No importan los vaivenes profesionales —si es el cine, la música o la televisión—, a Giovanni Ciccia (54) los caminos siempre lo han conducido de regreso al teatro. Desde que se hizo actor en 1994 con su grupo de estudiantes del Club de Teatro de Lima, en la obra “El tartufo”, las tablas han formado parte de su identidad. Todo lo que vino después —las películas, las novelas, las giras musicales— han sido felices accidentes que le recuerdan la ética con la que suele abordar la vida: “Nosotros hacemos las cosas según nos salen de las tripas; nunca nos preguntamos si están bien o están mal, si van a gustar o no”, dice desde el Teatro Municipal de Surco, que a estas alturas es casi su oficina. Aquí lo encuentras dirigiendo la obra “Madres” o ensayando “Esperando a Baltasar”. Son días ocupados.

Para Ciccia, como para cualquier persona de su generación —la que creció entre las colas y los carros-bomba—, hacer muchas cosas a la vez es un instinto. Un mecanismo de supervivencia. La idea de ser actor y morirse de hambre nunca lo asustó. “Mi generación es la del ‘no futuro’, la que hacía las cosas por sí misma, porque, haciendo cualquier cosa, te ibas a morir de hambre igual. Era mejor hacer lo que te gustaba”, asume. Con ese mismo ímpetu tomó este año una decisión que pocos en su lugar tomarían. Puso en pausa su participación en la exitosa “Al fondo hay sitio” para volver a sentirse un poco libre, un poco punk, rodeado de proyectos nuevos que lo cautivaban de otra forma.

El esfuerzo de hacer televisión diaria es titánico. “Prácticamente todo el día hay que estar a disposición de la producción”, explica Ciccia, suspirando, como si recordara ese agotamiento. Así que pidió chepa y la producción encontró la solución perfecta: su personaje Diego Montalbán no se despide, huye al enterarse de que su mejor amigo, con quien tenía cuentas pendientes, había salido del coma. “Digamos que mi personaje está ahorita como un fugitivo”, dice Ciccia, con una sonrisa que sugiere que hay más de lo que puede contar. La puerta, en todo caso, quedó abierta.

Con más tiempo de su lado, Giovanni dirige los ensayos de la obra “Esperando a Baltasar”. En ella vuelve a reunirse con dos actores que, a estas alturas, son algo más que colegas. Con Óscar López Arias la historia viene de lejos: han compartido escenario desde 2008 en un sinfín de obras como “El mentiroso”, “La chunga” y varias producciones más. Con Renzo Schuller el vínculo es todavía más difícil de categorizar. El mismo año en que hicieron su primera obra juntos, 2004, Renzo fue quien ofició su matrimonio. “Tenemos un vínculo tan estrecho”, dice Ciccia, y la frase queda suspendida, como si las palabras no alcanzaran del todo. Que estos dos le hayan propuesto dirigirlos en una comedia de dos actores era una invitación que no podía rechazar.

El precio de ser actor

Para entender al Giovanni de hoy hay que volver a los noventa. Hay un momento que él identifica como un punto de no retorno: cuando conoció la fama. O la infamia. Sucedió en 1997, al aceptar participar en “No se lo digas a nadie”, la adaptación de la controvertida novela de Jaime Bayly. La convocatoria tenía dos imanes imposibles de ignorar: Pancho Lombardi dirigiendo —para él, el mejor cineasta peruano— y un guion en el que creía profundamente. “En ningún momento lo pensé como trampolín”, dice. “Creía mucho en el guion, quería hacer un buen trabajo”. Lo que no calculó fue el precio. Lima en 1997 quizá no estaba lista para un romance homosexual en pantalla grande, y Ciccia pasó del anonimato relativo a ser insultado en la calle. “Me decían maricón, coquero, desperdicio de hombre, asqueroso. Hasta en la cola del banco me gritaban cosas”, relata. No recuerda haber respondido. Cuando llegó “Tinta roja”, tres años después, sus ‘haters’ se quedaron callados y solo conoció elogios.

Esa misma lógica —la de hacer sin calcular— explica también Chabelos, acaso la cosa más impensada que le ha pasado en la vida. A mediados de los noventa, los actores Giovanni Ciccia, Sergio Galliani y Paul Vega empezaron a juntarse en la sala de sus casas para tocar. Los animaba el punk chonguero, las ganas de hacer ruido, y ninguna pretensión de que alguien los escuchara algún día. “Una propuesta cien por ciento artística, sin ninguna proyección”, recuerda Ciccia. El primer disco era casi puros covers, con apenas tres canciones propias, y al mismísimo Giovanni le daba algo de vergüenza. Hoy, a la distancia, lo escucha diferente. Veinticinco años, siete discos y cien mil oyentes mensuales en Spotify, Chabelos se prepara para tocar en Milán, París, Barcelona y Madrid. “Si me lo hubieras planteado hace 25 años, te habría dicho que me estás tomando el pelo”, confiesa.

Estos días lo tienen a Giovanni entre la adrenalina de los nuevos proyectos y una calma zen recién descubierta. Ya casi no sale, no toma y su mayor felicidad a la hora de dormir es imaginar cuál será su desayuno al día siguiente. No tiene Instagram activo, no graba lo que come, no informa a nadie dónde está. “¿Por qué tienes que grabar todo lo que haces?”, pregunta con genuina perplejidad. Su representante a veces lo reprende: le pide números, métricas, que genere contenido. Él encoge los hombros. Lo que más le preocupa no es un algoritmo. “Veo actores que se dedican a promocionar cosas en sus redes y lo que menos veo que hacen es actuar. Nos hemos convertido en vendedores”. Para su generación, que eligió este oficio por las tripas y no por el mercado, la deriva actual le resulta incomprensible. Prefiere la privacidad que le queda. “Ya perdí el anonimato siendo actor”, dice. “Convertir mi vida privada también en un show es algo que no quiero para nada”. //

En una ciudad donde la gastronomía no deja de reinventarse, las parrillas han encontrado un lugar privilegiado en la mesa limeña. Desde cortes clásicos hasta propuestas más innovadoras que combinan técnicas internacionales con insumos locales, Lima vive un auténtico boom carnívoro. Ya no se trata solo de comer bien, sino de vivir una experiencia completa: brasas encendidas, puntos de cocción perfectos y ambientes pensados para disfrutar sin apuro.

Por ello, en base a la más reciente Guía de los Premios Somos, compartimos su selección del 2025 que reúne espacios que destacan por la calidad de sus productos, el dominio de la parrilla y una propuesta que va más allá del plato.

Si estás con antojo y no sabes a dónde ir, aquí tienes diez paradas obligatorias para saciarlo.:

• Baco y Vaca

Dirección: 2de Mayo 798, San Isidro/ Benavides 1866, Miraflores.

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• Carnal

Dirección: Elias Aguirre 698, Miraflores.

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• Costumbres argentinas

Dirección: Av. Republica de Panamá 6562, Barranco.

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• El Charrúa

Dirección: Av. Javier Prado Este 5898, La Molina.

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• El Hornero

Dirección: Consulta aquí todas sus sedes.

@lacriticaroshca @Hornero.parrillas Av. Rivera Navarrete 798 San isidro Pan con Mantequilla 8.00 Sangría 78.00 Parrilla Doble 360.00 Coca Cola 9.50 #instafoodperu #amantesdelacomida #polloalabrasa #foodiepic #foodieperu #cocinaper #cevichelovers #pastalovers #chefstime #cocinero ♬ Lazy Sunday - Official Sound Studio

• La Cabrera Perú

Dirección: Calle Enrique Palacios 140, Miraflores.

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• La carnicería de Tito restaurante

Dirección: Av 28 de julio 1286, Miraflores.

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• La Carreta

Dirección: Avenida Rivera Navarrete 740, San Isidro/ Calle Andrés Reyes 472, San Isidro.

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• La cuadra de Salvador

Dirección: Consulta aquí todas sus sedes.

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• Osso

Dirección: Av. Santo Toribio 173, Torre Real 6, San Isidro.

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Consulta más de las listas de los Premios Somos 2025 en esta nota.

Un día en los laboratorios de Glexco Robotics & Automation, en Surco, no se parece en nada a un día de oficina convencional. En la entrada, cual recepcionista, hay un robot rechoncho de rostro amable que te saluda, escanea tu rostro y, tras verificar tu identidad, te saluda por tu nombre con su habitual voz sintetizada. Unos pasos más adentro, en el showroom, dos androides de la marca Ubitree extienden la mano con una cortesía y energía impropia para un oficinista que recién llega al trabajo. Más allá, dos perros robóticos te ven aparecer y se sientan para ofrecer la patita mecánica, más educados que cualquier peludo de barrio. La sensación es que hemos viajado al futuro. Pero en Glexco se apresuran a corregirlo. Esto no es el futuro. Esto es el presente.

La prensa que cubrió el debate electoral peruano, repleto de puyas y discursos ininteligibles, alcanzó a notar que el expositor mejor articulado de la noche no fue ningún candidato a la presidencia. Fue Xpertus, un robot de forma humanoide que, presente en la sala, orientaba a los ciudadanos curiosos en el laberinto del sistema electoral peruano 2026. Xpertus es un robot cien por ciento peruano, fabricado en las instalaciones de Glexco, y representa un hito en la incipiente industria local. “Fue el primer robot que desarrollamos acá y su especialidad es la interacción con personas. Puede conversar, resolver dudas”, cuenta Jorge Tuesta, CEO de Glexco Robotics, sobre este C-3PO a la peruana.

Como muchos compatriotas de su generación, Tuesta creció viendo en la televisión series de autómatas metálicos como “Ultrasiete”, “Ultraman” o “Goldar y los monstruos del espacio”. Para los niños de los años setenta y ochenta, los robots eran una obsesión. Si los chicos del siglo XIX jugaban con caballos de madera y soldaditos de plomo, quienes crecieron pegados al televisor en las décadas siguientes soñaban con “Astroboy”, “Mazinger Z”, “Transformers” o “Robotech”. En esos dibujos animados, las máquinas caminaban, hablaban y salvaban el mundo antes de la hora de la cena. El sueño de más de uno era construir el suyo propio. Hoy, ese viejo anhelo infantil parece cada vez menos imposible.

Una antigua fascinación

En el siglo XVIII, cuando los relojeros europeos dominaban el arte de los engranajes minúsculos, aparecieron los autómatas, máquinas capaces de simular acciones humanas. El más famoso fue El Turco, un supuesto robot jugador de ajedrez presentado en 1770. El artefacto vestía turbante, movía las piezas con solemnidad y hasta parecía irritarse cuando perdía una partida, para mayor realismo. En realidad, era una farsa: dentro del mueble se escondía un ajedrecista de carne y hueso que movía las piezas. Aun así, su leyenda sobrevivió durante décadas —se decía que había derrotado a Napoleón— y alimentó la vieja fascinación, pero también el temor, de que las máquinas pudieran algún día reemplazar funciones humanas.

Recién en 1939 apareció quien suele presentarse como el padre de los robots modernos: Elektro, de la firma Westinghouse. Medía dos metros, caminaba torpemente y podía pronunciar unas 700 palabras, lo cual ya era bastante para una máquina… y para no pocos humanos. Elektro incluso tenía un perrito, también mecánico, cuyo paradero actual es desconocido. En las ferias de la época la gente pagaba por ver aquella proeza de la ciencia, dividida entre la fascinación y un ligero temor a que el aparato decidiera algún día pensar por su cuenta.

El cine fue el arte que mejor supo aprovechar esa mezcla de maravilla y paranoia. Desde la muda “Metrópolis” (1927) hasta “Terminator”, sin olvidar la saga “Blade Runner”, donde Hollywood imaginó androides que no dudan en matar a sus creadores mientras buscan respuestas existenciales.

Mientras tanto, la robótica real siguió avanzando con mucho menos dramatismo. Empresas como Honda desarrollaron máquinas capaces de caminar, como el célebre ASIMO, una especie de astronauta en miniatura que parecía esforzarse por no caerse. Actualmente existen androides con piel de silicona y expresiones faciales que rozan lo humano sin llegar del todo a serlo. El efecto que provocan ha sido estudiado por los ingenieros, quienes lo llaman “uncanny valley”: ese momento incómodo en el que una máquina se parece demasiado a una persona y, precisamente por eso, nos resulta perturbadora.

Hechos en el Perú

Aunque los robots que hoy aparecen en ferias tecnológicas o bailando en campañas políticas suelen venir de China, en el Perú también ha surgido un pequeño pero creativo ecosistema de desarrollos propios. Están los sofisticados humanoides de Glexco, pero también hay inventos mucho más vernaculares, por decirlo de algún modo. En el Vraem, por ejemplo, el profesor Walter Velásquez construyó Kipi, un pequeño asistente educativo ensamblado con chatarra electrónica, material reciclado y un panel solar para recargar energía. Durante la pandemia, cuando los estudiantes de las comunidades rurales de Huancavelica quedaron sin internet ni señal de televisión, Velásquez cargaba a Kipi y se internaba en trochas con su invento subido en el lomo de un burro.

En algunos hospitales también han empezado a aparecer robots con vocación de enfermero. Ingenieros de la PUCP desarrollaron el año pasado a RoPI, un robot interactivo pensado para acompañar a niños hospitalizados en el Instituto Nacional de Salud del Niño de San Borja. Su misión es distraer, conversar y jugar con pacientes que pasan largas temporadas en tratamiento. En esa misma línea, la investigadora Yadhira Valenzuela creó este año a Misi, un robot con forma de gatito diseñado para ayudar a niños con trastorno del espectro autista a practicar habilidades sociales mientras dibujan, escriben o interactúan con el dispositivo.

La robótica peruana también se ha colado en lugares menos esperados, como las casonas y criptas del Centro Histórico de Lima. Un equipo de la Universidad de Lima ha presentado a Alqo, un perro robot equipado con sensores y cámaras, para explorar túneles, pasajes y estructuras coloniales donde entrar con casco y linterna sería, como mínimo, imprudente. Con ayuda de drones y escáneres láser, el proyecto busca crear modelos tridimensionales del patrimonio histórico de la ciudad. Así, mientras los historiadores revisan papeles en la superficie, el robot baja a los sótanos a ver qué secretos quedaron guardados desde el virreinato.

Hace doscientos años, cuando las máquinas de vapor amenazaron con dejar sin empleo a media Europa, los trabajadores respondieron como sabían: agarraron las máquinas a martillazos. El miedo a ser reemplazados por un engranaje es tan antiguo como la industria misma. Qué pasará ahora es difícil de anticipar. Mientras estas líneas se escriben, el robot Optimus de Tesla —ya en su tercera generación— empieza a caminar por las fábricas de Fremont y Austin realizando tareas de ensamblaje. La idea de Elon Musk es que, tarde o temprano, Optimus también ingrese a los hogares para ocuparse de “tareas aburridas” como limpiar, traer cosas o cocinar. Lo que antes parecía un argumento de ciencia ficción que inevitablemente termina mal —como en “Yo, robot”— empieza a asomarse como una realidad a la vuelta de la esquina.

Astroboy

Astroboy fue un icónico personaje de manga y anime creado por Osamu Tezuka en 1952. Contaba la historia de un niño robot con poderes extraordinarios que luchaba por la justicia mientras buscaba su lugar entre humanos.

Caballero Mecánico

Recreación de El caballero mecánico, un invento del genio italiano Leonardo Da Vinci, que fue diseñado hacia 1495. Se considera uno de los primeros autómatas humanoides.

El Hombre de hojalata

El Hombre de Hojalata es uno de los personajes más recordados de “El mago de Oz”, la novela de L. Frank Baum publicada en 1900. No es exactamente un robot, sino un leñador convertido en hombre metálico que cree haber perdido su corazón en alguna parte.

Elektro

Fue un robot humanoide creado por Westinghouse en 1937 y presentado en la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Medía más de dos metros, pesaba unos 120 kilos y podía caminar, hablar unas 700 palabras, fumar cigarrillos e inflar globos. Incluso tenía un perro robot llamado Sparko.

ASIMO

Fue un robot humanoide desarrollado por Honda y presentado en el año 2000. Podía caminar, subir escaleras, reconocer rostros y responder a comandos de voz. Con su apariencia de pequeño astronauta blanco, se convirtió en uno de los robots más famosos del mundo.

“Planchando el despecho: todas vuelven” marcará el regreso, por primera y única vez, de sus cinco protagonistas originales: Almendra Gomelsky, Rebeca Escribens, Gianella Neyra, Maricarmen Marín y Katia Condos, en una edición especial por el Día de la Madre. Pero no se tratará solo de un reencuentro histórico. Para Condos, este será también el montaje más honesto y personal, porque hoy esas canciones de ruptura, dolor y nuevos comienzos resuenan de otra manera en su propia vida.

“Siempre decía que lo único que no me gustaba de Planchando era que todas representábamos a mujeres felizmente casadas. Y eso no refleja la realidad: hay mujeres solas, separadas, divorciadas, viudas, felices o no. Me daba pena que el mensaje pareciera ser que para ser feliz hay que estar enamorada y con años de matrimonio. No estábamos representando a todas”, reflexiona la actriz.

Ahora, reconoce, la vida ha hecho que ese discurso cobre otro sentido. “Las circunstancias nos están llevando a que hoy estemos representando una experiencia más cercana a la de muchas mujeres. Y bueno, me tocó a mí”, admite.

“Planchando el despecho” nació en el 2023, a partir de una idea de Neyra de traer al Perú el formato colombiano creado por Juan Carlos Mazo. La propuesta original fue adaptada al estilo de sus intérpretes locales, con una combinación de historias propias, humor, drama y canciones sobre el amor y el desamor. Ese cruce le permitió al espectáculo encontrar rápidamente una identidad cercana al público peruano.

Para Katia, buena parte del éxito de este show musical radica en la vigencia emocional de su repertorio. Las llamadas “canciones cortavenas”, dice, siguen convocando porque apelan a experiencias universales. A eso se suma el componente colectivo del espectáculo, que convierte cada función en una suerte de catarsis compartida, cercana a la energía de un karaoke o un concierto, donde el público no solo escucha, sino que canta, recuerda y se identifica con las historias.

“Sabes que la experiencia va a ser grupal, fuerte, intensa, divertida”, resume la actriz, convencida de que esa conexión emocional es la que ha permitido que el show mantenga su llegada entre espectadores de distintas generaciones.

Condos atribuye otro de los pilares del espectáculo a la química entre sus integrantes. Más allá del guion o la dirección, sostiene, hay proyectos que encuentran una fuerza especial cuando entre quienes participan se instala una complicidad genuina, y eso es justamente lo que, a su juicio, ocurrió con “Planchando el despecho” desde el inicio.

Nueva etapa

Primero con la formación original y luego con la incorporación de Maricarmen Marín, esa conexión —hecha de compañerismo y confianza sobre el escenario— terminó por convertirse en una de las marcas del show.

“En esta nueva etapa, el público volverá a encontrarse con una propuesta de calidad, pero renovada. Nosotras siempre buscamos innovar y ofrecer algo distinto, para que la gente se vaya con sorpresas. La presencia de las cinco en escena transforma el montaje, el ensamble vocal, las coreografías y la dinámica general del show. Además, el Parque de la Exposición le dará una dimensión diferente”, destaca.

Para esta temporada, el repertorio reunirá lo mejor de las entregas anteriores, con una selección pensada para sorprender otra vez al público. En el caso de Condos, volverá a interpretar “Chico de mi barrio”, uno de los temas más celebrados por los asistentes, y retomará también “Ella y él”, de José Luis Perales, que canta junto a Raúl Zuazo y que, admite, es uno de sus momentos favoritos del espectáculo. A eso se sumarán varios números grupales, entre ellos “Un beso y una flor”.

Entre otros temas, también figuran “Era mi vida él”, “Corazón de piedra”, “A dónde va el amor”, “Mamma mía” y “A quién le importa”.

“Supongo que todas las canciones van a tener bastante feeling, como siempre las he cantado”, asegura.

Condos atraviesa hoy una etapa incierta, pero no está detenida. Más que buscar respuestas inmediatas, ha optado por avanzar con calma, concentrada en lo esencial: sus hijos, su bienestar y el cuidado de los vínculos que la sostienen. En medio de ese tránsito, el escenario aparece también como un espacio de afirmación, un lugar desde el cual seguir adelante sin perder de vista lo que importa.

“Esta etapa de vida la defino como un gran signo de interrogación. Se hace camino al andar y este es un proceso que recorro un día a la vez”, subraya.

Hay una imagen que se me quedó grabada antes de sentarme a comer: un pequeño mural de Jesucristo custodiado por flores frescas, en el corredor de entrada. No es decoración (o, si lo es, lo disimula bien). Parece que alguien lo puso ahí de verdad, como en una quinta surquillana, como en la casa de una abuela creyente. Medidas anotadas a lápiz en la pared. Una persiana de metal que simula un bar de pisco cerrado al costado. Afuera, una calle de Surquillo donde aún no llegan los restaurantes de moda y, al frente, una sanguchería de las que abren las 24 horas. Los Primos de San Juan no desentona. Se adapta. Se mimetiza. Y en esa decisión —la de no fingir estar en otro lugar— está el corazón de su propuesta.

César Hernández fue durante más de veinte años la mano derecha del chef Rafael Osterling. Tenían una costumbre: el primero que llegaba le preparaba café al otro. Ese grado de amistad —y de oficio— define lo que César es en la cocina: alguien que aprendió a cocinar desde adentro, con sazón, memoria y empeño. Junto a él, Héctor —su hermano, chef del restaurante del Museo Larco— y Alan Chamba, primo hermano de ambos, director de hospitalidad de Central, que se las agencia para estar en los dos lados. Los tres crecieron juntos en el aún nuevo San Juan de Miraflores, cobijados por su abuela María, que no los dejó estar en la calle; en cambio, les enseñó a cortar cebollas y a ser del barrio de otra manera. Esa mujer está en cada plato.

Virgilio Martínez lo llamó, según cuentan los primos, el “fine dining popular”. La cocina de la carretilla y la calle, elevada con técnicas del mantel y del menú de pasos. El cebiche triciclo lo explica mejor que cualquier definición: una carretilla de San Juan servía cebiche con plátano y César la reversionó con un puré pintado en el plato —suave, dulce, con cuerpo—, una leche de tigre picantona y una corvina fresquísima del día. Sencillo en la idea, preciso en la ejecución.

Las conchitas del tío Julio sorprenden por contención: mantequilla al mezcal con notas ahumadas que realzan el molusco en lugar de sepultarlo. El seco de María —en honor a la abuela— llega en ‘sous vide’: carne tierna que no pierde textura ni humedad, con una salsa de textura ‘velouté’ que concentra todo el sabor del guiso tradicional, pero con una delicadeza inédita. Lo acompaña un majado de yuca aterciopelado con un ligero crujiente encima. Hay una pasta que se llama Giuseppe Riccetti —gambas y huancaína—, cuyo nombre es un guiño al personaje de Carlos Alcántara en “Asu Mare”: el chico de barrio que adopta un alias pituco para camuflar su origen.

Esa noche, en una mesa cercana, cocineros de Astrid & Gastón cuchareaban la crema volteada con ‘crumble’ de cristales de naranja y helado de coco. Compartían, probaban. Todos soñamos con esa historia: la de tres primos de San Juan que escalaron el ‘fine dining’ y pusieron su propio restaurante.

Humildad, barrio y oficio. Tres cosas que no aparecen en el menú, pero que definen cada plato. Los Primos de San Juan no es un restaurante con identidad: es identidad convertida en restaurante. Soñarlo es fácil. Hacerlo, no. //

Cuando llega un bebé, todo es nuevo. Las dudas aparecen a diario: cómo alimentarlo, cómo bañarlo, qué usar para su desarrollo. Muchas veces las respuestas no vienen de libros o manuales, sino de otras mamás. Es en ese intercambio donde se va creando una forma propia de maternar.

Desde aquel lugar nace Munai, una tienda especializada en bebes creada por Micaela Rodríguez Larraín, mamá y emprendedora. La selección parte de su propia experiencia: productos que ha probado, que sabe que funcionan y que realmente facilitan el día a día, pensados para que otras mamás no tengan que pasar por el mismo ensayo y error.

El proyecto comenzó en 2021, en plena pandemia, con portachupones personalizados que ella misma armaba a mano. Ese primer impulso fue creciendo hasta convertirse en una propuesta más amplia, en la que hoy conviven productos propios con una selección de marcas internacionales.

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En Munai se encuentran desde vajillas de silicona y mandiles de Mushie hasta chupones de estética nórdica de Frigg; zapatitos para el agua y la playa de Green Sprouts, lentes de sol con protección UV de Grech & Co. y playmats de Oruga Kids, especiales para las primeras etapas de juego.

Esa selección se refleja también en sus productos más buscados. Las muselinas de algodón orgánico, los portachupones personalizados y los juguetes de silicona figuran entre los favoritos, junto a sets de alimentación y accesorios ideales para acompañar las primeras etapas con practicidad.

La propuesta también se extiende al contenido. A través de su podcast, Madres Podcast, Micaela reúne a especialistas y madres con experiencias diversas, generando un espacio de conversación que amplía la mirada sobre la maternidad. “Esto no se trata solo de hacer una venta. Se trata de construir relaciones y comunidad”, resume Micaela.

Hay algo magnético en cómo Piera Carreras (@piera_te_guia en Instagram y piera.te.guia en TikTok) dice “¡Chisme histórico!”. No es solo una frase: es una invitación a quedarse, a escuchar, a mirar el pasado con otros ojos. Con la curiosidad de un niño. Y, sobre todo, a entender que la historia (esa que muchos recuerdan como densa o lejana) también puede ser ligera, cercana y hasta divertida.

Carreras, de 65 años, es profesora de vocación y una de las creadoras de contenido más singulares del momento. Por eso conversa con Somos y ahonda en su particular lazo con la historia: una pasión que no empezó en redes, sino mucho antes, en aulas, proyectos educativos y viajes por el Perú, donde durante más de dos décadas capacitó a docentes y trabajó con comunidades.

“Desde que tengo uso de razón, sentí ese llamado de ser docente, de enseñar. Pero con el tiempo entendí que no se trata solo de enseñar, sino también de estar abiertos a aprender y disfrutar de la riqueza de ese intercambio”, reflexiona.

El salto de su popularidad llegaría con la pandemia, sin siquiera buscarlo. Como para tantos, el freno fue abrupto: menos trabajo, más preguntas. “A los 60 te cuestionas: ‘¿y ahora qué hago?’. No me sentía mayor como para pensar en dedicarme a tejer; sentía que todavía tenía mucho por hacer”, recuerda. Lejos de detenerse, eligió moverse. Se matriculó para estudiar turismo y formarse como guía, un sueño que por mucho tiempo aguardaba en su corazón. No era un salto al vacío, sino una extensión natural de lo que ya era: alguien que enseña contando historias. “Cuando empecé a estudiar, desde el primer día me enganché. Me di cuenta de que no era una segunda vocación, sino algo que complementaba perfectamente con la educación”, precisa.

En dupla

El primer video de Carreras en volverse viral no fue suyo. Lo grabó su hija, la actriz Joaquina Maldonado, orgullosa de verla graduarse a los 64. Lo subió como ejemplo de perseverancia. No con el fin de acumular vistas o ‘likes’, sino de compartir ese mensaje de que nunca es tarde. Millones de vistas después, Piera entendió que ahí había algo más que un momento viral: “No podía creer que algo tan personal generase tanto movimiento. Había muchísima gente que estaba como yo, buscando nuevas experiencias, preguntándose qué hacer con su vida”.

En caliente, había dos caminos para seguir: dejar ahí la historia y su impacto o continuar con contenido original sobre la historia del Perú y del mundo. Historias cortas, bien investigadas, contadas como si se tratase de un secreto compartido. “La palabra ‘chisme’ engancha. Si decía ‘historia’, quizá no llamaba tanto la atención. Pero el chisme tiene algo innato, te jala, siempre quieres saber más. Y si además te deja algo, mejor todavía”, explica Piera. Y funciona a la perfección. Porque ese “chisme” no se queda en la superficie: informa, contextualiza y despierta curiosidad.

Con el tiempo ocupado, Piera cuenta que detrás de cada ‘reel’ de un minuto hay toda una ruta creativa: investiga, lee, resume y arma guiones junto a su hija, con quien trabaja como dupla. “Joaquina se encarga de ayudarme con la grabación, la edición, los detalles visuales”, comenta. Todo para lograr algo que parece simple, pero no lo es: contar bien, en poco tiempo y sin perder la atención de sus seguidores.

Con el crecimiento de su comunidad, Piera y Joaquina identificaron un nueva oportunidad: el reto de salir de la pantalla estableciendo espacios físicos para la conversación y el aprendizaje. Así, nacieron los “lonchecitos históricos”, encuentros donde el café y los postres acompañan conversaciones sobre el pasado. El formato rompe con la idea de clase. Aquí se charla y se opina sin reglas. “Partíamos de una premisa: la gente necesita interactuar, no solo estar frente a una pantalla. Necesita conversar, encontrarse con otros que tengan los mismos intereses”, dice Piera.

Hasta el momento, la acogida es positiva, las fechas se llenan rápido e incluso algunos asistentes repiten el plato en más de una cita. Con más chismes por contar y más libros en los cuales sumergirse, Piera María asegura que no todo en redes está perdido: la clave está en verlas como un canal para despertar la curiosidad, dentro y fuera de las pantallas. //

Este 2026 se celebrará la edición número 13 de la feria internacional de arte contemporáneo Pinta Lima (@pinta.artofficial), un hito para esta capital junto al mar que, más allá de ser un atractivo punto gastronómico y turístico, también evidencia su potencial en el mercado internacional del arte.

Durante cuatro días, las galerías locales conversarán con la mirada de 15 ciudades del mundo. La presencia internacional estará representada por galerías de España, Inglaterra, Estados Unidos, Argentina, Chile, Colombia, Venezuela y Uruguay. Con una importante presencia de cerca del 70% de participantes del exterior, Pinta Lima continúa fortaleciéndose en el mapa como un ‘hub’ del arte contemporáneo cada año más sólido y llamativo para coleccionistas, curadores, expertos y el público interesado en conocer lo que están creando artistas peruanos y de otras latitudes.

“Trece años no es poco; es una feria con bastante prestigio regional. Viene en escalas similares a las de ArtBo o ArtRío y va mostrando la fuerza que puede tener la región”, sostiene la curadora global de Pinta, Irene Gelfman, quien desde hace cuatro años está a cargo de la dirección artística. “Lima es un mercado que enfrenta ciertas dificultades. Muchos compradores y coleccionistas del Perú suelen adquirir obras, incluso de artistas peruanos, en ferias que no son locales; por eso es interesante ver cómo, en los últimos años, la feria se está consolidando con una mirada mucho más boutique y precisa en la selección de obras y en la curaduría de los proyectos”, agrega. Un panorama que convierte a esta feria en un lugar propicio para comprar. Además, Gelfman, de origen argentino, hace hincapié en nuestro contexto latinoamericano, donde el mercado del arte es muy fluctuante y sostener una feria por trece años tiene su propio mérito.

“Creo que la feria cumple una función —en particular en el Perú— muy importante. Es un espacio de exhibición, de fortalecimiento del mercado y del circuito peruano y limeño”, comenta la curadora. Además, las propuestas curatoriales tienen la misión, al margen de las ventas, de poner sobre la mesa problemáticas o cuestiones que están girando en el arte en la región, así como reconocer a los artistas que lo componen.

Una casa emocionante

La Casa Prado en Miraflores será un centro estratégico de esta feria. En total se reunirán 38 galerías entre extranjeras y locales de 15 ciudades. La organización proyecta unos 16 mil visitantes durante estos cuatro intensos días dedicados al arte.

Como escenario de intercambio de ideas, el FORO tendrá destacados invitados internacionales, entre ellos Tania Pardo (directora del CA2M – Museo Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid), Patrick Charpenel (director ejecutivo de El Museo del Barrio Nueva York), Melanie Roumiguière da Silva (curadora y exdirectora del Departamento de Artes Visuales del Programa de Artistas de Berlín), Alexia Tala (curadora independiente de Chile), y el peruano Miguel López, respetado investigador y curador de arte. Es una oportunidad única para escucharlos, plantearles preguntas y experimentar el espíritu de una feria donde, como visitante, puedes transitar por lo mejor del arte contemporáneo, pero también cuestionarte y reflexionar.

En la distribución de la feria se presentan también la Sección Principal, NEXT y RADAR, que permiten recorrer desde galerías consolidadas hasta propuestas experimentales y nuevas voces. NEXT ha sido curada por Juan Canela y estará dedicada a proyectos emergentes y exploratorios: “Siempre es un espacio para ver qué se viene, qué proyectos y artistas nuevos hay, y es una gran oportunidad para distintos bolsillos: una feria donde puedes conseguir obras para distintos presupuestos”, dice Gelfman. RADAR, curada por Ilaria Conti, evidenciará prácticas contemporáneas que trabajan con materialidades no convencionales, saberes ancestrales y problemáticas urgentes del presente.

Para vivir la fiesta del arte, se ha pensado en Pinta Lima como un espacio de reencuentros entre amigos y familia, con lugares para socializar, tomar un café y conversar. No solo invita a ver las piezas, recorrer las secciones y adquirir arte, sino que va más allá: tiene foros de conversación, actividades paralelas, acciones especiales como el Video Project, las tiendas del MALI y de Pinta, la sección de libros de Book Vivant o el homenaje al artista Carlos Runcie Tanaka, quien nos dejó el año pasado. Pinta Lima será un punto de encuentro para curadores, artistas, coleccionistas y expertos que compartirán con el público todo su conocimiento. //

Dormir bien no es un lujo, es una necesidad (y de hecho casi que nuestro superpoder!). Mientras duermes se regulan hormonas, se reparan tejidos, consolidas la memoria y balanceas tu metabolismo. Aun así, muchos lo postergan para el fin de semana, lo sacrifican por quedarse scroleando y hasta lo sabotean con la hora en la que cenan. Porque si aún no lo sabías, lo comes en la noche (y a qué hora lo comes) tiene un impacto directo en tu sueño.

El sueño está conectado con dos hormonas clave: el cortisol (alerta) y la melatonina (descanso). Para dormir bien, necesitas que el cortisol baje y la melatonina suba. Y aquí es donde la cena entra en juego. Comer muy pesado, muy tarde o muy azucarado puede alterar este equilibrio. Cuando cenas en exceso o con alimentos difíciles de digerir, tu cuerpo sigue trabajando mientras tú intentas dormir. Una digestión activa más un sistema nervioso encendido te da como resultado un sueño fragmentado. Por otro lado, si cenas muy poco o te saltas la cena, puedes experimentar caídas de glucosa durante la noche, lo que activa el cortisol y te puede terminar despertando (hola, 3 a.m.).

La clave entonces es cenar estratégicamente. Y aquí el timing es tu mejor aliado. Idealmente, la cena debería ocurrir entre 2 y 3 horas antes de dormir. Esto le da al cuerpo tiempo suficiente para iniciar la digestión sin interferir con el descanso profundo. Si cenas justo antes de acostarte puede generar reflujo, pesadez o sueño poco reparador. Pero irte a la cama con hambre tampoco es buena idea. El cuerpo no duerme tranquilo si siente que falta energía. El punto medio es comer suficiente, pero ligero, y que sea temprano.

Ahora, qué comes también te puede jugar a favor o en contra. Por ejemplo, la proteína ayuda a la saciedad y aporta aminoácidos como el triptófano, precursor de la serotonina y melatonina. Por su lado, los carbohidratos complejos facilitan la entrada del triptófano al cerebro y ayudan a relajar el sistema nervioso. Y las grasas saludables en cantidades moderadas, apoyan la estabilidad de la glucosa. ¿Lo que puede interferir? El exceso de grasa porque hace que digestión más lenta, los azúcares simples porque causan picos y caídas de glucosa, la cafeína y el alcohol, que aunque puede inducir sueño, lo fragmenta.

¿Cuál sería la cena ideal?

Te doy 5 opciones para que las pongas en práctica:

• Bowl tibio de quinua, pollo y verduras salteadas. Proteína + carbohidrato complejo + fibra. Fácil de digerir y saciante.
• Tortilla de huevo con espinaca + 1 tostada de pan integral + palta. Equilibrio perfecto entre proteína, grasa y carbohidratos. Clásico que funciona.
• Pescado al horno con camote y brócoli. Omega 3 + carbohidrato complejo. Ideal para reducir la inflamación y promover saciedad.
• Yogur natural con frutos rojos y semillas. Opción ligera, rica en triptófano y fibra. Perfecta si cenas más tarde de lo ideal.
• Souffle de verduras + choclo con queso fresco. Vegetal, reconfortante y rica en fibra.//

Una mañana de marzo pasado, los hermanos Rozas se plantaron frente a la casa de John Lennon en Menlove Avenue con sus instrumentos al hombro. Desde adolescentes, los jóvenes músicos Fabrizio, Piero y José Luis habían soñado con el momento en que su obsesión por The Beatles los llevara al origen de todo, a Liverpool mismo. Crecer con la música de los Fab Four en la camioneta paterna, yendo de un lugar a otro, los fue permeando en el catálogo de los autores de “A Hard Day’s Night”. Que luego formaran una banda tributo que saltó a la fama en la televisión peruana fue otra bendición. Los recordados “Beatles de Yo Soy” —ya adultos y bajo el nombre artístico de Los Mapaches— confiesan que pararse al pie de la casa donde creció su ídolo es algo que apenas pueden describir. Recuerdan que cuando sacaron sus instrumentos y empezaron a tocar una versión de “In My Life” para sus redes, apareció el guardián de la casa. El hombre, lejos de echarlos a escobazos, bailó primero con su música y luego los invitó a entrar.

Adentro, el tiempo parecía detenido. “Pudimos ver su sala, su cuarto, los libros que tenía ahí. Todo estaba intacto”, recuerda uno de los hermanos con una emoción que solo un beatlemaníaco podría entender. En esa casa, Lennon vivió de adolescente bajo el techo severo y amoroso de su tía Mimi, la mujer que lo crió y que, según la leyenda, le dijo que la guitarra era un entretenimiento, no un oficio. Los Mapaches recuerdan que ese día la casa estaba cerrada al público porque en sus habitaciones se acababa de filmar la película biográfica de los Beatles, uno de los proyectos cinematográficos más esperados de los últimos años. Pero tan bien les cayeron los peruanos al guardián Andy que, antes de salir, les regaló un botón de la ropa de la tía Mimi. Un souvenir imposible de comprar en ninguna tienda del mundo.

La casa de Lennon no fue el único lugar que los Rozas convirtieron en escenario. Durante 23 días, los tres hermanos recorrieron Liverpool como peregrinos con guitarras, plantándose frente a Strawberry Fields, en Penny Lane, junto a las estatuas de los cuatro en el puerto. Todo lo grababan para TikTok sin pensar que sus videos se harían virales y que llegarían a la misma BBC que se hizo la pregunta: ¿quiénes son estos peruanos?

“Recibimos un mensaje de la BBC pidiéndonos una entrevista y pensamos que era una de esas estafas, las que te dicen que ganaste no sé cuánto dinero y que tienes que depositar un adelanto”, cuentan entre risas. Cuando se animaron a contestar resultó que la invitación era real. “Cuando nos conocieron, les encantó que fuésemos hermanos y que teníamos más de diez años haciendo esto. Ellos del Perú no sabían mucho. Te relacionan con el oso Paddington”.

Y fue en la radio que el conductor les lanzó la pregunta que cambió por completo el viaje: “¿Tienen fecha en el Cavern Club?”, les consultó en referencia al mítico club que vio nacer a los Beatles. “No”, respondieron. El conductor sonrió, pidió un momento y marcó un número. Minutos después, John Keats —dueño del Cavern— estaba en línea. Los había escuchado por la radio. Le gustaron. “No veo por qué no los puedo invitar”, dijo. El sábado 7 de marzo, Los Mapaches bajaron las escaleras del local más famoso del rock mundial. Si llegar a la casa de Lennon era un sueño, tocar en La Caverna era como arribar al paraíso.

Al día siguiente, BBC One llegó al Cavern antes de que abriera para filmar un reportaje con los peruanos, que apenas salían de su asombro. Habían llegado a la cuna de la beatlemanía sin imaginar que desatarían una simbólica “mapachemanía” en el mundo beatle del Reino Unido. Todo fue como un viaje mágico y misterioso del que aún no quieren despertar. Pero tienen que hacerlo. Tanto les gustó la experiencia que los Rozas ya planean volver, en junio, para una gira más grande. El cielo es el límite.

La cultura coreana no solo está conquistando al mundo con bandas como BTS o Blackpink, sino también con su enfoque del cuidado de la piel, el cual está revolucionando por completo el mercado de la belleza. El famoso skincare coreano se ha convertido en un auténtico must entre los millennials y los jóvenes de la generación Z, quienes buscan el codiciado efecto “glass skin”: una piel luminosa, uniforme y con una apariencia casi translúcida.

Uno de los ingredientes estrella de esta tendencia es, sin duda, la centella asiática, un activo calmante que ha ganado gran protagonismo. La llevo probando desde hace meses y su popularidad no es casualidad: idols del K-pop como Jisoo, Jin o Karina la incluyen en rutinas enfocadas en la hidratación y el equilibrio de la piel.

Pero, más allá del entusiasmo y la viralidad, realmente es un activo que merece tanto hype o estamos ante otra tendencia pasajera dentro del universo del K-beauty.

El boom de la centella asiática: el ingrediente natural que está en todas partes

También conocida como cica o “hierba del tigre”, la centella asiática es una planta medicinal que crece en zonas pantanosas en regiones tropicales y subtropicales de la India, el sudeste asiático y Madagascar, así como en China, Corea, Japón y Taiwán. Durante siglos, ha sido usada en Oriente para tratar enfermedades infecciosas de la piel, acelerar la cicatrización de úlceras y en heridas cutáneas.

Actualmente, como explicó la dermatóloga Antuaneth Sobrino, del Centro Bienestar Auna a Somos, se ha posicionado en el mundo del K-beauty y la dermatología, gracias a que:

• Tiene acción antiinflamatoria y calmante.
• Fortalece la barrera cutánea, actuando como humectante natural.
• Activa la síntesis de colágeno y elastina, mejorando la firmeza y elasticidad.
• Ayuda en la apariencia de las estrías.

“A diferencia de otros ingredientes comúnmente conocidos como el aloe vera, la manzanilla, la urea o la caléndula, la centella asiática se destaca por aportar una hidratación más profunda y por su efecto regenerador y calmante. Aunque la industria dermatológica y cosmética ha puesto en valor sus beneficios recientemente, no se trata de una simple tendencia pasajera, sino de un ingrediente útil con una larga historia”, recalcó la experta.

La ciencia detrás de la centella asiática: cómo actúa en la piel

De acuerdo con Rocío del Pilar Bringas, docente de la carrera de Medicina Humana de la Universidad Científica del Sur, los compuestos activos de la centella asiática — asiaticósido, madecassósido, ácido asiático y ácido madecásico — actúan principalmente sobre tres frentes celulares:

• Estimula los fibroblastos— las células responsables de la estructura de la piel— favoreciendo su actividad y aumentando la síntesis de colágeno tipo I y elastina, lo que mejora la firmeza y elasticidad.
• Estimula las células endoteliales y favorece a la formación de nuevos vasos sanguíneos, además de aumentar los niveles intracelulares de fibronectina, una proteína clave para que la piel recién formada sea más resistente.
• Ayuda a controlar la inflamación y el estrés oxidativo al bloquear mediadores inflamatorios (como el factor NF-κB y citoquinas TNF-α, IL-6). También protege a los queratinocitos (células de la epidermis) de la muerte celular (apoptosis) causada por la radiación ultravioleta.

Aunque la evidencia científica respalda estos beneficios, hay algunos efectos que han sido exagerados por la industria cosmética. Como señaló la doctora Claudia Castañeda, médico cirujano del Centro Estético de Clínica Internacional, la centella asiática no elimina manchas pigmentarias profundas ni tampoco la celulitis. Si bien puede suavizar las líneas finas, no ofrece un efecto lifting inmediato ni un rejuvenecimiento visible por sí sola.

Cómo integral la centella asiática a tu rutina

La mejor manera de incluirla en nuestra rutina—según la doctora Bringas— es en serum, ya que este formato contiene una alta concentración del activo y aporta una mayor regeneración, lo cual es ideal para pieles mixtas. Mientras que, en pieles más secas, la crema puede proporcionar una mejor hidratación.

“Para introducir la centella asiática, conviene seguir la regla general del skincare: empezar de la textura más ligera a la más densa. Asimismo, se puede aplicar tanto por la mañana como por la noche, e incluso dos veces al día para potenciar sus efectos calmantes y regeneradores. Aunque es un ingrediente suave y apto para la mayoría de pieles, en casos de rosácea o dermatitis conviene evitar su uso directo”.

Otro punto clave a considerar es que, si bien es un ingrediente bastante efectivo por sí solo, si deseamos potenciar sus resultados podemos combinarla con otros activos como:

• Vitamina C: Ambos actúan como antioxidantes anti-edad, ya que la centella estimula la producción de colágeno y la vitamina C es esencial para ese proceso. Juntas, mejoran la firmeza y la luminosidad de forma mucho más rápida que por separado.
• Ácido hialurónico: Mientras el hialurónico retiene agua, la centella repara la barrera cutánea para que esa humedad no se escape. Este dúo es ideal para pieles deshidratadas.
• Niacinamida: La niacinamida regula la grasa y ayuda con el aclaramiento de manchas, mientras que la centella reduce la inflamación. Por lo tanto, ambos pueden ser útiles para pieles grasas con tendencia acneica.

Sin embargo, no se debe mezclar con ingredientes que puedan irritar la barrera cutánea como el peróxido de benzoilo, altos porcentajes de ácidos exfoliantes (AHA/BHA) o retinoides, advirtió la especialista de la Universidad Científica del Sur.

¿Es para todos? Cuándo usar centella asiática y cuándo no

De acuerdo con la dermatóloga Samantha Stein, de Cleveland Clinic se recomienda especialmente en piel seca, sensible o con la barrera cutánea alterada, así como también para tratar el acné. Incluso puede ser útil después de tratamientos como láser o peelings químicos, puesto que ayuda a acelerar la regeneración, calmar la inflamación, reducir las rojeces y fortalecer la barrera cutánea.

Por ejemplo, en heridas, quemaduras leves y úlceras cutáneas, acelera la reparación y la cicatrización en un 50%, precisó Bringas. Además, es excelente para la prevención de marcas de estiramiento en la piel, ya sea por embarazo o cambios bruscos de peso.

En casos de insuficiencia venosa crónica y várices, también es un aliado, dado que ayuda a reducir la presión venosa, disminuye la permeabilidad capilar y alivia la sensación de piernas pesadas.

Aunque es bien tolerada en la mayoría de los casos, algunas personas pueden presentar reacciones adversas, especialmente aquellas con sensibilidad o alergia al ingrediente. De igual manera, algunos productos con centella asiática pueden estar mezclados con propilenglicol o conservantes que, en pieles con la barrera dañada, son los verdaderos culpables de la irritación.

Por eso, conviene prestar atención a señales como ardor, irritación o dermatitis, ya que pueden indicar que la piel no tolera bien el producto. “Para evitar estos síntomas, se recomienda hacer una prueba previa en una zona pequeña de la piel antes de su uso habitual. Si se presenta alguna reacción negativa, se debe suspender su uso y consultar con un dermatólogo”, subrayó la doctora Stein.

Lo que no debes hacer al usar centella asiática

• Esperar resultados anti-edad intensos o inmediatos.
• Utilizarla dentro de rutinas excesivamente agresivas que impidn que la piel se recupere adecuadamente.
• Emplear concentraciones demasiado altas de centella asiática.
• Mezclarla con activos de concentraciones altas.
• Aplicarla en heridas abiertas.
• No realizar una prueba de alergia.
• Aplicarla en pieles con rosácea y/o eczema sin supervisión dermatológica previa.

“Un error frecuente al adoptar rutinas del K-beauty es asumir que funcionan igual en todas las pieles. Las pieles asiáticas, en específico las coreanas, suelen ser más finas y propensas a la deshidratación, mientras que las pieles latinas tienden a ser más gruesas y con mayor producción de sebo. Por eso, sus necesidades son distintas y no se pueden comparar directamente”, sostuvo la dermatóloga Antuaneth Sobrino.

Cómo elegir correctamente tu producto de centella asiática

La doctora Rocío del Pilar Bringas lo resumió en tres simples aspectos para asegurar la efectividad del producto:

Revisa la lista INCI

Los ingredientes se ordenan de mayor a menor concentración. Para que sea efectivo, “Centella Asiatica Extract” debe aparecer dentro de los primeros 3-5 lugares. Si este ingrediente activo está al final, probablemente sea más marketing que un beneficio real.

Extracto vs. agua de centella

No son lo mismo. El extracto de centella es más concentrado y potente, en cambio el agua (hidrolato) es un subproducto con menor cantidad de activos. Por eso, si un producto dice “90% de agua de centella”, en realidad estás comprando principalmente agua. Más allá del porcentaje que promete la etiqueta, fíjate en la posición del extracto puro en la lista de ingrediente.

Evita esto al inicio de la fórmula

Alcoholes secantes y fragancias en los primeros lugares pueden disminuir la tolerancia y la efectividad del producto.

Finalmente, como nos recuerda la especialista del Centro Bienestar Auna, ante cualquier duda, lo ideal es consultar con un dermatólogo y adaptar la rutina al tipo de piel y sus necesidades, ya que un uso inadecuado puede dañar la barrera cutánea.

Bajo un sol otoñal que aún calienta, Arena Rodríguez llega a la playa Makaha caminando sin apuro, con la tabla bajo el brazo y una serenidad que contrasta con su intenso presente competitivo. Hace apenas unas semanas se quedó con el título del Señoritas Open Pro —torneo de la World Surf League— y viene de medirse en Brasil, donde el nivel sudamericano obliga a no bajar nunca la guardia. Sin embargo, no hay rastro de ansiedad en su mirada. Habla pausado, observa el mar, sonríe. A sus 20 años, Arena muestra un aplomo poco común, como si ya hubiera aprendido a convivir con la presión de la alta competencia.

Esa madurez no es casual. Es el resultado de años de disciplina y de una relación muy clara con su deporte, construida desde muy temprano. Arena empezó a surfear a los ocho años, luego de que su papá la animara a entrar al mar en Punta Roquitas, en la Costa Verde. Lo que comenzó como un descubrimiento se volvió rápidamente una rutina, casi una necesidad. “Lo probé y nunca lo dejé”, recuerda la joven tablista, con la mirada fija en el horizonte. Desde entonces, el surf dejó de ser un pasatiempo y pasó a ocupar un lugar central en su vida.

Con el paso de los años, ese vínculo se transformó en una convicción. Por estos días, Arena tiene claro que su objetivo es convertirse en campeona mundial. Para alcanzarlo, entrena casi todos los días de la semana en jornadas de doble turno en el mar, bajo la guía de su entrenador, Luis Eduardo Escudero. A ese trabajo suma preparación física, entrenamiento mental y una alimentación cuidada. Sabe que el alto rendimiento no admite descuidos y que cada detalle cuenta cuando se compite en circuitos donde todas llegan igual de preparadas.

En su corta carrera, uno de los episodios que más la marcó ocurrió en el Mundial ISA Open de 2025, en El Salvador, donde alcanzó la fase final. Arena llegaba confiada, con la sensación de estar cerca del título, pero terminó en cuarto lugar. Lejos de interpretarlo como un retroceso, lo asumió como una señal. “Me quedé con muchas ganas. Esa final fue muy reñida y no se dio como quería, pero me dejó claro que estoy cerca y que tengo que seguir trabajando”, cuenta. Aun así, el hambre de gloria sigue intacta.

EL LLAMADO DEL MAR

El soporte que Arena tiene fuera del agua es clave. Sus padres han sido una presencia constante desde el inicio: no solo la acercaron al surf, también la sostienen en los momentos más complejos, cuando los resultados no acompañan o aparecen las dudas “Ellos siempre me han vuelto a levantar”, dice. En un deporte exigente y muchas veces inestable, ese respaldo marca la diferencia.

Su nombre también tiene una historia simple, pero significativa. Fue una elección de su madre mucho antes de que naciera; siempre quiso llamarla así, como si desde entonces el mar ya formara parte de su destino. Con el tiempo, terminó calzando de manera natural con el camino que eligió.

Fuera del surf, Arena lleva una vida ordenada. Cuida su descanso, su alimentación y sus tiempos de entrenamiento, pero también se da espacio para desconectar: jugar tenis, compartir con su familia o ver a sus amigos. Ese equilibrio —dice la deportista— le permite sostener el ritmo del alto rendimiento sin perder perspectiva.

En el corto plazo, la surfista peruana busca clasificar a los Juegos Panamericanos de Lima 2027, pero su proyección va más allá. Cuando comenzó en la tabla, el surf aún no era deporte olímpico, pero hoy alcanzar el podio se ha convertido en uno de sus grandes desafíos. “Ver a otros peruanos competir en unos Juegos Olímpicos te da una motivación extra. Te hace sentir que sí se puede, que no es algo lejano. Ahora quiero estar ahí y pelear por una medalla”, afirma.

El camino, sin embargo, no es sencillo. El circuito es exigente, los viajes son constantes y el financiamiento todavía limitado. Arena combina el apoyo de algunas marcas con el de su familia, mientras sigue construyendo los resultados que le permitan sostenerse por completo en el deporte. Sabe que todo forma parte del proceso. Y está dispuesta a recorrerlo hasta el final. //

Este 23 de abril se cumplen cincuenta años de la aparición de “Ramones”, el disco debut de la banda neoyorquina del mismo nombre, y lo primero que habría que reconocer es que el álbum aún conserva una frescura difícil de explicar. Hoy mismo, en alguna ciudad, todavía hay adolescentes encerrados en una habitación, aporreando instrumentos y tratando de tocar así de rápido, imperfecto y amateur, como lo hacían los Ramones en 1976. Aquel primer alarido punk nació para conjurar el aburrimiento de una escena ‘mainstream’ atrofiada por su propia pomposidad. Frente a ello, su respuesta fue volver a lo esencial.

La escena que rodeaba a los Ramones en Nueva York en los años setenta era pequeña pero fértil y daría mucho que hablar tiempo después. En el ruinoso club CBGB del Bowery coincidían bandas muy distintas entre sí: estaba Television, que exploraba con guitarras largas y angulosas, luego los Talking Heads y su nervioso art rock. Todas compartían el mismo escenario, pero los Ramones eran el extremo más curioso de ese ecosistema. Eran una banda de personajes que parecían sacados de una pandilla, con canciones que apenas superaban los dos minutos.

“Nosotros solo estábamos reaccionando contra la música de ese momento”, diría sobre su estilo el guitarrista Johnny Ramone en su autobiografía “Commando” (2004). Para él, bandas como Yes o Emerson, Lake & Palmer representaban justo lo que los Ramones querían evitar: canciones largas, solos interminables y estructuras cada vez más complejas. La respuesta fue radical. “Lo único que hicimos fue tomar el viejo rock and roll y acelerarlo”, diría más tarde en el documental “End of the Century” (2003). La disciplina interna del grupo incluía una regla sencilla: nada de solos de guitarra. Johnny la rompió solo una vez, y justo en su mayor éxito, “I Wanna Be Sedated”. Pero lo hizo a su manera: el “solo” consiste en una sola nota sostenida durante ocho compases.

De la Gran Manzana a Londres

Sobre los orígenes del punk se ha escrito mucho y especulado aún más. Hay quienes insisten todavía en que los peruanos Los Saicos fueron sus creadores, una tesis romántica pero insostenible que, en todo caso, no debería herir el orgullo nacional. Antes del punk existía el rock de garaje, parecido en su aspereza pero distinto en su alcance y en su conciencia histórica. El punk no fue solo un sonido, sino un hecho social. El crítico estadounidense Greil Marcus lo formuló con precisión antropológica en su gran libro “Trazos de carmín”: “Era una cultura para quienes no encajaban”. El filósofo y crítico peruano Pedro Cornejo llegó a una conclusión similar. En “Juegos sin fronteras” observó cómo la música de los setenta relegaba a su público juvenil al papel de mero contemplador de “elaboradísimos ejercicios musicales”. En ese proceso, advertía Cornejo, el rock perdía su potencial movilizador. El punk llegó para recuperarla.

Si en Nueva York el punk tomó forma en los clubes del Bowery, al otro lado del Atlántico el movimiento adquirió un tono aún más explosivo. En 1976, irrumpieron los Sex Pistols, un grupo que transformó el descontento juvenil británico en un escándalo nacional. Su cantante, John Lydon —conocido entonces como Johnny Rotten—, convirtió el sarcasmo, la furia y la provocación en una forma de arte. Canciones como “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen” atacaban frontalmente a la monarquía, a la política y a la cultura oficial, en una Inglaterra marcada por el desempleo juvenil.

Tras el colapso de los Pistols, John Lydon decidió explorar otros caminos. En 1978, fundó Public Image Ltd. (PiL), un fascinante proyecto que empujó la energía punk hacia territorios más experimentales, con ritmos dub, estructuras abiertas y atmósferas oscuras que terminarían definiendo el llamado post-punk. Casi medio siglo después de aquel estallido, Lydon —que de anarquista ha pasado a defender posturas conservadoras— sigue siendo una de las figuras más singulares de esa historia.

Con PiL, el cantante demostró que podía sobrevivir a su propia leyenda y seguir encontrando nuevos caminos. Lydon y Public Imaged Ltd. visitarán Lima este 21 de abril, una fecha imperdible para los nostálgicos del punk y para cualquiera que quiera presenciar en vivo un pedazo de historia del rock del siglo XX. Después de todo, no todos los días pasa por la ciudad uno de los hombres que ayudó a incendiar a toda una generación con sonido, furia e inconformismo. //

Volver no siempre es sencillo. A veces implica mirar atrás, reconocer lo vivido y, sobre todo, entender por qué vale la pena intentarlo otra vez. Para Chyno y Nacho, ese regreso tiene nombre propio: Radio Venezuela, un disco con 19 canciones que no solo marca su reencuentro como dúo, sino que también busca algo más ambicioso: reunir a una escena entera que está por el mundo contando cómo es su querida Venezuela. En ese sentido, Rawayana, Elena Rose, Danny Ocean y Lasso son solo algunos artistas que acompañan a la dupla en este nuevo ciclo.

“Era una asignatura pendiente”, dice Nacho, en conversación con Somos. La idea de volver estaba desde antes de la pandemia, pero no era el momento. La vida, personal y profesional, los llevó por caminos distintos, hasta que la distancia empezó a pesar más que las diferencias.

Pero cuatro conciertos en Estados Unidos bastaron para confirmar lo que ya intuían: el público seguía ahí, intacto, coreando canciones que nunca se fueron. “Ver a la gente cantando nuestro catálogo, trayéndolo al presente, nos motivó a reunirnos de nuevo”, cuenta Nacho.

Así comenzó el camino hacia Radio Venezuela, un álbum que respira nostalgia, pero que no se queda en el pasado, sino que mira un futuro prometedor.

Un disco que suena a Venezuela

Lo primero que llama la atención es lo ambicioso que es el proyecto. Más de 58 artistas participan en el disco, una decisión que no es casual. Nombres como Micro TDH, Elena Rose y Aran One forman parte de una lista que refleja la diversidad de la música venezolana que está conquistando el mundo entero.

“Quisimos que todos estos talentos se reunieran en un solo lugar. Y ese lugar es nuestro disco”, explica Nacho.

La idea, dice, nace también de una deuda histórica. En sus años de mayor éxito, sentían que estaban solos en el intento de internacionalizar la música venezolana. Hoy, el panorama es distinto: hay una nueva generación que ha conquistado América Latina y el mundo entero, y que entiende el valor de trabajar en conjunto.

Radio Venezuela funciona entonces como un puente. Un espacio donde conviven distintas formas de hacer música, distintas edades, distintos estilos. Y, sobre todo, distintas historias, pero que tienen un mismo origen.

El reto de hacer un disco colectivo

Reunir a más de medio centenar de artistas no es solo una apuesta artística, también es un desafío humano. “Ha sido un proceso complejo, pero muy enriquecedor”, admite.

El mayor aprendizaje, dice, estuvo en la empatía. Entender cómo otros componen, cómo interpretan, cómo sienten la música. “Por muy fuertes que sean los contrastes, siempre hay un punto donde puedes encontrarte”, reflexiona.

Para quienes crecieron con himnos como “Mi niña bonita” o “Andas en mi cabeza”, este nuevo álbum plantea una experiencia distinta. No hay una canción que sobresalga por encima de las demás, al menos, no para ellos.

“Es la primera vez que no tengo una favorita”, confiesa Nacho entre risas.

La razón está en el proceso. A diferencia de trabajos anteriores, este disco recoge años de aprendizaje acumulado: producción, composición, experiencia en escenarios. “Siento que aquí pusimos todo nuestro conocimiento”, dice.

La intención fue clara desde el inicio: construir un álbum que funcione como playlist, donde cada tema tenga el mismo peso. “No queríamos canciones de relleno. Queríamos que la gente pudiera escucharlo de principio a fin”.

Pero Radio Venezuela no es solo un ejercicio musical. También es una declaración.

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En un contexto donde la imagen del país suele estar marcada por la crisis, el dúo apuesta por mostrar otra cara. “Queremos sembrar lo bueno”, afirma Nacho. La música, en ese sentido, se convierte en una herramienta para contrarrestar estigmas y reconstruir narrativas. “El arte es un canal ideal para hacer ver bien a nuestro país”, añade.

Esa intención atraviesa todo el disco: desde las letras hasta las colaboraciones. Cada canción funciona como una pieza de un relato mayor, donde Venezuela aparece no solo como territorio, sino como identidad compartida.

Perú, un punto de partida para Chyno y Nacho

En medio de este regreso, hay un país que ocupa un lugar especial: Perú.

“Fue el primer país que nos abrió las puertas después de Venezuela”, recuerda Nacho. Mucho antes del boom internacional, el dúo ya se presentaba en escenarios peruanos, construyendo una relación que, más de dos décadas después, sigue intacta.

No es casual, entonces, que el país esté en la mira para una próxima gira. De hecho, en su retorno reciente, Perú fue el único destino fuera de Estados Unidos y, además, el concierto más multitudinario.

La intención ahora es clara: volver a recorrer la región con un repertorio que combine lo nuevo y lo clásico.

Más allá de cifras, colaboraciones o estrategias, hay algo que sostiene este regreso: la conexión entre ambos.

“Cuando nos escuchas en una misma canción, sientes que todo es mejor”, dice Nacho. Lo describe como una mezcla de costumbre, memoria y emoción. Una química que no se ha perdido, ni con el pasar de los años, aún sus fans “reconocen un hit cuando los oyen”.

Y es quizás ahí donde radica la fuerza de Radio Venezuela. No solo en reunir a decenas de artistas, sino en recuperar una complicidad que marcó a toda una generación.

Durante 98 días, un equipo de científicas peruanas se internó en uno de los territorios más extremos e impresionantes del planeta: la Antártida. La misión, conocida como Antar XXXII y organizada por el Ministerio de Relaciones Exteriores como parte del Programa Nacional Antártico, reunió a investigadores de distintas disciplinas con un objetivo común: entender cómo se están modificando los ecosistemas frente al avance del cambio climático.

Dentro de este grupo, la participación de la Universidad Científica del Sur destacó con 15 expedicionarios, entre docentes, estudiantes y egresados, quienes trabajaron durante 51 días en campo. Dos de sus investigadoras lideraron proyectos clave: Liliana Ayala, enfocada en aves y mamíferos marinos, y Marina Quiñe, dedicada a reconstruir la historia climática a partir de sedimentos marinos.

Para Ayala, esta no era su primera vez en el Continente Blanco. “Mi primera expedición fue en el año 2000”, recuerda. Más de dos décadas después, y tras siete viajes, las transformaciones no solo se sienten, se ven. “Ha habido muchos cambios”, señala en diálogo con Somos. Algunos son logísticos, como el paso del antiguo buque Humboldt al moderno Carrasco, pero otros son más profundos.

Uno de los más evidentes es el retroceso glaciar. “El glaciar que está cerca de Machu Picchu —la base peruana en la Antártida— ha retrocedido con fuerza. Recuerdo que en el 2000 estaba muy próximo al mar, ahora está más hacia tierra”, explica. A esto se suman fenómenos menos habituales, pero igualmente importantes de visibilizar. “Este período ha sido bastante diferente, porque hemos visto mucha niebla, lo que nos lleva a indagar en estos cambios y cómo afectan a las especies”, apunta.

TRAVESÍA ÚNICA

Las condiciones del hielo también se han alterado. Durante la expedición, el equipo tuvo que modificar su ruta debido a las grandes masas de hielo antiguo. “Eran trozos de hielo azules y celestes. Por el color, se puede saber su antigüedad”, explican las científicas. Según les indicaron colegas meteorólogos, este tipo de hielo evidencia procesos complejos: está en retroceso, pero no se derrite completamente debido a condiciones atmosféricas específicas.

En paralelo, Ayala también ha observado transformaciones en la fauna. “Hay cambios en la composición de especies: antes las dominantes eran unas, ahora son otras”, comenta, advirtiendo también un aumento notable en el avistamiento de ballenas, lo que podría estar vinculado a la recuperación de algunas especies, como la jorobada.

Pero entender estos cambios no solo depende de lo que se observa en la superficie. En el fondo del mar, otra historia se escribe desde hace milenios. Ahí es donde entra el trabajo de la científica Marina Quiñe, quien analiza sedimentos marinos como si fueran archivos naturales del clima.

“Cuando abres un testigo de sedimento —así se les llama a las muestras que se toman del mar—, comienzas a ver capas, estructuras, diferencias”, explica. Cada una de esas capas contiene información sobre el pasado: desde la presencia de organismos hasta cambios en la productividad del ecosistema. “Todo lo que en algún momento ha vivido en la columna de agua termina por decantar y, finalmente, lo encontramos en el fondo del mar”, añade.

En lenguaje coloquial, la científica explica que estos registros permiten identificar patrones vinculados al cambio climático, como el aumento del aporte de sedimentos terrestres debido al retroceso glaciar. “Toda esa pérdida de hielo genera mayor exposición de zonas terrestres, y eso aumenta el aporte de sedimento continental”, señala.

Pero las implicancias van más allá de la geología. Ahí es donde se unen los campos de Quiñe y Ayala: los cambios también afectan la cadena alimenticia. “Estamos viendo en los sedimentos una mayor cantidad de salpas en lugar de krill en ciertas zonas”, advierte. Este detalle es clave: el krill tiene una alta calidad nutricional, mientras que las salpas gelatinosas no ofrecen el mismo aporte, lo que podría impactar en especies mayores como las ballenas.

Aunque pueda parecer un escenario lejano, ambas investigadoras coinciden en que lo que ocurre en la Antártida tiene efectos directos en el resto del planeta. “Los polos sirven como una manera de equilibrar el clima. Son estabilizadores que evitan que el planeta se caliente demasiado rápido”, explica la dupla. Además, contienen el hielo que regula el nivel del mar: “Si se derritiera todo, tendríamos más de 50 metros de agua que cubrirían las costas”, agregan a modo de alerta.

Más allá del trabajo científico, ambas coinciden en la importancia de mantener estas expediciones activas. No solo por el conocimiento que generan, sino también por el rol del Perú en el escenario internacional. “Somos parte del Tratado Antártico y es importante seguir produciendo investigación para mantener nuestra voz presente en el mundo”, concluye Quiñe.

Lejos de ser un territorio ajeno, la Antártida se revela así como un espejo de lo que ocurre a escala global. Y gracias al trabajo de científicas peruanas, hoy sabemos que formamos parte de un proyecto de protección y monitoreo que ya está en marcha. //

Con polleras, unas zapatillas Vans y el skate siempre pegado a los pies, las Cholitas Skaters de Bolivia desafiaron todo estereotipo y su historia colectiva fue capturada por el documentalista peruano Mariano Carranza en el corto “Imilla Skate. The Cholita Skaters of Bolivia”, que acaba de ser nominado a los 47th Annual Sports Emmy Awards.

Como documentalista, Carranza siempre está en búsqueda de contradicciones. Y encontrar a estas mujeres de origen andino, viviendo en un entorno urbano como Cochabamba y llevando polleras con el ímpetu de quien busca reivindicar sus raíces, le pareció atractivo para mostrar: “Revierten todos los estereotipos. Demuestran de una manera bastante auténtica que las cosas no tienen que ser como las sociedades nos dicen que sean. Es lo que más me gusta de la historia”, nos explica Carranza. Para realizar el documental, viajó a Bolivia a inicios de este año junto a su codirectora Rebecca Basaure y el equipo de producción. Durante una semana se realizaron las grabaciones. Allá las pudo conocer mejor.

Este grupo de mujeres indígenas, llamado Imilla Skate (@imillaskate), se gestó alrededor de 2019. Comenzaron yendo a los skateparks de Cochabamba, la mayoría en malas condiciones, donde se enfrentaron a un deporte dominado por hombres. Como había muy pocas mujeres skaters en Bolivia, se hicieron amigas y buscaron algo que las representara en conjunto. Para crear su identidad, se inspiraron en sus madres, abuelas y tías: mujeres de polleras, valientes, que dan la cara a la adversidad. De ellas nació la idea de las Cholitas Skaters. Con el skate como herramienta, este colectivo de mujeres, con edades entre 20 y 30 años e historias muy distintas, encontraron en este deporte un destino, un sentido en la vida, una manera de responder a la sociedad y de ser libres.

Esta es la historia que Carranza cuenta en “Imilla Skate. The Cholita Skaters of Bolivia”: “Bolivia, al igual que el Perú y otros países de la región, es una sociedad patriarcal, machista, racista. Por eso, ellas utilizan el skateboard como una manera subversiva pero sutil de representación. Nos dicen: ‘Aquí estamos, somos mujeres indígenas, pero nos gusta patinar’”, explica el documentalista. Y algo más, el documental evidencia un noble objetivo de las Cholitas Skaters: construir en Cochabamba el primer skatepark olímpico de Bolivia y Sudamérica. También, como colectivo, buscan incentivar a mujeres, niñas y niños a practicar el skateboarding. Esa es su meta. Actualmente, se definen como un club deportivo dedicado a incentivar la cultura con actividades sociales. Según su página de Instagram, difunden el skateboarding y su filosofía de resiliencia en refugios, albergues y centros de apoyo escolar.

En el documental de 15 minutos, las vemos en sus espacios más íntimos narrando sus historias, en los mercados, interactuando con más mujeres como ellas, de polleras y sombreros, dominando el skate mientras construyen sus sueños.

La suerte awajún

Recibir la noticia de una nominación al Emmy es una historia digna de contar. Mariano Carranza, director y productor ejecutivo de “Imilla Skate. The Cholita Skaters of Bolivia” se enteró de la nominación tres días después que todos, porque se encontraba trabajando en la selva, sin señal de Internet.

“Fue bien emocionante. Hasta hace poco estuvimos en unas grabaciones por tres días en la selva, en una comunidad awajún a la cual solamente se puede llegar caminando durante ocho horas por un sendero bastante difícil. Y no hay Internet dentro. Estuve completamente desconectado. Al regresar, ni bien llegué al río, después de un camino agotador, entraron un montón de mensajes, y uno de ellos era de Rebecca, codirectora del corto. Decía: ‘¿Estás bien? Estoy preocupada por ti. ¿Has visto las noticias?”. Muy intranquilo, Carranza abrió el mensaje con la nominación y celebró con los chicos que lo acompañaban. Será, confiesa él, un momento que nunca olvidará. //

Ocultas en el bosque espeso o entre los sonidos de una naturaleza exuberante, pequeñas y enigmáticas especies salen a la luz de la comunidad científica con cierta regularidad. En los últimos cinco años, el Servicio Nacional de Áreas Naturales Protegidas por el Estado (Sernanp) ha anunciado la aparición de más de 50 especies de flora y fauna en sus áreas naturales protegidas (ANP) entre 2021 y 2026, lo que evidencia que seguimos siendo una potencia mundial en biodiversidad.

“No se puede conservar lo que se desconoce”, nos comenta Aarón Quiroz Rodríguez, especialista en monitoreo biológico del Sernanp, sobre la relevancia de cada uno de los descubrimientos. “Es importante incrementar el número de especies que aún no se conocen para conservarlas. Este alto número refleja que aún existe mucho por descubrir en las diferentes áreas: mucha investigación por realizar, mucho trabajo de campo y un gran interés por parte de los investigadores en ingresar a las áreas naturales protegidas”. Quiroz complementa que estas ANP son muy atractivas para las múltiples disciplinas dedicadas a la investigación, pues concentran una alta diversidad biológica entre reptiles, anfibios, aves, mamíferos y plantas.

Además, se evidencia el rol de las ANP y sus zonas de amortiguamiento en la conservación de nuestra flora y fauna. Desde escarabajos en el Parque Nacional del Manu hasta nuevas orquídeas en el Parque Nacional Yanachaga-Chemillén; ranas amazónicas en el Parque Nacional Alto Purús; reptiles en la Reserva Paisajística Subcuenca del Cotahuasi; y un ‘Pudu carlae’, pequeño venado endémico del Perú que habita en áreas protegidas del centro y norte del país y cuya aparición asombró al mundo.

En esta nota queremos reconocer algunas de las especies que han salido a la luz en el último año, como el roedor ‘Daptomys nunashae’ del Parque Nacional Tingo María, que rinde homenaje a la princesa Nunash y enlaza la biodiversidad con la leyenda de la Bella Durmiente en Huánuco. También fueron descubiertos cinco nuevos escarabajos en los Andes tropicales: cuatro vinculados al Parque Nacional del Manu y el quinto –‘Yuracarus cosnipatensis’ (ver imagen)– encontrado en la zona de amortiguamiento del parque.

Enterarnos de la aparición de una nueva especie es el resultado de años de investigación, de pasar filtros y protocolos, de publicaciones en revistas científicas y de una serie de exigencias antes de divulgarla ante la opinión pública. Por eso, tener la oportunidad de conocerlas –o al menos saber de su existencia– es una alegría para los amantes de la naturaleza y quienes se preocupan por su protección. Además, se refuerza nuestra biodiversidad como un atractivo turístico que genera empleos y nos mantiene como un destino ineludible.

Por último, en un mundo donde somos testigos constantes de la destrucción, la extinción de animales, el tráfico ilegal de especies y la contaminación de ríos y mares, poder ser testigos también del estudio y la divulgación de nuevas variedades de flora y fauna le otorga al espíritu una sensación de calma. //

Viajé 4 días a Aruba y aunque tenía la seguridad de encontrar playas hermosas, no sabía que disfrutaría de una de las más bellas del mundo. Eagle Beach es considerada la mejor playa del Caribe y la cuarta más hermosa del planeta según los Travellers’ Choice Awards de Tripadvisor 2026. Por sus 3 kilómetros de arena blanca, agua turquesa de fondo poco profundo, árboles curiosos llamados fofotis y nidos de tortugas marinas destaca entre otras que también parecen sacadas de una foto.

Como Palm Beach, la más animada de la isla, a la que llegué una mañana de fin de semana. Que me cautivó con su larga fila de hoteles que miran al mar, bares y restaurantes sobre la arena y unos cuantos muelles desde donde salen los veleros y yates para las excursiones en altamar. Justamente este fue el punto de partida de una navegación de 3 horas a bordo del Palm Pleasure, un catamarán con el que hicimos 2 paradas para practicar snorkel. Boca Catalina me impresionó por el color turquesa de sus aguas y la estupenda visibilidad que nos permitió nadar entre peces de colores. Después fuimos a ver un barco hundido, pero el viento y la marea impidieron que veamos todo muy claro. Así que tras un par de intentos, volvimos a la embarcación donde nos esperaban bebidas ilimitadas, sánguches, fruta y música para entretenernos bajo el sol.

Playas abiertas para todos

Aruba tiene más de 20 playas que puedes explorar por cuenta propia. Una más linda que la otra. Así que rentar un auto es fundamental para moverte entre ellas. Nosotros visitamos una por día, pero tú puedes ir a las que se te antoje porque todas son públicas. Inclusive, las sombrillas de paja instaladas son gratuitas. Solo debes hospedarte en los hoteles de la zona o, de no estar alojado, llegar al amanecer para separarlas. Debes considerar unos 30 dólares al día para contar con sombra y unos 10 dólares para sentarte en una tumbona bajo el sol.

En verano, pasadas las seis de la tarde, el cielo se pinta de tonos dorados, rosados y anaranjados. Como lienzos únicos que puedes ver desde la orilla del mar, la tranquilidad de tu hospedaje o mejor aún, a bordo de un catamarán y con copa en mano. Para experimentar lo último, te aconsejamos tomar la navegación con De Palm Tours que sale a las 5:30 de la tarde del muelle del mismo nombre. Llega con media hora de anticipación, usa ropa ligera, abundante bloqueador y destina 95 dólares por persona para esta actividad.

Otros placeres del mar

Además de naturaleza, Aruba tiene una vibra única y una gastronomía que fusiona un centenar de nacionalidades. Platos como el stoba, un guiso que puede ser de res, o recetas con pescados y mariscos son imperdibles. Para cenar te recomendamos Atardi, un restaurante para comer con los pies en la arena y en medio de atardeceres espectaculares. Nosotros probamos pulpo sellado de entrada y pargo rojo de fondo, un pescado en filete servido con un puré de calabaza. También preparan langosta, mero y otras delicias. Calcula desde 25 dólares por plato.

La vida nocturna en Aruba no es muy famosa, pero sí vibrante. Los bares se encuentran principalmente en Palm Beach, la playa más animada de la isla. ¿Para brindar? Pide el Aruba ariba, un cóctel característico de la isla que es ideal para los amantes del dulce, o una Balashi heladita, la cerveza típica de este destino que está elaborada con agua de mar desalinizada. Todo depende de lo que quieras experimentar.

¿Cuándo y cómo llegar a Aruba? ¿Dónde quedarse?

Aruba goza de sol durante todo el año. Además, pese a estar en El Caribe, no padece de huracanes y si llueve, solo ocurre unos minutos y después vuelve el verano eterno que cada año atrae a un millón de viajeros de acuerdo a las cifras de la autoridad de Turismo de Aruba.

La única forma de llegar a Aruba a través de un vuelo directo desde Lima es vía Latam, que parte de la capital del Perú cinco veces por semana. En casi 4 horas arribamos al segundo destino caribeño favorito de los peruanos, reconocido por sus playas de clase mundial y su excelente clima.

Las zonas más populares son las playas Palm, Eagle y Manchebo, donde destacan los hoteles de cuatro y cinco estrellas con el sistema todo incluido. Otra opción es hospedarse en Oranjestad, que está más cerca a la zona comercial que a la costa. El alojamiento, el auto y demás servicios los reservé en la misma plataforma donde adquirí los pasajes por una alianza entre la aerolínea y el portal de reservas Booking.

Destino favorito

Jordan Schlipken, director de la Autoridad de Turismo de Aruba para Latinoamérica, menciona que el peruano ha incrementado los días de estadía en la isla. Mientras en el 2023, los viajeros nacionales se quedaban 6,3 noches. Los últimos años la estadía se ha ampliado a 5,5 días. Y por si esto no bastara, el 16% de los connacionales han regresado a este destino.

¿Y cómo no querer volver a este lugar fabuloso? Sobre todo porque a los peruanos no nos exigen visa. Solo pasaporte vigente, certificado de la vacuna contra la fiebre amarilla, el EDCard (que se tramita en línea hasta 7 días antes de tu viaje) y pagar una cuota de sostenibilidad de 20 dólares.//

Tal vez te ha pasado: miras tu círculo cercano y notas que ya no es tan amplio como antes. Algunas amistades cambiaron, otras simplemente dejaron de estar presentes, y sin darte cuenta, te quedaste con pocas personas alrededor.

En una sociedad que suele asociar la extroversión y la sociabilidad con el bienestar, y con la fuerte influencia de las redes sociales que premian la constante visibilidad, es fácil sentir presión por cumplir con ese estándar. Y es que, esa comparación puede generar una sensación silenciosa de insuficiencia, soledad e incluso hacernos dudar si tener pocos amigos es normal o debería preocuparnos.

¿Tener pocos amigos es un problema?

Aunque a veces uno piense que más es mejor, en la amistad no tiene por qué ser un problema rodearse de un número reducido de personas. Según Verónica Ponce, docente de la carrera de Psicología de la Universidad Científica del Sur, tener pocos amigos—desde la psicología social— no se interpreta únicamente en términos cuantitativos, sino relacionales y funcionales.

Como explicó la experta a Somos, las relaciones interpersonales cumplen funciones clave como afiliación, apoyo emocional y construcción de identidad social. En ese sentido, lo relevante no es cuántos vínculos tiene una persona, sino si estos satisfacen necesidades psicológicas fundamentales como pertenencia, reconocimiento y validación social.

“Una persona puede tener pocos vínculos y sentirse muy satisfecho si son significativos. En cambio, alguien con muchos amigos puede experimentar un vacío emocional si sus relaciones son superficiales. Esto debido a que la soledad es una experiencia personal y subjetiva, que no depende del número de personas que estén alrededor. Por ello, cuando las interacciones carecen de intimidad emocional, autenticidad y conexión, la persona puede sentirse poco comprendida o vista”, aseguró el psicólogo Eder Bautista, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM).

Dicho esto, no existe un número universalmente saludable de amistades, ya que la necesidad de socializar y entablar relaciones depende de múltiples factores. Algunos requieren mayor interacción para sentirse plenos, mientras que otros prefieren pocos vínculos, pero que sean profundos.

Por eso, para la psicoterapeuta Liliana Tuñoque, de Clínica Internacional, más que cuestionarnos si es un problema o no, es clave evaluar si nos sentimos bien con nuestros amigos actuales. Si la respuesta es afirmativa, probablemente se trate de interacciones saludables, si no, vale la pena identificar qué está faltando y qué nos gustaría construir.

¿Por qué algunas personas tienen menos amigos?

En definitiva, uno de los factores más influyentes en las relaciones amicales es la personalidad. De acuerdo con Adam Borland, psicólogo de Cleveland Clinic, las personas más introvertidas suelen inclinarse por vínculos más profundos y menos numerosos, priorizando la calidad sobre la cantidad.

Sin embargo, Bautista aclaró que este rasgo en particular no implica una incapacidad social ni es una señal de aislamiento. De hecho, una persona extrovertida también puede tener pocos amigos si decide priorizar relaciones más significativas. En este sentido, el psicólogo recalcó que la cantidad de amistades no define del todo la personalidad ni determina el bienestar social.

Con el paso de los años, especialmente después de los 30 o 40, el significado de la amistad también cambia. “Las responsabilidades de la vida adulta, la falta de tiempo y la claridad sobre lo que se busca en los vínculos llevan a una “depuración” natural del círculo social. Este proceso suele ser saludable y no necesariamente refleja dificultades para relacionarse”, sostuvo el especialista de la UARM.

De igual manera, la infancia y las primeras relaciones determinan—hasta cierto punto—la forma en que nos vinculamos. Cuando existió seguridad emocional en esas etapas, es más probable desarrollar confianza en los otros. Mientras que, las experiencias de rechazo pueden generar evitación o desconfianza que se trasladan, muchas veces de forma inconsciente, a las relaciones futuras.

Las experiencias negativas como la traición o el rechazo, igualmente, pueden llevar a algunas personas a limitar sus vínculos como mecanismo de protección. Reducir el número de amistades puede ser una forma de evitar el dolor emocional, lo que se manifiesta en conductas de cautela, dificultad para mostrarse vulnerable o mayor selectividad al confiar en otros.

¿Pocos amigos por elección o por evitación emocional?

Tener un círculo social pequeño no siempre significa lo mismo. A veces es una señal de madurez y otras puede esconder dificultades para vincularse. Por eso, la clave está en entender si es una decisión consciente o una consecuencia emocional.

Según la psicóloga Verónica Ponce, la diferencia central radica en la percepción de control y satisfacción con la propia vida. Quien elige tener pocos amigos suele hacerlo a partir de sus preferencias y valores como una forma de autorregulación social donde prioriza vínculos de mayor calidad y coherencia con su identidad. En cambio, cuando alguien no logra ampliar su círculo social, suele haber una brecha entre el deseo de vincularse y la capacidad percibida para hacerlo, la cual está influenciada por la ansiedad social, las habilidades interpersonales o las experiencias previas de rechazo.

“Tener pocos amigos puede ser una señal de madurez cuando la persona ha aprendido a identificar vínculos genuinos y a prescindir de los que no le aportan, lo cual requiere de mucho criterio y autoconocimiento. Sin embargo, cuando no es una elección, aparecen señales de alerta, como miedo a la vulnerabilidad, temor por fallar en las interacciones o interpretar situaciones neutras como rechazo”, agregó la doctora Nandy Vega, subdirectora médica de Mapfre.

Y que, en estos casos, la evitación emocional puede ser una forma de protegerse del dolor. El psicólogo Eder Bautista destacó que, a corto plazo este mecanismo puede generar seguridad, aunque con el tiempo, termina limitando la conexión profunda e incrementando la sensación de soledad.

“Cuando tener pocos amigos deja de ser una elección sana y se convierte en un problema, aparecen el aislamiento, la soledad persistente o un malestar significativo. Además, se observan ciertos comportamientos de alerta, como: evitar constantemente el contacto, sentirse desconectado o tener dificultades para confiar. Todo ello, impacta en la salud mental y física, generando ansiedad, depresión y un sufrimiento constante asociado”, advirtió Tuñoque.

¿Tienes pocos amigos y te incomoda? Esto es lo que puedes hacer

• Revisa tus expectativas: Pregúntate si buscas más cantidad o mayor calidad. No todas las personas necesitan un círculo amplio para sentirse bien.
• Detecta barreras internas: Identifica creencias negativas, miedo al rechazo o inseguridad que puedan limitar tu apertura hacia otros.
• Busca espacios con intereses compartidos: No te centres solo en “hacer amigos”. Intégrate en grupos académicos, laborales, comunitarios o recreativos donde los vínculos surgen de forma natural.
• Exponte gradualmente: Empieza con interacciones pequeñas. La conexión social se construye paso a paso, no de golpe.
• Desarrolla habilidades sociales: Escuchar, mostrar interés genuino y participar activamente facilita la creación de vínculos.
• Practica la autocompasión: Evita la autoexigencia excesiva. Tener pocos amigos no significa que haya algo mal contigo.
• Considera apoyo profesional si lo necesitas: Si hay mucha dificultad o malestar, hablar con un especialista puede ayudarte a identificar bloqueos y avanzar.

En una casona de Barranco, acaba de abrir sus puertas el primer restaurante de Rodrigo Fernandini en Lima. Tras consolidar su carrera en Estados Unidos, donde lidera desde 2022 el restaurante Artesano en Nueva York, el popular chef de las redes sociales vuelve a su país con una propuesta de ‘fine dining’.

Fernandini Restaurante abrió sus puertas el pasado 28 de marzo en el Boulevard de Barranco y se presenta como una experiencia donde el producto local (de todas las regiones del Perú) es protagonista.

Los comensales podrán encontrar una variada carta, así como la alternativa del menú degustación. Te contamos más detalles a continuación.

Sobre el menú degustación

La experiencia central en Fernandini Restaurante es su menú degustación de diez pasos, con un costo de 520 soles por persona. Concebido como un viaje por las tres regiones del país, este recorrido culinario integra fermentos, tubérculos ancestrales, insumos amazónicos y carnes curadas.

El primer plato, llamado “Primer Latido”, ofrece: hormigas siquisapa de Moyobamba servidas con gel de cocona agridulce y chucrut. A partir de ahí, el menú despliega una serie de preparaciones que incluyen productos emblemáticos como la trucha del lago Titicaca, el paiche con puré de aguaje, el pato norteño y una leche de tigre elaborada con mango verde piurano.

Cada plato está trabajado con un máximo de tres o cuatro elementos, una decisión que responde a la intención del chef de resaltar sabores y generar una experiencia sensorial clara. La secuencia incluye también propuestas como Marcona, “Río Profundo” o “Cordillera Larga”, manteniendo siempre el hilo conductor de un Perú diverso y reinterpretado.

Además, durante abril se ofrecerá una experiencia especial: el menú “Fernandini & Artesano”, disponible únicamente el 7 de abril bajo reserva. En esta ocasión, el chef recibirá a César Taboada para presentar un menú conjunto de diez pasos con platos emblemáticos de ambos restaurantes. El precio será de 600 soles por persona.

La carta de Fernandini

Para quienes prefieren una experiencia más flexible, el restaurante también ofrece una carta que combina insumos tradicionales con técnicas contemporáneas. No es necesario realizar reserva para acceder a esta opción.

En la sección de “Frescos despertares”, destacan propuestas como el ceviche Fernandini, elaborado con pesca del día, zapallo loche, pota de choclo y leche de tigre, así como la “Pesca de los Andes”, que combina trucha con leche de tigre de chirimoya, chalaca y palta. También figuran alternativas como el tartar de pescado con quinoa caviar o el de lomo fino con causa de pallares verdes.

Las opciones calientes, agrupadas bajo “Calores esenciales”, incluyen platos como el pulpo anticuchero con sarandaja y chimichurri, el chorizo de pato madurado con ocopa y huevo frito, o el lomo fino acompañado de huancaína y papas andinas. Preparaciones como el gnocchi andino o la tortilla de raya de Pimentel reflejan la diversidad regional que inspira la carta.

En los fondos, la propuesta se amplía con platos como el asado de tira con moraya, el paiche con aguaje, el agnolotti relleno de lengua o el risotto con mariscos en salsa acevichada. También resalta el tomahawk de cerdo con puré de camote y miel de güiñapo.

El cierre dulce mantiene la línea de reinterpretación de insumos peruanos: postres como Pachamisky (lúcuma, quinoa y aguaymanto), Secano Dulce (maíz, manjar y algarrobina) o Suspiro Fernandini (camu camu, cacao y piña confitada) completan la experiencia.

La barra acompaña con una cuidada selección de coctelería de autor, donde destacan combinaciones como el Atardecer Barranquino, el Vinicunca o el Espresso Fernandini, además de versiones locales de clásicos como el Negroni o el Sazerac. También hay opciones sin alcohol, cafés e infusiones.

En cuanto a los precios de la carta, los platos tienen aproximadamente estos precios: 90 soles (cebiche Fernandini, costa brava y huella del valle), 102 soles (res de altura) 112 soles (cerdo del campo), 72 soles (maduración salvaje), 65 soles (pesca de los Andes) y 45 soles (postre Pachamisky). Los cócteles tienen precios aproximados de 55 soles (colibrí Amazonas).

Esta es la carta completa del restaurante:

Joan Roca es de los mejores chefs del mundo. Su restaurante, El Celler de Can Roca —que lidera junto a sus también famosísimos hermanos Josep (sommelier) y Jordi (pastelero)—, tiene tres estrellas Michelin y es Best of the Best después de haber ganado dos veces como el mejor del mundo según The World’s 50 Best Restaurants. A sus galardones, que son muchos, se suma una profunda historia familiar en Girona, donde nació y comenzó esta aventura gastronómica hace 40 años.

-En tus viajes por el Perú has tenido la oportunidad de conocer la tradición gastronómica. ¿Cuál es tu relación con nuestro país?

Voy hace muchos años. La primera vez fue por un Mistura. Me impactó darme cuenta de la peculiaridad que hay en la cocina peruana, tan distinta a otras cocinas de Latinoamérica. Tiene mucha personalidad, con esa identidad fruto de ese mestizaje de otras culturas que llegaron a vuestro país y configuraron una cocina muy excitante conocida en todo el mundo gracias a Gastón Acurio. Pero también gracias a todos los cocineros y cocineras que están llevando esa cocina popular a la excelencia y a la internacionalización de sus platos emblemáticos.

-El Perú está viviendo un momento en que la cocina está muy ligada a la identidad y al orgullo; ¿qué otros factores crees que se deban tener en cuenta para liderar la cocina de una región?

Probablemente, hay que tener un muy buen sector primario; es decir, que se produzcan buenos productos en la zona y que, desde la agricultura, la ganadería, la pesca, haya una actividad comprometida con hacer bien las cosas y la excelencia. Pero también esa idea de que la gastronomía es un orgullo nacional. Es prácticamente una cuestión de Estado aquí.

-¿De qué manera?

Recuerdo la primera vez que fui a Lima, el taxista que me llevaba del aeropuerto al hotel —sin saber quién era yo— me habló de la importancia de la cocina peruana, del orgullo que sentía de ser peruano, de lo bien que se comía y que se comía mejor que en cualquier lugar del mundo. Me lo estaba diciendo alguien de la calle que lo sentía como algo propio y eso a mí me impactó porque no suele suceder. Entonces otros factores son que haya una cultura popular vinculada a la gastronomía, un sector primario de alto nivel y, luego, que haya talento, como lo tiene el Perú.

-En cocinas diversas y en los talentos premiados mundialmente.

En el Perú se ha dado la circunstancia de que se ha acumulado talento en las cocinas, encabezadas por Gastón Acurio, pero luego por todos los demás. Otro factor determinante y objetivo es que dos restaurantes limeños, peruanos, han sido nombrados como mejor restaurante del mundo. Esto es un dato objetivo, incuestionable; todo lo demás es subjetivo. Ha pasado en el Perú y no en otros lugares.

-Es increíble cómo nuestro cebiche ha atravesado fronteras y está ingresando a las cartas del mundo.

Se está convirtiendo en una cocina tradicional dentro de otras cocinas. Esto resulta fascinante por la manera en que la cultura peruana contribuye a generar, a mi juicio, uno de los fenómenos más valiosos de la gastronomía actual: transmitir que la cocina une culturas, países y personas. Verlo de forma natural es alentador y sugiere que, incluso en tiempos de conflicto, hay espacio para la esperanza. La cocina nos conecta, y comprobarlo es, simplemente, extraordinario.

-¿En tu restaurante tienes insumos peruanos o técnicas aprendidas aquí?

Hemos empezado a cultivar en nuestro huerto variedades de pimiento que no teníamos, ajíes y rocotos. Y, sobre todo, el cómo aplicar las técnicas a nuestros pescados, cocinar de la misma manera como cocinan sus maravillosos lenguados, elaboraciones como el arroz con pato, la causa limeña. Por mucho tiempo, hicimos un postre inspirado en el suspiro a la limeña. Esta manera de viajar, de cocinar con el corazón abierto y la mente abierta nos da aprendizajes.

-Algo interesante es que cada día es más fuerte el turismo gastronómico. ¿A qué se debe que las personas estén viajando a restaurantes como destinos en sí mismos, así como se viaja a las pirámides de Egipto o al Museo del Louvre?

Pasa y creo que pasará más porque hoy lo material no es tan importante como vivir experiencias que sean auténticas. Lo material seguirá siendo importante —los objetos de lujo, en fin—, pero quizá menos. Y lo que más valor está dando a la gente es vivir algo que se lleva en la memoria, esa experiencia vivida, y cuanto más auténtica, mejor. Es por esto que muchos turistas gastronómicos buscan ir a Mil [en Cusco] y vivir algo realmente extraordinario y exclusivo. ¿Por qué viene la gente hasta Girona a comer expresamente desde cualquier ciudad del mundo? Quieren vivir una experiencia de un restaurante que se ha posicionado, que tiene una solvencia en calidad contrastada, y desean vivirla porque empieza a ser algo aspiracional.

-¿Qué es lo que buscan de El Celler?

Quieren saber qué producimos, qué cocinamos y qué se cocinaba antes en Girona, en la zona de Ampurdán, en la zona del Mediterráneo occidental, que es distinto de lo que se cocina y se come en Galicia. Esa búsqueda de la identidad y de la diferencia, de poder ser auténtico, tiene que ver cada vez más con una mirada de los cocineros hacia esa autenticidad que buscamos todos. De alguna manera es lo mismo que están haciendo Pía León, Virgilio Martínez, ‘Micha’ y Gastón Acurio. Todos buscamos dar de comer algo distinto a lo que se ofrece en otras zonas del planeta. //

Crujiente por fuera, jugoso por dentro y acompañado de papas doradas y cremas irresistibles, el pollo a la brasa es mucho más que un plato: es una tradición que reúne a familias y amigos alrededor de la mesa. Considerado uno de los mayores orgullos gastronómicos del Perú, su sabor inconfundible lo mantiene como favorito año tras año. Por ello en esta nota te dejamos con una selección de los mejores lugares para disfrutarlo en Lima.

A continuación, te presentamos la lista con 10 de los mejores lugares para comer este plato, según la guía más reciente de los Premios Somos.

Mejores pollerías de Lima

Estas son las mejores pollerías de la ciudad, según la lista Premios Somos 2025:

• Granja azul

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• Don Tito

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• Las Canastas

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• La Leña

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• Mediterráneo

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• Pardos Chicken

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• Primos Chicken Bar

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• Villa Chicken

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• Tori Pollería

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• Yopo

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