En una época en la que las peñas criollas forman parte de la memoria de muchos limeños, la Peña Don Porfirio en Barranco sigue resistiendo al paso del tiempo y lo hace gracias a una promesa de amor. Marilú Loncharich de Vásquez todavía recuerda con emoción aquel sueño que acompañó durante años a su esposo, el reconocido cantautor Abelardo Vásquez, hijo del gran Porfirio Vásquez, y que hoy se siente más vivo que nunca.

Ambos se conocieron en la Escuela Nacional de Folclore José María Arguedas, donde él era profesor y ella una de sus alumnas. Entre clases de marinera limeña y festejo nació una historia que terminaría convirtiéndose también en un proyecto de vida.

“Mi esposo siempre tuvo el sueño de tener una peña criolla”, cuenta Marilú. La oportunidad apareció en 1984, cuando dos alumnos de Porfirio le sugirieron aprovechar una antigua casona del pasaje Tumbes, en Barranco, donde además ofrecía clases particulares de marinera.

En apenas un mes, el lugar quedó listo. Solo faltaba un nombre. La noche de la inauguración, el 10 de febrero de 1984, fueron los propios asistentes quienes sugirieron bautizarla como Don Porfirio, en homenaje al querido criollo con quien muchos habían compartido interminables jaranas criollas. Así nació una de las peñas más tradicionales de Lima.

El sueño encontró un hogar

La primera sede permaneció ocho años en el pasaje Tumbes. Sin embargo, Abelardo tenía una condición innegociable: la peña debía seguir en Barranco. “Si no conseguimos algo en Barranco, la peña muere”, le decía a Marilú.

En 1992 encontraron el terreno donde hoy funciona el local. La pareja hizo esfuerzos, recibió el apoyo de amigos y en menos de un año levantaron la nueva casa. “Quiso hacer la peña y nuestra casa encima. Aquí vivimos”, cuenta doña Marilú.

Pero el camino no siempre fue fácil. Tras la muerte de Abelardo, muchos pensaron que la historia terminaría. “Fue un año muy complicado. Los amigos creían que la peña iba a desaparecer”, admite.

Sin embargo, la ayuda de artistas, amigos y personas cercanas permitió salir adelante. Y, sobre todo, la convicción de Marilú. “Lo hice por amor a mi esposo. El sueño de toda su vida no podía quedarse abandonado”.

Una anfitriona que conoce a todos

A sus más de cuatro décadas, la Peña Don Porfirio conserva una esencia familiar. Marilú sigue recibiendo personalmente a los visitantes. Recorre las mesas, pregunta de dónde vienen, felicita cumpleaños y toma el micrófono para presentar a los invitados. “Quiero que todos se sientan como en casa”, dice.

Su hijo Eduardo se encarga de la parte administrativa y tecnológica, mientras que Verónica se ocupa de las redes sociales y la difusión. Entre los tres mantienen vivo un proyecto que se convirtió en una extensión de la familia.

La pandemia cambió algunas costumbres, pero no la esencia. Hoy el público es más diverso que nunca. “Después de la pandemia vienen turistas de todas partes. Europa, América, África. Me emociona cuando llegan personas de países que uno ni imagina”, cuenta.

Pero hay otro fenómeno que la llena de satisfacción: la presencia de los jóvenes. “Antes el público era mayor. Ahora hay noches en las que tenemos un 80 % de jóvenes y eso nos encanta porque significa que nuestra música criolla sigue viva”.

Además, también disfruta viendo cómo extranjeros y peruanos terminan unidos por el ritmo de la música criolla. “Así vengan del Congo o de donde sea, terminan bailando festejo”, dice entre risas.

La peña abre principalmente los viernes, una tradición heredada de Abelardo. En los años ochenta, los espectáculos terminaban los viernes a las tres de la mañana y luego los músicos, cantantes y guitarristas llegaban a la peña a continuar la jarana hasta el día siguiente. “Por eso siempre fue viernes y así lo hemos mantenido”, explica.

El criollismo también se sirve en la mesa

La experiencia se complementa con una propuesta gastronómica sencilla, pero muy querida por sus visitantes. El plato estrella es el lomo saltado, uno de los favoritos históricos de la casa. También ofrecen piqueos como chicharrón de pollo, alitas, tequeños y otros platos ideales para compartir.

La cocina tiene un significado especial para Marilú. En los primeros años, era el propio Abelardo el que preparaba las comidas.

Un legado que sigue cantando

Aunque ya no canta como antes, Marilú continúa siendo el alma de la peña, para ella, Don Porfirio representa mucho más que un negocio. “Es el sueño cumplido de mi esposo y una gran satisfacción. Lo primero que quiero es que la gente se sienta como en casa. Y que los peruanos valoren lo que tenemos”.

Cada viernes, llegan curiosos y amigos, como Danna, quien llegó con una foto de su papá, gran amigo de la casa y que falleció hace unos meses, ella decidió celebrar el cumpleaños número 80 como lo hizo durante muchos años y es que cuando las guitarras vuelven a sonar y los visitantes se levantan a bailar, el legado de Abelardo Vásquez continúa vivo.

José Peláez habla de su hijo y el rostro se le ilumina. Desde que nació Lucas, aprendió que la paternidad empieza en los gestos pequeños. En preparar una leche temprano, cambiar un pañal, bañarlo con cuidado, verlo caminar o escucharlo decir “papá”. A puertas de celebrar su segundo Día del Padre, el conductor habla de su hijo como quien habla de una vida que volvió a empezar.

“Desde que soy papá, me he dado cuenta de que un hijo viene a darle color a la vida, a llenarla y a darle otra dimensión. También viene a retarte constantemente y a enseñarte muchas cosas de ti mismo. En mi caso, me enseñó a soltar”, reflexiona.

Lucas tiene un año y seis meses. Ya camina, dice algunas palabras, imita al perro y convierte cualquier gesto mínimo en un acontecimiento. Para Peláez, acompañar esa etapa le ha devuelto la capacidad de sorprenderse con lo simple.

“Te recuerda que vivir es un milagro, pero también que damos por sentadas muchas cosas”, asegura.

La paternidad lo encontró feliz, pero no necesariamente preparado. Antes de la llegada al mundo de Lucas, pensaba en si podría pagar el colegio, si la economía alcanzaría, si lograría ordenar su vida alrededor de esa nueva responsabilidad. Lo que no había dimensionado era las noches interrumpidas, los horarios que cambian, la casa apagada a las siete de la noche, el cansancio y esa extraña felicidad que puede aparecer incluso en medio del caos.

“Yo no estaba preparado para ser papá”, reconoce. Su esposa, dice, había profundizado mucho más en lo que significaba tener un hijo. Él, en cambio, fue aprendiendo sobre la marcha. Y en ese aprendizaje descubrió también todo lo que sus propios padres hicieron por él.

“No había interiorizado todo lo que mi papá y mi mamá hicieron por mí. Ahora digo: ‘Wow, qué cantidad de cosas hicieron’”.

Lucas llegó antes de lo previsto y cambió todos los planes. Su esposa tenía programada una cesárea porque el bebé venía en posición podálica, pero ambos querían evitar elegir la fecha de nacimiento. Mientras tanto, en “El gran chef famosos” se emitía un episodio dedicado al baby shower de Peláez. Esa misma noche, él tenía un matrimonio de una pareja de amigos en el sur. Era, de algún modo, su última fiesta antes de convertirse en padre.

Entonces sonó el teléfono. Su esposa le dijo que era mejor que regresara, que se sentía diferente. Él pensó que podía ser una falsa alarma, pero volvió lo más rápido que pudo. Al llegar a la clínica, encontró a su esposa monitoreada y poco después el médico le dio la noticia: Lucas nacería esa misma noche.

“No estaba preparado para que me dijeran eso. Literalmente el día del nacimiento de mi hijo, yo estaba de resaca”, recuerda con una sonrisa. Así empezó su vida como padre: de golpe, sin ensayo.

Ver nacer a su hijo, dice, fue lo más cercano a un milagro que ha presenciado. “De la nada sale una persona con la que vas a estar conectado el resto de tu vida”, afirma. Desde entonces, todo parece tener otro peso. “Cuando veo a mi hijo reír, siento que no importa absolutamente nada más”, dice.

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Amor heredado

La llegada de Lucas también lo conectó con la memoria de su propio padre, fallecido hace algunos años. Peláez fue hijo único y recuerda una infancia marcada por el amor y la presencia paterna. Su padre, cuenta, fue un hombre bondadoso, cariñoso y muy presente, aunque también cargó una historia difícil.

“Mi papá fue preso político en Cuba mucho antes de que yo existiera. Estuvo 12 años preso, antes de conocer a mi mamá, y eso dejó secuelas. Después sufrió depresiones. Yo lo veía llorar con cierta facilidad; de pronto lo encontraba en la cama, llorando. También tuvo cáncer y un infarto cerebral. Hubo una parte dura, retadora, en nuestra vida, pero aun así siento que tuve una infancia muy bonita y llena de amor”, detalla.

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De su padre heredó, sobre todo, el amor físico, la presencia, el abrazo. De niño, tanta demostración podía incomodarlo. Hoy entiende de dónde venía. “Mi papá era muy besucón. Y yo no puedo parar de besar y abrazar a mi hijo”, confiesa.

Esa necesidad de estar presente también lo llevó a ordenar el trabajo de otra manera. Cuando nació Lucas, Peláez tenía licencia de paternidad, pero decidió cerrar primero la temporada de “El gran chef famosos” y luego tomar un tiempo para concentrarse en su familia. Después vinieron proyectos más manejables, trabajos independientes, redes, podcast y una pausa de la exigencia diaria de la televisión. Necesitaba mirar crecer a su hijo sin sentir que el tiempo familiar quedaba siempre en segundo plano.

Ahora, con su regreso a la pantalla en “Me caigo de risa”, Peláez reconoce que la paternidad también le enseñó a trabajar de otra manera. El formato exige juego, improvisación y soltar el control, algo que hoy enfrenta con más naturalidad desde que Lucas llegó a su vida.

Esa misma capacidad de soltar atraviesa también su segundo Día del Padre. El primero lo encontró todavía cerca del nacimiento, entre el asombro y el aprendizaje inicial. Ahora Lucas ya camina, responde y empieza a construir con él una complicidad nueva.

“La vida del hogar y la vida en familia me hacen muy feliz”, dice. Y en esa felicidad simple, José Peláez parece haber encontrado algo más que una nueva etapa. Encontró el color que no sabía que le faltaba.

Una muñeca de edición limitada, una figura de colección de Star Wars o una caja misteriosa cuyo contenido nadie conoce hasta el momento de abrirla. Para muchos adultos, estos objetos representan más que un simple capricho: son una puerta a la nostalgia, una forma de aliviar el estrés y, cada vez más, una declaración de identidad.

Bautizados como ‘kidults’ (por la unión de las palabras en inglés ‘kid’ y ‘adult’: niño y adulto), son descritos como grupos de personas que continúan consumiendo juguetes, coleccionables y productos asociados a la infancia, más que por tendencia, por verdadera conexión y nostalgia.

En los últimos años, y debido a su gran impacto en el comercio, este fenómeno se ha vuelto uno de los motores de crecimiento más importantes de la industria del entretenimiento.

“Los adultos se han convertido en consumidores clave de este rubro: son esencialmente niños con la capacidad económica de comprar los juguetes que desean y sin las restricciones de los padres”, explica Claudio Huamán de los Heros, director de la carrera de Márketing de la USIL.

Las marcas lo entendieron hace tiempo. Gigantes como LEGO, Mattel y Hasbro han desarrollado líneas exclusivas para adultos, mientras que franquicias como Star Wars y Marvel han encontrado en los coleccionables una fuente de ingresos incluso más rentable que sus películas. Según Huamán de los Heros, por cada dólar generado en taquilla, Star Wars produce entre 2,5 y 3 dólares adicionales en juguetes, ropa y licencias.

COLECCIÓN PERSONAL

La nostalgia es uno de los principales motores detrás de este consumo. “Permite reconectarse con experiencias positivas de la infancia, con momentos en los que la principal responsabilidad era jugar”, señala Huamán. Sin embargo, no es el único factor. El bienestar emocional también juega un papel importante.

Para el psicólogo Juan Pablo Castro, de Mapfre, el coleccionismo funciona muchas veces como una pausa frente a las exigencias de la vida adulta. “Los juguetes son objetos asociados a un significado emocional y simbólico. Mantienen un vínculo con el pasado y ayudan a preservar la identidad personal a lo largo del tiempo”, explica.

El auge de las ‘blind boxes’ —cajas sorpresa que contienen figuras aleatorias— es un ejemplo claro de cómo las emociones influyen en el consumo. El atractivo está precisamente en no saber qué se recibirá. “La incertidumbre resulta estimulante porque activa circuitos cerebrales relacionados con la recompensa y la dopamina”, comenta Castro sobre ellas. En otras palabras, la expectativa puede ser tan emocionante como el premio.

Las redes sociales han amplificado esta tendencia. Videos de ‘unboxing’, comunidades de coleccionistas y lanzamientos de edición limitada convierten cada compra en una experiencia compartida. Para muchos, además, completar una colección representa algo más profundo que acumular objetos: es encontrar pertenencia.

“Las colaboraciones entre marcas y franquicias permiten que las personas expresen aspectos de su identidad y pertenencia cultural”, afirma Huamán de los Heros. Castro coincide: el coleccionismo no solo valida gustos personales, también crea espacios de conexión con otros.

Si antes crecer significaba dejar atrás ciertos intereses infantiles, hoy ocurre lo contrario. Los adultos consumen nostalgia sin culpa y con orgullo. Porque, al final, esos juguetes ya no representan una etapa superada, sino una forma de recordar quiénes fueron y, en cierta forma, quiénes siguen siendo. //

Mercurio retrógrado tiene una de las reputaciones más temidas de la astrología. Basta con escuchar su nombre para pensar en malentendidos, rupturas, colapsos tecnológicos y en las semanas más caóticas del año. Sin duda, este es un fenómeno que ha trascendido el terreno cósmico para convertirse en un meme de la cultura popular.

Pero ¿qué pasa cuando este tránsito no es una fase pasajera, sino una condición presente desde el momento del nacimiento?

Y es que lejos del mito de la “mala suerte” permanente, nacer con Mercurio retrógrado en la carta natal no apunta necesariamente al caos, sino a una forma distinta —y poco comprendida— de procesar y relacionarse con el mundo que nos rodea. Una configuración que, según la astrología, podría explicar ciertos patrones que no siempre encajan con lo convencional.

¿Qué significa nacer con Mercurio retrógrado en tu carta natal?

En definitiva, no es lo mismo “sobrevivir” a un Mercurio retrógrado que haber nacido con él. Y esa diferencia—sutil, pero clave— es la que explica por qué algunas personas sienten que procesan el mundo en otra frecuencia.

En términos astrológicos, la retrogradación de Mercurio no significa que el planeta literalmente camine hacia atrás es, en realidad, un efecto óptico desde nuestra perspectiva en la Tierra. Sin embargo, para esta disciplina, ese movimiento aparente tiene un peso simbólico: es una pausa que invita a revisar, replantear y observar con mayor profundidad. De ahí su fama de generar errores, retrasos o confusiones, aunque, en el fondo, lo que hace es volver visibles cosas que normalmente ignoramos.

Ahora bien, cuando esta condición no es un tránsito pasajero, sino parte de la carta natal, la historia cambia. Y es que nacer con Mercurio Retrógrado no describe un momento: representa una forma de funcionar. Según explicó el astrólogo Andy Méndez a Somos, se trata de una característica que influye en cómo piensas, aprendes y organizas la información durante toda la vida.

Por eso, muchas personas con esta configuración desarrollan una manera poco convencional de procesar las ideas, por lo que pueden tardar más en responder o necesiten silencio para ordenar sus pensamientos. En la infancia, por ejemplo, esto puede notarse más, especialmente antes de los 8 años, etapa en la que la energía de Mercurio empieza a madurar y a estabilizarse. Con el tiempo; sin embargo, suele integrarse como un estilo propio.

¿Y qué tan común es esto? En realidad, más de lo que parece. De acuerdo con la astróloga terapeuta Yelitza Medina, Mercurio retrograda aproximadamente tres veces al año, lo que significa que entre un 20% y 25% de la población nace bajo esta condición.

En este sentido, Méndez precisó que, mientras que un tránsito de Mercurio retrógrado es una especie de “interferencia” colectiva que todos sentimos por unas semanas, nacer con ello implica vivir con ese filtro de manera constante. “No es caos momentáneo, sino una profundidad sostenida”.

Algo similar ocurre con quienes nacen cuando el planeta está “deteniéndose” antes de cambiar de dirección, lo que se conoce como periodo estacionario. Como señaló Guillermo Bazalar, astrólogo védico, es como un carro que frena antes de ir en reversa: durante esos días, la energía de Mercurio se intensifica. Por ello, las personas nacidas en ese momento suelen ser especialmente meticulosas, analíticas y perfeccionista, con una mente que no deja nada sin revisar.

¿Por qué procesan el mundo de forma diferente?

Quienes nacen con Mercurio retrógrado no es solo que piensen distinto, es que habitan el pensamiento de otra manera. Mientras muchos avanzan en línea recta —reciben, interpretan y responden —, estas personas parecen moverse en espiral. Vuelven, revisan, comparan y reconstruyen. Y en ese movimiento, capturan matices que otros simplemente no ven.

El astrólogo Andy Méndez lo describió como una mente que no se conforma con la superficie y que necesita entender desde un lugar íntimo y personal. No se trata de acumular información, sino de hacerla propia y de integrarla hasta que tenga sentido desde adentro. Por eso, muchas veces necesitan más tiempo, contexto o incluso otros lenguajes, como imágenes, símbolos y metáforas para realmente comprender.

“Viven la experiencia mercuriana más a flor de piel. Son mentes que analizan todo y que desmenuzan la realidad con precisión quirúrgica, pero que también tienen la capacidad de traducir lo complejo en algo comprensible. En ellas hay una inteligencia que no solo acumula, sino que sintetiza todo su conocimiento en ideas que puede comunicarlas a personas que no son expertas en el tema”, aseguró Balazar.

Fortalezas que el entorno no siempre ve

Detrás de este sobreanálisis, según Medina, se esconden habilidades poco evidentes, pero sumamente valiosas:

• Selección milimétrica de las palabras: Al procesar todo previamente, son oradores muy originales, precisos y asertivos y es que, jamás entregan la información de buenas a primeras.
• Detectores naturales de mentiras: Al analizar cada elemento del discurso ajeno de forma minuciosa, logran captar patrones de comportamiento y deducir con facilidad lo que el otro oculta.
• Hambre de profundidad y relectura: No se quedan con la primera capa de la información. Son el perfil de lector que termina un libro y siente la necesidad de leerlo otra vez para buscar los detalles que se le escaparon.
• Talento para carreras de comunicación: Su alta capacidad de introspección, revisión, observación y análisis del comportamiento ajeno los convierte en excelentes escritores, terapeutas y psicólogos con una agudeza única para entender al ser humano.
• Innovación poco habitual: Poseen una mente brillante para resolver problemas complejos a través del razonamiento profundo y caminos poco tradicionales.

Los desafíos (y los malentendidos más comunes)

El problema real no suele ser cómo funciona su mente, sino cómo ese ritmo es interpretado por un entorno que avanza a otra velocidad:

• Falsas percepciones en la adultez: Suelen ser tildados erróneamente de personas lentas, dudosas o excesivamente complicadas cuando solo están haciendo un procesamiento profundo.
• La trampa del perfeccionismo: Para Bazalar, la tendencia autocrítica es su gran talón de Aquiles. Les cuesta pasar de la idea a la acción porque analizan tanto el escenario que posponen el riesgo.
• La proyección de la crítica: Esa misma exigencia y rigurosidad mental con la que se evalúan a sí mismos puede extrapolarse involuntariamente hacia sus compañeros de trabajo, amigos o familiares.
• Fricciones afectivas por los tiempos de respuesta: En pareja, suelen surgir problemas porque se quedan procesando lo que el otro les acaba de decir. La pareja suele reclamar un “no me escuchas o no me prestas atención”, confundiendo el silencio del procesamiento con desinterés.

¿Por qué no todas las personas con Mercurio retrógrado funcionan igual?

Una de las razones por las que la astrología genera escepticismo es la tendencia a generalizar. Entonces, si entre el 20% y el 25% de la población nace con Mercurio retrógrado, ¿significa que una cuarta parte del planeta piensa y actúa exactamente igual?

De acuerdo con Yelitza Medina, Mercurio nunca actúa solo dentro de un mapa natal y, es que la experiencia de habitar esta configuración, cambia radicalmente según el signo, la casa astrológica y los grados matemáticos en los que se encuentre el planeta al momento de nacer.

“Tan solo en la casa astrológica en la que se ubica hay 12 combinaciones posibles, a las que se suman otras 12 según el signo. Solo en ese cruce ya contamos con 144 variantes básicas. Esto funciona exactamente como el ADN biológico, pero a nivel cósmico, que hace imposible que una persona sea igual a otra a través de su carta natal”, precisó la especialista.

Además, aunque estas personas suelen compartir una marcada tendencia a la introversión y al análisis profundo, la forma en que esa energía mental se manifiesta depende también de los cuatro elementos de la astrología. Es decir, del signo zodiacal en el que se encuentra Mercurio retrógrado y de cómo este matiza su manera de pensar, procesar la información y relacionarse con el mundo.

Signos de fuego:

El fuego es acción pura, pero con esta configuración natal, la mente frena esa impulsividad natural para diseñar estrategias previas.

• Aries: Ideal para la estrategia. Si la persona es deportista, por ejemplo, calculará y analizará exhaustivamente la jugada antes de pasar el balón o actuar.
• Leo: Su mente analítica se dirige a la creatividad. La búsqueda constante de perfección puede llevarlos a corregir, rehacer o retrasar proyectos más de lo necesario.
• Sagitario: La mente se obsesiona con la planificación. Pueden excederse analizando cada detalle de un viaje (a dónde ir, qué hacer y con quién compartir) antes de decidirse a arrancar.

Signos de Tierra:

La tierra busca seguridad y estructura, por lo que enfoca su lupa en lo material, la salud, el conocimiento y el control de los procesos.

• Tauro: El foco absoluto está en los negocios y la economía. Analizan minuciosamente en qué invierten, cómo administran su dinero y el valor de sus recursos.
• Virgo: El análisis se vuelca a la salud y al estudio. Pueden sobrepensar cualquier síntoma buscando matices de una enfermedad, o encadenar posgrados infinitos porque sienten que nunca saben lo suficiente.
• Capricornio: Se cuestiona el tiempo y la autoridad. Analizan con rigor a sus jefes, líderes o al gobierno, exigiendo procesos milimétricos y cuestionándolo todo de forma constante.

Signos de Aire:

El aire rige los vínculos, el intelecto y la palabra, haciendo que el filtro analítico desmenuce cómo se procesa la información externa.

• Géminis: Al estar en su propio signo, calculan con precisión matemática el impacto de cada palabra y cómo va a resonar en los demás antes de dar una opinión o discurso.
• Libra: El sobreanálisis afecta a las relaciones o socios. Les cuesta mucho decidir con quién quedarse o con quién aliarse comercialmente porque evalúan en exceso los pros y contras afectivos.
• Acuario: Tienen una mente inquieta, inventiva y tecnológica. Su curiosidad los lleva a desmontar objetos para entender su funcionamiento, aunque su carácter disruptivo puede hacer que el entorno los considere excéntricos o difíciles de comprender.

Signos de agua:

El agua asimila el mundo a través del sentir; bajo este tránsito, las emociones, la intuición y el inconsciente se desmenuzan de forma casi clínica.

• Cáncer: El escáner mental se dirige al pasado y a la familia. Analizan las dinámicas de la infancia buscando el origen de sus heridas, procesando cada emoción con alta intensidad.
• Escorpio: Excelentes investigadores y buscadores de la verdad. Al ser un signo naturalmente desconfiado, analiza los entornos y las relaciones, donde nada se queda oculto.
• Piscis: Presentan una máxima sensibilidad empática. Su mente analiza el sufrimiento ajeno y busca a quién ayudar, sacrificándose por personas o animales.

¿Funcionan mejor cuando el planeta retrograda para todos?

Mientras que para la mayoría de la población —nacida con Mercurio directo— el tránsito se siente como una “interferencia” que los obliga a frenar y a revisar dos veces antes de firmar un documento o a enviar un mensaje, para los nativos retrógrados es como estar en casa.

“Se sienten sumamente cómodos porque están en su elemento. Por el contrario, su mente se activa y se agudiza. Tres veces al año, durante un mes aproximadamente, el mundo exterior frena y se ve obligado a avanzar a la misma velocidad que ellos, por lo que, en lugar de sufrir los retrasos o la confusión colectiva, su pensamiento finalmente encuentra su ritmo natural”, sostuvo la astróloga.

Por eso, lejos de las alarmas que suelen acompañar a Mercurio retrógrado, descubrir que naciste con esta configuración no es una condena, sino una oportunidad. Bien canalizada, puede traducirse en una mayor capacidad de análisis, una comprensión más profunda de uno mismo y una poderosa herramienta de autoconocimiento.

En este sentido, la experta recomendó identificar en qué signo se encuentra Mercurio retrógrado para reconocer el ámbito donde se manifiesta con mayor intensidad esa tendencia de evaluar y sobrepensar.

“Cuando uno lo comprende, aprende y es capaz de evolucionar”, afirmó Medina. “Si sé que lo tengo en Cáncer, por ejemplo, entiendo por qué analizo tanto a mi familia o por qué sus dinámicas me afectan con mayor profundidad que al resto. Y es que, al descifrar el origen de ciertas reacciones, puedes comenzar a sanar”.

¿Cómo saber si naciste con Mercurio retrógrado?

Para averiguarlo, puedes consultar directamente con un astrólogo o revisar tu carta natal en plataformas especializadas.

Una vez generada la carta, debes ubicar a Mercurio (☿) en la lista de planetas. Si junto a su nombre aparece una “R”, “Rx” o algún símbolo de retrogradación, significa que Mercurio se encontraba retrógrado al momento de tu nacimiento.

Lo dice sin solemnidad: heredar fue una plataforma, pero conlleva una gran responsabilidad. La transición no fue rápida sino un relevo largo —los tres hermanos llevaban quince años en el negocio cuando el padre falleció—, y en vez de disputarse el mando cada uno asumió su función: Humberto se encarga del servicio, Yaquir de la cocina y Franco es el que baja las ideas del carro con la calculadora.

El reporte de rotación y utilidad decide qué se queda y qué no; un plato querido pero poco rentable puede sobrevivir, aunque no por nostalgia. La pregunta que se hace Humberto en voz alta no es cómo innovar, sino cuánto puede moverse sin traicionar a quien viene a comer lo mismo que hace treinta años.

El nikkei es la otra tensión. Don Humberto cocinaba así antes de que existiera la categoría. Era más una forma de persistir en su tradición —platos peruanos con condimentos japoneses y al revés—, y hoy que la palabra se volvió un sello, los hermanos se niegan a quedar encasillados. Quieren meter carnes, técnicas francesas, brasas. Cuando le pregunto a Humberto por la salsa acebichada y otras fusiones de moda, su filtro es claro: si el plato tiene identidad, le pongas lo que le pongas, funciona. Es la misma libertad con que su padre disfrutaba de un huevo frito y frejoles con el cebiche.

Luego está la carta como evidencia. Los cebiches y los tiraditos (emblema de la casa) presiden la carta. El clásico, el famoso cebiche de la paz, con ají amarillo y el Costanera con shoyu y aceite de oliva extra virgen. Recomiendo pedir el Costanera, de lenguado con pulpo. Las entradas frías son una exhibición de la frescura del producto: tartar de atún, lenguado al shoyu, pulpo al olivo, conchas negras. Hay platos que valen la pena el viaje. Sus caracoles a la piedra, guisados lentamente en shoyu y mirín, o sus arroces como la paella negra de pulpo batayaki.

Pero la estrella es, sin duda, la chita a la sal: llega encostrada y en llamas, y un mozo la rompe y filetea frente a la mesa, con una destreza difícil de encontrar en esta época. La costra de sal no condimenta el pescado: lo encierra. Funciona como un horno sellado que atrapa el vapor de la propia carne y le transfiere un calor lento y parejo, de modo que la chita se cocina en su humedad en lugar de perderla. El camarero quita la piel y desprende jugosos filetes sin espinas que se ofrecen con acompañamientos para usar a discreción, como mantequilla clarificada y una especie de chimichurri de kion. Sirven unas treinta al día.

La carta de vinos acompaña: domina el Cono Sur —Mendoza, Salta, el Valle de Uco— con incursiones en Rías Baixas, Borgoña y un Vega Sicilia Único 2014. Los blancos pesan, lógico para una cocina de mar: albariños, godellos y un riesling alemán.

Y para los que buscan opciones más modernas, Costanera se ha renovado con makis dinamita, nigiris de wagyu, de conchas con foie y de langostino con aceite de trufa. Y ahí asoma la única duda de lo que debería ser un templo: ¿hacía falta entrar en ese juego? Es un gesto de mercado en una casa que se sostiene, justamente, por no perseguirlo.

Costanera no necesita reinventarse. Su apuesta más arriesgada es seguir siendo reconocible cuando todo alrededor cambia cada temporada. //

¿Quién no ha buscado confort en esa receta que preparaba su abuela? Hay platos que alimentan y otros que parecen tener un poder adicional: reconfortar. Un caldo servido en días difíciles, un postre reservado para las celebraciones familiares o ese guiso capaz de reunir a todos en la mesa. Las abuelas (y también muchos abuelos) tienen esa capacidad especial de transformar ingredientes sencillos en recuerdos imborrables. Sus recetas no solo se transmiten de generación en generación; también conservan historias, afectos y enseñanzas que permanecen vivas mucho después de que termina la comida.

Con ese espíritu nace La receta de mi abuela, la nueva categoría especial de los Premios Somos. La propuesta busca rendir homenaje a aquellas preparaciones familiares que han acompañado cumpleaños, reuniones, fiestas y momentos cotidianos, pero también a las personas que las hicieron posibles.

Desde hace algunos años, los Premios Somos buscan involucrar a los lectores y comensales en esta gran celebración de la gastronomía peruana. Son ellos quienes ayudan a reconocer a sus restaurantes favoritos y a destacar las propuestas que forman parte de su vida diaria. Sin embargo, el espíritu de los galardones pasa por descubrir vivencias que muchas veces permanecen lejos de los reflectores. En esta ocasión, la invitación es a mirar hacia casa y compartir aquellas recetas que merecen ser preservadas y celebradas.

La iniciativa continúa el camino abierto el año pasado por la categoría Cocinero en casa, creada para reconocer a cocineros anónimos cuyo talento brillaba en el ámbito local. La ganadora de esa edición fue Ana María Vega, quien conquistó a todos con la historia detrás de su adobo a la limeña y demostró que algunas de las mejores experiencias gastronómicas nacen lejos de los restaurantes, en las cocinas donde se construyen los recuerdos más entrañables.

Para participar en la receta de mi abuela, los lectores deberán enviar, de manera clara y sencilla, los ingredientes y la preparación. Además, será necesario acompañarla con una breve reseña que permita conocer la historia detrás del plato. Queremos saber quién lo prepara, cómo llegó a la familia, en qué ocasiones suele compartirse o qué recuerdos despierta entre quienes lo disfrutan. También será importante incluir una fotografía de buena calidad que ayude a ilustrar tanto la preparación como a la persona detrás de ella.

No buscamos textos extensos ni recetas sofisticadas. Nos interesan las historias auténticas, aquellas que reflejan cómo la cocina puede convertirse en un vehículo de memoria, afecto y tradición. El ganador o la ganadora de esta categoría será elegido por el equipo editorial de Somos. Asimismo, las mejores recetas, historias y fotografías recibidas serán publicadas en las páginas de la revista.

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Fiesta de la buena mesa

Los Premios Somos reconocerán a los protagonistas de 37 categorías vinculadas al universo gastronómico peruano. Restaurantes, cafeterías, panaderías, bares, cocineros y emprendimientos forman parte de una celebración que busca destacar la diversidad y riqueza de nuestra cocina. Se trata de una fiesta construida junto a los lectores, quienes con sus votos, recomendaciones e historias ayudan a identificar los espacios, sabores y personajes que enriquecen nuestra gastronomía.

La receta de mi abuela se suma a ese propósito, recordándonos que algunas de las tradiciones culinarias más valiosas nacen dentro del hogar.

Rubén Blades (Ciudad de Panamá, 1948) recorre su repertorio como si caminara por las calles. El peligroso Pedro Navaja, el melancólico Pablo Pueblo y un señor que va dejando una vibrante estela de perfume a su paso son algunos de los personajes que el compositor panameño ha creado para contar historias. Sus canciones son cuentos breves y exploran la crudeza de la realidad de América Latina, aunque podría tratarse de cualquier parte del mundo. Con más de 50 años de carrera es una de las figuras más importantes de la música en español. Su poesía se baila y también invita a reflexionar.

― ¿Qué lugar cree que tienen las canciones que cuentan historias en esta época marcada por la inmediatez y el Internet?

Siguen teniendo el lugar de siempre. La gente nunca se va a cansar de escuchar y compartir experiencias ajenas, ni de aprender de ellas. Una buena historia ha entretenido a las audiencias desde el inicio de la humanidad. “La Ilíada”, considerada una obra literaria inmortal, no nació como un libro. Nació como una canción. El antecedente de la música popular viene de centurias atrás. Eso no desaparecerá mientras existan los seres humanos. Siempre habrá la necesidad de contar historias.

― ¿Cree que el arte todavía tiene la capacidad de enseñar a contemplar la vida?

Absolutamente. La pintura, la literatura y todas las formas de arte conforman una expresión que a su vez es conocimiento. La necesidad de aprender no tiene fecha de expiración, así que eso va a continuar siempre. Somos estudiantes eternos. Siempre aprendiendo y desaprendiendo. También deberían existir escuelas para desaprender, no solo para aprender.

― “Fotografías” es el título del disco, de una canción y de la gira. ¿Se encuentra en una etapa de mirar el pasado?

Soy muy consciente de que tengo más pasado que futuro. Cuando cumpla 80 años yo espero dedicar mi atención a otras cosas. Yo no sé cuánto tiempo más tengo. Nadie sabe cuánto tiempo más tiene. En mi caso, yo sé que hay cosas que quiero hacer e intentar. En esta gira las canciones son como imágenes que representan todo lo interno, espiritual e intelectual de lo que he escrito durante más de cincuenta años de trabajo.

― ¿Qué imágenes de su carrera aparecen primero cuando mira el pasado?

Lo primero es el absurdo de que yo terminé siendo músico y actor. Mi plan era ser abogado. Yo no estudié música. Recuerdo que llegué a Nueva York desde Florida con una maleta llena de comida en lata que me dio mi madre.

― ¿Qué concierto considera que cambió su carrera para siempre?

La primera presentación que tuve en Nueva York fue muy importante en mi carrera. Ese primer trabajo fue en el Madison Square Garden con Ray Barretto y su orquesta en 1974. Tito Gómez y yo éramos los cantantes de la banda. En una canción repetí la primera estrofa dos veces porque no me acordé de la segunda.

― ¿Cómo se sintió al cantar en un recinto tan emblemático?

Me sentí como un gladiador entrando al Coliseo romano. Fue tremendo. Qué increíble recuerdo. Eran como 19 mil o 20 mil personas en el Madison Square Garden. Ese concierto fue inolvidable.

― ¿Cuál considera que es su mayor logro como artista?

El mayor logro de mi carrera es haber podido sostenerme durante todos estos años. Cuando empezaba, mi papá me dijo: “Mira, Rubén, el éxito es difícil, pero no es imposible”. El hecho de que yo esté hablando con usted, que tenga salud y que cuente con el apoyo de tanta gente para seguir trabajando en lo que me gusta, todo eso lo considero un logro extraordinario. Lo agradezco mucho.

― ¿Cuándo descubrió que quería ser compositor?

Desde los 15 o 16 años tuve la claridad de escribir. Siempre me interesó lo que pasaba a mi alrededor. Eso me llevó a desarrollar una carrera como compositor que ha perdurado hasta el presente.

― “Amor y control” es una de las canciones más pedidas de su repertorio.

Esa canción se convirtió en un argumento universal para enfrentar el dolor que provoca una dificultad en cualquier familia, en cualquier parte del mundo.

― La estructura narrativa de la canción es interesante porque muestra dos historias que se cruzan por un instante.

Si analizas “Amor y control”, notas que pasa de ser una visita a mi mamá, que está muriendo de cáncer, a convertirse en una reflexión que hago sobre el dolor de otra familia. Se trata de dos dolores similares, pero que parten de motivos distintos. Finalmente, la otra familia se convierte en la protagonista de la canción.

― ¿Cree que sus propias canciones le han ayudado a comprender un poco más la vida?

Claro que sí. Lo que uno escribe es reflejo de lo que se siente. Componer canciones me hace sentir útil. También escucho a otras personas y me identifico con lo que sienten y viven. Eso me hace solidario y una mejor persona.

― ¿Qué siente cuando escucha el disco “Siembra”?

Willie Colón fue un excelente productor musical. Yo no escucho mucho mis discos, pero cuando escucho “Siembra” siento que sobresale la calidad de la producción de Willie. Eso hace que perdure hasta la actualidad. Por otro lado, esas canciones me hacen recordar mis inicios como escritor en el género de la salsa. Tuvimos muchas dificultades cuando presentamos ese disco porque la industria de aquel momento consideraba que las canciones eran muy largas.

― ¿Cuál fue la reacción del público ante ese álbum cuando salió al mercado?

Las canciones no fueron éxitos de inmediato. La gente escuchó “Siembra” por su propia cuenta. Fue voluntad propia del público. Poco a poco, el disco se convirtió en una especie de ola que fue llegando a varios países.

― ¿Cómo recuerda las giras con Willie Colón en las épocas de juventud?

Nosotros trabajamos inicialmente como dos hermanos. La relación fue buena porque se basaba en el amor por la música. Yo recuerdo esa época con mucho cariño. Las diferencias las tuvimos mucho tiempo después.

― En aquella época armaron una orquesta de músicos muy importantes para dar conciertos.

Así es. Willie Colón, Leopoldo Pineda, José Rodríguez y Lewis Kahn tocaron los trombones. Joe Torres estuvo en el piano, Milton Cardona en las congas y José Mangual Jr. en el bongó. También participaron otros músicos muy buenos.

― Hay un video memorable en el que interpreta “Todos vuelven” con el cantante peruano Lorenzo ‘Lencho’ Pedraza.

Yo lo conocí en mi primer viaje al Perú. ‘Lencho’ me llevó a peñas de música peruana. Por tal motivo se incorporó el cajón peruano en la canción “¿De qué?”, del disco “Canciones del solar de los aburridos”, grabado junto a Willie Colón y publicado en 1981. ‘Lencho’ me enseñó mucho. Era una persona muy amable, muy dulce y un músico tremendo.

― ¿Cómo conoció “Todos vuelven”, del compositor peruano César Miró?

Yo escuché “Todos vuelven” por un cubano llamado Virgilio Marti. Él llevó la canción a la segunda película que grabé, titulada “Crossover Dreams”. Virgilio hacía el papel de un director de orquesta. En la película, yo trabajaba en esa misma agrupación. Él me cantó “Todos vuelven”.

― ¿Y qué le motivó a grabarla?

Grabé “Todos vuelven” para mi disco “Buscando América” porque me pareció una canción extraordinaria desde la primera vez que la escuché. Tiene una letra muy bonita y especial.

― Otra canción peruana que ha cantado es “La flor de la canela” de Chabuca Granda.

Con esa canción participé en el disco “A Chabuca”. Conozco “La flor de la canela” desde que era niño en Panamá. Para mí es un honor que me hayan escogido para cantar un tema tan icónico y querido en el Perú.

― En 1988 publicó su disco de rock en inglés “Nothing but the Truth” con las colaboraciones de Sting, Elvis Costello y Lou Reed. ¿Cómo fue esa experiencia?

En realidad, yo siempre asumí que a ellos les interesaba colaborar con escritores. Esa fue siempre mi impresión. Y no solo hemos colaborado como escritores, sino que además somos amigos. Lamentablemente, Lou Reed hace varios años se mudó “al otro barrio”, como le llamo yo a la muerte. Vi a Sting hace unas semanas. Presentó el musical “The Last Ship” en la Metropolitan Opera, aquí en Nueva York. Me llamó y me invitó al estreno. Fui y después de la obra conversamos.

― ¿Fue sencillo trabajar con ellos?

No hay diferencia entre músicos. No importa la diferencia de idiomas. Los espíritus son iguales. El amor por la música es el mismo. Las posibilidades de colaboración son infinitas.

― ¿Pensó en llamar a más artistas para el disco “Nothing but the Truth”?

Me reuní con Bob Dylan, pero nunca terminamos de escribir la canción. La empezamos y acabamos hablando de otras cosas.

― ¿Tiene algún proyecto futuro con Sting?

Quedamos en que íbamos a escribir algo juntos. Sting me dio una canción titulada “I Can’t Say” para “Nothing but the Truth”, precisamente porque no pudimos reunirnos para escribir juntos en aquel momento. Con Lou Reed sí compuse y con Elvis Costello también. Ahora Sting y yo hemos quedado en escribir algo juntos en el futuro.

A más de 3.300 m.s.n.m., al pie del nevado Verónica, en Cusco, existe un lugar donde el turismo se vive de una manera distinta, sin itinerarios apresurados ni fotografías tomadas al paso para las redes sociales. En cambio, hay caminatas entre bosques andinos, conversaciones sobre biodiversidad, miel producida por abejas polinizadoras y una familia convencida de que proteger la naturaleza también puede cambiar la forma en que las personas se relacionan con ella.

Se trata del Santuario de la Verónica, un área de conservación privada que hoy resguarda más de 200 especies de flora y fauna y que, en los últimos años, se ha convertido en un referente de turismo regenerativo en la región. Hoy, su historia vuelve a cobrar relevancia gracias a Pierina Bellota, una de las impulsoras del proyecto y ganadora de la edición 2025 de Protagonistas del Cambio de la UPC, programa que este año abrió una nueva convocatoria para jóvenes emprendedores sociales de todo el país.

Para Bellota, hija menor de los fundadores del espacio, el reconocimiento representa mucho más que un premio. “Ha sido un punto de inflexión no solo en mi vida personal, sino también en la vida del proyecto. Fue una vitrina para nosotros y la oportunidad de conectar con otros agentes de cambio. Santuario de la Verónica pasó a formar parte de un ecosistema de personas e iniciativas que están generando impacto en distintas regiones del país”, cuenta.

LABRANDO EL CAMINO

El espacio, que hoy llena de orgullo a Pierina, fue el sueño de Miguel Bellota Paredes (su padre), guía de turismo con casi tres décadas de experiencia, quien junto a su esposa (madre de Pierina) inició hace más de quince años el proceso para proteger este espacio natural ubicado en el valle de Ollantaytambo. Tras una larga gestión, en 2016 el Ministerio del Ambiente reconoció oficialmente el destino como Área de Conservación Privada.

La familia pronto entendió que conservar también implicaba encontrar formas sostenibles de financiar la protección del territorio. Así nació la apuesta por un modelo de turismo responsable que permitiera generar recursos sin alterar el ecosistema.

“Mi hermana, que es bióloga, comenzó a plantear cómo podíamos ampliar el impacto del proyecto y hacerlo sostenible. Tener un área de conservación implica responsabilidades y requiere recursos para mantenerse. Ahí apareció la idea de desarrollar una propuesta turística alineada con nuestros valores”, recuerda Pierina.

En 2017, la iniciativa obtuvo financiamiento a través del programa Turismo Emprende del Ministerio de Comercio Exterior y Turismo, lo que permitió construir un hospedaje ecoamigable equipado por completo. Tres años después, en plena pandemia, Pierina decidió involucrarse de lleno en el proyecto.

“Yo estudié Comunicación para el Desarrollo y sentí que podía aportar una mirada diferente. Mi papá manejaba una comunicación más tradicional y yo comencé a impulsar la parte digital, las redes sociales y nuevas formas de conectar con las personas”, explica en diálogo con Somos.

Pero el valor del santuario trasciende al turismo. El área forma parte del corredor biológico que conecta con el Santuario Histórico de Machu Picchu y cumple una función clave para la movilidad de especies emblemáticas de los Andes. Además, protege cuatro cabeceras de cuenca que contribuyen a la seguridad hídrica de cinco poblaciones locales y desarrolla actividades de educación ambiental con escolares de la zona. Al final del día, para Pierina, todos estos esfuerzos tienen un objetivo común: demostrar que existen maneras diferentes de relacionarse con el territorio: protegiéndolo, promocionándolo y revitalizándolo en la ruta. //

Cuando Los Prisioneros regresaron a Chile tras su primera presentación en el Perú, en setiembre de 1987, buena parte de la prensa chilena redujo aquella noche a un solo episodio: la banda había sido recibida a pedradas en la Plaza de Acho. La ironía era evidente: un grupo de rock atacado a proyectiles justo cuando venía a presentar un disco llamado “Pateando Piedras”. Pero esa no era toda la historia. Las piedras existieron, sí, aunque fueron lanzadas por un grupo minoritario de revoltosos. El resto de los presentes, cerca de doce mil personas, cantó y bailó sobre la arena de la histórica plaza del Rímac, levantando enormes columnas de polvo tan densas que los técnicos apenas podían distinguir a los músicos. Para el periodista chileno Alejandro Tapia, esas imágenes —rescatadas años después y difundidas en YouTube— cuentan una historia muy distinta a la que sobrevivió en la memoria de su país. “Cuando uno ve ese concierto se da cuenta de la magnitud, de la euforia. Es un concierto impresionante”, dice.

Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia, el trío de San Miguel, habían llegado a Lima ese año con una cierta inocencia, convencidos de que se trataba de un simple presentación promocional y terminaron descubriendo que ya eran auténticos ídolos de este lado de la frontera. “No estaban conscientes de lo famosos que eran en el Perú”, aseguraTapia. “Casi que se sintieron como los Beatles llegando a Estados Unidos en 1964”. Pese a esa gran acogida y a las piedras eventuales, el concierto les dejó otro sabor amargo. La banda no recibió honorarios por la presentación. “Ellos se sintieron bastante timados. Creían que era una actividad promocional y después se dieron cuenta de la enorme cantidad de gente que había asistido”.

Tapia, que es editor en el diario “La Tercera”, llevaba años preguntándose por qué Los Prisioneros hablaban siempre del Perú con un afecto especial. Su primer libro, “Ya viene la fuerza” (2024), reconstruía el nacimiento del grupo y la grabación de sus dos primeros álbumes, pero el relato terminaba justo cuando la banda comenzaba a salir de Chile. Quedaba pendiente una cuestión: ¿por qué el Perú ocupaba un lugar tan especial en la trayectoria de Los Prisioneros? La respuesta terminó convirtiéndose en una investigación de tres años. Tapia vino a Lima, entrevistó a más de setenta personas —entre músicos, promotores, periodistas, técnicos, programadores radiales y asistentes a los conciertos— y revisó archivos en ambos países. El resultado es “No necesitamos banderas: Los Prisioneros en el Perú” (Borrador Editores), que ya se encuentra en librerías.

Una de las principales conclusiones de su investigación es que la verdadera internacionalización de Los Prisioneros comenzó en Lima. Antes habían tocado en Uruguay, donde el impacto fue limitado por el tamaño del mercado. Después intentaron abrirse camino en Argentina, pero su propuesta chocó con una escena de rock marcadamente nacionalista y poco permeable a las bandas latinoamericanas. El Perú fue distinto. “Fue el primer país donde Los Prisioneros tuvieron éxito. Jorge González lo ha dicho muchas veces: fue el primer país donde se sintieron como en casa”, sostiene el autor. Aquí, explica, el público hizo suyo el mensaje de canciones como “El baile de los que sobran”, porque hablaban de desigualdad y falta de oportunidades, problemas que también formaban parte de la realidad peruana.

Lo curioso es que la relación de Los Prisioneros con el Perú se construyó desde abajo, no sobre el escritorio de un marketero o una agencia de publicidad. Comenzó gracias a un peruano que, durante un viaje a Buenos Aires, encontró un ejemplar de “La voz de los 80”. Le llamó la atención la fotografía de portada: tres muchachos de piel morena que creyó peruanos. Compró el disco y lo envió a Lima, donde llegó a manos del programador radial Ángel Ríos. Fue él quien comenzó a difundir canciones como “Sexo”. Solo después de comprobar la inesperada acogida que la banda y sus letras contestatarias tenían entre las radios y el público peruano, el sello El Virrey decidió editar oficialmente el álbum en el país.

La investigación también sacó a la luz un hallazgo inesperado. Mientras revisaba archivos diplomáticos, Tapia encontró documentos enviados por la embajada chilena en Lima al régimen de Augusto Pinochet tras el concierto de Acho. Los informes daban cuenta de las pedradas, pero también de algo que preocupaba mucho más al gobierno militar: la extraordinaria recepción que la banda había tenido en el Perú. “Los medios peruanos los calificaban como una banda profesional y exitosa. Incluso enviaban recortes de El Comercio y otros diarios. Al régimen le preocupaba mucho el discurso contestatario de Los Prisioneros; los trató de marxistas", explica el periodista.

Ese seguimiento revela también la dimensión que había alcanzado el fenómeno. En 1987, Los Prisioneros ya eran una piedra en el zapato para la dictadura chilena. Canciones como “El baile de los que sobran”, “Muevan las industrias” o “Por qué no se van” se habían convertido en himnos de una generación desencantada, y el hecho de que ese mensaje comenzara a cruzar fronteras era motivo suficiente para despertar suspicacias. Paradójicamente, mientras en Chile algunos medios insistían en destacar las pedradas de Acho, los informes diplomáticos reconocían que la prensa peruana hablaba de una banda profesional y de un recibimiento multitudinario.

No fue el único descubrimiento que sorprendió a Tapia. A medida que reconstruía la historia comprendió que el Perú había ocupado un lugar irrepetible en la trayectoria del grupo. “Perú fue el único país que Los Prisioneros visitaron en todas sus etapas”, explica. Vinieron en 1987 con “Pateando Piedras”, regresaron durante la gira del disco “Corazones”, volvieron con el proyecto Los Dioses —en la recordada visita en la que Gisela Valcárcel los retiró de su programa tras negarse a hacer playback— y, tras el histórico reencuentro de 2001, eligieron Lima como su primer destino internacional. Ningún otro país acompañó de forma tan constante la evolución de la banda.

Esa relación tampoco terminó con la separación definitiva. Jorge González siguió regresando al Perú como solista para presentarse no solo en Lima, sino también en ciudades como Huancayo, Puno o Huayllay. Esas giras terminaron por sorprender incluso al propio músico. “Él dice que se sentía como un artista folclórico”, cuenta Tapia entre risas. “No por el género musical, sino porque comprobó que era igual de conocido en el interior del Perú que en Lima”.

Pero el episodio más increíble de toda esa relación ocurrió muchos años después de Acho. En julio del 2002, tras el multitudinario concierto del reencuentro en el Jockey Club, los integrantes de la banda recibieron invitaciones para asistir a la inauguración de la discoteca Utopía. Estuvieron a punto de aceptar. “Iban a ir”, revela Tapia. “Ellos mismos me lo contaron. Los habrían ubicado en la zona VIP, justamente donde comenzó el incendio”. Finalmente desistieron. Horas después, el fuego consumió el local y dejó 29 muertos y decenas de heridos en una de las mayores tragedias ocurridas en un centro de entretenimiento del Perú. “Cuando se enteraron quedaron muy impactados. Se dieron cuenta de que perfectamente pudieron haber estado ahí”.

Aunque los fanáticos no dejan de fantasear con un último reencuentro, Tapia cree que hoy esa posibilidad es remota. Durante el estallido social chileno de 2019 hubo conversaciones para reunir a Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia en un gesto simbólico, aprovechando que las calles volvían a llenarse de jóvenes cantando El baile de los que sobran. El intento nunca prosperó. “La versión de Miguel es que Claudio no quiso. Claudio dice que nunca se enteró a tiempo. Lo concreto es que las tensiones siguen ahí”, resume el periodista. Después de tantos años, las heridas personales parecen más difíciles de sanar que cualquier diferencia musical.

El título del libro, “No necesitamos banderas”, alude a una de las grandes canciones de González que no fue un hit radial. Jorge tenía apenas 20 años cuando escribió una canción que corta como cuchillo —como se suele decir— mientras cuestiona el concepto de fronteras, los nacionalismos y cualquier forma de representación que pretenda hablar en nombre de los demás. Cuatro décadas después, el título adquiere un significado nuevo en el libro de Alejandro Tapia. En el fondo se habla de dos países que, pese a décadas de rivalidades y prejuicios, encontraron un lenguaje común en las canciones de tres muchachos de San Miguel. “Si a un chileno y a un peruano les hace sentido una canción como ‘El baile de los que sobran’ o ‘Muevan las industrias’, es que no somos tan distintos a como nos han querido pintar las autoridades durante años. Tenemos quizás más afinidades de las que creemos”. //

El 29 de noviembre de 2007, el biólogo Juan Sánchez Babilonia decidió que Suramérica debía vivir. Sudamérica, la manatí, tenía nueve meses y nadie sabía cómo cuidarla. Junto con Javier Velásquez y Carlos Perea pasó horas buscando respuestas y leyendo libros sobre vida marina. Aquella tarde nació una idea que terminaría convertida en lema: rescatar, rehabilitar y liberar. La joven vaca marina, en cuyo pecho estaba dibujada la geografía de este lado del continente, solo sería el comienzo, la primera de 70 manatíes que pasaron por el Centro de Rescate Amazónico (CREA).

Suramérica fue liberada un año después —fecha aproximada de su reintegración al hábitat— y, al poco tiempo, se convirtió en madre. Al ser animales solitarios, los manatíes desarrollan un vínculo muy fuerte con sus crías, con las que permanecen casi dos años. Durante ese tiempo aprenden rutas de alimentación, técnicas de supervivencia y a salir a la superficie para respirar cada 20 minutos, pero no a salvarse de los actos humanos.

Los principales motivos por los que hoy es una especie en peligro de extinción fueron la caza indiscriminada, la domesticación y la asfixia o sacrificio al caer accidentalmente en redes de pesca. El mayor logro de tantos años de trabajo, presume el biólogo, ha sido conseguir que, desde 2017, ya no se reporten casos de tráfico de manatíes en Iquitos. “Ahora los rescatamos en zonas alejadas, casi en la frontera con Colombia o Brasil”. Es decir, varios días en barco, no menos de doce horas en deslizador o una hora en avión.

Tiempos diferentes

De 1935 a 1954 se sacrificaban entre 4.000 y 7.000 manatíes por año en toda la Amazonía para utilizar su carne como alimento y su piel para obtener cuero, empleado en la manufactura de correas para maquinaria. Prácticas que hoy son ilegales gracias a la Ley de Protección y Bienestar Animal. Sin embargo, todavía hay comunidades en las riberas del Amazonas que los cazan para su consumo y, de vez en cuando, aparecen cazadores oportunistas, de los cuales dos se encuentran judicializados y a la espera de una sentencia no mayor a tres años.

“Uno de ellos tenía al manatí amarrado de la cola a una estaca, así era la imagen —nos cuenta el biólogo—. El sujeto lo vendía por Facebook Marketplace. También hay quienes los capturan como trofeos, usan sus restos para jugar fútbol o piensan que son como perros —prosigue Sánchez—. Cuando llegan por esto último, lo hacen con desnutrición extrema; ahí solo podemos darles calidad de vida. Es casi imposible salvar a un animal que llega con 40 kilos, cuando en la adultez pueden superar una tonelada”.

A la defensa se suman los Yacu Tayta —o Padre del Agua—, quienes antaño fueron cazadores en la Reserva Nacional Pacaya-Samiria y que ahora utilizan ese título para denominarse defensores del agua, velando por la seguridad de varias especies, entre ellas los manatíes, que tienen, según teorías evolutivas, más de elefantes que de paiches.

A la venta

“Solo la educación ambiental nos podrá salvar —enfatiza Sánchez—. De esa forma garantizamos que en el futuro las nuevas generaciones sean mejores que nosotros”. Gran parte de esa salvación también se encuentra en la modernización. Con la introducción de productos sintéticos en el mercado, la industria del cuero de manatí se redujo considerablemente y, con la llegada del aceite de girasol, su grasa —utilizada como una manteca de gran valor— perdió vigencia en la vida de las comunidades.

Antes de la intervención del CREA y de los procesos judiciales, el mercado de Belén comerciaba abiertamente con carne de manatí. “Pocos te entienden si lo llamas así; diles vaca marina”, nos corrige un comerciante de la calle 16 de Julio. Dato que corrobora Sánchez, quien asegura que hace diez años ni siquiera se conocía el nombre común del Trichechus inunguis. Así surgían mitos como el de las sirenas del río que, al llamarte al agua, revelaban su aspecto rechoncho.

“No hay mucha magia en ellos. Yo lo probé una vez —asegura el comerciante, cuyo nombre prefiere no revelar—. Iba en lancha y unos pescadores cazaron a la madre por accidente. También mataron a la cría porque igual se iba a morir —dato que vuelve a corroborar Sánchez— Ya no lo cazan porque no es rentable, no tiene valor”.

Únicos en su especie

¿Qué tan inteligentes pueden ser? “Más que nosotros, sin duda”, responde el biólogo, quien asegura que son tan expertos en tareas experimentales como los delfines, uno de los animales más inteligentes del planeta; y tan únicos como nosotros, pues las manchas de su vientre equivalen a las huellas dactilares.

El CREA cuenta con 26 personas que se reparten las labores de rescate, rehabilitación y cuidado de las vacas marinas. Ubicado en el extremo sur de la ciudad de Iquitos, el centro también tiene la misión de educar a las comunidades, promover el turismo y, por sobre todo, contribuir a que estos animales abandonen la cada vez más extensa lista de especies en peligro de extinción.

No existen cifras exactas sobre cuántos manatíes quedan a lo largo del Amazonas, solo aproximaciones vagas que los rescatistas prefieren dejar en el papel, pues en la práctica son cada vez más frecuentes los avistamientos en diversas zonas. “La cosa va a mejorar”, se promete Sánchez, quien, una semana después de nuestra partida, recibe a Gru de Primavera, una nueva vaca marina rescatada en aquellas aguas donde aún persiste la amenaza de perder a nuestros gigantes amazónicos.

Durante décadas, un relato se instaló en el imaginario de los peruanos como una verdad: que Alejandro Olmedo había alcanzado sus hazañas deportivas como estadounidense, dejando de lado al Perú, su país natal. Ese es, precisamente, uno de los mitos que el periodista Luis Carlos Arias Schreiber busca desmontar en “Alejandro Olmedo, el peruano que conquistó Wimbledon” (Penguin Random House), una exhaustiva biografía de casi 400 páginas que reconstruye la vida del único peruano que se ha consagrado en el torneo de tenis más antiguo del mundo.

“Hasta el día de hoy persiste bastante desconocimiento sobre la figura de Olmedo”, explica Arias Schreiber. “Muchos creen que conquistó todos sus triunfos bajo la bandera de Estados Unidos y que era más estadounidense que peruano. La investigación demuestra que no fue así”, complementa.

La semilla del proyecto surgió de una pregunta aparentemente sencilla: ¿cómo era posible que un deportista que ganó Wimbledon, el Abierto de Australia y la Copa Davis no ocupara un lugar central entre los grandes ídolos del deporte peruano?

Para responderla, el autor emprendió una investigación que combinó visitas a archivos periodísticos en Perú, Estados Unidos, Inglaterra y Australia, además de entrevistas a familiares, amigos y personas que conocieron a Olmedo en distintas etapas de su vida. Entre las fuentes consultadas figuran los diarios arequipeños “El Pueblo”, “Noticias” y “El Deber”, así como El Comercio, “La Crónica” y diversas publicaciones internacionales, incluidas “The New York Times” y “Sports Illustrated”.

“Olmedo siempre defendió su peruanidad. Incluso rechazó nacionalizarse estadounidense en momentos clave de su carrera”, sostiene el autor. De hecho, el libro demuestra que recién obtuvo la ciudadanía de ese país a fines de la década de 1990 por razones meramente prácticas, cuando ya tenía más de sesenta años.

LOS PRIMEROS GOLPES

Alejandro Olmedo Rodríguez nació en Arequipa en 1936 y creció dentro de un entorno modesto. Su padre trabajaba en el Club Internacional y fue allí donde el futuro campeón comenzó recogiendo pelotas. El tenis, por aquella época, era un deporte reservado para sectores privilegiados. Era impensable que un muchacho de provincia pudiera abrirse paso hacia la élite mundial.

Arias Schreiber retrata un Perú marcado por profundas desigualdades sociales. Todavía faltaban décadas para muchas de las transformaciones que modificarían el país. En ese contexto, el joven arequipeño tuvo que enfrentarse no solo a rivales deportivos, sino también a prejuicios de clase, origen y procedencia.

Ese desafío se hizo aún más evidente cuando llegó a Lima. La capital de los años 50 funcionaba bajo códigos sociales muy distintos a los de Arequipa. El tenis estaba dominado por clubes tradicionales y círculos cerrados. Sin embargo, Olmedo encontró espacio en el Club Terrazas, una institución que le permitió continuar su desarrollo deportivo.

Allí apareció una figura decisiva: Jorge Harten, presidente de la Federación Peruana de Tenis y uno de los principales impulsores de su carrera. Convencido de que estaba ante un talento excepcional, Harten promovió una colecta para financiar su viaje a Estados Unidos, donde podría seguir creciendo como tenista.

Cuando Olmedo llegó a California apenas hablaba inglés y ni siquiera había terminado sus estudios escolares. Comenzó a jugar en canchas públicas, conoció personas que lo ayudaron a ingresar al sistema educativo estadounidense y terminó encontrando un lugar en el circuito universitario. “Más que una vocación académica, la universidad representaba para él una necesidad práctica: mantener una visa de estudiante que le permitiera permanecer en Estados Unidos y continuar compitiendo”, sostiene Luis Carlos.

Esa circunstancia explica también otro de los mitos que el libro busca corregir. “Olmedo terminó jugando la Copa Davis por Estados Unidos, pero no porque hubiera renunciado al Perú. Simplemente no tenía otra alternativa. En aquellos años, el Perú no participaba en la competencia debido a limitaciones económicas y logísticas”, explica el autor.

EL NÚMERO UNO

Después de conquistar la Copa Davis frente a la poderosa Australia, ganó el Abierto de Australia en 1959 y, meses más tarde, Wimbledon. Ese mismo año alcanzó también la final del actual US Open. Para Arias Schreiber, aquel período lo convirtió en la principal figura del tenis amateur mundial.

Lejos de darle la espalda, el Perú celebró esos éxitos con entusiasmo. Olmedo recibió los Laureles Deportivos, fue homenajeado en Lima y Arequipa, llenó estadios durante exhibiciones y se organizó una colecta para construir una vivienda destinada a su familia en la Ciudad Blanca.

Tras su retiro de las competencias, desarrolló una extensa carrera como entrenador en Los Ángeles, donde trabajó con celebridades de Hollywood como Rita Hayworth, Kirk Douglas, John Wayne, entre otros. Allí construyó una nueva vida, formó una familia y se consolidó como uno de los entrenadores más respetados del circuito.

Pese a la distancia, Olmedo nunca dejó de mirar hacia el Perú. Volvió en varias ocasiones para disputar partidos de exhibición, participar en homenajes y reencontrarse con su familia y amigos. Su última visita ocurrió en 1993. Hasta entonces seguía repitiendo una frase que resume buena parte de la tesis central del libro. “No tengo mi lealtad dividida —decía—. La tengo duplicada”.

Esta biografía no trata únicamente sobre la historia de un campeón de Wimbledon. Es también el rescate de una identidad, la corrección de un malentendido histórico y la reivindicación de uno de los deportistas más extraordinarios que ha dado el Perú. //

UNA VIDA DE PELÍCULA

“Alejandro Olmedo, el peruano que conquistó Wimbledon” ya se encuentra disponible en las principales librerías del país. La presentación del libro se realizará el martes 30 de junio a las 7:30 p.m. en el Club Tenis Las Terrazas de Miraflores, en una conversación abierta al público. Junto al autor estarán Alfredo Acuña y Ricardo Harten. Para más información sobre la publicación, pueden ingresar a www.penguinlibros.com/pe.

Hay espacios que parecen haber estado allí siempre. El Campo de Marte es uno de ellos. Miles de limeños lo recorrían cada semana para hacer deporte, pasear con sus mascotas, asistir a ferias o simplemente descansar bajo la sombra de sus frondosos árboles. Sus más de 100 mil metros cuadrados de áreas verdes lo han convertido en uno de los parques más reconocibles de la ciudad. Sin embargo, detrás de sus senderos, monumentos y jardines existe una historia más extensa de lo que muchos imaginan.

Para el historiador y gestor cultural Marco Antonio Capristán Núñez, la historia del Campo de Marte es también la historia de Lima. Sus terrenos han acompañado la evolución de la ciudad desde la época virreinal, pasando por el crecimiento urbano de inicios del siglo XX, hasta convertirse en uno de las áreas públicas más emblemáticas de la capital.

Mucho antes de ser parque, estos terrenos formaban parte de la antigua hacienda Santa Beatriz, una de las propiedades agrícolas más importantes de la Lima colonial. Durante siglos, la zona fue alimentada por una red de canales de origen prehispánico que transportaban agua y permitían el desarrollo agrícola del valle. Entre ellos destacaba el canal Huatica, una infraestructura hidráulica construida antes de la llegada de los españoles y que continuó funcionando durante siglos.

El destino del lugar cambió a comienzos del siglo XX. En 1903 se inauguró allí el Hipódromo de Santa Beatriz, considerado el principal centro de entretenimiento limeño de la época. La historia de este espacio también está ligada a algunos episodios singulares. En una de sus pistas se realizó el primer vuelo documentado en Lima, cuando el aviador Juan Bielovucic Cavalié se elevó en un biplano Voisin. Décadas después, una de las tribunas, aún ubicada en la Av. de la Peruanidad, sería escenario de acontecimientos políticos decisivos: allí Augusto B. Leguía recibió la noticia del golpe de Estado que puso fin a su gobierno.

El hipódromo tenía además una característica hoy prácticamente olvidada: una laguna alimentada por uno de los brazos del antiguo canal Huatica. En su centro se levantaba una pequeña isla donde se instaló el primer monumento dedicado al aviador Jorge Chávez.

La transformación definitiva llegó a fines de la década de 1930. El crecimiento de la ciudad y los cambios políticos impulsaron el cierre del hipódromo y la creación de un gran parque público. Poco a poco, las antiguas instalaciones fueron reemplazadas por jardines, senderos y monumentos que redefinieron la identidad del espacio. La laguna desaparecería a mediados de la década de 1940.

Con el paso del tiempo, el parque continuó acumulando historias. Fue escenario de desfiles militares, celebraciones patrióticas, un multitudinario concierto del Grupo Niche, festivales gastronómicos y encuentros ciudadanos.

Un parque en alerta

Esa riqueza histórica, ambiental y simbólica explica la preocupación que ha despertado la remodelación que se venía ejecutando en el parque. Lo que inicialmente fue presentado como una intervención para mejorar la infraestructura del espacio terminó generando cuestionamientos por parte de vecinos y especialistas que comenzaron a advertir el deterioro progresivo de áreas verdes y la caída de árboles, que ya fue registrada.

A partir de estas alertas surgió el colectivo ciudadano Salvemos el Campo de Marte, integrado por vecinos y profesionales de distintas disciplinas. Entre ellos se encuentran ingenieros forestales, arquitectos y abogados que han participado en inspecciones técnicas y mesas de trabajo convocadas por la Municipalidad de Lima para evaluar el impacto de la obra.

Según los especialistas que integran el equipo técnico del colectivo, la principal preocupación no está relacionada únicamente con el riego, sino con la afectación de raíces ocasionada por excavaciones asociadas a la construcción de nueva infraestructura. Durante las inspecciones realizadas en las últimas semanas se identificaron árboles muertos, ejemplares con daños severos y casos que requerirían seguimiento especializado durante los próximos años.

Frente a los cuestionamientos, Invermet ha reconocido la necesidad de replantear parte de la intervención y ha instalado mesas técnicas con participación ciudadana. Mientras continúan las evaluaciones y se discuten medidas de mitigación y recuperación, el futuro de uno de los pulmones más importantes de Lima permanece bajo observación. Porque más allá de su función como área verde, el Campo de Marte concentra años de historia que ayudan a entender la evolución de la ciudad y la importancia de proteger sus espacios comunes.

Sentado frente a un piano francés de 1915, Patricio Suárez-Vértiz interpreta canciones de Elton John para el equipo de Somos. El hermoso instrumento de cola, adquirido de segunda mano hace algunos años, ocupa un lugar central en Disco Bar, el café que abrió hace un año en un sótano de San Isidro. No es la única pieza histórica en este espacio de acogedor aire clandestino. A su alrededor conviven rockolas antiguas, fotografías familiares, tornamesas vintage y una máquina italiana de espresso fabricada en 1955. Esta última es quizá su objeto favorito porque invirtió mucho en ponerla en funcionamiento. “Mi idea es que la gente entre, pueda comer, tomar y sentirse como en una cápsula del tiempo”, explica mientras reparte una ronda de espressos.

La necesidad de construir ese refugio apareció después de una seguidilla de pérdidas, cada una más dolorosa que la anterior. El primero en irse fue Pedro Suárez-Vértiz, su hermano mayor y compañero de aventuras musicales. Diez meses después falleció su madre. “Prácticamente yo ya no le encontraba sentido a la vida. Que se te vaya un hermano es bravo, pero después pasó lo de mi mamá... me pareció demasiado para poder soportarlo”. Hoy cree que ambos tuvieron algo que ver con la inesperada etapa que atraviesa al frente de Disco Bar, el proyecto que ocupa gran parte de sus días. “A veces parece que mi madre y mi hermano me bendijeron. Yo no sé cómo ocurrió todo esto”, dice mientras señala los distintos ambientes del local. “Simplemente se dio”.

Una pasión de vida

Patricio nació en una familia donde el arte era una cosa cotidiana. Su abuelo, Germán Suárez-Vértiz, fue un reconocido pintor. Su padre, Hernando, escultor. Y Pedro parecía tener un talento natural para cualquier instrumento que tocara. Patricio lo observaba siempre con atención. “Yo era su hermanito menor, admirando todo lo que él hacía”, recuerda. El bajo, el instrumento que Patricio domina, llegó gracias a un tío. Los Beatles llegaron después, impulsados por la conmoción mundial que siguió al asesinato de John Lennon en 1980. Aquella fascinación compartida terminaría moldeando el destino de ambos hermanos.

La fama apareció con Arena Hash y desapareció casi tan rápido. Cuando Pedro dejó la banda en 1993 para iniciar su carrera solista, los demás integrantes quedaron obligados a reinventarse. Patricio encontró una oportunidad. Durante un viaje a Miami descubrió la energía de la música disco y quedó fascinado. El rock de la época le sonaba demasiado melancólico; él, en cambio, quería hacer música para bailar. Así nació “Disco Bar”, el tema que le permitió construir una identidad propia lejos de Arena Hash. Pero el éxito no fue inmediato. “Recuerdo que la compuse en guitarra pensando en INXS. Y pasaron tres meses y no pasaba nada. Estaba endeudado”. La historia cambió cuando la canción empezó a sonar en las discotecas de ambiente de Lima. “Ellos la adoptaron. Ahí fue que empezó todo. Cuando vi cómo bailaban, no lo podía creer. De ahí saltó a las radios. Te digo: ‘Disco Bar’ hasta ahora me da de comer”.

Pero la industria musical suele ser inestable. Con el tiempo, pese a colocar algunos singles en la radio, la popularidad disminuyó y Patricio decidió probar suerte en Estados Unidos. No fue la aventura glamorosa que muchos imaginan. Hubo años de incertidumbre y trabajos ocasionales para mantenerse a flote. Uno de ellos consistía en tocar el piano en residencias para adultos mayores. Al principio era simple música de acompañamiento durante los almuerzos, las cenas o las partidas de bingo. Hasta que un día uno de los residentes se acercó con un pedido inesperado. “Hijito, ¿sería mucho pedirte que la próxima vez cantes una de Frank Sinatra?”.

Patricio aceptó el reto. La semana siguiente regresó con pistas musicales y una sorpresa. “De pronto me salió una voz que no sabía que tenía”, cuenta. A partir de entonces, dejó de ser únicamente el pianista del lugar y comenzó a desarrollar la faceta que hoy mejor lo define: la de ‘showman’. Llegaba vestido para la ocasión, con grandes anillos en los dedos, el cabello engominado y el porte de una vieja estrella de rock, mientras interpretaba canciones de Sinatra, Elvis Presley y otros clásicos. Cada presentación en aquel hogar de reposo era un espectáculo. Para otros músicos, aquello podría haber parecido un destino menor; para él era un privilegio. “Yo sentía que a esos viejitos nadie les daba un show”, recuerda.

Ese episodio ayuda a entender quién es realmente Patricio Suárez-Vértiz. Más allá de la fama, siempre ha sido un performer. Alguien que necesita subirse a un escenario, sin importar su tamaño. “Parte de descubrir tu talento también es lanzarte”, dice. “Tienes que lanzarte. Si no te lanzas, no pasa nada”. Esa filosofía parece haber guiado cada una de sus reinvenciones: el bajista de Arena Hash, el cantante de “Disco Bar”, el ‘showman’ y el anfitrión que hoy recibe al público en su propio refugio musical. Una vez al mes se sienta frente al piano de Disco Bar para interpretar canciones de los Beatles, Elton John o Charly García. La gente canta y acompaña el repertorio. Él observa la escena desde la tarima. Después de años de éxitos y caídas, parece haber encontrado un lugar donde todas las etapas de su vida conviven con naturalidad. //

En el marco del Día del Ceviche, que se celebra cada 28 de junio, muchos aprovecharán la fecha para preparar en casa el plato bandera de nuestra gastronomía. Aunque la receta parece sencilla, lograr un ceviche con el equilibrio perfecto entre frescura, acidez y textura requiere cuidar cada detalle. En ese sentido, tres chefs nos comparten los secretos que utilizan en sus cocinas para conseguir un resultado perfecto.

Para Luis Enrique Negreiros, jefe de cocina de Pescados Capitales, el primer ingrediente ni siquiera está sobre la mesa. “Antes de cualquier tip culinario, primero que todo, es cocinar siempre con amor y pasión”, señala. A partir de esa premisa, asegura que la clave está en trabajar con pescado fresco. “Sin importar la especie o el color, la frescura del pescado es la base de una gran experiencia gastronómica”, explica.

El chef recomienda cortar el filete siempre en contra de las fibras para obtener dados ligeramente sesgados, una técnica que ayuda a conseguir una mejor textura en cada bocado. Antes de incorporar el limón, aconseja sazonar el pescado con sal y aromatizarlo con tallos de culantro y un pequeño trozo de ají limo ligeramente aplastados, permitiendo que los sabores se integren desde el inicio.

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El limón como protagonista

Renato López, chef del restaurante Hayaq, explica que el limón debe estar en su punto justo de maduración: ni demasiado verde ni demasiado amarillo, pero sí jugoso.

“Hay que exprimirlo suavemente. Si se presiona demasiado, también se aplastan la cáscara y las pepas, que contienen aceites esenciales con sabor amargo”, señala.

La recomendación coincide con la de Javier Ampuero, chef instructor de Le Cordon Bleu Perú, quien insiste en que el limón debe exprimirse justo antes de utilizarlo para conservar toda su frescura y evitar que adquiera notas amargas.

El secreto está en la temperatura

Otro aspecto fundamental es mantener todos los ingredientes fríos durante la preparación. El chef de Le Cordon aconseja conservar el pescado previamente cortado en refrigeración con una ligera cantidad de sal para mantener su firmeza.

Renato añade otro truco utilizado en las cocinas profesionales: incorporar un par de cubos de hielo directamente a la leche de tigre o al jugo de limón para mantener la temperatura ideal durante el mezclado.

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La cebolla también merece un tratamiento especial. Tanto Javier como el chef de Hayaq coinciden en dejarla reposar en agua con hielo antes de utilizarla. De esta manera conserva su textura crocante y pierde parte de la intensidad característica de su sabor.

Todo listo antes de empezar

Para el chef de Pescados Capitales, la organización también forma parte de una buena receta. Tener todos los ingredientes previamente cortados y listos permite preparar el ceviche en pocos minutos y servirlo inmediatamente, evitando que el pescado permanezca demasiado tiempo en contacto con el limón.

El culantro, de preferencia culantro macho, y el ají limo deben cortarse al momento para conservar todo su aroma. Una vez lista la mezcla, solo queda rectificar el punto de sal y llevar el plato a la mesa.

El mito del limón que “cocina” el pescado

Existe una creencia ampliamente difundida de que el limón cocina el pescado. Sin embargo, desde la ciencia, esa afirmación no es del todo correcta.

Alejandra Ratti, directora del Departamento de Bioingeniería e Ingeniería Química de UTEC, explica que cocinar implica aplicar calor, algo que no ocurre en el cebiche. Lo que sucede es un proceso denominado desnaturalización química: la acidez del limón modifica la estructura de las proteínas del pescado sin elevar su temperatura.

Además de ser uno de los platos más representativos del país, el cebiche también destaca por su aporte nutricional. Combina proteínas provenientes del pescado, carbohidratos del camote y el choclo, grasas saludables como los ácidos grasos omega-3 presentes en los productos marinos y fibra de origen vegetal, convirtiéndose en una alternativa fresca y equilibrada.

En otras palabras, detrás de un buen cebiche no solo hay una receta, sino una serie de técnicas y cuidados que, aplicados de la mejor manera, permiten que cada ingrediente exprese todo su potencial.

Como si fuera una casa de campo detenida en el tiempo, permanece en pie el hogar donde pasó décadas de su vida la artista peruana Julia Codesido (1883-1979), en la avenida Paso de los Andes, en Pueblo Libre. No cabe duda de que se diseñó pensando en las principales necesidades de una pintora: grandes ventanas que permiten el ingreso de la luz natural, además de techos amplios. Es una casa rodeada de jardines donde sucedían las jaranas criollas y se escuchaban géneros como el tango y el jazz. La vida social era activa, pero al llegar la medianoche todos sabían que debían partir. Codesido tenía una huerta y bellos árboles de nísperos y pacaes que ella misma plantaba. Además, desde el ingreso, se ve un iluminado zaguán donde la artista recibía a sus amistades antes de pasar a la sala o al comedor. Con estas disposiciones fue trazada la casa de Codesido por su maestro y amigo José Sabogal, el mayor representante de la plástica indigenista.

“Sabogal diseña la casa como si fuese parte de una pintura. La ves por diferentes lados, es como una casita de campo que él hubiese pintado. El diseño está concebido para que el corazón de la casa sea el taller, donde se tiene la mejor luz. Aquí recibía la luz fría de la mañana y ella pintaba durante prácticamente todo el día. Inclusive era el lugar donde hacía la siesta”, nos cuenta Marilú Ponte, directora de Asuntos Culturales de la PUCP, institución que preside la Fundación Julia Codesido y Estenós desde el año 2004.

El taller es un amplio salón donde encontramos en estos días a las especialistas encargadas del cuidado y organización del fondo artístico, documental y bibliográfico de Codesido. Aquí vemos su antiguo diván. Lo ubicaba al centro del estudio y sobre él se recostaba al terminar de pintar, observaba el trabajo avanzado, descansaba y continuaba su labor. Aún se conserva el caballete, sus pinceles y pigmentos.

El terreno para la construcción de la casa se compró en 1942 y se terminó de levantar en 1957. Debe ser una de las pocas casas de una sola planta que se conservan tal cual se hicieron en la época. Al salón principal le sigue un sobrio comedor sin mucho aspaviento. En su habitación está su cama con el mismo colchón y cobijas usadas por ella. En toda esta gran galería de arte que es su hogar, Codesido designó un espacio al que llamó “galería”, donde colgó sus pinturas y las de su papá. Toda la familia pintó, pero solo ella estudió arte como profesión. Lo hizo tardíamente, sobre los 35 años, al regresar de vivir en Europa, en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Allí abrazó el indigenismo y, posteriormente, desarrolló su propio estilo.

Recorriendo sus salones, pasadizos y rincones, vemos los objetos personales de Julia Codesido. Los retratos familiares, las pinturas hechas por su padre, una vajilla quizá heredada, pequeñas esculturas (entre ellas identificamos una de la escultora boliviana Marina Núñez del Prado, su gran amiga), sillones, muebles, repisas, libros, así como parte de su colección de arte popular ayudan a recrear su cotidianidad. “Lo característico es que pertenece a un grupo de mujeres artistas como Carmen Saco y Teresa Carvallo, que eligen la profesión del arte por sobre el rol típico de la mujer de la época. Ninguna de las tres fue madre. Son de una generación de vanguardia, decididas a dedicarse al arte”, comenta Ponte. Y esta pasión se percibe en este recinto donde la artista se dedicó exclusivamente a pintar, siempre muy consciente de su entorno, por ello muchos investigadores analizan sus archivos para reconstruir su contexto.

Un año antes de su muerte, Julia Codesido crea la fundación con el objetivo de preservar su casa, su obra y promover el arte entre más personas. “El reto actual es poner en valor la vivienda”, comenta Marilú. Para ello, la PUCP, a cargo de la Fundación Julia Codesido, invita al empresariado y a las personas con afinidad por el arte, la conservación y su difusión a brindar su apoyo para que el inmueble y la obra de Codesido estén abiertos al estudio y al conocimiento de la comunidad. “Quisiéramos convertir la casa en parte del circuito cultural, musealizarla y acercarla a la investigación. Podría ser un espacio muy importante en Pueblo Libre”, agrega Ponte. ¿Por qué no pensar la casa de Codesido como la de Frida Kahlo en México?

En el MALI

Algunas de sus pinturas se mantienen sobre las paredes del inmueble, pero la mayoría ha sido trasladada al Museo de Arte de Lima, donde permanecerán hasta noviembre en la exposición “Codesido”. Se han reunido 150 piezas entre pinturas, grabados, archivos y su colección de arte popular. “A ella se la cataloga casi siempre como pintora indigenista, pero creo que la muestra da a conocer a una pintora que dialoga con otras tendencias, como el arte abstracto. Es una mujer que está atenta a lo que sucede en el mundo. No se niega al diálogo, siempre desde su punto de vista personal”, nos comenta Luis Eduardo Wuffarden, quien curó la muestra junto a Ricardo Kusunoki.

En ella, se podrá entender y reconocer el pensamiento de Julia Codesido a lo largo del tiempo. Afortunadamente, fue una artista longeva, por lo que dejó mucha obra con personajes peruanos de regiones andinas, amazónicas y costeñas. Una mirada del Perú como solo ella pudo entender. //

La forma en la que consumimos y aprendemos de gastronomía ha cambiado radicalmente en los últimos años, trasladando las técnicas y secretos de las escuelas de cocina directo a las pantallas de nuestros teléfonos. Hoy en día, la oferta de creadores de contenido dedicados a las recetas en el Perú es más amplia que nunca. Desde jóvenes aficionados hasta chefs experimentados, estos creadores han democratizado los fogones, enseñándonos a preparar todo tipo de platos.

Su impacto va mucho más allá de un simple ‘me gusta’ y por eso en los Premios Somos los reconocemos. Conoce a los nominados y vota ya por tu favorito.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría Mejor creador de contenido gastronómico (recetas) de los Premios Somos 2026:

• Abel Cancho (@abelcaa)

• Alexander Quesquén, Elías Valdez y Alfredo Mora (@acomer.pe)

• Juan Víctor Sicha Quispe (@juansichaquispe)

@juansichaquispe Me sirvieron un delicioso plato típico Ancashino para prepararme para una aventura extrema 💪🇵🇪🥾#uripamantapacha #ancash #peru #viajes #juanpi ♬ sonido original - Juanpi

• Julio César Ayca (@explorandosaborespe)

@explorandosaborespe 🧐Para semanas saturadas, te dejo desayunos que salvan y nos ahorra mucho tiempo. #desayuno #desayunosaludable #desayunosaludable ♬ sonido original - Julio César Ayca

• Khabir Tello (@khabir.tello)

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• Miguel Lozano y Francisco “Pancho” Flores (@wariqueando)

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• Pierre Suqueyama (@pisu.cocina)

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• Rocío Oyanguren (@yomadrero)

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• Rodrigo Fernandini (@rodrigofernandini)

@chefrodrigofernandini ¡La verdadera combinación ganadora! 🍗🍟 Les comparto mi versión de la Salchibroaster a lo pobre. Pollo crocante y jugoso por dentro, salchichas, plátano frito y papa amarilla doradita, todo coronado con un huevito frito y harta salsa. ¡Imagínense esta locura de sabor! 🤯 #RodrigoFernandini #Salchibroaster #buenazo ♬ Wavin' Flag - Coca-Cola® Celebration Mix - K'NAAN

• Waldir Maqque (@waldir.maqque)

@waldir.maqque Sopita de quinua 🍲 Ves, así de sencillo. ¡Qué riquito está! #creadoconadidas #vichaycocha #campo #tradicional #waldirmaqque ♬ sonido original - Waldir Maqque

¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

Hay personas que, a simple vista, hacen todo “bien”: trabajan duro, se esfuerzan, ganan lo suficiente y, aun así, el dinero no les alcanza. Otras, en cambio, sin fórmulas mágicas ni golpes de suerte, logran sostenerlo, hacerlo crecer o, al menos, son capaces de vivir con una sensación de estabilidad que no parece depender solo de sus ingresos.

Si bien cuando hablamos de dinero, la educación financiera y la disciplina son factores claves para un crecimiento económico, no siempre alcanzan para entender por qué, frente a oportunidades similares, algunas personas avanzan, mientras otras parecen estar inmersas en una racha de escasez.

Frente a ello, el enfoque de las constelaciones familiares propone una lectura distinta, — y no siempre fácil de aceptar—: la forma en que una persona se relaciona con el dinero podría estar profundamente vinculada con la relación que tiene (o tuvo) con su madre.

Qué hay detrás del vínculo entre el dinero y la madre

Para muchas personas, el dinero siempre ha estado ligado al trabajo, al esfuerzo e incluso a la suerte. Sin embargo, desde las constelaciones familiares, no parte tanto del cómo se gana, sino desde dónde se aprende a recibir.

Como explicó María Ysabel Malca, terapeuta holística del Centro Holístico Luna Nueva a Somos, antes del dinero estuvo la madre. Y es que su pecho, su calor y su “sí” a darnos la vida, constituyen la primera experiencia de abundancia que registra el cuerpo.

“Desde esta mirada, el inconsciente no diferencia entre esa vivencia inicial y lo que viene después: para ese niño interior, recibir cuidado, alimento o sostén emocional se conecta directamente con todo lo que más adelante será entendido como “recibir” en un sentido más amplio, incluyendo el dinero”.

Por eso, cuando ese vínculo se tensiona o se rechaza —de forma consciente o inconsciente— puede aparecer una dificultad para recibir. De acuerdo con la terapeuta holística, no se trata de una relación lineal ni directa, sino de un patrón emocional que se instala, por lo que si le cerramos el corazón a nuestra madre, ese mismo gesto puede repetirse frente a otras formas de abundancia.

En este sentido, las constelaciones nos invitan a “tomar a la madre”, en otras palabras, a decirle sí a la vida que vino de ella, sin reclamar lo que faltó. “Es poder decir internamente: “Mamá, te tomo como eres”. No se trata de justificar sus errores ni negar el dolor, sino de soltar la pelea con esa historia y empezar a aceptarla desde otro lugar”.

Cuando la relación con la madre no fue fácil

Cuando la madre estuvo ausente —por enfermedad, muerte, migración o depresión — o cuando el vínculo estuvo marcado por experiencias dolorosas como el maltrato o el abuso, puede generarse una ruptura en la conexión madre-hijo, lo que el psicoterapeuta y trainer en constelaciones familiares Julio Salas denomina “amor interrumpido”.

No se trata solo de una herida afectiva, simbólicamente también puede traducirse en una dificultad para sostener la prosperidad, como si la fuente de vida y —con ella la abundancia— hubiera quedado parcialmente desconectada.

“Aquí es necesario aplicar lo de “tomar a la madre”, lo cual debe partir del deseo y la intención del hijo de acercarse y volver a conectarse desde el interior con la figura materna. A veces, ese proceso requiere de acompañamiento terapéutico o una constelación que permita “ordenar” ese vínculo y aceptar lo ocurrido”, aseguró Salas.

En esta misma línea, Max Monge, psicoterapeuta constelador familiar y fundador de Casa Doctor, añadió un matiz importante, ya que incluso cuando una madre biológica no estuvo presente en la crianza, es fundamental distinguir entre la madre como origen biológico y la función materna como experiencia emocional. La primera es única e irremplazable en términos simbólicos, mientras la segunda puede ser sostenida por distintas figuras —abuelas o tías— que aportan cuidado, sostén y afecto.

Desde esta perspectiva, no se trata de sustituir una por otra, sino de reconocer a quienes cumplieron la función materna sin excluir a la madre de origen, dándole a cada una su lugar dentro de la historia.

No todo depende de la madre

Aunque la madre es el flujo, la abundancia y el canal por donde entra el dinero, el amor y la vida, desde las constelaciones familiares, el padre es el que da el permiso para ir al mundo. Según María Ysabel Malca, este representa la estructura, los límites, la fuerza para actuar, invertir y sostener lo que llega. Por eso, sin ese padre simbólico, podemos recibir, pero el dinero se nos escapa.

Además, esta relación con las finanzas no solo se circunscribe a la familia actual. Como bien señaló la terapeuta, las abuelas son el origen del sistema. Es por eso que, si nuestros antepasados atravesaron hambre, guerras, pérdidas o crisis graves, grabaron en el campo familiar frases como “el dinero se acaba” o “hay que ahorrar todo porque nunca se sabe”, creencias que se pueden terminar heredando y viviendo como propias, aunque nunca se haya atravesado por esas experiencias.

“Las finanzas actuales pueden estar repitiendo el miedo a la escasez de hace dos o tres generaciones. En constelaciones familiares esto se le denomina como lealtades invisibles, ya que nos afectan sin que seamos conscientes de su origen”.

Sin embargo, simplificar los problemas económicos atribuyéndolos únicamente a la relación con la madre puede ser riesgoso. Como advirtió Julio Salas, cada persona es responsable de su propia vida y, si bien la historia familiar puede influir, no determina. Y es que no se trata de culpar al pasado, sino de asumir el propio poder personal, fortalecer la conexión interna y recordar que, el éxito comienza en el corazón y la mente, antes de reflejarse en lo externo.

Cómo se refleja la relación con la madre en las decisiones financieras

Cuando hay un conflicto no resuelto con la madre, según Malca y Salas, más que errores financieros aislados, lo que aparece son patrones que se repiten casi de forma inconsciente:

• Gasto impulsivo o compulsivo: Comprar sin poder retener el dinero, usándolo como una forma momentánea de llenar vacíos emocionales.
• Dificultad para cobrar lo justo: Regalar el trabajo, cobrar menos de lo debido o sentir vergüenza y culpa al poner un precio.
• Endeudamiento constante: A veces como una lealtad inconsciente a historias de escasez familiar.
• Ahorro rígido o compulsivo: Retener el dinero por un miedo intenso a perderlo todo, anulando la capacidad de disfrute.
• Sacrificio laboral: Trabajar en exceso y ganar poco, bajo la creencia de que “para merecer, debo sufrir”.
• Incapacidad para recibir: Rechazar ayuda, regalos o apoyo, sosteniendo la idea de “no necesito a nadie”.
• Autosabotaje económico: Perder oportunidades, abandonar procesos o desordenarse justo cuando las cosas empiezan a ir bien.
• Fuga de dinero: Sensación de que el dinero no se queda, como si no fuera seguro tenerlo o conservarlo.
• Dependencia económica: Dificultad para asumir la propia autonomía financiera y tendencia a buscar que otros sostengan.
• Control excesivo del dinero: Miedo intenso a gastar y necesidad de supervisarlo todo.
• Culpa al prosperar: Sentirse mal al tener más éxito o dinero que la familia.

Detrás de muchas de estas conductas no solo hay hábitos financieros, sino creencias profundamente arraigadas: “el dinero se me va de mis manos”, “ganar dinero es difícil”, “es mejor no deberle nada a nadie” o “si tengo, me lo quitan”. Aunque parecen ideas sobre dinero, en realidad nacen del niño interior que aprendió que recibir puede ser peligroso o que, simplemente no tiene derecho a hacerlo.

Y esto se vuelve aún más evidente en contextos donde predomina la figura de la madre sacrificada. De acuerdo con Max Monge, cuando un hijo empieza a ganar más que ella, puede aparecer una tensión interna, ya que prosperar se vive como una traición.

Desde ahí, algunos repiten el sacrificio, mientras que otros alcanzan el éxito, pero sin poder disfrutarlo plenamente. En ambos casos, el psicoterapeuta explicó que, lo que falta no es más esfuerzo, sino procesar las emociones que quedaron pendientes, como el dolor, la frustración y la tristeza.

Algo similar ocurre en los llamados “hijos parentalizados” y es que, cuando un hijo asume el rol de proveedor, su dinero deja de sentirse propio. “Crecer, ahorrar o invertir para sí mismo puede generar culpa, como si progresar implicara abandonar. Por eso, el desarrollo financiero se frena, no por falta de capacidad, sino por una lealtad emocional que sigue operando en silencio”, agregó Malca.

¿Se puede cambiar esta relación?

Cuando una persona trabaja en la relación con la madre, comienza a experimentar mayor bienestar, paz y claridad mental, lo cual termina impactando significativamente en la forma en la que se toman decisiones.

A partir de ahí, los cambios se vuelven visibles en la vida diaria, refirió Monge. Por ejemplo, disminuyen los gastos innecesarios, aparece una mayor capacidad de ahorro y pueden surgir nuevas oportunidades, como mejores puestos de trabajo o ideas para emprender.

“Esto no ocurre como algo aislado, sino como consecuencia de estar más en armonía con la energía de nuestra madre”.

Pero estos cambios no se logran solo en un espacio terapéutico. Según el experto en constelaciones familiares, este vínculo se trabaja, sobre todo, en lo cotidiano. Básicamente, en cómo una persona se relaciona con su casa, con su cuerpo y con las responsabilidades diarias.

Y es que, al representar la vida y la abundancia, la madre se refleja en cómo una persona sostiene su día a día. Por eso, involucrarse activamente en tareas simples, como mantener el orden, cocinar y cuidar la salud, es también la base para ordenar las finanzas.

En este sentido, el termómetro más sincero de este vínculo aparece al mirar la cuenta bancaria, pues allí es donde toca preguntarse: ¿agradezco lo que hay o siento que todavía me deben? Porque quien vive bajo la queja de que su madre no le dio suficiente afecto, cuidado o reconocimiento, traslada esa deuda emocional a su economía.

“Al final, como miras a tu madre, miras al dinero. Si te sientes pequeño ante ella, te sentirás pequeño ante las deudas. Pero cuando ocupas tu lugar de hijo y eres agradecido, dejas de exigirle al pasado y asumes la madurez necesaria para dominar y ordenar tu propio dinero”, enfatizó el fundador Casa Doctor.

Hay algo inquietante —y profundamente contradictorio— con la frecuencia y la manera en que el mundo habla del envejecimiento femenino. Porque, al final, no importa lo que decidas hacer con tu cuerpo: si cambias te critican y si no lo haces, también.

Basta con mirar lo que ocurre cada vez que una mujer conocida aparece en público. A Demi Moore se le cuestionó recientemente por su delgadez en el Festival de Cannes, con especulaciones sobre el uso de Ozempic e incluso comparaciones con su propio personaje en la película “La Sustancia”, obsesionado con la juventud. A Shakira, tras su aparición en el Mundial de Fútbol, se le examinó el rostro al detalle: surgiendo dudas de si tenía bótox y comentarios reprochando que “siempre quiere parecer de 20”.

Pero el otro camino tampoco ofrece tregua. Actrices como Kate Winslet o Sarah Jessica Parker han hablado abiertamente de no querer someterse a procedimientos estéticas. Aun así, no quedan fuera del escrutinio, ya que sus arrugas, canas o cambios físicos siguen siendo tema de conversación, como si envejecer de manera “natural” también fuera un error.

Y es que el mensaje, aunque no siempre se diga en voz alta, termina siendo el mismo: no hay una forma correcta —ni “digna”— de envejecer siendo mujer.

El verdadero problema detrás de envejecimiento femenino

Lejos de ser un fenómeno superficial, esta presión constante tiene un trasfondo psicológico y social significativo y es que, durante mucho tiempo, el valor de la mujer ha estado supeditado a la juventud y la belleza. Como explicó la psicóloga Verónica Carrasco a Somos, no se trata de una exigencia que aparece de golpe en la adultez, sino de un mandato instaurado desde edades muy tempranas, por lo que muchas niñas crecen recibiendo mensajes sobre cómo deberían verse, qué ropa usar o cómo mantenerse jóvenes.

Esta idea se sostiene, además, en los roles de género. Según la psicóloga Giovanna Mejía, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM), tanto hombres como mujeres aprenden qué se espera de ellos en su entorno, y esas expectativas también moldean la relación con el propio cuerpo. En este sentido, la apariencia no llega a ser una decisión completamente libre, sino una elección que ocurre dentro de los límites que la sociedad permite o sanciona.

Por eso, el cuerpo femenino ha sido históricamente un espacio de observación constante, ya que no solo se espera que cumpla con ciertos estándares, sino que además se mantenga dentro de un rango específico: lo suficientemente joven para ser valorada, pero sin mostrar demasiado esfuerzo por parecerlo. Incluso la “edad ideal” de una mujer, en el imaginario social, coincide con el momento en que es percibida como más deseable o reproductivamente activa, dejando así en un segundo plano su desarrollo personal, profesional o emocional.

En este contexto, el envejecimiento está marcado por un profundo doble estándar. De acuerdo con Jenny Adanaque, psicóloga la Universidad Científica del Sur, históricamente el hombre ha sido asociado al poder, el éxito y el estatus, por lo que los signos de la edad —como las canas— suelen percibirse como algo natural e incluso atractivo. En las mujeres, en cambio, el paso del tiempo tiende a leerse como una pérdida de belleza, valor o de relevancia; una supuesta imperfección que “debería” corregirse y que, además es reforzada por una industria que convierte el envejecimiento femenino en un problema a resolver.

“El problema de fondo es estructural, más que estético. El género, lejos de limitarse a describir diferencias, organiza relaciones de poder. Por consiguiente, el cuerpo de la mujer no se evalúa por cómo luce, sino por su rol histórico como un espacio donde se inscriben normas, expectativas y formas de control”, aseguró Mejía.

Esto también explicaría por qué las mujeres son cuestionadas tanto si deciden intervenir su apariencia como si optan por no hacerlo. En ambos casos hay una transgresión: una intenta escapar de la norma, mientras la otra la ignora. Y en una cultura que premia la conformidad, cualquier desvío termina siendo castigado.

Cuando la imagen deja de ser una elección

Lejos de desaparecer, estos mandatos sociales han mutado para adaptarse a la era digital. Si antes eran la familia, la publicidad tradicional o el entorno los encargados de vigilar y definir cómo debía lucir una mujer, hoy las redes sociales han multiplicado esa presión y la han trasladado a la palma de la mano. Así, los estándares de belleza han dejado de dictarse desde la página de una revista para actualizarse en tiempo real a través de filtros, algoritmos y rostros rejuvenecidos que circulan de forma ininterrumpida en las pantallas.

Para Jenny Adanaque, este bombardeo visual transmite la idea de que lo natural es “no envejecer”, normalizando así lo artificial, mientras que los signos de la edad comienzan a percibirse como errores que deberían ocultarse o corregirse.

“La distancia entre la imagen filtrada y la apariencia real puede generar una disonancia cognitiva que refuerza distorsiones sobre el propio cuerpo y alimenta la creencia de que siempre hay algo que mejorar. Incluso, muchas mujeres persiguen estándares imposibles de alcanzar porque responden a una perfección algorítmica construida mediante edición, iluminación y tecnología”.

De este modo, el problema deja de ser únicamente una cuestión de percepción, ya que estas imágenes no solo redefinen lo que consideramos normal, sino que también moldean las condiciones bajo las cuales creemos que podremos ser aceptadas. El doctor Patrick Byrne, cirujano plástico de Cleveland Clinic advirtió que, la exposición continua a rostros editados refuerza la sensación de que los cambios estéticos son indispensables para obtener aprobación social lo que, a su vez favorece la internalización de ideales de belleza cada vez más difíciles de cumplir.

Pero la influencia de estas imágenes no termina cuando se cierra una aplicación. Fotografías, videollamadas y cámaras frontales han convertido la autoobservación en una práctica casi automática. Según Verónica Carrasco, nunca antes las personas habían pasado tanto tiempo observando su propia imagen, por lo que esta atención permanente puede hacer que detalles tan imperceptibles se conviertan en motivo de preocupación e insatisfacción con la propia apariencia.

Lo más preocupante es que esta dinámica parece instalarse cada vez más temprano. De acuerdo con Antonella Galli, psicóloga de la Clínica Ricardo Palma, cada vez son más las adolescentes que se sienten cómodas únicamente cuando utilizan determinados filtros para mostrarse en redes. Lo que parece un gesto cotidiano, al final puede convertirse en una fuente de inseguridad y consolidar la idea de que la aceptación depende de aproximarse a una perfección inalcanzable.

“Cuando mujeres jóvenes observan que incluso mujeres admiradas, exitosas y consideradas bellas son cuestionadas por sus arrugas, su peso o cualquier signo relacionado al envejecimiento, pueden concluir que los logros personales nunca bastan. El mensaje implícito es que la apariencia continúa teniendo un peso desproporcionado en la valoración de una mujer, por lo que el temor al paso del tiempo comienza mucho antes de que aparezcan las primeras arrugas”, destacó Carrasco.

El costo psicológico de vivir siendo evaluada

Para muchas mujeres, el paso del tiempo no solo implica cambios naturales en el cuerpo y el rostro, sino también la presión de responder a esos ideales que prometen una juventud eterna y, que en la práctica resultan inalcanzables. La consecuencia de esta exigencia —ejercida por la sociedad, las redes sociales e incluso una misma— es una vigilancia permanente sobre la apariencia, en donde cada arruga o signo de la edad puede vivirse como una amenaza al valor personal.

En este sentido, la psicóloga Giovanna Mejí señaló que, la comparación sostenida con estos cánones puede generar insatisfacción corporal crónica, ansiedad, baja autoestima y sentimientos persistentes de insuficiencia. En algunos casos, incluso puede asociarse con trastornos de la conducta alimentaria o con síntomas asociados al trastorno dismórfico corporal.

“El impacto acumulativo de esta presión diaria no es neutral, ya que va erosionando la capacidad de habitar el propio cuerpo con satisfacción y desplaza el eje de evaluación personal desde quiénes somos hacia cómo lucimos. Cuando las mujeres aprenden a observarse permanentemente desde una mirada externa, terminan evaluándose como objetos antes que como sujetos de su propia experiencia”.

Esta necesidad de control, añadió la experta de la UARM, demuestra que la angustia frente al paso del tiempo no surge del envejecimiento en sí mismo, sino de haber sido socializadas bajo una estructura que le pone fecha de caducidad al valor de una mujer. Por eso, cuando el entorno deja de reconocer a las mujeres dentro de esos parámetros de deseo y admiración, muchas sienten que también está en juego su propia identidad.

En este contexto, los procedimientos estéticos pueden ofrecer una satisfacción temporal, pero no resuelven de por sí una crisis de autoaceptación. Como explicó Verónica Carrasco, la autoestima y la autoaceptación son procesos psicológicos que no dependen únicamente de la apariencia física. Cuando el bienestar queda sujeto exclusivamente a cómo nos vemos, siempre aparecerá un nuevo defecto que corregir y una nueva razón para sentir que no somos suficientes.

Por eso, quizás el desafío más urgente sea permitir que las mujeres envejezcan en paz. Esto exige reconocer que una vida valiosa no se mide por la capacidad de sostener una imagen imposible, sino por la solidez de los vínculos, los proyectos realizados y la identidad que se fortalece más allá de la estética. Solo desde esa compasión es posible entender que el envejecimiento no es una derrota ni una pérdida de dignidad, es en realidad, una expresión inevitable y profundamente humana de estar vivas.

La cocina peruana e internacional no solo se disfruta sentados a la mesa; también se aprende y se saborea a través de las pantallas. La oferta de contenidos audiovisuales dedicados a la gastronomía ha experimentado un crecimiento sin precedentes en el país, impulsada tanto por la televisión tradicional como por las plataformas de streaming y los formatos digitales. Por eso, en los Premios Somos 2026 tenemos una categoría para reconocer a estos espacios.

Conoce a los rostros que están detrás de verdaderas escuelas culinarias para el hogar, democratizando el acceso a técnicas complejas, rescatando insumos olvidados y conectando a los cocineros y aficionados con las últimas tendencias de los fuegos a nivel global.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría Mejor programa (digital o televisión) de gastronomía de los Premios Somos 2026:

• ALC News (Jimena Agois)
• Así de simple (Sandra Plevisani, María Plevisani y Mari Calixtro)
• Bareando (André Gallet)
• Bruto TV (Arlette Eulert)
• Cocinando Historias (Javier Ampuero)
• Con sabor a Perú (Israel Laura)
• Majo con Sabor (María José Vigil)
• Nuestro mar, nuestra cocina (Luis Cordero)
• Studio Cocina (Gabriel Calvo)
• Viaja y Prueba (Luciano Mazzetti)

¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

En plena avenida La Mar, una de las calles gastronómicas más reconocidas de Lima, el restaurante Awa ofrece una interpretación singular del plato bandera peruano. Su cebiche combina pesca del día con una leche de tigre elaborada con ají charapita y masato (un fermento amazónico de yuca), además de perlas de tapioca, palmitos encurtidos, puré de plátano maduro asado, toques de sachaculantro y se acompaña con plátano bellaco. Los ingredientes remiten a la Amazonía, pero el resultado sigue siendo inconfundible: un cebiche.

En esa aparente tensión entre lo familiar y lo inesperado aparece una clave. El cebiche no se sostiene por una lista fija de ingredientes, sino por una lógica compartida que permite reconocerlo incluso cuando cambia de forma. Algo así como un lenguaje que se adapta sin dejar de ser el mismo.

Cada 28 de junio, el Perú celebra el Día Nacional del Cebiche. La fecha reúne una certeza y una paradoja: es el plato más representativo del país, pero también uno de los más diversos. No existe una sola versión, sino muchas formas de contarlo.

En la Amazonía, el cebiche no depende del mar. Se construye desde el río, la chacra y la memoria de los ingredientes locales. El chef Aldo Yaranga explica que allí el plato mantiene su estructura esencial, pero cambia de herramientas: el ají charapita reemplaza al limo costero, mientras que el sachaculantro aporta otra intensidad aromática. A ello se suman ingredientes como la yuca y el plátano, que reemplazan acompañamientos más asociados al litoral.

El pescado también responde a otro ecosistema. El paiche y la doncella, provenientes de ríos, permiten versiones que no buscan replicar la costa, sino sostener la idea del cebiche desde su propio territorio. También se encuentran cebiches con camarones o, en zonas como San Martín, se pueden disfrutar preparaciones con almejas de Alto Mayo.

Insumos en la sierra

En los Andes, el cebiche también cuenta otra historia. Según explica Rocío Orihuela, del restaurante El Tarwi, en Áncash para muchas familias el primer contacto con este plato no llegó desde el mar, sino desde la tierra. El cebiche de chocho o tarwi forma parte de la alimentación cotidiana en distintas zonas del Callejón de Huaylas y otras provincias andinas. Preparado con limón, cebolla y ají, conserva la lógica del cebiche tradicional, pero se construye a partir de una legumbre ancestral rica en proteínas. En muchos hogares, es la versión original del recuerdo.

Más al sur, en Puno, la protagonista es la trucha. Úrsula Núñez, gerente del restaurante Mojsa, explica que la abundancia de este pescado en la región y la limitada llegada de productos marinos frescos han convertido al cebiche de trucha en la presentación más extendida en la zona. Está presente en restaurantes, mercados y espacios cotidianos alrededor del lago Titicaca.

Se acompaña con cancha, choclo y camote, pero su sabor exige otra intensidad en la sazón. Para muchos visitantes, es uno de los primeros encuentros con la cocina local, y también una de las formas más claras de entender cómo el cebiche se adapta a los Andes y su despensa.

La costa y sus acentos

En la costa peruana, el cebiche es más reconocible, pero también más diverso. Para el chef Marco Palma, de la barra nikkei Ototo, cada tramo del litoral tiene una manera distinta de expresarlo. No es lo mismo en el norte que en el sur, ni lo mismo en Lima que en los puertos más pequeños. Cambian los pescados, los ajíes y las costumbres alrededor del plato. El ají, en particular, dibuja un mapa paralelo. El cerezo en el norte, el mochero en Trujillo, el arnaucho en Barranca, el limo en la costa central y el rocoto en el sur dan matices distintos a una misma idea.

Renzo Miñán, de Almacén Cevichería y Cumpa, observa otra capa de esa diversidad. En el norte aparecen la yuca, la sarandaja, las tortitas de choclo y los chifles como acompañamientos. En el sur, resalta el uso de mariscos y delicias como los erizos. En Lima, la leche de tigre se vuelve un punto de equilibrio que articula la preparación.

Recorrer el Perú a través del cebiche es descubrir que no se trata de una receta, sino de una forma de entendernos. En la selva, la sierra y la costa, el plato cambia de ingredientes y de contextos, pero preserva la esencia que permite reconocerlo al instante. Por eso, más que un plato bandera, el cebiche funciona como un lenguaje común. Uno que se habla con distintos acentos, pero que siempre logra lo mismo: sentar al país alrededor de la misma mesa.

Hace 16 años la Feria del Libro Zona Huancayo (FELIZH) llegó a sumarse al circuito de ferias de la ciudad de Huancayo. A pesar de la altura o el frío, aquí, hay ferias de todo y para todos los públicos: gastronomía, agropecuarias, ganaderas, artesanales, y ahora, también, su respectiva feria alrededor de los libros.

Esta edición viene siendo la más exitosa de su historia. Así lo piensa Willy Mateo, organizador de la Feria del Libro Zona Huancayo desde sus inicios. La gente no para de llegar desde que abrió sus puertas el 18 de junio. Llegan delegaciones de colegios, estudiantes universitarios, profesionales, amantes de la lectura, familias y de todas las edades en busca de libros, pero también de arte. Sumadas a las presentaciones de novedades libreras, el programa cultural se vuelve cada año más atractivo con actividades musicales, homenajes, actividades interculturales, incluso algunas tienen intérprete de señas para las personas con discapacidad auditiva.

“Esta edición se la hemos dedicado al escritor José María Arguedas, muy querido en todo el país. Cuando anunciamos la feria hace dos meses y que iba a estar dedicada a él, recibimos cientos de llamadas y muchos mensajes, y cuando lanzamos las inscripciones para las editoriales, los stands se terminaron rápidamente. Hay unas 10 o 15 editoriales que se quedaron con las ganas de venir”, sostiene Willy Mateo. El público ha respondido desde el inicio: “Todas las mañanas me pongo muy feliz porque vienen los estudiantes de los colegios y recorren los stands. En un momento se llena la feria y tenemos que cerrar los ingresos por un momento para respetar el aforo y la seguridad”. Además, a pedido de las editoriales y el público, han ampliado el horario de inicio desde las 10 a. m. y ya no a las 11 a. m.

Las colas para el ingreso al auditorio y las firmas de libros se ven a cada hora. “Es una fiesta de la cultura para el pueblo y el pueblo la siente como propia”, afirma Willy. Los resultados son positivos y todavía quedan varios días de feria. Las primeras estadísticas de ventas dan un millón de soles, pero aspiran llegar al millón y medio, es el objetivo de este año. Con el fin de semana largo es un hecho que las ventas se incrementarán.

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Estás desde el inicio en la Feria del Libro Zona Huancayo, ¿cómo han sido estos 16 años?

Son 16 años que le hemos puesto mucho punche. Trabajamos durante medio año, aproximadamente. Felizmente, tengo un buen equipo que me ayuda muchísimo en la elaboración del programa cultural, encabezado por una de las mejores gestoras culturales del país que es Doris Moromisato, premiada hace poco por el Ministerio de Cultura como Personalidad Meritoria de la Cultura. Y, del área comercial se encarga Liliana Minaya. Soy el director de orquesta, pero sobre todo me baso en el equipo que tenemos y hemos ido mejorando en el tiempo. Yo prometí que esta feria nació para quedarse en Huancayo porque es la capital ferial del Perú.

¿Cómo se apoya el hábito de la lectura con esta feria?

La intención principal es impulsar el hábito de la lectura, que la gente se acerque a los libros con el ánimo de mejorar como persona. Al vender solo libros originales se apoya la industria editorial peruana, se reconoce a nuestros escritores regionales, locales y también a los escritores del Perú. Se logra que el público de Huancayo conozca a los escritores del Perú y a los invitados internacionales. Los objetivos se están cumpliendo en esta edición.

¿La Feria del Libro Zona Huancayo es ya una tradición?

Sí, se ha convertido en una tradición y esa es una parte positiva. Antes, los escritores publicaban un libro, se juntaban con los demás escritores o poetas, se iban a un café y ahí presentaban el libro entre ellos. En cambio, ahora la diferencia está en que los escritores de la región se programan sabiendo que va a haber una feria y corren a sus editoriales, a sus imprentas, para que el libro salga en junio. Lo mismo ocurre con los escritores nacionales. Tenemos la suerte que la mayoría de ellos dicen que esta es la mejor feria regional. Para nosotros es un honor que todos lo crean así.

¿Cuáles serían los beneficios para la sociedad de descentralizar ferias y tener en Huancayo una tan importante con su propia identidad como la FELIZH?

Normalmente, la promoción de libros se hacía en la capital, pero felizmente ahora los escritores saben que pueden venir a Huancayo a vender sus libros y que el público responde. Quiero rescatar del público de la región que las presentaciones son apoteósicas, llenas de gente interesada en escuchar al escritor, en tomarse un selfie con ellos, en que le regalen un autógrafo. La escritora Karina Pacheco estuvo feliz con el auditorio lleno, Jeremías Gamboa también estuvo con el auditorio repleto. Entonces, los escritores vienen sabiendo que no solamente en Lima los promocionan, sino que aquí el público los espera. //

La comunidad gastronómica de Lima se moviliza para brindar apoyo a las familias afectadas por los terremotos registrados en Venezuela el pasado 24 de junio. Con ese objetivo, Amarena, Demo, Fumu, Pregón de la Once y Booze Bar unirán esfuerzos en una jornada solidaria cuya recaudación será destinada íntegramente a la atención de los damnificados a través de la ONG Perú Pendiente.

La actividad se realizará el lunes 29 de junio, de 2:00 p.m. a 7:00 p.m., en Amarena Bolognesi, donde los asistentes podrán colaborar adquiriendo una selección especial de preparaciones venezolanas elaboradas especialmente para la ocasión.

Amarena participará con arepas de queso y arepas de carne. Demo, ofrecerán dos versiones de uno de los platos más emblemáticos de su país: cachapa de queso y cachapa de panceta con salsa criolla. Fumu se sumará con algunas de sus preparaciones más populares, entre ellas donut glaseada de vainilla, bombitas rellenas de guayaba y bebidas de matcha, y, Pregón de la Once aportará dos clásicos infaltables de la mesa venezolana: mini panes de jamón y torta de auyama (zapallo). Booze Bar ofrecerá cócteles a base de ron de Venezuela.

La jornada contará además con la participación voluntaria de cocineros, baristas y profesionales venezolanos vinculados a la industria gastronómica, quienes se sumarán para cocinar, atender y acompañar esta iniciativa solidaria.

Los organizadores invitan al público a acercarse, consumir y colaborar, recordando que el cien por ciento de lo recaudado será destinado a apoyar a las comunidades afectadas. Asimismo, quienes no puedan asistir podrán realizar donaciones a través del botón de Yape habilitado con el logo de Perú Pendiente.

Se trata de una muestra de unión y apoyo de la comunidad gastronómica hacia quienes hoy más lo necesitan.//

Los Premios Somos celebran este 2026 su cuarta edición y lo hacen con categorías renovadas. Entre ellas la categoría que reconoce las ofertas de los restaurantes que forman parte del club de suscriptores de “El Comercio”.

Siendo parte del club de suscriptores del diario (conoce más información aquí), puedes acceder a descuentos en restaurantes premiados, pero también a ofertas en entradas a conciertos, obras de teatro, actividades de turismo y educación.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría Mejor restaurante del club de suscriptores de “El Comercio” de los Premios Somos 2026:

• Al Asador
• Baco y Vaca
• Don Rosalino
• Edo Sushi Bar
• El Bolivariano
• Embarcadero 41
• José Antonio
• La Baguette
• La Cuadra de Salvador
• Lala Restaurante
• Mó Café
• Restaurante Royal
• Santo Pez
• Segundo Muelle
• Yunta

¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.