tipo, como las que hace este estudio, Angel Studios? Algunas de ellas, más que nada, por el lado de la religión, pero desde una mirada mucho más conservadora, que no admite posibilidades de una fe menos dogmática. Esto responde muy bien a estos tiempos de polarización entre conservadores y liberales, y en ese sentido, aparecen estas películas más cercanas a lo religioso, incluso fanático. Y peligroso, debo decir”, sostiene Lenny Fernández.

“Lo disruptivo es que estas películas han encontrado un público en esta época. En el cine de hoy, donde los superhéroes de comics dominan las carteleras, aparecen producciones de corte bíblico que quieren salir un poco de esta maquinaria de seres todopoderosos que se desmarcan de lo religioso. Hay una nueva apuesta por estas historias que ya encontraron su nicho”.

De hecho, con el paso de los años, el cine religioso fue cambiando sus registros. “Al cine, lo han matado muchas veces. En los años 50, con la llegada de la televisión, se pensó que la gente dejaría de ir a las salas, pero Hollywood respondió con grandes espectáculos. El llamado género del cine, péplum. Se refería a todas las películas que estaban ambientadas en la antigüedad, Grecia y Roma, durante el tiempo del apogeo de los grandes estudios de cine. Eran a color para competir con la televisión en blanco y negro, y tenías formatos anchos”, explica Luis Velez, crítico de la Asociación Peruana de Prensa Cinematográfica (APRECI).

En los años 60, las películas se alejan de la espectacularidad y buscan un tono más cercano y humano, como se ve en “Barrabás” (1961), de Richard Fleischer, o “Rey de reyes”, de Nicholas Ray (1961), que mantienen la escala pero ensayan personajes más introspectivos, interpretados por Anthony Quinn y Jeffrey Hunter en estos casos. En los años 70, el género se reinterpreta desde la cultura contemporánea con “Jesucristo Superstar” (1973), que adopta la forma de musical cercano al movimiento hippie, mientras que hacia finales de la década, con “Jesús de Nazaret” (1978), de Franco Zeffirelli, se observa un retorno parcial a la grandiosidad.

“En los años 80 en el Perú, se pasan palabras en televisión y ahí sí había un vínculo de fe. Se ponían en tiempos de Semana Santa, como ‘El manto sagrado’, ‘Espartaco’, ‘Cleopatra’, ‘Barrabás’, pero habían otras películas que eran mucho más vinculadas a los milagros, como ‘Marcelino pan y vino’, clásico del cine español, melodrama tristísimo, y las personas veían las películas con fervor religioso”, dice Vélez.

Semana Santa 2026

Hoy, las películas y series de Semana Santa también se han renovado. Netflix y Prime Video pelearon para tener “The Chosen” en su catálogo y finalmente el segundo tuvo la última temporada antes que el otro. Por otro lado, aunque no ha llegado a tiempo a la cartelera de esta Semana Santa, “Año cero” –la última película de Angel Studios sobre la matanza de los niños durante el nacimiento de Jesús– se estrenaría en salas en algún momento del 2026.

Otras producciones recientes y disponibles en streaming son “La casa de David” (2025), centrada en la juventud del rey bíblico (puede verse en Prime Video); “Mesías” (2020), que ve la reacción actual de las redes sociales y al mundo ante un supuesto Cristo; también la telenovela brasileña “Reyes” (2022), que recorre la historia de figuras del Antiguo Testamento como Saúl, David y Salomón; o películas como “Jesús Revolution” y “María”, que encontraron casa en Netflix.

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La escena es conocida, pero no por eso resuelta: una guitarra como parte de una orquesta. Un instrumento históricamente íntimo que, sin embargo, debe abrirse paso entre decenas de músicos. Ese será el reto que asuma el guitarrista español Rafael Aguirre en su debut en el Teatro Municipal de Lima el próximo 22 de abril, cuando interprete el célebre “Concierto de Aranjuez”.

Desde que la obra de Joaquín Rodrigo, estrenada en 1939, redefinió el lugar de la guitarra en el repertorio sinfónico, el rol del instrumento de cuerdas se convirtió en un asunto de habilidad del guitarrista. No solo porque su volumen es menor, sino porque carga con el estigma de ser un instrumento que no encaja en ese formato. “Es una cuestión del carácter que le imprimas al sonido de la guitarra”, explica Aguirre, quien, a partir de su interpretación de las piezas de Rodrigo, fue consiguiendo reconocimiento internacional.

El guitarrista llega a Lima en un momento de consolidación. Con presentaciones en salas como el Carnegie Hall y una carrera que abarca más de 40 países, su lectura del “Aranjuez” se apoya tanto en la tradición española como en una sensibilidad contemporánea. “Intento imprimir un carácter inspirándome en grandes pianistas, violinistas o cantantes de ópera”, señala, trasladando al instrumento una expresividad que va más allá de sus límites acústicos.

En ese proceso, la tecnología juega un rol silencioso pero decisivo. “Hoy se puede crear la ilusión de que la guitarra se escuche perfectamente junto a una orquesta”, afirma. La microfonía, inexistente en la época del estreno de la obra, permite ahora sostener ese delicado equilibrio sin sacrificar la esencia del instrumento. “Una batalla ganada por la guitarra”, agrega el artista.

Guitarra maestra

Para sostener su propuesta, detrás hay una vida marcada por la disciplina y la construcción de una voz propia. Para Aguirre, esa identidad artística no aparece de forma súbita ni repentina. “La voz propia está dentro de uno desde que nace, pero se desarrolla con el trabajo diario y la escucha; de lo contrario, no vas a resaltar”, sostiene.

El guitarrista recurre a una imagen ajena a la música para explicar su proceso: la pintura. Como Pierre-Auguste Renoir, que observaba durante horas antes de dar una pincelada, el intérprete entiende su trabajo como un ejercicio de paciencia. De ahí que compare ambos oficios y lo defina como “un ejercicio de atención sostenida”.

La práctica cotidiana, sin embargo, no es solo mental. “Hay una parte muy muscular que hay que preparar”, explica. Cada jornada comienza con un acercamiento progresivo, donde las primeras notas distan mucho del resultado final. “No suena igual al inicio del día que después de varias horas de estudio”, admite, subrayando el carácter físico del aprendizaje.

Pero alcanzar ese nivel implica una exigencia constante. “No es un trabajo, es algo más. Si quieres ser bueno debes tener cierto grado de obsesión”, reconoce. La comparación con el alto rendimiento deportivo no es casual: entrenar, viajar, repetir. “Siempre estamos buscando cómo mejorar; esto te consume en tu vida personal, en tus relaciones. Siempre piensas en crear”, añade.

Cuando finalmente aparece físicamente la guitarra, en un ensayo o sobre el escenario, todo se alinea. “Es una sensación de libertad, como si estuvieras volando. Y aunque no siempre se repite, es suficiente para justificar el esfuerzo—describe el artista—. Como decía Paco de Lucía, ‘no hay droga que se le compare’". Por eso Rafael sueña con guitarras y se despierta, cada día, para volver a tocarlas.

En la comuna de San Miguel, la adolescencia de Miguel Tapia —baterista y fundador de Los Prisioneros— transcurrió entre bombas lacrimógenas y vecinos detenidos que nunca volvieron. “Un motivo más para llamarnos Los Prisioneros”, dice hoy, recordando también su concierto en la Plaza de Acho y anunciando su próxima presentación el 25 de abril en el Centro de Convenciones Scencia, en La Molina.

Por aquellos años, Tapia recuerda haber soñado con ser una estrella de rock, triunfar junto a sus amigos y conseguir reconocimiento internacional. Así se aventuró a iniciar el proyecto: lo vio conseguirlo todo y también perderlo todo. De aquellos días quedan los éxitos musicales, una relación intermitente con Jorge González y un distanciamiento con Claudio Narea.

Esta vez regresa al Perú junto a Amaru Tapia, Marcelo Soto, Sergio “Coti” Badilla y Alexis Bugueño, músicos que lo acompañarán en este nuevo concierto que promete traer éxitos y clásicos, con la misma intención, pero con otros integrantes.

—¿Por qué continuar con las giras bajo el nombre de Los Prisioneros?

Hay crisis importantes en el sector salud y siguen existiendo desigualdades muy marcadas. No hay las mismas oportunidades en la educación para las personas con menos recursos que para quienes tienen más. Eso sigue siendo una realidad, y por eso estoy aquí: porque nuestras canciones todavía tienen sentido.

—¿Cómo se fractura una banda cuyos integrantes se conocen desde adolescentes?

Con el tiempo aparecen los egos y el deseo de protagonismo. Yo siempre tuve más afinidad musical con Jorge que con Claudio, y también está la ‘historia’ entre ellos dos; yo me quedaba más al margen. Separarse es algo que le pasa al 99% de las bandas. Hay excepciones, como Air Supply o Duran Duran, pero nosotros no fuimos una de ellas.

—¿Qué tanta presión externa influyó en esa etapa de separación?

Los medios de comunicación en Chile nos estaban destruyendo. Decían que, con la llegada de la democracia, ya no teníamos temas sociales o políticos y que por eso habíamos hecho un disco de amor. Era muy duro, porque mientras llenábamos conciertos en Perú o Colombia, en Chile solo recibíamos ataques. Eso terminó por desgastar toda nuestra energía.

—¿El éxito temprano contribuyó al desgaste?

Era un éxito que buscamos de forma consciente, pero también sentíamos que no había tiempo, que había que hacerlo todo de inmediato. Antes de la dictadura había un movimiento cultural muy potente: Víctor Jara, Violeta Parra, Pablo Neruda. Pero todo eso se cortó con el golpe, teníamos que hacer algo, eso hizo que también el fin llegara rápido.

—Hoy las canciones regresan al escenario, pero ¿por qué no volver a la formación clásica de Los Prisioneros?

Nos reunimos los tres en el 2000 y grabamos un disco, pero los conflictos reaparecieron de inmediato, sobre todo con Claudio: problemas personales, musicales y sobre cómo enfrentar este nuevo proceso. Él empezó a dar entrevistas mientras aún estábamos trabajando el disco, diciendo que no le gustaba lo que estábamos haciendo, y eso fue un golpe muy duro.

—Con Jorge mantienes una relación cercana

Sí, con Jorge hemos mantenido un vínculo hasta hoy. Nos escribimos, nos preguntamos por la salud, nos saludamos en los cumpleaños. Incluso tenemos un nexo familiar.

—¿Y por qué no incluir a Claudio en un eventual reencuentro?

Con Jorge quedamos muy dolidos con Claudio. Hasta hace algunos años yo estaba dispuesto a hacer algo juntos, sobre todo durante el estallido social de 2019 en Chile. Fue un momento muy duro, con una represión que nos recordó la dictadura. Fui a ver a Jorge y le propuse hacer algo, un gesto, un llamado de atención. Él estuvo de acuerdo, pero cuando se trató de incluir a Claudio, no quiso participar. Y eso, finalmente, hace imposible cualquier reunión. Si en un momento tan crítico no tuvo la disposición, ya no hay nada más que decirle a Claudio.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: tendrá soluciones ingeniosas a problemas que solo generan incertidumbre. Amor: cumplir las promesas y mantener la armonía serán los desafíos para el futuro.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: discusiones por asuntos no resueltos pondrán en riesgo un proyecto. Amor: momento para dejar de lado la obstinación y ayudar a fortalecer el lazo de la pareja.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: cierto asunto le desvela, pero tomará una iniciativa que será exitosa. Amor: generará un encuentro que reavivará la calidez de la primera cita romántica.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: contactos ineficaces le provocarán retroceso, pero mantiene el rumbo. Amor: habrá desacuerdos en la pareja por tiempos propios; lo resolverán con afecto.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: un asunto pendiente motivará divisiones en el entorno por beneficios perdidos. Amor: momento para priorizar la pareja antes que los amigos y todo pasará a estar mejor.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: gastará energía en asuntos que retrasan proyectos, pero cumplirá metas. Amor: hará bien en expresar lo que guarda en el corazón y aumentar la armonía de la pareja.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: si se concentra, resolverá los temas urgentes aunque la ayuda se demore. Amor: tendrá tendencia a ver fantasmas donde no los hay, pero entenderá que es nada.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: con gran intuición, apoyará una pequeña idea de buen potencial. Amor: dejará de lado cierta timidez y expresará lo que siente a la persona que le agrada.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: crecerá un proyecto al que le tenía poca fe y todo se encamina. Amor: la pareja resolverá una dura situación que genera problemas difíciles de arreglar.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: reformulará tareas rutinarias y las tareas se destacarán más. Amor: una mejor gestión de las emociones disolverá cualquier conflicto de la pareja.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: cierta gente creará una confusión que podrá aclarar y tendrá éxito. Amor: tomará las iniciativas que le gustan a su pareja y las cosas marcharán mejor.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: ignorará las interferencias que alguien malicioso quiere poner en su camino. Amor: decidirá ante la opción entre seguridad o aventura en una relación y le irá bien.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: QUE TIENDE A PRECIPITARSE Y TOMA DECISIONES SIN PREVER CONSECUENCIAS.

La cantante argentina Cazzu debutará como actriz en ‘Risa y la cabina del viento’, una película dirigida por su compatriota Juan Cabral que se estrenará el 16 de abril en los cines del país suramericano tras haber sido premiada en festivales internacionales.

El filme, protagonizado también por Diego Peretti, Joaquín Furriel y Elena Romero, narra la historia de una niña de 10 años que descubre un teléfono público que le permite comunicarse con personas fallecidas.

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A cambio de ayudarles a resolver asuntos pendientes en el mundo de los vivos, la protagonista busca la posibilidad de hablar por última vez con su padre.

La película es el debut cinematográfico de Julieta Emilia Cazzuchelli, conocida como Cazzu, una cantante, rapera y compositora argentina reconocida como una de las figuras más influyentes del trap latino y la música urbana, que ganó fama internacional gracias a canciones como ‘Loca’ o ‘Toda’.

Rodada en la provincia austral de Tierra del Fuego, la película cuenta además con las actuaciones de Graciela Borges, Fabián Casas, Silvina Sabater y Gustavo Garzón, y con música original de la banda argentina Babasónicos.

‘Risa y la cabina del viento’, una producción de las compañías argentinas Industria del Milagro y Labhouse, obtuvo el premio a Mejor Película Joven en el Stockholm International Film Festival Junior, en Suecia, y fue distinguida como Mejor Película y Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

También recibió el premio del público en el Festival La Fiesta del Cine, en Francia.

Cabral, reconocido por su trabajo en cine y publicidad, debutó como director de largometrajes con ‘Two/One’, estrenada en 2020 en el Festival de Tribeca y protagonizada por Boyd Holbrook y Zhu Zhu.

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El reconocido actor brasileño Wagner Moura ha sido confirmado para protagonizar el thriller de vampiros ‘Flesh Of The Gods’, donde compartirá créditos estelares con la actriz Kristen Stewart.

Según informó el medio especializado Deadline, Moura asume el papel principal en sustitución de Oscar Isaac, quien debió abandonar el proyecto debido a conflictos de agenda.

La producción, bajo el sello de A24 en Estados Unidos, está dirigida por Panos Cosmatos, cineasta de "Mandy", y cuenta con un guion de Andrew Kevin Walker, responsable de "Se7en", siendo la historia un proyecto original desarrollado en colaboración entre ambos.

¿De qué trata ‘Flesh Of The Gods’?

La trama se desarrolla en Los Ángeles durante la década de 1980 y sigue a Raoul (Moura) y Alex (Stewart), un matrimonio que vive en un lujoso rascacielos, donde cada noche descienden de su exclusivo apartamento para adentrarse en el vibrante y peligroso mundo nocturno de la ciudad.

El conflicto surge cuando los protagonistas conocen a “Nameless” (Sin Nombre), quien los arrastra a un mundo de glamur, hedonismo y violencia, convirtiendo su vida cotidiana en una experiencia sensorial extrema ligada al mito del vampirismo.

Sobre los actores

La incorporación de Moura llega en un momento destacado de su carrera. Conocido mundialmente por su papel de Pablo Escobar en Narcos, recientemente se convirtió en el primer brasileño nominado al Oscar por su actuación en "O Agente Secreto".

Por su parte, Stewart sigue consolidando su trayectoria en el cine independiente y de autor, pues además de su papel en este thriller, debutó el año pasado como directora de largometrajes con "The Chronology of Water", adaptación de las memorias de la escritora Lidia Yuknavitch.

Todavía no se conoce la fecha de estreno de ‘Flesh Of The Gods’.

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El próximo 5 de abril, HBO estrenará el especial “En busca de Harry: el arte detrás de la magia”, una producción que invita a los fanáticos a sumergirse en el proceso creativo detrás de la esperada serie basada en “Harry Potter y la piedra filosofal”. Este especial exclusivo estará disponible en su plataforma de streaming.

El especial ofrece una mirada detallada al trabajo de los equipos que están dando forma a esta reinterpretación del universo creado por J.K. Rowling. Con acceso exclusivo al set y a los equipos creativos, la producción revela cómo se está construyendo esta nueva versión del universo mágico.

A 25 años de su primer estreno cinematográfico, los espectadores podrán redescubrir los emblemáticos pasillos de Hogwarts desde una perspectiva completamente renovada. Esta vez, estará contada desde la perspectiva de los artistas, artesanos y técnicos responsables de dar vida a los libros de J.K. Rowling para una nueva generación.

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El documental incluye entrevistas con miembros del elenco y de los equipos de diseño de producción, vestuario y efectos de criaturas, y sigue el extenso proceso de encontrar a los nuevos Harry, Ron y Hermione, al mismo tiempo que celebra el alto nivel de detalle y el talento reunido para construir este universo.

La producción incluye la participación de reconocidos miembros del elenco como John Lithgow, Janet McTeer y Paapa Essiedu, quienes comparten sus experiencias al integrarse a este universo.

“En busca de Harry: el arte detrás de la magia” llega poco después del lanzamiento del tráiler de “Harry Potter y la piedra filosofal”, cuyo filme tiene previsto su estreno para la Navidad 2026.

El reconocido cantante colombiano Charlie Zaa confirmó su regreso a Lima el próximo 13 de junio para ofrecer un esperado concierto en el Anfiteatro del Parque de la Exposición, en una noche que promete estar cargada de nostalgia y romanticismo. Las entradas están a la venta en Teleticket.

El artista, considerado una de las voces más representativas de la música romántica en Latinoamérica, vuelve al Perú como parte de su gira “Nacer de nuevo tour 2026”. En esta presentación, el colombiano hará un repaso a los temas más reconocidos de su repertorio.

Con una trayectoria que ha trascendido generaciones, Charlie Zaa ha logrado consolidarse como un referente del bolero y la balada, gracias a su estilo elegante y su capacidad para reinterpretar clásicos del repertorio latinoamericano.

Temas como “Sentimientos”, “Un disco más” y “Flor sin retoño” forman parte de su legado musical, temas que han formado parte del soundtrack de muchos fanáticos y que se mantienen vigentes a pesar del paso del tiempo.

El concierto en Lima surge como una experiencia emotiva, donde los fans de Charlie Zaa podrán disfrutar al máximo reviviendo grandes éxitos del ayer con interpretaciones que mantienen la esencia del artista.

El Anfiteatro del Parque de la Exposición es el escenario elegido para este espectáculo, ofreciendo un ambiente ideal para una velada musical bajo las estrellas en pleno corazón de la capital limeña.

Las entradas para el concierto de Charlie Zaa ya se encuentran disponibles a través de Teleticket, con precios desde los S/151 en etapa de preventa 1 para el sector Preferencia APDAYC.

Robbie Williams llega a Perú el próximo 23 y 24 de setiembre para ofrecer dos conciertos memorables como parte de su gira "BritPop". Tras el sold out de su primer show en Lima, la productora One Entertainment programó un segundo día de espectáculo en el Arena 1 Park de la Costa Verde. Ante esto, el cantante envió un saludo a sus seguidores peruanos para agradecerles por el cariño y apoyo.

El cantante británico Robbie Williams expresó su agradecimiento al público peruano tras la gran acogida de su gira "BritPop" en Perú. Y, como muestra de gratitud, el artista envió un video dirigido a sus seguidores, en el que destacó el cariño recibido y su entusiasmo por reencontrarse con ellos muy pronto.

“¡Perú, gracias por todo el cariño! Lo siento aquí en mi corazón. Nos vemos en la gira mundial de Britpop”, dijo la estrella inglesa a través de un curioso video, donde aparece acostado sobre su cama, mientras descansa, una actitud muy natural en sus incursiones en las redes sociales. “Lima, nos vemos en una fecha más en setiembre. Gracias, los amo”, finalizó Robbie.

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Luego de agotar las entradas para su primer concierto en Lima, el intérprete de “Angels” programó una nueva fecha, que se realizará el miércoles 23 de setiembre en Arena 1 Park, confirmando así dos conciertos en la capital peruana.

Este segundo concierto posiciona al Perú como uno de los destinos más importantes de la gira en la región, sumándose a otras ciudades con fechas agotadas, como Buenos Aires y Ciudad de México.

En su primera visita a Lima, Robbie Williams presentará un repertorio que incluye algunos de sus mayores éxitos, como “Angels”, “Feel”, “Supreme” y “Millennium”, así como otros temas representativos de su carrera solista.

Las entradas para el segundo concierto que Robbie Williams ofrecerá en Arena 1 Park de la Costa Verde, están a la venta a través de Ticketmaster.

En el 2013, se me acercó un compadre de Willie Colón para decirme que la leyenda de la salsa quería escribir sus memorias. Yo pensé que era uno de esos encuentros fortuitos que ocurren cuando alguien reconoce a algún escritor y que la cosa no iba a pasar de ahí. Intercambié teléfonos con el compadre de Willie y seguí con mis quehaceres del día. Sin embargo, a la semana, Willie Colón me llamó.

Por cuatro años seguidos, hasta el 2018, estuvimos trabajando en el proyecto de sus memorias. El trombonista de fuego, compositor y productor de música compartió 110 páginas de notas que iba escribiendo y yo organizando, rellenando con investigación acerca de la historia de la salsa, entrevistas y diálogos telefónicos que duraban horas. Poco a poco fui entendiendo de dónde se nutría el genio musical de Willie Colón. La gran fuente de su visión y empeño fue su mamá-abuela Antonia.

Willie vivió con su abuela desde los 2 años en un apartamento de tres cuartos ubicado en 577 E. 139th Street, en el Barrio. Allí fueron a parar su joven madre, Aracelis, y su padre, Big Willie. Sus memorias inéditas comienzan narrando el día en que su abuela lo trepó en la mesa del comedor, una mesa de madera que ella no cesaba de limpiar y pulir hasta sacarle brillo. Había invitado a sus vecinos del Barrio a la casa. Acicaló a su nieto. Lo vistió con sus mejores ropas, lo subió a la mesa y le susurró al oído: “¿Recuerdas la canción que te enseñé? Cántala, mijo. Llegó tu momento de brillar”.

Con 4 años, frente a su primer público congregado en la sala del apartamento de su abuela, Willie cantó “I Believe” en inglés, hit de 1953 interpretado por Frankie Laine. Casi nadie en la audiencia sabía hablar inglés, pero al final de la canción aplaudieron con entusiasmo. Ese día, cuenta Willie, aprendió a creer en la música. Es decir, que la música lo salvaría de los muchos golpes que recibiría en la vida; golpes que recibe todo niño pobre, hijo de inmigrantes, de un padre adicto y de una madre joven, constantemente buscando al hombre que la rescate de la carencia.

La abuela y la vocación

Entre los 4 y los 12 años, Willie Colón vivió con su abuela, Antonia Pintor Miranda, quien migró a Nueva York desde los campos colindantes entre Manatí y Ciales, Puerto Rico. Se fue de la isla después de que su madre murió. Tenía 21 años, había ido a la escuela hasta el tercer grado y sabía cocinar. Su hermano Vicente le envió un pasaje de barco y la recogió en los Brooklyn Navy Yards durante el invierno. Se fue a vivir con él y con Arcadia, su cuñada. Ambas improvisaron una fonda en el apartamento compartido, donde Antonia cocinaba almuerzos y servía de comer a los jornaleros del vecindario. Así conoció a Feliciano Román, hombre oscuro de piel y con facciones indígenas, natural del pueblo de Vega Baja, en la costa noroeste de la isla.

Las memorias inéditas de Willie Colón detallan su vida llena de pobreza, violencia y persecución policial en el Barrio Latino de NY; de madre y abuelas viudas y solteras, víctimas del abuso de sus maridos o marinovios; de padres que caían en el vicio de las drogas; de apartamentos infestados de ratas. También narra momentos llenos de ternura, júbilo y belleza, como cuando, estando en los Boy Scouts, Willie el ‘Niño’ aprendió a tocar trompeta, ese instrumento que lo llevó a enamorarse del recio sonido del trombón y con el que fue ganando dineritos para ayudar a la abuela a mantener la familia. En la esquina de St. Ann’s Street con la 139, tocaba con algunos panas del barrio “Desafinando” o “Dolores la Pachanguera”, imitando lo que veía hacer a otros músicos en la radio o en las fiestas del Barrio. Nunca imaginó que esos juegos y que las monedas que recogió tocando en la calle lo iban a llevar tan lejos.

Un secreto por revelar

El resto de su historia la conocen todos los fanáticos de Willie el ‘Malo’. Los detalles han sido recogidos en la historia de la salsa: su primer disco, su maravillosa producción del clásico Aguinaldo Puertorriqueño, sus arreglos y composiciones del álbum “Siembra” junto a Rubén Blades, y la legendaria pelea entre los dos. Lo que permanece en secreto es el recuento de las memorias de Willie Colón.

En esas memorias, Willie relata su angustia ante los frecuentes arrestos y las salidas de la cárcel de su padre, los trabajos de miseria de su abuela y sus oraciones durante veladas espiritistas para que los Seres de Luz protegieran a su nieto, sin dudar ni por un segundo en que él brillaba como el sol destellando contra la piscina de Central Park, a donde llevaba a Willie el ‘Niño’ junto a sus amigos a aliviarse de los candentes veranos de Nueva York. En ellas también cuenta de sus primeros pininos en los Social Clubs del Barrio, de los ‘backrooms’ en estudios de grabación donde se cortaban negocios entre tragos y líneas de cocaína; las vivencias de un muchachito que se hizo hombre con fronte de malo y sensibilidad de poeta, creyendo fielmente que la música lo salvaría de la calle, la pobreza y el desamor.

Son hermosas las historias que narra Willie en “El Malo: The Secret Life of Willie Colón”. Quizá, si salieran publicadas, entenderíamos mejor su vida, sus contradictorias posiciones políticas, la manera en que se fue convenciendo de que el poder es el poder, que los poderosos siempre buscarán sacar ventaja de los frágiles para su ganancia y provecho. Quizás también podríamos entender su muerte, que muchos sentimos a destiempo.

Cada Semana Santa, las historias sobre Jesús, la Biblia y figuras religiosas en streaming, televisión y hasta en el cine revelan un patrón que ya no sorprende, al marcar un espacio entre lo más visto. Dependiendo del enfoque, pueden ser espirituales, políticos o incluso íntimos. Y en ese cruce entre fe, narrativa y pantalla, varias producciones como la popular serie “The Chosen” o “Reyes” han encontrado una nueva vida digital.

Lo interesante es que, a diferencia de décadas anteriores —cuando la televisión abierta imponía su programación religiosa—, hoy la audiencia elige entre la variedad de Netflix, Prime Video, HBO Max y otras plataformas. En ese mapa, “The Chosen”, dirigida por Dallas Jenkins y protagonizada por Jonathan Roumie, ocupa un lugar en el corazón de los creyentes desde 2017. Hoy, parroquias de Lima pasan episodios en jornadas de cine para los fieles, mientras se está a la espera de la sexta temporada (próximo estreno), que continuará con la historia de Jesús en el momento de la pasión.

El 2020 marcó otro punto de quiebre con “Mesías”, una producción original de Netflix que proponía una pregunta incómoda: ¿cómo reaccionaría el mundo actual ante la aparición de un supuesto Cristo? La serie, protagonizada por Mehdi Dehbi, cruzó la religión y la geopolítica del siglo XXI en una narrativa que generó debate más allá de la pantalla. No tuvo segunda temporada, pero su impacto —especialmente en el contexto de pandemia— dejó huella.

Esa línea de reinterpretación continúa con títulos más recientes como “Testamento: La historia de Moisés”, estrenada en 2024, que combina drama y análisis académico para contar la historia del personaje de la Biblia ligado a la creación de los mandamientos. El título tiene una perspectiva cercana al judaísmo y al origen del monoteísmo.

Además, en 2025, Prime Video apostó por “La casa de David”, centrada en la juventud del rey David, personaje clave antes de la aparición de Jesús según las escrituras bíblicas. Protagonizada por el actor egipcio Michael Iskander, es un título de género épico, que tiene un aspecto de producción de alto nivel de acción más que del relato religioso tradicional.

Entre las series disponibles en plataformas legales (e incluso en sitios sin permiso), la telenovela brasileña “Reyes” (2022) se destaca por tratar la historia de los reyes del Antiguo Testamento de la Biblia, como Saúl, David y Salomón. En paralelo, el streaming ha permitido que películas recientes como “Fátima” y “María: Madre de Jesús” encuentren nuevas audiencias. A continuación, revisa la lista de estrenos y algunos clásicos del nuevo milenio que recomendamos ver en estas fechas.

¿Qué ver en streaming en Semana Santa?

Series para ver en Semana Santa

• “The Chosen” (2017-Actualidad)

Plataformas: The Chosen TV, Netflix, Prime Video

Serie que dramatiza la vida de Jesús de Nazaret (interpretado por Jonathan Roumie) y el inicio de su “ministerio”. Una ficción que se basa en los Evangelios del Nuevo Testamento (Mateo, Marcos, Lucas y Juan). El conflicto central no se limita a la persecución religiosa, sino que se desplaza hacia la transformación interna de sus discípulos, en su mayoría pescadores, recaudadores de impuestos y la presencia de mujeres marginadas, que reconcilian su pasado con el llamado espiritual. Actualmente, la producción está rodando la sexta temporada centrada en la pasión de Cristo.

• “Mesías” (2020)

Plataformas: Netflix

La serie sigue a un hombre que aparece en Siria proclamando mensajes que evocan figuras mesiánicas del judaísmo, cristianismo e islam. Mientras gana seguidores, una agente de la CIA investiga si se trata de un salvador, un manipulador o un fenómeno político. El conflicto central gira en torno a la fe frente a la evidencia, sin basarse directamente en un relato bíblico específico, sino en la figura del “mesías”, presente en textos como Isaías y los Evangelios.

• “Testamento: La historia de Moisés” (2024)

Plataformas: Netflix

Serie que reconstruye la vida de Moisés (interpretado por el actor israelí Avi Azulay) a partir de los relatos del Éxodo, Levítico y Deuteronomio. El conflicto principal es la liberación del pueblo hebreo de la esclavitud en Egipto y su travesía hacia la Tierra Prometida, enfrentando tanto el poder del faraón como las dudas internas del propio pueblo.

• “La casa de David” (2025)

Plataformas: Prime Video

Serie centrada en la figura del rey David, basada en los libros de Samuel del Antiguo Testamento. Narra su ascenso desde pastor hasta líder militar y futuro rey de Israel. El conflicto central se articula en su enfrentamiento con Goliat, su relación con el rey Saúl y las tensiones políticas que marcan la transición del poder en Israel, combinando fe, ambición y destino.

• “Reyes” (2022)

Plataformas: HBO Max

Telenovela brasileña que adapta los libros de Samuel y Reyes del Antiguo Testamento. Explora la instauración de la monarquía en Israel a través de figuras como Saúl, David y Salomón. El conflicto central radica en la lucha por el poder político frente a la obediencia a Dios y muestra cómo las decisiones personales de los gobernantes afectan el destino del pueblo.

Películas para ver en Semana Santa

• “Fátima” (2020)

Plataformas: HBO Max

Basada en hechos reales ocurridos en 1917 en Portugal, sigue a tres niños que afirman haber visto apariciones de la Virgen María. Sigue la tensión entre fe y escepticismo, tanto de las autoridades civiles como de la Iglesia, pero se apoya en testimonios históricos del catolicismo moderno.

• “Jesus Revolution” (2023)

Plataformas: Netflix (recién agregado tras la popularidad de “The Chosen”)

Relata el surgimiento del movimiento evangélico conocido como “Jesus Movement” en California durante los años 70, que es liderado por la figura de Lonnie. Jonathan Roumie interpreta el papel basado en el personaje real de Lonnie Frisbee. La ficción cuenta la confrontación entre una generación joven contracultural, donde está el personaje confundido de Greg (Joel Courtney, actor de “Super 8” y “El stand de los besos”) y una iglesia tradicional que debe adaptarse o desaparecer.

• “María: Madre de Jesús” (2024)

Plataformas: Netflix

Película centrada en la figura de María, basada en los relatos de los Evangelios canónicos y textos de tradición cristiana. El conflicto principal explora su rol como madre de Jesús en un contexto de incertidumbre política y espiritual, enfatizando su fe frente al destino de su hijo y el impacto de su historia en la tradición cristiana.

• “La Pasión de Cristo” (2022)

Plataformas: HBO Max

Dirigida por Mel Gibson y protagonizada por Jim Caviezel y Monica Bellucci, la película se basa en los Evangelios. Retrata las últimas horas de Jesús, desde su arresto hasta la crucifixión. Fue nominada a tres premios Oscar y fue una de las más vistas en cines en su momento.

• “La resurrección de Cristo” (2016)

Plataforma: HBO Max

Dirigida por Kevin Reynolds, protagonizada por Joseph Fiennes y con un papel secundario para Tom Felton, la película se ambienta tras la crucifixión de Jesús. Sigue a un tribuno romano encargado de investigar la desaparición de su cuerpo.

• “Noé” (2014)

Plataforma: Netflix y Disney+

Dirigida por Darren Aronofsky y protagonizada por un elenco espectacular (Russell Crowe, Emma Watson, Jennifer Connelly y Anthony Hopkins), la película se inspira en el Génesis para contar la historia de Noé cuando fue elegido por Dios para construir un arca y salvar a la vida del diluvio.

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