Como si fuera una casa de campo detenida en el tiempo, permanece en pie el hogar donde pasó décadas de su vida la artista peruana Julia Codesido (1883-1979), en la avenida Paso de los Andes, en Pueblo Libre. No cabe duda de que se diseñó pensando en las principales necesidades de una pintora: grandes ventanas que permiten el ingreso de la luz natural, además de techos amplios. Es una casa rodeada de jardines donde sucedían las jaranas criollas y se escuchaban géneros como el tango y el jazz. La vida social era activa, pero al llegar la medianoche todos sabían que debían partir. Codesido tenía una huerta y bellos árboles de nísperos y pacaes que ella misma plantaba. Además, desde el ingreso, se ve un iluminado zaguán donde la artista recibía a sus amistades antes de pasar a la sala o al comedor. Con estas disposiciones fue trazada la casa de Codesido por su maestro y amigo José Sabogal, el mayor representante de la plástica indigenista.

“Sabogal diseña la casa como si fuese parte de una pintura. La ves por diferentes lados, es como una casita de campo que él hubiese pintado. El diseño está concebido para que el corazón de la casa sea el taller, donde se tiene la mejor luz. Aquí recibía la luz fría de la mañana y ella pintaba durante prácticamente todo el día. Inclusive era el lugar donde hacía la siesta”, nos cuenta Marilú Ponte, directora de Asuntos Culturales de la PUCP, institución que preside la Fundación Julia Codesido y Estenós desde el año 2004.

El taller es un amplio salón donde encontramos en estos días a las especialistas encargadas del cuidado y organización del fondo artístico, documental y bibliográfico de Codesido. Aquí vemos su antiguo diván. Lo ubicaba al centro del estudio y sobre él se recostaba al terminar de pintar, observaba el trabajo avanzado, descansaba y continuaba su labor. Aún se conserva el caballete, sus pinceles y pigmentos.

El terreno para la construcción de la casa se compró en 1942 y se terminó de levantar en 1957. Debe ser una de las pocas casas de una sola planta que se conservan tal cual se hicieron en la época. Al salón principal le sigue un sobrio comedor sin mucho aspaviento. En su habitación está su cama con el mismo colchón y cobijas usadas por ella. En toda esta gran galería de arte que es su hogar, Codesido designó un espacio al que llamó “galería”, donde colgó sus pinturas y las de su papá. Toda la familia pintó, pero solo ella estudió arte como profesión. Lo hizo tardíamente, sobre los 35 años, al regresar de vivir en Europa, en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Allí abrazó el indigenismo y, posteriormente, desarrolló su propio estilo.

Recorriendo sus salones, pasadizos y rincones, vemos los objetos personales de Julia Codesido. Los retratos familiares, las pinturas hechas por su padre, una vajilla quizá heredada, pequeñas esculturas (entre ellas identificamos una de la escultora boliviana Marina Núñez del Prado, su gran amiga), sillones, muebles, repisas, libros, así como parte de su colección de arte popular ayudan a recrear su cotidianidad. “Lo característico es que pertenece a un grupo de mujeres artistas como Carmen Saco y Teresa Carvallo, que eligen la profesión del arte por sobre el rol típico de la mujer de la época. Ninguna de las tres fue madre. Son de una generación de vanguardia, decididas a dedicarse al arte”, comenta Ponte. Y esta pasión se percibe en este recinto donde la artista se dedicó exclusivamente a pintar, siempre muy consciente de su entorno, por ello muchos investigadores analizan sus archivos para reconstruir su contexto.

Un año antes de su muerte, Julia Codesido crea la fundación con el objetivo de preservar su casa, su obra y promover el arte entre más personas. “El reto actual es poner en valor la vivienda”, comenta Marilú. Para ello, la PUCP, a cargo de la Fundación Julia Codesido, invita al empresariado y a las personas con afinidad por el arte, la conservación y su difusión a brindar su apoyo para que el inmueble y la obra de Codesido estén abiertos al estudio y al conocimiento de la comunidad. “Quisiéramos convertir la casa en parte del circuito cultural, musealizarla y acercarla a la investigación. Podría ser un espacio muy importante en Pueblo Libre”, agrega Ponte. ¿Por qué no pensar la casa de Codesido como la de Frida Kahlo en México?

En el MALI

Algunas de sus pinturas se mantienen sobre las paredes del inmueble, pero la mayoría ha sido trasladada al Museo de Arte de Lima, donde permanecerán hasta noviembre en la exposición “Codesido”. Se han reunido 150 piezas entre pinturas, grabados, archivos y su colección de arte popular. “A ella se la cataloga casi siempre como pintora indigenista, pero creo que la muestra da a conocer a una pintora que dialoga con otras tendencias, como el arte abstracto. Es una mujer que está atenta a lo que sucede en el mundo. No se niega al diálogo, siempre desde su punto de vista personal”, nos comenta Luis Eduardo Wuffarden, quien curó la muestra junto a Ricardo Kusunoki.

En ella, se podrá entender y reconocer el pensamiento de Julia Codesido a lo largo del tiempo. Afortunadamente, fue una artista longeva, por lo que dejó mucha obra con personajes peruanos de regiones andinas, amazónicas y costeñas. Una mirada del Perú como solo ella pudo entender. //

Una muñeca de edición limitada, una figura de colección de Star Wars o una caja misteriosa cuyo contenido nadie conoce hasta el momento de abrirla. Para muchos adultos, estos objetos representan más que un simple capricho: son una puerta a la nostalgia, una forma de aliviar el estrés y, cada vez más, una declaración de identidad.

Bautizados como ‘kidults’ (por la unión de las palabras en inglés ‘kid’ y ‘adult’: niño y adulto), son descritos como grupos de personas que continúan consumiendo juguetes, coleccionables y productos asociados a la infancia, más que por tendencia, por verdadera conexión y nostalgia.

En los últimos años, y debido a su gran impacto en el comercio, este fenómeno se ha vuelto uno de los motores de crecimiento más importantes de la industria del entretenimiento.

“Los adultos se han convertido en consumidores clave de este rubro: son esencialmente niños con la capacidad económica de comprar los juguetes que desean y sin las restricciones de los padres”, explica Claudio Huamán de los Heros, director de la carrera de Márketing de la USIL.

Las marcas lo entendieron hace tiempo. Gigantes como LEGO, Mattel y Hasbro han desarrollado líneas exclusivas para adultos, mientras que franquicias como Star Wars y Marvel han encontrado en los coleccionables una fuente de ingresos incluso más rentable que sus películas. Según Huamán de los Heros, por cada dólar generado en taquilla, Star Wars produce entre 2,5 y 3 dólares adicionales en juguetes, ropa y licencias.

COLECCIÓN PERSONAL

La nostalgia es uno de los principales motores detrás de este consumo. “Permite reconectarse con experiencias positivas de la infancia, con momentos en los que la principal responsabilidad era jugar”, señala Huamán. Sin embargo, no es el único factor. El bienestar emocional también juega un papel importante.

Para el psicólogo Juan Pablo Castro, de Mapfre, el coleccionismo funciona muchas veces como una pausa frente a las exigencias de la vida adulta. “Los juguetes son objetos asociados a un significado emocional y simbólico. Mantienen un vínculo con el pasado y ayudan a preservar la identidad personal a lo largo del tiempo”, explica.

El auge de las ‘blind boxes’ —cajas sorpresa que contienen figuras aleatorias— es un ejemplo claro de cómo las emociones influyen en el consumo. El atractivo está precisamente en no saber qué se recibirá. “La incertidumbre resulta estimulante porque activa circuitos cerebrales relacionados con la recompensa y la dopamina”, comenta Castro sobre ellas. En otras palabras, la expectativa puede ser tan emocionante como el premio.

Las redes sociales han amplificado esta tendencia. Videos de ‘unboxing’, comunidades de coleccionistas y lanzamientos de edición limitada convierten cada compra en una experiencia compartida. Para muchos, además, completar una colección representa algo más profundo que acumular objetos: es encontrar pertenencia.

“Las colaboraciones entre marcas y franquicias permiten que las personas expresen aspectos de su identidad y pertenencia cultural”, afirma Huamán de los Heros. Castro coincide: el coleccionismo no solo valida gustos personales, también crea espacios de conexión con otros.

Si antes crecer significaba dejar atrás ciertos intereses infantiles, hoy ocurre lo contrario. Los adultos consumen nostalgia sin culpa y con orgullo. Porque, al final, esos juguetes ya no representan una etapa superada, sino una forma de recordar quiénes fueron y, en cierta forma, quiénes siguen siendo. //

“Las Gacetas de Europa han anunciado últimamente el deplorable fallecimiento de uno de los más grandes ciudadanos que han producido las revoluciones de Sud-América. El jeneral (sic) San Martín ha muerto en Bolonia (sic) del Mar (Francia) a finales de agosto pasado, a los 72 años de edad”, es parte de la nota periodística de El Comercio cuando informó al Perú sobre el deceso del libertador, el 4 de noviembre de 1850.

El general argentino que lideró la Independencia del Perú del dominio español murió a causa de una penosa enfermedad que lo aquejaba desde pequeño. Su imagen está en todas las enciclopedias escolares, en todas las clases de Historia del Perú, en todas las láminas Huascarán. José Francisco de San Martín y Matorras​, sus patillas dibujadas, su traje de militar, su sueño en la Bahía de Paracas. Una pérdida que Somos recuerda en vísperas de los 198 años del aniversario patrio.

“La noticia de la muerte de San Martín fue muy dolorosa y en ese momento, el presidente Ramón Castilla, intentó que los restos de su amigo sean traídos al Perú para que descansen eternamente. Lastimosamente, eso no se pudo”, contó el historiador Juan Fernández para este artículo.

El deceso de San Martín se conoció en Perú casi tres meses después de ocurrido. “Antes, las noticias de otros países llegaban a destiempo, eso se debía a que los escritos viajaban en barco. En Francia se le realizaron todos los honores posibles al Libertador que nos dejó el 17 de agosto de 1850”, agregó Fernández, miembro del Instituto Sanmartiniano del Perú, una institución sin fines de lucro que estudia, promueve y difunde el legado del General. 29 años después de declarar la Independencia, los peruanos no vieron imagen alguna del cortejo fúnebre, pues los periódicos de la época solo tenían cuatro páginas y no contenían imágenes. Todo era texto.

“El jeneral San Martín, siempre dominado por el noble deseo de sacrificarlo todo a la causa de la Independencia y que su nombre no fuese un pretesto de discordia en la organización de los nuevos estados Sud-Americanos, se aleja del teatro de sus hechos gloriosos y pasa a Francia en 1822. No queriendo mezclarse en las convulsiones políticas de las repúblicas del nuevo mundo”, continúa el artículo que anunció la muerte del argentino que liberó a su país, Chile y Perú del imperio español.

El querido San Martín

Pero, ¿Por qué San Martín es uno de los héroes más queridos por los peruanos? Para Fernández se debe a su lucha desinteresada por liberar al Perú pero, sobre todo, a su forma pacífica de hacerlo. El estudioso lo describe como una “persona sencilla, que no ostentaba lo que tenía y siempre le gustaba tener perfil bajo”, cualidades muy difíciles de encontrar ahora en una persona. Eso se reflejó en todas sus acciones, pues a su entrada triunfal a Lima -después de ganar la Batalla de Pisco- no quiso fiestas ni recibimientos pomposos. Solo quería llegar a la capital del Perú. Y así fue hasta sus últimos días, cuando dejó nuestro y regresó a Argentina para continuar su vida, pero nunca se imaginó lo que se vendría.

Al llegar a su querida Argentina, tierra que ya había liberado del dominio español, se desata una guerra política entre dos bandos. Él estaba cansado, agotado y decide dejar su país natal para emigrar a Europa. “En Francia pasa los últimos años de su vida junto a su hija Merceditas y sus dos nietas. Jugó con ellas, las educó y sobre todo, pasó momentos en familia hasta que enfermó (sufría de diversos males, pero sobre todo gastritis) y posteriormente falleció”, agregó Fernández.

San Martín y el Huascarán

Casi un siglo después, en 1945, apareció una empresa que se dedica a la impresión de láminas escolares, láminas que todos utilizamos alguna vez para graficar nuestras tareas escolares de historia, geografía o ciencias naturales.

Eran las clásicas láminas Huascarán, la primera firma que imprimió el rostro de San Martín en estas figuritas para que los colegiales las recorten y peguen en sus cuadernos.

“La imagen de San Martín fue una de las primeras que sacamos y más de 50 años después, se siguen vendiendo. En ellas está la proclamación de la Independencia, el famoso sueño de San Martín en Paracas, entre otros pasajes de nuestra historia”, contó para “Somos” Miguel Lora, hijo del fundador de las míticas láminas.

Lora detalló su padre, José, contrató a un dibujante especialmente para que ilustrara al Libertador. “La imagen fue inspirada en el retrato de múltiples cuadros (de San Martín) y eso quería respetar mi papá”, indicó el heredero de láminas Huascarán.

Con el diseño listo, pasaba a imprimirse en planchas de papel bond para sacarlas al mercado. El detalle, no eran a colores.

“En esos tiempos eran a blanco y negro pero los años pasaron y la imprenta se modernizó. Aproximadamente en los años 70 se imprimen a colores y después en papel couché, un material que se utiliza hasta hoy día”, agregó.

Curiosamente, ese dibujo de 1945 se sigue imprimiendo, convirtiéndose así en un ícono de las tareas escolares y que la competencia trató de imitar.

San Martín en la actualidad

Si la partida de don José de San Martín entristeció a nuestros antepasados, con el correr de los años su nombre perduró e incluso hay muchas personas se llaman igual que él. Según datos del 2019 del Registro Nacional de Identificación y Estado Civil (Reniec), hay 11 personas que se llaman José San Martin (sin tilde), nombre de pila que combinan con los apellidos de sus padres.

Así mismo, existen 3619 compatriotas que se apellidan San Martin (sin tilde) y 15 San Martín (con tilde). Pero eso no es todo, pues el Reniec agregó que hay un peruano que se llama San Martín (con tilde).

Estas cifras revelan que la llama del patriotismo continúa prendida y que muchos papás deciden nombrar a sus hijos como los ilustres personajes que dejaron un hito histórico en nuestro país, un hito que difícilmente podrá ser derrumbado.

Durante décadas, un relato se instaló en el imaginario de los peruanos como una verdad: que Alejandro Olmedo había alcanzado sus hazañas deportivas como estadounidense, dejando de lado al Perú, su país natal. Ese es, precisamente, uno de los mitos que el periodista Luis Carlos Arias Schreiber busca desmontar en “Alejandro Olmedo, el peruano que conquistó Wimbledon” (Penguin Random House), una exhaustiva biografía de casi 400 páginas que reconstruye la vida del único peruano que se ha consagrado en el torneo de tenis más antiguo del mundo.

“Hasta el día de hoy persiste bastante desconocimiento sobre la figura de Olmedo”, explica Arias Schreiber. “Muchos creen que conquistó todos sus triunfos bajo la bandera de Estados Unidos y que era más estadounidense que peruano. La investigación demuestra que no fue así”, complementa.

La semilla del proyecto surgió de una pregunta aparentemente sencilla: ¿cómo era posible que un deportista que ganó Wimbledon, el Abierto de Australia y la Copa Davis no ocupara un lugar central entre los grandes ídolos del deporte peruano?

Para responderla, el autor emprendió una investigación que combinó visitas a archivos periodísticos en Perú, Estados Unidos, Inglaterra y Australia, además de entrevistas a familiares, amigos y personas que conocieron a Olmedo en distintas etapas de su vida. Entre las fuentes consultadas figuran los diarios arequipeños “El Pueblo”, “Noticias” y “El Deber”, así como El Comercio, “La Crónica” y diversas publicaciones internacionales, incluidas “The New York Times” y “Sports Illustrated”.

“Olmedo siempre defendió su peruanidad. Incluso rechazó nacionalizarse estadounidense en momentos clave de su carrera”, sostiene el autor. De hecho, el libro demuestra que recién obtuvo la ciudadanía de ese país a fines de la década de 1990 por razones meramente prácticas, cuando ya tenía más de sesenta años.

LOS PRIMEROS GOLPES

Alejandro Olmedo Rodríguez nació en Arequipa en 1936 y creció dentro de un entorno modesto. Su padre trabajaba en el Club Internacional y fue allí donde el futuro campeón comenzó recogiendo pelotas. El tenis, por aquella época, era un deporte reservado para sectores privilegiados. Era impensable que un muchacho de provincia pudiera abrirse paso hacia la élite mundial.

Arias Schreiber retrata un Perú marcado por profundas desigualdades sociales. Todavía faltaban décadas para muchas de las transformaciones que modificarían el país. En ese contexto, el joven arequipeño tuvo que enfrentarse no solo a rivales deportivos, sino también a prejuicios de clase, origen y procedencia.

Ese desafío se hizo aún más evidente cuando llegó a Lima. La capital de los años 50 funcionaba bajo códigos sociales muy distintos a los de Arequipa. El tenis estaba dominado por clubes tradicionales y círculos cerrados. Sin embargo, Olmedo encontró espacio en el Club Terrazas, una institución que le permitió continuar su desarrollo deportivo.

Allí apareció una figura decisiva: Jorge Harten, presidente de la Federación Peruana de Tenis y uno de los principales impulsores de su carrera. Convencido de que estaba ante un talento excepcional, Harten promovió una colecta para financiar su viaje a Estados Unidos, donde podría seguir creciendo como tenista.

Cuando Olmedo llegó a California apenas hablaba inglés y ni siquiera había terminado sus estudios escolares. Comenzó a jugar en canchas públicas, conoció personas que lo ayudaron a ingresar al sistema educativo estadounidense y terminó encontrando un lugar en el circuito universitario. “Más que una vocación académica, la universidad representaba para él una necesidad práctica: mantener una visa de estudiante que le permitiera permanecer en Estados Unidos y continuar compitiendo”, sostiene Luis Carlos.

Esa circunstancia explica también otro de los mitos que el libro busca corregir. “Olmedo terminó jugando la Copa Davis por Estados Unidos, pero no porque hubiera renunciado al Perú. Simplemente no tenía otra alternativa. En aquellos años, el Perú no participaba en la competencia debido a limitaciones económicas y logísticas”, explica el autor.

EL NÚMERO UNO

Después de conquistar la Copa Davis frente a la poderosa Australia, ganó el Abierto de Australia en 1959 y, meses más tarde, Wimbledon. Ese mismo año alcanzó también la final del actual US Open. Para Arias Schreiber, aquel período lo convirtió en la principal figura del tenis amateur mundial.

Lejos de darle la espalda, el Perú celebró esos éxitos con entusiasmo. Olmedo recibió los Laureles Deportivos, fue homenajeado en Lima y Arequipa, llenó estadios durante exhibiciones y se organizó una colecta para construir una vivienda destinada a su familia en la Ciudad Blanca.

Tras su retiro de las competencias, desarrolló una extensa carrera como entrenador en Los Ángeles, donde trabajó con celebridades de Hollywood como Rita Hayworth, Kirk Douglas, John Wayne, entre otros. Allí construyó una nueva vida, formó una familia y se consolidó como uno de los entrenadores más respetados del circuito.

Pese a la distancia, Olmedo nunca dejó de mirar hacia el Perú. Volvió en varias ocasiones para disputar partidos de exhibición, participar en homenajes y reencontrarse con su familia y amigos. Su última visita ocurrió en 1993. Hasta entonces seguía repitiendo una frase que resume buena parte de la tesis central del libro. “No tengo mi lealtad dividida —decía—. La tengo duplicada”.

Esta biografía no trata únicamente sobre la historia de un campeón de Wimbledon. Es también el rescate de una identidad, la corrección de un malentendido histórico y la reivindicación de uno de los deportistas más extraordinarios que ha dado el Perú. //

UNA VIDA DE PELÍCULA

“Alejandro Olmedo, el peruano que conquistó Wimbledon” ya se encuentra disponible en las principales librerías del país. La presentación del libro se realizará el martes 30 de junio a las 7:30 p.m. en el Club Tenis Las Terrazas de Miraflores, en una conversación abierta al público. Junto al autor estarán Alfredo Acuña y Ricardo Harten. Para más información sobre la publicación, pueden ingresar a www.penguinlibros.com/pe.

Tras un periodo de reestructuración y un cierre temporal de seis meses en su local de San Isidro, La P’tite France reabre sus puertas. Pero no lo hace sola: regresa con un concepto de lifestyle que une la técnica francesa y el insumo peruano con el diseño de vanguardia de Balkanica, la marca que se hizo presente en la película “El diablo viste a la moda 2″.

Detrás de esta evolución está Simon Vacher, quien explica que la decisión responde a una necesidad de replantear el negocio tras años de prueba y error. “Después de tres años desarrollando el concepto y tras mi paso por el mundo corporativo, entendí que necesitábamos un cambio más profundo”, señala. Vacher reconoce que su relación con la gastronomía no es estrictamente profesional, pero sí personal y familiar, marcada por un entorno donde la cocina siempre estuvo presente.

El empresario recuerda que el proyecto inicial atravesó dificultades propias del modelo de franquicia y de la falta de experiencia operativa en el sector. “No era eficiente para nosotros ni para los anfitriones”, admite. Esa experiencia lo llevó a replantear el rumbo y apostar por una propuesta más flexible, que hoy se materializa en el nuevo espacio de San Isidro.

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La apuesta actual combina café, gastronomía francesa con guiños peruanos, diseño interior y una programación cultural rotativa. La casa, sin puertas convencionales entre niveles, permite que el visitante recorra distintos ambientes: desde la tienda de Balkanica hasta espacios de exhibición artística y consumo gastronómico. La idea, según Simon, es clara: “que cada visita sea distinta, que el lugar esté siempre vivo”.

Uno de los pilares del relanzamiento es la colaboración con Balkanica, marca que aporta elementos textiles y de diseño al espacio. Cojines, pañuelos y piezas intervenidas forman parte de una estética común que conecta ambas propuestas. “Queríamos conectar marcas y crear un lenguaje compartido entre la gastronomía y el diseño”, explica Vacher.

La propuesta también se extiende a la carta, que apuesta por una cocina franco-peruana en constante renovación. Platos clásicos reinterpretados, productos de temporada y una oferta que cambiará periódicamente buscan evitar la rigidez de un menú fijo. Además, el proyecto contempla eventos gastronómicos de alta cocina en formato reducido, con aforo limitado y experiencias por reserva.

Una nueva propuesta: el brunch

En la cocina, Matilde Vacher, encargada de la propuesta gastronómica, detalla algunos de los platos que forman parte de esta nueva etapa. Entre ellos, destaca una línea de desayunos y brunch con el tostón benedictino, sándwiches reinterpretados como el pollo de la casa o la butifarra y preparaciones frescas como la ensalada Cesar. La lógica es mantener la base tradicional pero elevarla con técnicas y presentaciones francesas.

Desde Balkanica, la alianza también se entiende como una “extensión natural de su universo creativo”. Milagros Egúsquiza, directora comercial de la marca, cuenta que la integración entre ambos proyectos responde a una tendencia global donde la cafetería, el retail y el arte conviven en un mismo espacio. “La idea es que puedas tomar un café, subir a ver la tienda, probar ropa y vivir una experiencia completa”, afirma.

Egúsquiza añade que la exposición internacional reciente de Balkanica ha reforzado la visibilidad de la marca, lo que contribuye a potenciar la alianza. En ese sentido, el espacio compartido en San Isidro no solo funciona como punto de venta, sino como vitrina cultural y de experimentación.

El proyecto aún está en construcción, pero sus impulsores coinciden en que la clave será la evolución constante. Cambios de carta por temporada, intervenciones artísticas periódicas y eventos mensuales buscan evitar la estática y consolidar una experiencia en transformación permanente.

En una ciudad donde la oferta gastronómica compite por diferenciarse, el relanzamiento de La P’tite France junto a Balkanica apuesta por un modelo poco convencional en Lima, un espacio abierto y en diálogo, la intención es “que cada vez que alguien vuelva, encuentre algo nuevo”, asegura Simon.

Hay escenas que, hace algunos años, habrían parecido exageradas y hoy resultan completamente normales: celebrar el cumpleaños de nuestras mascotas, contratar un seguro veterinario, elegir los destinos de viaje pensando en si serán bienvenidas, y en general, organizar nuestra vida en función a ellas. Y es que no se trata de una tendencia más en redes sociales, sino de una forma de vínculo que cada vez más personas estamos asumiendo con total naturalidad.

Quienes somos millennials lo sabemos muy bien. En muchos casos, ese lazo no se siente superficial ni simbólico: implica cuidado, responsabilidad, afecto y una presencia constante. Ser “mamá” o “papá” de una mascota no es un juego de palabras, sino una manera real de maternar o paternar. Porque, aunque ellos sean una parte de nuestra vida, para ellos nosotros somos su mundo entero.

Este vínculo cobra aún más sentido en el Perú, un país donde más de 6 millones de animales viven en el abandono y donde su cuidado no solo impacta positivamente en nuestra salud emocional, sino que también redefine el propósito de los hogares.

Al mismo tiempo, algo igual de significativo está ocurriendo en nuestra sociedad, pues cada vez más personas dicen —sin culpa y sin rodeos —, que no quieren tener hijos o que prefieren postergar esa decisión. Lo que antes podía percibirse como una excepción, hoy empieza a consolidarse como una elección válida.

En el Perú, por ejemplo, los nacimientos registrados se redujeron en un 10,4% entre 2022 y 2023, y la tasa de fecundidad ha descendido a 1,8 hijos por mujer, por debajo del nivel de reemplazo poblacional (2,1) según el informe Estadísticas Vitales: Nacimientos, Defunciones, Matrimonios y Divorcios 2023 del Instituto Nacional de Estadística e Informática (INEI, 2024).

La pregunta, entonces, no es solo por qué cada vez hay más “perrhijos” o “gathijos”, sino qué nos está diciendo este fenómeno sobre cómo estamos entendiendo hoy el cuidado, el amor y la idea de familia.

No es un rechazo a la familia, sino una nueva forma de entenderla

Durante décadas, la familia en el Perú estuvo constituida de una manera bastante clara: vínculos biológicos, matrimonio, hijos y una ruta casi preestablecida hacia la adultez. Sin embargo, esa estructura —que todavía sigue siendo vigente para muchos — hoy convive con otras maneras de construir hogar. Y en ese nuevo mapa emocional, las mascotas han dejado de ser periféricos para ocupar un lugar central.

“Lo que estamos viendo no es una ruptura, sino una redefinición de los vínculos que las personas consideran fundamentales. El afecto, el cuidado mutuo y la compañía han ganado un peso significativo frente a las estructuras tradicionales. En este contexto, no sorprende que una mascota pueda convertirse en familia y no por lo que representa simbólicamente, sino por lo que implica en la vida cotidiana: presencia, responsabilidad, apego y pertenencia”, explicó la psicóloga Diana Bances, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM) a Somos.

De hecho, asumir que alguien que llama “hijo” a su mascota está reemplazando algo puede ser una lectura un tanto simplista. Quizás la clave esté en entenderlo desde otro lugar: “no como una sustitución, sino como una elección”, apuntó la experta. Porque detrás de ese vínculo hay tiempo, compromiso y una voluntad activa de cuidar, y eso dice mucho más sobre la vigencia del deseo de construir lazos que sobre un supuesto rechazo.

En un país como el nuestro, donde la familia ha sido históricamente un pilar, este cambio no deja de ser significativo, aunque tampoco implica una pérdida de valores. Más bien, puede reflejar una adaptación. Y es que las nuevas generaciones —como los millennials— tienen hoy más margen para decidir cómo quieren vivir.

Lo interesante es que, en medio de esa diversidad, la familia no desaparece: se expande. Según Bances, deja de ser únicamente una estructura heredada y se convierte en una red de vínculos elegidos y construidos en el día a día, donde el amor y el cuidado pesan tanto —o más que el parentesco.

El vínculo emocional que está marcando a los millennials

Tras una jornada larga, quien está ahí esperándonos detrás de la puerta sin reproches y sin condiciones, son nuestras mascotas. Y es que en ese gesto cotidiano hay algo mucho más profundo y genuino: una forma distinta —pero igual de válida —de vincularnos emocionalmente.

“Las mascotas están ofreciendo una experiencia afectiva particularmente poderosa: compañía constante, ternura, rutina, presencia y una forma de amor que, para muchas personas, se siente más estable que algunos vínculos humanos”, señaló la psicóloga Verónica Carrasco. En un contexto, donde el estrés, la sobrecarga laboral o la vida en solitario son cada vez más comunes, ese pequeño ritual de llegar a casa y sentirse esperado puede traducirse en una mejora inmediata del estado de ánimo.

No es casualidad que, en el Perú— según Ipsos— un 44% de personas perciba que tener una mascota ayuda a reducir el estrés y que una proporción similar asocie su presencia con una mayor felicidad.

Pero no se trata solo de recibir afecto. De acuerdo con Álvaro Álvarez, psicólogo de la UARM, el vínculo con una mascota activa dimensiones importantes del cuidado: alimentar, proteger, acompañar, jugar y responder a las necesidades de otro ser vivo. Básicamente, esto permite ejercer responsabilidad y canalizar el afecto.

Para muchos millennials, esto tiene un valor particular: ofrece una experiencia emocional significativa sin el nivel de exigencia —económica, mental y social— que implica criar a un hijo. En otras palabras, es un vínculo que está menos sujeto a expectativas externas o presiones institucionales. Sin embargo, reducirlo a algo “fácil” sería simplificarlo, ya que las mascotas también implican compromiso, gasto, tiempo, amor y, eventualmente, duelo.

“La diferencia está en la escala, no en la profundidad del vínculo”, afirmó el especialista.

Y es precisamente ahí donde aparece uno de los puntos más significativos. Verónica Ponce-Castañeda, docente de la carrera de Psicología de la Universidad Científica del Sur, destacó que muchas de estas relaciones llegan a convertirse en vínculos de apego seguro. Es decir, relaciones donde la persona encuentra paz, calma, confianza y una estabilidad emocional sorprendente. Porque no es solo cariño, es regulación emocional.

Sin embargo, como subrayó la doctora Chivonna Childs, psicóloga de Cleveland Clinic, las mascotas pueden enriquecer profundamente la vida emocional, pero no reemplazan todos los demás vínculos. “Funcionan mejor —y de manera más saludable— cuando son parte de una red afectiva más amplia que incluya amistades, familia, pareja o comunidad”.

Por qué cada vez más millennials eligen tener mascotas antes que hijos

Durante mucho tiempo, tener hijos fue visto como un paso natural, casi automático, dentro del proyecto de la vida adulta. Hoy, esa narrativa ha cambiado, y no porque los millennials hayan dejado de interesarse por formar una familia, sino por la manera en la que entienden lo que significa sostenerla.

“Cada vez más personas se hacen preguntas que antes no estaban sobre la mesa: si cuentan con la estabilidad emocional necesaria, si tienen los recursos económicos suficientes o si realmente desean asumir una responsabilidad que no es temporal, sino de por vida. En ese sentido, la decisión de no tener hijos ha dejado de vivirse como una renuncia y se entiende cada vez más como un acto consciente de responsabilidad”, sostuvo Diana Bances.

Porque lejos de una supuesta “falta de compromiso”, lo que aparece es una evaluación mucho más honesta de los propios límites. En un contexto atravesado por la incertidumbre económica, la presión laboral y la búsqueda de equilibrio mental, la idea de criar a otro ser humano deja de ser solo un deseo y se convierte en una decisión que exige condiciones muy concretas.

En paralelo, también se está redefiniendo el concepto de realización personal. Según Verónica Carrasco, las generaciones más jóvenes ya no sienten la obligación de seguir un único guion de vida, viajar, desarrollarse profesionalmente, cuidar la salud mental o simplemente vivir con mayor autonomía son hoy pilares igual de válidos dentro de un proyecto personal. Tener hijos, en ese escenario, deja de ser una meta incuestionable y pasa a ser una opción que debe convivir —o no— con esas otras prioridades.

Es en ese espacio donde las mascotas empiezan a ocupar un lugar significativo. No como reemplazo, sino como una forma de construir hogar, compañía y cuidado que dialoga mejor con los ritmos y posibilidades actuales. Permiten vincularse, responsabilizarse y crear afecto, pero en una escala que muchas personas perciben como más compatible con su estilo de vida.

Sin embargo, tomar esta decisión no siempre es fácil ni está exenta de tensiones. En entornos como el peruano, quienes eligen no tener hijos continúan enfrentando preguntas constantes, juicios o incluso cuestionamientos sobre el sentido de su vida. Esto, como advirtió la psicóloga, puede generar culpa, incomodidad o una sensación persistente de tener que justificarse frente a otros, incluso cuando la decisión ha sido tomada de manera reflexiva.

Por eso, reducir este fenómeno a etiquetas como “egoísmo” o “inmadurez” no solo es impreciso, sino que impide ver lo que realmente está ocurriendo. No se trata de una competencia entre tener hijos o tener mascotas, ni de una generación que evita responsabilidades. Se trata, más bien, de un momento histórico en el que las personas tienen más margen para preguntarse cómo quieren vivir, qué tipo de vínculos desean construir y qué responsabilidades están dispuestas —y pueden— asumir.

Al final, sea cual sea el camino—tener hijos, una mascota o incluso ambos— puede ser igual de válido si nace desde la conciencia, la responsabilidad y el deseo real de brindar bienestar, tanto al otro como a uno mismo.

A miles de metros sobre el nivel del mar, donde las montañas parecen tocar el cielo, una nueva generación de guardianes observa con atención cómo cambia el paisaje que los rodea. No son científicos de laboratorio ni exploradores profesionales. Son jóvenes de comunidades andinas que crecieron viendo los glaciares de la Cordillera Blanca y que hoy trabajan para protegerlos.

La iniciativa que los reúne se llama Jóvenes Embajadores por los Glaciares, un programa impulsado por el ingeniero ambiental Junior Adrián Figueroa Miranda. Su objetivo es sencillo, pero ambicioso: formar líderes capaces de monitorear el retroceso glaciar, sensibilizar a sus comunidades y promover acciones frente a la crisis climática.

MIRADA URGENTE

La Cordillera Blanca alberga la mayor concentración de glaciares tropicales del planeta. Sin embargo, también es uno de los lugares donde los efectos del calentamiento global son más evidentes. En los últimos 60 años, la región ha perdido más del 41% de su superficie glaciar, según cifras de la asociación peruana. Una transformación que amenaza la disponibilidad de agua para miles de personas que dependen de ella no solo para su consumo, sino también para la agricultura y ganadería, pilares del desarrollo humano.

Frente a esta realidad, el programa selecciona a participantes de entre 18 y 29 años provenientes de distintas localidades del Callejón de Huaylas. Luego, durante varias semanas participan en sesiones de formación virtual y expediciones de campo donde aprenden conceptos de glaciología, ciencia ciudadana, herramientas digitales y comunicación ambiental.

Pero el proyecto no se limita a la observación científica. Uno de sus principales valores es tender puentes entre generaciones. Los participantes recogen los testimonios y conocimientos de sus abuelos y adultos mayores, muchos de ellos hablantes del quechua, para complementar la información científica con una visión local del territorio. De esta manera, las historias sobre cómo eran las montañas décadas atrás se convierten también en una forma de registrar los cambios que experimentan los ecosistemas andinos.

Estos embajadores utilizan fotografías, registros digitales y observaciones de campo para documentar el retroceso de los glaciares. Además, desarrollan microproyectos enfocados en desafíos ambientales específicos de sus comunidades. Las mejores propuestas reciben acompañamiento adicional para que puedan convertirse en iniciativas concretas.

La tecnología también juega un papel importante. A través de videos, publicaciones en redes sociales y herramientas de narración digital, los participantes logran traducir conceptos científicos complejos en mensajes accesibles para audiencias más amplias. Así, una preocupación que nace en las alturas de los Andes encuentra eco mucho más allá de las montañas.

Detrás de esta iniciativa existe también una historia personal. Junior Adrián Figueroa creció escuchando los relatos de sus abuelos sobre los glaciares de la Cordillera Blanca. Aquellas conversaciones despertaron su interés por el medioambiente y terminaron inspirando un proyecto que hoy busca empoderar a otros jóvenes para que se conviertan en observadores, comunicadores y defensores de su territorio.

Allí, donde el hielo retrocede cada año, una nueva generación trabaja para que su historia no desaparezca junto con él.

Bajo el lema “Cacao peruano, sabor que inspira al mundo”, se llevará a cabo desde el jueves 16 de julio la décimo séptima edición del Salón del Cacao y Chocolate Internacional, un evento que se enfoca en la promoción de los chocolates de origen y que ya es la principal vitrina del cada vez más reconocido cacao peruano.

Este encuentro especializado se llevará a cabo desde hasta el domingo 19 de julio. La organización proyecta congregar a más de 35 mil visitantes durante los cuatro días de su desarrollo en la capital peruana.

La presidenta de la Asociación Peruana de Productores de Cacao (APPCACAO) y del Comité Organizador, Martha Lanares Salas, destacó el proceso de evolución que ha experimentado este encuentro especializado que ya se acerca a las dos décadas de existencia.

“Hace diecisiete años iniciamos este proyecto con el propósito de visibilizar el cacao peruano y acercar a nuestros productores a los mercados nacionales e internacionales. Hoy nos hemos consolidado como uno de los principales espacios especializados de América Latina, promoviendo la competitividad, la innovación y el reconocimiento internacional de nuestro cacao y chocolate”, dijo Lanares.

Un evento cargado de actividades

Actualmente, el Perú es el primer país productor de cacao en América Latina y cuenta con la licencia oficial del Salon du Chocolat de París. De acuerdo con las declaraciones de la dirigente sectorial. “Este importante logro fortalece la presencia internacional de nuestro cacao y chocolate y nos permite proyectar al Perú en las más importantes vitrinas especializadas del mundo”, indicó Lanares.

Para la edición de 2026, la organización seleccionó a Canadá como el país invitado, debido a su rol como transformador del recurso en chocolate. Los datos de mercado indican que el consumo anual por persona en dicho territorio se sitúa entre los 6 y 7 kilogramos, con preferencia en productos orgánicos y de origen.

La infraestructura del evento albergará más de 200 stands dedicados a la exhibición y comercialización de productos. En estos espacios participarán empresas chocolateras, proveedores de tecnología especializada y entidades del sector público y privado. Esta cadena productiva constituye el sustento de miles de familias ubicadas en las regiones de la Amazonía peruana.

Asimismo, se desarrollará una intensa agenda de actividades que incluye

• VIII ⁠Foro Latinoamericano del Cacao y Chocolate

• ⁠XX Concurso Nacional de Cacao de Calidad.

• ⁠X Concurso Nacional de Chocolate Peruano.

• ⁠Sala de Innovación y Tecnología para la cadena cacaotera.

• Concurso de Esculturas en Chocolate.

• Ruedas de negocios y espacios de articulación comercial.

• Catas especializadas y experiencias sensoriales.

• Maridajes con productos peruanos.

• Talleres interactivos para niños a través del programa Choco Kids.

• Campeonato Nacional de Heladería Artesanal

Cuando Los Prisioneros regresaron a Chile tras su primera presentación en el Perú, en setiembre de 1987, buena parte de la prensa chilena redujo aquella noche a un solo episodio: la banda había sido recibida a pedradas en la Plaza de Acho. La ironía era evidente: un grupo de rock atacado a proyectiles justo cuando venía a presentar un disco llamado “Pateando Piedras”. Pero esa no era toda la historia. Las piedras existieron, sí, aunque fueron lanzadas por un grupo minoritario de revoltosos. El resto de los presentes, cerca de doce mil personas, cantó y bailó sobre la arena de la histórica plaza del Rímac, levantando enormes columnas de polvo tan densas que los técnicos apenas podían distinguir a los músicos. Para el periodista chileno Alejandro Tapia, esas imágenes —rescatadas años después y difundidas en YouTube— cuentan una historia muy distinta a la que sobrevivió en la memoria de su país. “Cuando uno ve ese concierto se da cuenta de la magnitud, de la euforia. Es un concierto impresionante”, dice.

Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia, el trío de San Miguel, habían llegado a Lima ese año con una cierta inocencia, convencidos de que se trataba de un simple presentación promocional y terminaron descubriendo que ya eran auténticos ídolos de este lado de la frontera. “No estaban conscientes de lo famosos que eran en el Perú”, asegura Tapia. “Casi que se sintieron como los Beatles llegando a Estados Unidos en 1964”. Pese a esa gran acogida y a las piedras eventuales, el concierto les dejó otro sabor amargo. La banda no recibió honorarios por la presentación. “Ellos se sintieron bastante timados. Creían que era una actividad promocional y después se dieron cuenta de la enorme cantidad de gente que había asistido”.

Tapia, que es editor en el diario “La Tercera”, llevaba años preguntándose por qué Los Prisioneros hablaban siempre del Perú con un afecto especial. Su primer libro, “Ya viene la fuerza” (2024), reconstruía el nacimiento del grupo y la grabación de sus dos primeros álbumes, pero el relato terminaba justo cuando la banda comenzaba a salir de Chile. Quedaba pendiente una cuestión: ¿por qué el Perú ocupaba un lugar tan especial en la trayectoria de Los Prisioneros? La respuesta terminó convirtiéndose en una investigación de tres años. Tapia vino a Lima, entrevistó a más de setenta personas —entre músicos, promotores, periodistas, técnicos, programadores radiales y asistentes a los conciertos— y revisó archivos en ambos países. El resultado es “No necesitamos banderas: Los Prisioneros en el Perú” (Borrador Editores), que ya se encuentra en librerías.

Una de las principales conclusiones de su investigación es que la verdadera internacionalización de Los Prisioneros comenzó en Lima. Antes habían tocado en Uruguay, donde el impacto fue limitado por el tamaño del mercado. Después intentaron abrirse camino en Argentina, pero su propuesta chocó con una escena de rock marcadamente nacionalista y poco permeable a las bandas latinoamericanas. El Perú fue distinto. “Fue el primer país donde Los Prisioneros tuvieron éxito. Jorge González lo ha dicho muchas veces: fue el primer país donde se sintieron como en casa”, sostiene el autor. Aquí, explica, el público hizo suyo el mensaje de canciones como “El baile de los que sobran”, porque hablaban de desigualdad y falta de oportunidades, problemas que también formaban parte de la realidad peruana.

Lo curioso es que la relación de Los Prisioneros con el Perú se construyó desde abajo, no sobre el escritorio de un marketero o una agencia de publicidad. Comenzó gracias a un peruano que, durante un viaje a Buenos Aires, encontró un ejemplar de “La voz de los 80”. Le llamó la atención la fotografía de portada: tres muchachos de piel morena que creyó peruanos. Compró el disco y lo envió a Lima, donde llegó a manos del programador radial Ángel Ríos. Fue él quien comenzó a difundir canciones como “Sexo”. Solo después de comprobar la inesperada acogida que la banda y sus letras contestatarias tenían entre las radios y el público peruano, el sello El Virrey decidió editar oficialmente el álbum en el país.

La investigación también sacó a la luz un hallazgo inesperado. Mientras revisaba archivos diplomáticos, Tapia encontró documentos enviados por la embajada chilena en Lima al régimen de Augusto Pinochet tras el concierto de Acho. Los informes daban cuenta de las pedradas, pero también de algo que preocupaba mucho más al gobierno militar: la extraordinaria recepción que la banda había tenido en el Perú. “Los medios peruanos los calificaban como una banda profesional y exitosa. Incluso enviaban recortes de El Comercio y otros diarios. Al régimen le preocupaba mucho el discurso contestatario de Los Prisioneros; los trató de marxistas", explica el periodista.

Ese seguimiento revela también la dimensión que había alcanzado el fenómeno. En 1987, Los Prisioneros ya eran una piedra en el zapato para la dictadura chilena. Canciones como “El baile de los que sobran”, “Muevan las industrias” o “Por qué no se van” se habían convertido en himnos de una generación desencantada, y el hecho de que ese mensaje comenzara a cruzar fronteras era motivo suficiente para despertar suspicacias. Paradójicamente, mientras en Chile algunos medios insistían en destacar las pedradas de Acho, los informes diplomáticos reconocían que la prensa peruana hablaba de una banda profesional y de un recibimiento multitudinario.

No fue el único descubrimiento que sorprendió a Tapia. A medida que reconstruía la historia comprendió que el Perú había ocupado un lugar irrepetible en la trayectoria del grupo. “Perú fue el único país que Los Prisioneros visitaron en todas sus etapas”, explica. Vinieron en 1987 con “Pateando Piedras”, regresaron durante la gira del disco “Corazones”, volvieron con el proyecto Los Dioses —en la recordada visita en la que Gisela Valcárcel los retiró de su programa tras negarse a hacer playback— y, tras el histórico reencuentro de 2001, eligieron Lima como su primer destino internacional. Ningún otro país acompañó de forma tan constante la evolución de la banda.

Esa relación tampoco terminó con la separación definitiva. Jorge González siguió regresando al Perú como solista para presentarse no solo en Lima, sino también en ciudades como Huancayo, Puno o Huayllay. Esas giras terminaron por sorprender incluso al propio músico. “Él dice que se sentía como un artista folclórico”, cuenta Tapia entre risas. “No por el género musical, sino porque comprobó que era igual de conocido en el interior del Perú que en Lima”.

El impacto de Utopía

Pero el episodio más increíble de toda esa relación ocurrió muchos años después de Acho. En julio del 2002, tras el multitudinario concierto del reencuentro en el Jockey Club, los integrantes de la banda recibieron invitaciones para asistir a la inauguración de la discoteca Utopía. Estuvieron a punto de aceptar. “Iban a ir”, revela Tapia. “Ellos mismos me lo contaron. Los habrían ubicado en la zona VIP, justamente donde comenzó el incendio”. Finalmente desistieron. Horas después, el fuego consumió el local y dejó 29 muertos y decenas de heridos en una de las mayores tragedias ocurridas en un centro de entretenimiento del Perú. “Cuando se enteraron quedaron muy impactados. Se dieron cuenta de que perfectamente pudieron haber estado ahí”.

Aunque los fanáticos no dejan de fantasear con un último reencuentro, Tapia cree que hoy esa posibilidad es remota. Durante el estallido social chileno de 2019 hubo conversaciones para reunir a Jorge González, Claudio Narea y Miguel Tapia en un gesto simbólico, aprovechando que las calles volvían a llenarse de jóvenes cantando El baile de los que sobran. El intento nunca prosperó. “La versión de Miguel es que Claudio no quiso. Claudio dice que nunca se enteró a tiempo. Lo concreto es que las tensiones siguen ahí”, resume el periodista. Después de tantos años, las heridas personales parecen más difíciles de sanar que cualquier diferencia musical.

El título del libro, “No necesitamos banderas”, alude a una de las grandes canciones de González que no fue un hit radial. Jorge tenía apenas 20 años cuando escribió una canción que corta como cuchillo —como se suele decir— mientras cuestiona el concepto de fronteras, los nacionalismos y cualquier forma de representación que pretenda hablar en nombre de los demás. Cuatro décadas después, el título adquiere un significado nuevo en el libro de Alejandro Tapia. En el fondo se habla de dos países que, pese a décadas de rivalidades y prejuicios, encontraron un lenguaje común en las canciones de tres muchachos de San Miguel. “Si a un chileno y a un peruano les hace sentido una canción como ‘El baile de los que sobran’ o ‘Muevan las industrias’, es que no somos tan distintos a como nos han querido pintar las autoridades durante años. Tenemos quizás más afinidades de las que creemos”. //

Rubén Blades (Ciudad de Panamá, 1948) recorre su repertorio como si caminara por las calles. El peligroso Pedro Navaja, el melancólico Pablo Pueblo y un señor que va dejando una vibrante estela de perfume a su paso son algunos de los personajes que el compositor panameño ha creado para contar historias. Sus canciones son cuentos breves y exploran la crudeza de la realidad de América Latina, aunque podría tratarse de cualquier parte del mundo. Con más de 50 años de carrera es una de las figuras más importantes de la música en español. Su poesía se baila y también invita a reflexionar.

― ¿Qué lugar cree que tienen las canciones que cuentan historias en esta época marcada por la inmediatez y el Internet?

Siguen teniendo el lugar de siempre. La gente nunca se va a cansar de escuchar y compartir experiencias ajenas, ni de aprender de ellas. Una buena historia ha entretenido a las audiencias desde el inicio de la humanidad. “La Ilíada”, considerada una obra literaria inmortal, no nació como un libro. Nació como una canción. El antecedente de la música popular viene de centurias atrás. Eso no desaparecerá mientras existan los seres humanos. Siempre habrá la necesidad de contar historias.

― ¿Cree que el arte todavía tiene la capacidad de enseñar a contemplar la vida?

Absolutamente. La pintura, la literatura y todas las formas de arte conforman una expresión que a su vez es conocimiento. La necesidad de aprender no tiene fecha de expiración, así que eso va a continuar siempre. Somos estudiantes eternos. Siempre aprendiendo y desaprendiendo. También deberían existir escuelas para desaprender, no solo para aprender.

― “Fotografías” es el título del disco, de una canción y de la gira. ¿Se encuentra en una etapa de mirar el pasado?

Soy muy consciente de que tengo más pasado que futuro. Cuando cumpla 80 años yo espero dedicar mi atención a otras cosas. Yo no sé cuánto tiempo más tengo. Nadie sabe cuánto tiempo más tiene. En mi caso, yo sé que hay cosas que quiero hacer e intentar. En esta gira las canciones son como imágenes que representan todo lo interno, espiritual e intelectual de lo que he escrito durante más de cincuenta años de trabajo.

― ¿Qué imágenes de su carrera aparecen primero cuando mira el pasado?

Lo primero es el absurdo de que yo terminé siendo músico y actor. Mi plan era ser abogado. Yo no estudié música. Recuerdo que llegué a Nueva York desde Florida con una maleta llena de comida en lata que me dio mi madre.

― ¿Qué concierto considera que cambió su carrera para siempre?

La primera presentación que tuve en Nueva York fue muy importante en mi carrera. Ese primer trabajo fue en el Madison Square Garden con Ray Barretto y su orquesta en 1974. Tito Gómez y yo éramos los cantantes de la banda. En una canción repetí la primera estrofa dos veces porque no me acordé de la segunda.

― ¿Cómo se sintió al cantar en un recinto tan emblemático?

Me sentí como un gladiador entrando al Coliseo romano. Fue tremendo. Qué increíble recuerdo. Eran como 19 mil o 20 mil personas en el Madison Square Garden. Ese concierto fue inolvidable.

― ¿Cuál considera que es su mayor logro como artista?

El mayor logro de mi carrera es haber podido sostenerme durante todos estos años. Cuando empezaba, mi papá me dijo: “Mira, Rubén, el éxito es difícil, pero no es imposible”. El hecho de que yo esté hablando con usted, que tenga salud y que cuente con el apoyo de tanta gente para seguir trabajando en lo que me gusta, todo eso lo considero un logro extraordinario. Lo agradezco mucho.

― ¿Cuándo descubrió que quería ser compositor?

Desde los 15 o 16 años tuve la claridad de escribir. Siempre me interesó lo que pasaba a mi alrededor. Eso me llevó a desarrollar una carrera como compositor que ha perdurado hasta el presente.

― “Amor y control” es una de las canciones más pedidas de su repertorio.

Esa canción se convirtió en un argumento universal para enfrentar el dolor que provoca una dificultad en cualquier familia, en cualquier parte del mundo.

― La estructura narrativa de la canción es interesante porque muestra dos historias que se cruzan por un instante.

Si analizas “Amor y control”, notas que pasa de ser una visita a mi mamá, que está muriendo de cáncer, a convertirse en una reflexión que hago sobre el dolor de otra familia. Se trata de dos dolores similares, pero que parten de motivos distintos. Finalmente, la otra familia se convierte en la protagonista de la canción.

― ¿Cree que sus propias canciones le han ayudado a comprender un poco más la vida?

Claro que sí. Lo que uno escribe es reflejo de lo que se siente. Componer canciones me hace sentir útil. También escucho a otras personas y me identifico con lo que sienten y viven. Eso me hace solidario y una mejor persona.

― ¿Qué siente cuando escucha el disco “Siembra”?

Willie Colón fue un excelente productor musical. Yo no escucho mucho mis discos, pero cuando escucho “Siembra” siento que sobresale la calidad de la producción de Willie. Eso hace que perdure hasta la actualidad. Por otro lado, esas canciones me hacen recordar mis inicios como escritor en el género de la salsa. Tuvimos muchas dificultades cuando presentamos ese disco porque la industria de aquel momento consideraba que las canciones eran muy largas.

― ¿Cuál fue la reacción del público ante ese álbum cuando salió al mercado?

Las canciones no fueron éxitos de inmediato. La gente escuchó “Siembra” por su propia cuenta. Fue voluntad propia del público. Poco a poco, el disco se convirtió en una especie de ola que fue llegando a varios países.

― ¿Cómo recuerda las giras con Willie Colón en las épocas de juventud?

Nosotros trabajamos inicialmente como dos hermanos. La relación fue buena porque se basaba en el amor por la música. Yo recuerdo esa época con mucho cariño. Las diferencias las tuvimos mucho tiempo después.

― En aquella época armaron una orquesta de músicos muy importantes para dar conciertos.

Así es. Willie Colón, Leopoldo Pineda, José Rodríguez y Lewis Kahn tocaron los trombones. Joe Torres estuvo en el piano, Milton Cardona en las congas y José Mangual Jr. en el bongó. También participaron otros músicos muy buenos.

― Hay un video memorable en el que interpreta “Todos vuelven” con el cantante peruano Lorenzo ‘Lencho’ Pedraza.

Yo lo conocí en mi primer viaje al Perú. ‘Lencho’ me llevó a peñas de música peruana. Por tal motivo se incorporó el cajón peruano en la canción “¿De qué?”, del disco “Canciones del solar de los aburridos”, grabado junto a Willie Colón y publicado en 1981. ‘Lencho’ me enseñó mucho. Era una persona muy amable, muy dulce y un músico tremendo.

― ¿Cómo conoció “Todos vuelven”, del compositor peruano César Miró?

Yo escuché “Todos vuelven” por un cubano llamado Virgilio Marti. Él llevó la canción a la segunda película que grabé, titulada “Crossover Dreams”. Virgilio hacía el papel de un director de orquesta. En la película, yo trabajaba en esa misma agrupación. Él me cantó “Todos vuelven”.

― ¿Y qué le motivó a grabarla?

Grabé “Todos vuelven” para mi disco “Buscando América” porque me pareció una canción extraordinaria desde la primera vez que la escuché. Tiene una letra muy bonita y especial.

― Otra canción peruana que ha cantado es “La flor de la canela” de Chabuca Granda.

Con esa canción participé en el disco “A Chabuca”. Conozco “La flor de la canela” desde que era niño en Panamá. Para mí es un honor que me hayan escogido para cantar un tema tan icónico y querido en el Perú.

― En 1988 publicó su disco de rock en inglés “Nothing but the Truth” con las colaboraciones de Sting, Elvis Costello y Lou Reed. ¿Cómo fue esa experiencia?

En realidad, yo siempre asumí que a ellos les interesaba colaborar con escritores. Esa fue siempre mi impresión. Y no solo hemos colaborado como escritores, sino que además somos amigos. Lamentablemente, Lou Reed hace varios años se mudó “al otro barrio”, como le llamo yo a la muerte. Vi a Sting hace unas semanas. Presentó el musical “The Last Ship” en la Metropolitan Opera, aquí en Nueva York. Me llamó y me invitó al estreno. Fui y después de la obra conversamos.

― ¿Fue sencillo trabajar con ellos?

No hay diferencia entre músicos. No importa la diferencia de idiomas. Los espíritus son iguales. El amor por la música es el mismo. Las posibilidades de colaboración son infinitas.

― ¿Pensó en llamar a más artistas para el disco “Nothing but the Truth”?

Me reuní con Bob Dylan, pero nunca terminamos de escribir la canción. La empezamos y acabamos hablando de otras cosas.

― ¿Tiene algún proyecto futuro con Sting?

Quedamos en que íbamos a escribir algo juntos. Sting me dio una canción titulada “I Can’t Say” para “Nothing but the Truth”, precisamente porque no pudimos reunirnos para escribir juntos en aquel momento. Con Lou Reed sí compuse y con Elvis Costello también. Ahora Sting y yo hemos quedado en escribir algo juntos en el futuro.

Estas frente a la pantalla con una lista interminable de pendientes por entregar o atrapado en plena hora punta del tráfico limeño. Aunque parece que tienes todo bajo control, tus dientes están apretados con fuerza, la presión en tu boca es constante y tu mandíbula lleva horas en pie de guerra sin que te hayas dado cuenta, alimentando en silencio ese dolor sordo en la sien y esa rigidez de cuello que no logras explicar.

No parece estrés o, al menos, no el que solemos reconocer. Sin embargo, el cuerpo sí lo está registrando. Y es que, a veces lo que no logramos poner en palabras se queda atrapado en el organismo, encontrando diferentes maneras de expresión —no siempre las más saludables— como el bruxismo.

En definitiva, esta relación no es casual, pues como bien explicó la psicóloga Marilia Quispe, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM), el cuerpo y la mente son una unidad, por eso, lo que sucede en uno afecta directamente al otro y viceversa.

“Esto en el caso del bruxismo se traduce en reconocer que los pensamientos y emociones pueden afectar al cuerpo de tal manera que cuando sentimos ansiedad, preocupación o incluso rabia, el cuerpo lo vive y lo expresa en síntomas como rechinar o apretar los dientes. Aunque no siempre somos conscientes de nuestros procesos afectivos, cada vez más se sabe que el cuerpo es el almacén de todo lo que vivimos y el que lleva la cuenta”, aseguró la experta a Somos.

El bruxismo es, precisamente, una de sus alertas de largo aliento. Cuando aparecen el desgaste dental, la rigidez en la mandíbula y los dolores de cabeza, el organismo nos está indicando que venimos sosteniendo altos niveles de ansiedad por un periodo importante de tiempo. Siendo este una señal clara de un desajuste que no podemos seguir ignorando.

El bruxismo que no sabías que tenías

El bruxismo suele pasar desapercibido hasta que deja de serlo. Y es que más que una condición aislada, hoy se entiende como una manifestación compleja del organismo.

La odontóloga Karen Esquivel, de Clínica Internacional lo describió como el hábito involuntario de apretar o rechinar los dientes sin un propósito funcional como masticar o hablar. Al ser una acción que carece de lógica biológica evidente, la medicina intentó buscarle una explicación puramente mecánica. Durante años, se creyó que el origen estaba en la mala alineación de los dientes que obligaba al cuerpo a compensar el defecto desgastando las piezas por la fuerza.

Sin embargo, la evidencia científica ha desplazado esa teoría, pues hoy se sabe que el bruxismo, especialmente el nocturno, se relaciona con el sistema nervioso central, activado por factores como los microdespertares del sueño, la ansiedad y el estrés.

No obstante, el cerebro no descansa al salir de la cama, ya que encuentra en la sobrecarga laboral y diaria, el escenario perfecto para seguir acumulando tensión. Es ahí donde María Pía Massa, odontóloga de Mapfre destacó la manifestación más invisible y actual de este trastorno: el bruxismo diurno.

“A diferencia del nocturno, este ocurre a plena luz del día y, al no producir un rechinamiento evidente ni dolor inmediato, puede pasar desapercibido por meses o incluso años. Actualmente, su aparición está íntimamente ligada a la rutina contemporánea, como largas horas frente a las pantallas o actividades de alta demanda donde el cuerpo, abrumado por las presiones cotidianas, genera una tensión silenciosa en la mordida”.

Este cambio de paradigma se nota cada vez más en los consultorios. De acuerdo con el doctor Ítalo Funes, cirujano dentista y especialista en cirugía oral y maxilofacial, hace una década el perfil del paciente era muy claro: adultos de entre 35 y 40 años, sumergidos en etapas de alta carga vital y laboral. Hoy, en cambio, el bruxismo aparece de forma creciente en jóvenes e incluso en niños, impulsado por detonantes que van desde el estrés académico hasta crisis familiares.

Por eso, lejos de ser un problema marginal, el bruxismo es hoy una condición altamente frecuente en Perú, ya que representa hasta un 30% o 40% de las consultas, aunque su presencia real parece ser aún mayor si se consideran los casos no identificados o confundidos con migrañas, dolores de oído o cefaleas de origen muscular.

Cuando el estrés no se va, se queda en el cuerpo

Hay emociones que no desaparecen cuando termina el día. Se acumulan o se esconden, por lo que tarde o temprano, encuentran una forma de manifestarse en el cuerpo. A veces lo hacen a través del insomnio, dolores de cabeza y muchas otras personas terminan concentrando esa tensión en la mandíbula.

Sin embargo, Martín Chávez, director académico de Estomatología de la Universidad Científica del Sur aclaró que, si bien la relación entre el estrés y el bruxismo es importante, no es automática, puesto que no todas las personas estresadas desarrollan este trastorno y no todos los casos pueden explicarse únicamente por la tensión emocional.

Entonces, ¿por qué el estrés termina afectando una zona tan específica del cuerpo? Karen Romero, cirujano dentista y Medical Science Liaison Latam de Dentaid, señaló que la respuesta comienza cuando el estrés deja de ser algo pasajero y se vuelve crónico. En ese escenario, el organismo permanece en un estado de alerta constante que altera su equilibrio natural, causando así un desgaste silencioso que afecta distintos sistemas, incluidos los músculos.

En este sentido, la tensión emocional termina reflejándose en la mandíbula por una combinación de factores evolutivos y neurológicos. Ante situaciones de estrés, el cerebro activa mecanismos de defensa ancestrales que preparan al cuerpo para reaccionar, entre ellos tensar o apretar los músculos. Además, las áreas cerebrales que procesan emociones como el miedo, la frustración o la ira están conectadas con los nervios que controlan la masticación, por lo que esa sobre carga emocional puede traducirse en contracciones involuntarias de la mandíbula.

A ello se suma que los músculos del masetero son especialmente sensibles a las señales de tensión. Por eso, emociones contenidas que no encuentran otra vía de expresión suelen manifestarse físicamente mediante el hábito de apretar los dientes.

“En todo este proceso interviene además el cortisol, conocido como la hormona del estrés. Y es que esta sustancia actúa como un puente químico que traduce la tensión psicológica del cerebro en una respuesta física destructiva en la mandíbula”, recalcó la doctora Romero.

Las señales que estás normalizando y no deberías

Apretar los dientes de manera ocasional, ya sea ante un momento de frustración o esfuerzo físico, no necesariamente es motivo de alarma. Sin embargo, para Karyn Kahn, especialista en odontología de Cleveland Clinic, el verdadero problema aparece cuando ese hábito se vuelve frecuente y las molestias comienzan a formar parte de la rutina diaria.

Para identificar cuándo un episodio esporádico se ha transforma en una condición que requiere atención profesional, los especialistas recomendaron prestar atención a señales que suelen pasar desapercibidas:

• Señales al despertar: Sentir la mandíbula cansada o rígida por las mañanas, experimentar dolor facial al masticar o notar chasquidos al abrir y cerrar la boca puede indicar que los músculos trabajaron de forma excesiva durante la noche.
• Dolores que suelen confundirse con otros problemas. Según la doctora Kahn, el bruxismo puede manifestarse a través de dolores de cabeza recurrentes, sensibilidad dental, dolor de oído, tinnitus o tensión en la zona del cuello y la cara. Como estos síntomas son comunes a otras afecciones, muchas personas pasan meses sin relacionarlos con el hábito de apretar o rechinar los dientes.
• Cuando alguien más detecta el problema: Debido a que el rechinamiento nocturno suele ser inconsciente, algunas personas solo descubren que lo padecen cuando su pareja o un familiar les comenta que escuchan el ruido mientras duermen. También es una señal de alerta notar que los dientes lucen más planos o desgastados, o que las molestias se repiten durante varias semanas.

“Si estas alertas se ignoran durante meses o años, el impacto dentro de la boca deja de ser una molestia muscular para convertirse en un daño estructural. Y es que la fuerza repetida y desmedida que ejerce la mandíbula termina desencadenando una serie de destrucción dental: desde la sensibilidad extrema y la movilidad de las piezas, hasta la sobrecarga y fractura de coronas y resinas”, advirtió Martín Chávez.

En este punto de la afección, el tiempo es el factor más crítico, ya que el cuerpo traza una línea muy clara entre lo que se puede salvar y lo que se pierde para siempre:

• Lo reversible: Si se interviene a tiempo controlando el estrés y protegiendo la dentición, el dolor muscular, la inflamación de la articulación temporomandibular y la sensibilidad inicial pueden desaparecer por completo.
• Lo irreversible: El esmalte dental desgastado o perdido no se regenera de forma natural. Las fisuras profundas, los dientes astillados, las fracturas severas o las superficies que han quedado completamente planas requieren tratamientos restauradores complejos.

Cómo dejar de apretar lo dientes y aprender a soltar

Si tienes bruxismo, probablemente hayas escuchado que una férula de descarga puede ayudarte. Es verdad, pero solo hasta cierto punto. Como explicó la doctora Karen Esquivel, estos dispositivos protegen el esmalte del desgaste y ayudan a estabilizar la mandíbula, pero no eliminan la causa que activa el apretamiento dental.

Lo mismo sucede con la toxina botulínica, la cual puede ser útil para casos específicos, como cuando hay dolor muscular importante, hipertrofia de los maseteros o bruxismo severo que no responde a medidas convencionales. Sin embargo, como subrayó Chávez, no es una solución que se sostenga en el tiempo, por su efecto de corta duración, además de que tampoco reemplaza la evaluación de los factores desencadenantes.

Por eso, el primer paso para prevenir o controlar el bruxismo es desarrollar conciencia sobre el propio cuerpo. Muchas personas aprietan los dientes durante horas sin darse cuenta. Según la odontóloga Susant Aguirre, de la Clínica Ricardo Palma, una estrategia sencilla consiste en preguntarse varias veces al día: “¿Estoy apretando los dientes en este momento?”.

La posición de reposo ideal es simple: los labios pueden estar juntos, pero los dientes deben permanecer separados.

Por su parte, la psicóloga Marilia Quispe añadió que las emociones suelen manifestarse primero en el cuerpo. Bajo esa premisa, aprender a identificar señales aparentemente pequeñas —como rigidez en el cuello, tensión en los hombros, dolor facial o cansancio mandibular al despertar— puede ayudar a reconocer cuándo el estrés está empezando a acumularse.

Frente a ello, los expertos coincidieron en que algunos hábitos cotidianos pueden marcar una diferencia importante:

• Realizar pausas activas durante la jornada laboral para levantarse, caminar y cambiar de postura.
• Corregir la ergonomía frente a la computadora o el celular para evitar la sobrecarga de cuello y mandíbula.
• Practicar respiraciones diafragmáticas y estiramientos al comenzar el día.
• Mantener horarios regulares de sueño.
• Evitar el consumo nocturno de cafeína, alcohol y tabaco.
• No masticar chicle ni morder objetos como lapiceros o uñas.
• Incorporar actividad física, espacios de ocio y momentos de socialización que permitan liberar tensión de forma saludable.
• Llevar un registro de los momentos en los que aparecen molestias o dolor para identificar posibles desencadenantes.

El sueño también merece especial atención. Roncar con frecuencia, despertarse cansado o presentar pausas respiratorias durante la noche podrían ser señales de trastornos como la apnea del sueño, una condición que puede estar asociada al bruxismo y que requiere evaluación especializada.

Es por ello que el abordaje más efectivo suele ser multidisciplinario. Dependiendo de cada caso, pueden intervenir odontólogos, psicólogos, fisioterapeutas, especialistas en medicina del sueño, otorrinolaringólogos o neurólogos. El objetivo no es solamente evitar que los dientes se desgasten, sino comprender qué está manteniendo activo el problema.

La buena noticia es que el bruxismo no tiene por qué convertirse en una condición permanente. Cuanto antes se detecten sus desencadenantes y se adopten estrategias para reducir la tensión física y emocional, mayores serán las posibilidades de prevenir complicaciones y recuperar el bienestar.

La escena gastronómica de Lima ha encontrado un nuevo escenario para brillar, y esta vez está más cerca del cielo que nunca. En los últimos años, las azoteas y techos de hoteles de la capital han dejado de ser simples espacios de paso para transformarse en auténticos oasis urbanos. Los rooftops se han consolidado como la tendencia favorita de quienes buscan fusionar la alta coctelería y una propuesta culinaria sofisticada con las postales más espectaculares de la ciudad, redefiniendo por completo el concepto de entretenimiento nocturno y sofisticación limeña.

En la cuarta edición de los Premios Somos nos propusimos mirar a lo más alto y así seleccionamos a los nominados. ¡Elige ya a tu favorito!

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría Mejor rooftop de los Premios Somos 2026:

• 27 Tapas

Dirección: Malecón 28 de Julio 385, Miraflores.

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• Amador

Dirección: Av. Camino Real 315, San Isidro.

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• Ambra Rooftop Bar

Dirección: Av. José Larco 1185, Miraflores.

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• Atmósfera Rooftop

Dirección: Av. Jorge Chávez 184, Piso 10, Miraflores.

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• Celeste Solar Bar

Dirección: Calle Los Pinos 515, San Isidro. Piso 10 del Hyatt.

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• Nau Nikkei Rooftop

Dirección: Malecón de la Reserva 751, Miraflores.

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• Palais Rooftop

Dirección: Av. España 225, Centro de Lima.

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• Rooftop 128

Dirección: Martín Dulanto 128, Miraflores.

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• Terraza Lima Club

Dirección: Dentro del Club de la Unión (Pasaje Santa Rosa 123, Centro de Lima).

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• Vista Corona

Dirección: Jr. Flora Tristán 310, Magdalena del Mar. Piso 22 de la Bloom Tower.

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¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

El chifa es, sin duda, una de las mayores pasiones culinarias de los peruanos. Nacida del encuentro entre las milenarias técnicas de la migración china y los ricos y variados insumos locales, esta maravillosa fusión ha dejado de ser una simple alternativa de fin de semana para convertirse en un pilar indiscutible de nuestra identidad gastronómica. ¿Dónde encontrar el mejor arroz chaufa o el más crujiente pollo tipakay? En la edición 2026 de los Premios Somos nos propusimos descubrirlo.

El Comercio pone bajo el reflector a los mejores woks de la ciudad en los Premios Somos 2026. Conoce a nuestros 15 nominados y vota ya por tu favorito.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría Mejor chifa de los Premios Somos 2026:

• Chifa Internacional

Dirección: Av. Roosevelt 5915, Miraflores.

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• Chifa Mi Amigo

Dirección: Av. Augusto Pérez Araníbar 2195, San Isidro.

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• Chung Tong

Dirección: Av. Alfredo Benavides 3590, Surco.

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• Four Seas

Dirección: Av. Aviación 3124, San Borja.

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• Hakka

Dirección: Av. Aviación N° 2877, San Borja.

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• Hou Wha

Dirección: Calle Carlos Tenaud 490, Miraflores.

• Kion

Dirección: Consulta aquí todas sus ubicaciones.

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• Lung Fung

Dirección: Av. República de Panamá 3165, San Isidro.

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• Madam Tusan

Dirección: Consulta aquí todas sus ubicaciones.

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• Master Kong

Dirección: Consulta aquí todas sus ubicaciones.

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• O-MEI

Dirección: Av. Javier Prado Este 5902, La Molina.

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• Shi-Nuá

Dirección: Av. Víctor Andrés Belaúnde 147, San Isidro.

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• Song Restaurante

Dirección: Av. Augusto Pérez Araníbar 2106, San Isidro.

• Titi

Dirección: Av. Javier Prado Este 1212, San Isidro/ Calle Los Bambúes 198, La Molina.

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• Wong King

Dirección: Av. Aviación 2755, San Borja.

@vladidelnorte ¡Hoy les traigo una joya escondida en Lima! 🇨🇳🇵🇪 ✨ Visité un auténtico restaurante chino donde la comida te transporta directo a China. 🥢🍜 ¿Te animas a probarlo? 👇@wongking48 🏢Chifa Wong King 📍Av. Aviación 2755 , San Borja #ComidaChinaEnLima#ComidaChina #LimaFoodie #Chifa #PeruGourmet #FoodiePeru #ChifaLover #ViralPeru #ChifaEnLima #RecomendacionesLima #AmoComer #ParaTi #FYP #Lima #Peru ♬ sonido original - Vladi del Norte l 🇷🇺 en 🇵🇪

¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

Mientras el fútbol vuelve a reunir al planeta en Norteamérica, convocamos a siete peruanos que ejercen distintos oficios para que elijan el mejor once que vieron en una Copa del Mundo.

Diego Penny (Exfutbolista)

El Mundial de Estados Unidos 94 fue el primero que cautivó a Diego Penny. Tenía apenas 10 años, pero aún conserva fresco el recuerdo de la fascinación que generaba la selección brasileña liderada por Romario. “Cada vez que jugaba Brasil se paralizaba todo. Había una enorme expectativa”, recuerda. A diferencia de otros convocados, su equipo ideal mira más hacia el fútbol moderno que hacia las viejas leyendas.

Claudia Chiroque (Conductora de TV)

Claudia Chiroque creció viendo algunos de los capítulos más memorables del fútbol moderno: el último Brasil campeón, la despedida de Zidane, el dominio de España y la era de Messi y Cristiano Ronaldo. “Crecí viendo cómo el fútbol se volvió cada vez más colectivo, físico y táctico”, señala. Su once ideal reúne figuras de los Mundiales de 2002, 2006, 2010 y 2014, torneos que, para ella, marcaron una época.

Óscar del Portal (Periodista deportivo)

Tuvo la fortuna de que su primer Mundial fuera México 86, el torneo que consagró para siempre a Maradona. “Me parece el más grande porque la grandeza se mide en impacto y trascendencia. Hizo mejores a sus compañeros, vengó deportivamente la guerra de las Malvinas contra los ingleses y toda una ciudad, como Nápoles, le rinde pleitesía”, afirma Del Portal. Con esa admiración como punto de partida, arma un once repleto de cracks.

Pancho Guerra-García (Artista plástico)

El primer Mundial que observó Pancho Guerra-García fue Alemania 74. “Vimos la inauguración en un pequeño televisor en blanco y negro dentro del salón de clases de mi colegio. Estaba en segundo de primaria”, recuerda. Enamorado del fútbol desde niño, el pintor peruano comparte un once marcado por la nostalgia y poblado de figuras que dejaron una huella imborrable en su memoria.

Mario Fernández (Periodista deportivo)

Como cronista deportivo, Mario Fernández cubrió decenas de acontecimientos alrededor del planeta, entre ellos el Mundial Francia 98. “Cuando Raúl Cabrera y Pocho Rospigliosi me dieron a elegir entre España 82 o la gira previa con Tim, opté por esta última”, recuerda. El once que comparte en estas páginas lleva el sello de alguien que ha observado el juego durante toda una vida.

Daniella Fernández (Periodista)

Estados Unidos 94 fue el Mundial que despertó la pasión futbolera de Daniella Fernández. Aún recuerda la celebración de Maradona ante la cámara y el penal fallado por Roberto Baggio en la final. “Son escenas que se me quedaron grabadas para siempre”, comenta. Su equipo ideal reúne a varias estrellas del fútbol contemporáneo.

Alonso Cueto (escritor)

Para Alonso Cueto, todo comenzó en Inglaterra 1966. “Fue el primer Mundial que vi y el que más me marcó”, recuerda. Aún conserva en la memoria la eliminación de Brasil y el llanto de Pelé, la brillante campaña de Portugal liderada por Eusébio, el polémico gol de Inglaterra en la final y la expulsión de Antonio Rattín frente a los ingleses. No sorprende, entonces, que el once que comparte en estas páginas esté poblado por las grandes figuras de aquellos años dorados del fútbol.

Lo dice sin solemnidad: heredar fue una plataforma, pero conlleva una gran responsabilidad. La transición no fue rápida sino un relevo largo —los tres hermanos llevaban quince años en el negocio cuando el padre falleció—, y en vez de disputarse el mando cada uno asumió su función: Humberto se encarga del servicio, Yaquir de la cocina y Franco es el que baja las ideas del carro con la calculadora.

El reporte de rotación y utilidad decide qué se queda y qué no; un plato querido pero poco rentable puede sobrevivir, aunque no por nostalgia. La pregunta que se hace Humberto en voz alta no es cómo innovar, sino cuánto puede moverse sin traicionar a quien viene a comer lo mismo que hace treinta años.

El nikkei es la otra tensión. Don Humberto cocinaba así antes de que existiera la categoría. Era más una forma de persistir en su tradición —platos peruanos con condimentos japoneses y al revés—, y hoy que la palabra se volvió un sello, los hermanos se niegan a quedar encasillados. Quieren meter carnes, técnicas francesas, brasas. Cuando le pregunto a Humberto por la salsa acebichada y otras fusiones de moda, su filtro es claro: si el plato tiene identidad, le pongas lo que le pongas, funciona. Es la misma libertad con que su padre disfrutaba de un huevo frito y frejoles con el cebiche.

Luego está la carta como evidencia. Los cebiches y los tiraditos (emblema de la casa) presiden la carta. El clásico, el famoso cebiche de la paz, con ají amarillo y el Costanera con shoyu y aceite de oliva extra virgen. Recomiendo pedir el Costanera, de lenguado con pulpo. Las entradas frías son una exhibición de la frescura del producto: tartar de atún, lenguado al shoyu, pulpo al olivo, conchas negras. Hay platos que valen la pena el viaje. Sus caracoles a la piedra, guisados lentamente en shoyu y mirín, o sus arroces como la paella negra de pulpo batayaki.

Pero la estrella es, sin duda, la chita a la sal: llega encostrada y en llamas, y un mozo la rompe y filetea frente a la mesa, con una destreza difícil de encontrar en esta época. La costra de sal no condimenta el pescado: lo encierra. Funciona como un horno sellado que atrapa el vapor de la propia carne y le transfiere un calor lento y parejo, de modo que la chita se cocina en su humedad en lugar de perderla. El camarero quita la piel y desprende jugosos filetes sin espinas que se ofrecen con acompañamientos para usar a discreción, como mantequilla clarificada y una especie de chimichurri de kion. Sirven unas treinta al día.

La carta de vinos acompaña: domina el Cono Sur —Mendoza, Salta, el Valle de Uco— con incursiones en Rías Baixas, Borgoña y un Vega Sicilia Único 2014. Los blancos pesan, lógico para una cocina de mar: albariños, godellos y un riesling alemán.

Y para los que buscan opciones más modernas, Costanera se ha renovado con makis dinamita, nigiris de wagyu, de conchas con foie y de langostino con aceite de trufa. Y ahí asoma la única duda de lo que debería ser un templo: ¿hacía falta entrar en ese juego? Es un gesto de mercado en una casa que se sostiene, justamente, por no perseguirlo.

Costanera no necesita reinventarse. Su apuesta más arriesgada es seguir siendo reconocible cuando todo alrededor cambia cada temporada. //

Un detalle distinto se luce en la tradicional fachada de la Antigua Taberna Queirolo, en Pueblo Libre. El Escudo Azul de la Unesco, un emblema internacional, está coronando una de sus puertas de la avenida San Martín, en la esquina de siempre con la avenida Manuel Vivanco, hasta donde turistas y limeños de buen comer y beber llegan a diario por su jugoso cau cau, un antojo de tacu tacu o sus infaltables butifarras con café. Este escudo emblemático acredita su valor patrimonial y refuerza su protección frente a conflictos armados, desastres naturales u otras situaciones que pondrían en riesgo su integridad.

Se trata de un homenaje al pasado que se mantiene de pie, a esos pisos y techos de madera que albergan historias secretas y anécdotas desde hace casi 150 años. “Sentimos un orgullo inmenso, no solo por lo que representa este reconocimiento para nuestra casa, sino al saber que ese legado construido con sacrificio y pasión sigue vivo y es valorado por todas las personas que vienen a visitarnos”, refiere Santiago Queirolo Targarona, gerente general de Santiago Queirolo y descendiente —como evidencian su nombre y apellido— de los inmigrantes genoveses que fundaron este negocio: “Es una distinción a una taberna, a un bar tan antiguo de Lima, de los pocos que están quedando en pie”.

Este destino histórico y gastronómico de la ciudad ofrece una carta con herencia. Platos antiguos como el estofado de lengua, su patita en fiambre o sus clásicos chilcanos con pisco Queirolo son parte de la celebración. Desde su fundación en 1880 por don Santiago Queirolo Raggio, esta típica pulpería de la época (en la que se vendían abarrotes, vinos y conservas) se mantiene intacta y exhibe en perfecto estado uno de los primeros teléfonos que tuvo el Perú, un fonógrafo y una antigua caja registradora, así como la atmósfera perfecta para brindar con pisco sour. ¡Salud por la taberna! //

La décima edición del Salón del Vino Peruano abrirá sus puertas los días 16, 17 y 18 de julio de 2026 en las instalaciones del Hotel Sonesta San Isidro. Este encuentro anual es organizado por Perú Hace Vino con el objetivo de promover y difundir la producción de la industria vitivinícola dentro del territorio nacional.

Para este año, la organización celebra su décimo aniversario reuniendo a diversos actores del sector, entre los que se encuentran bodegas, productores, sommeliers, enólogos, distribuidores y medios de comunicación procedentes de diferentes puntos del país. El evento busca congregar tanto a especialistas de la materia como al público aficionado general.

La presente edición especial contará con la participación de más de 30 bodegas originarias de las principales regiones productoras del Perú. Entre las zonas geográficas representadas en la actividad se encuentran Lima, Ica, Arequipa, Moquegua, Tacna, Apurímac, Cusco, La Libertad y Áncash, las cuales exhibirán su respectiva variedad de productos vitivinícolas.

Durante los tres días de desarrollo del evento, los asistentes tendrán acceso a una programación especializada orientada a visibilizar la evolución del sector. Entre las actividades principales programadas figura el Concurso Nacional de Vinos Catemos Perú, además de una Noche de Gala y la correspondiente premiación de las mejores opciones del concurso.

Asimismo, la agenda del encuentro contempla la realización de la Gran Feria del Vino Peruano, junto con el dictado de charlas y Masterclass a cargo de especialistas del rubro. El público también podrá acceder a la Barra de Partidas Limitadas, la propuesta Sabores del Perú – Cena Maridaje y la Tienda Oficial del certamen.

La organización ha confirmado que se pondrán a disposición del público asistente más de 280 etiquetas de vino peruano para su respectiva degustación. Esta dinámica permitirá a los concurrentes interactuar de manera directa con los productores de las distintas regiones que forman parte de la actual cadena comercial de la industria.

A lo largo de una década, esta iniciativa ha operado como una plataforma para el fortalecimiento de la industria vitivinícola local. La décima edición se plantea como una oportunidad para mantener el impulso en el reconocimiento del producto y servir como un espacio de articulación comercial entre todos los eslabones de la producción nacional.

El certamen cumple diez años de funcionamiento dedicados a la difusión de la cultura vitivinícola y al acercamiento entre los consumidores y los productores locales del sector gastronómico. Las personas interesadas en asistir a las jornadas programadas en San Isidro pueden adquirir sus entradas a través de la plataforma digital Joinnus.

En el marco del Día del Ceviche, que se celebra cada 28 de junio, muchos aprovecharán la fecha para preparar en casa el plato bandera de nuestra gastronomía. Aunque la receta parece sencilla, lograr un ceviche con el equilibrio perfecto entre frescura, acidez y textura requiere cuidar cada detalle. En ese sentido, tres chefs nos comparten los secretos que utilizan en sus cocinas para conseguir un resultado perfecto.

Para Luis Enrique Negreiros, jefe de cocina de Pescados Capitales, el primer ingrediente ni siquiera está sobre la mesa. “Antes de cualquier tip culinario, primero que todo, es cocinar siempre con amor y pasión”, señala. A partir de esa premisa, asegura que la clave está en trabajar con pescado fresco. “Sin importar la especie o el color, la frescura del pescado es la base de una gran experiencia gastronómica”, explica.

El chef recomienda cortar el filete siempre en contra de las fibras para obtener dados ligeramente sesgados, una técnica que ayuda a conseguir una mejor textura en cada bocado. Antes de incorporar el limón, aconseja sazonar el pescado con sal y aromatizarlo con tallos de culantro y un pequeño trozo de ají limo ligeramente aplastados, permitiendo que los sabores se integren desde el inicio.

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El limón como protagonista

Renato López, chef del restaurante Hayaq, explica que el limón debe estar en su punto justo de maduración: ni demasiado verde ni demasiado amarillo, pero sí jugoso.

“Hay que exprimirlo suavemente. Si se presiona demasiado, también se aplastan la cáscara y las pepas, que contienen aceites esenciales con sabor amargo”, señala.

La recomendación coincide con la de Javier Ampuero, chef instructor de Le Cordon Bleu Perú, quien insiste en que el limón debe exprimirse justo antes de utilizarlo para conservar toda su frescura y evitar que adquiera notas amargas.

El secreto está en la temperatura

Otro aspecto fundamental es mantener todos los ingredientes fríos durante la preparación. El chef de Le Cordon aconseja conservar el pescado previamente cortado en refrigeración con una ligera cantidad de sal para mantener su firmeza.

Renato añade otro truco utilizado en las cocinas profesionales: incorporar un par de cubos de hielo directamente a la leche de tigre o al jugo de limón para mantener la temperatura ideal durante el mezclado.

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La cebolla también merece un tratamiento especial. Tanto Javier como el chef de Hayaq coinciden en dejarla reposar en agua con hielo antes de utilizarla. De esta manera conserva su textura crocante y pierde parte de la intensidad característica de su sabor.

Todo listo antes de empezar

Para el chef de Pescados Capitales, la organización también forma parte de una buena receta. Tener todos los ingredientes previamente cortados y listos permite preparar el ceviche en pocos minutos y servirlo inmediatamente, evitando que el pescado permanezca demasiado tiempo en contacto con el limón.

El culantro, de preferencia culantro macho, y el ají limo deben cortarse al momento para conservar todo su aroma. Una vez lista la mezcla, solo queda rectificar el punto de sal y llevar el plato a la mesa.

El mito del limón que “cocina” el pescado

Existe una creencia ampliamente difundida de que el limón cocina el pescado. Sin embargo, desde la ciencia, esa afirmación no es del todo correcta.

Alejandra Ratti, directora del Departamento de Bioingeniería e Ingeniería Química de UTEC, explica que cocinar implica aplicar calor, algo que no ocurre en el cebiche. Lo que sucede es un proceso denominado desnaturalización química: la acidez del limón modifica la estructura de las proteínas del pescado sin elevar su temperatura.

Además de ser uno de los platos más representativos del país, el cebiche también destaca por su aporte nutricional. Combina proteínas provenientes del pescado, carbohidratos del camote y el choclo, grasas saludables como los ácidos grasos omega-3 presentes en los productos marinos y fibra de origen vegetal, convirtiéndose en una alternativa fresca y equilibrada.

En otras palabras, detrás de un buen cebiche no solo hay una receta, sino una serie de técnicas y cuidados que, aplicados de la mejor manera, permiten que cada ingrediente exprese todo su potencial.

Julio se viste de rojo y blanco para todos los peruanos, pero hay quienes llevan el amor por el país como una consigna durante todo el año. Un futbolista, un cocinero, una cantante, una científica y una diseñadora de modas convierten sus pasiones en una forma de honrar el lugar donde nacieron.

Roberto Palacios no solo fue un símbolo en la cancha, también lo fue fuera de ella. En plena eliminatoria rumbo a Corea-Japón 2002, tras anotar un gol con la blanquirroja a la selección de Paraguay, levantó la camiseta y mostró un polo con una frase sencilla pero inolvidable: “Te amo, Perú”. Aquel gesto espontáneo marcó a toda una generación. “Fue uno de los momentos más felices de mi vida”, dice el Chorri. “Representar a mí país es algo que soñé desde muy pequeño viendo a César Cueto, Cubillas, Uribe”, añade.

Hoy, ya retirado del fútbol profesional, sigue ligado a esa misma emoción: ha convertido esa frase en una marca de polos que él mismo diseña y vende, como quien quiere que ese amor —el suyo y el de millones— siga latiendo en el pecho. “Hay tantas cosas buenas que se pueden hacer en nuestro país. Pero lamentablemente no se hacen porque mucha gente entra a gobernar pensando en su bolsillo. Lo que quisiera es que los peruanos podamos tener un presidente que realmente ame al Perú”, afirma el exfutbolista.

Aunque el país enfrente momentos difíciles –tanto en el fútbol como la política- hay algo que no cambia: la hinchada siempre está. Y esa fuerza, dice, es la que lo inspira a seguir llevando con orgullo el mensaje que marcó su carrera. “El Perú siempre ha sido un país con gente que no se rinde”, finaliza.

Sumy Kujón lleva décadas tejiendo una identidad propia en la moda peruana. Su sello está en el uso creativo de textiles locales, las siluetas que dialogan con la tradición y colecciones que siempre miran al Perú como fuente inagotable de inspiración. En 2011, ese camino la llevó a uno de sus trabajos más simbólicos: diseñar la camiseta oficial de la selección peruana. Una prenda que, más allá de lo deportivo, significó vestir al país con orgullo, historia y pasión.

“Para mí, diseñar la camiseta de la selección peruana de fútbol fue un reto que me tomó cerca de un año de investigación para dar con el concepto ideal, el cual estaba inspirado en el Perú pre colombino”, nos dice la diseñadora de modas. “Mi visión del país influyó muchísimo en este trabajo ya que desde muy pequeña viajé por todo el Perú gracias a que mi padre, que es chino, me llevaba en sus aventuras. Esa infancia que tuve ha hecho eco en mi carrera”, explica Sumy.

Hoy ella sueña con un Perú con más justicia social, más oportunidades para los pueblos vulnerables y más educación para los niños que no tienen recursos. “El Perú es una despensa enorme y un libro abierto esperando que lo descubran”, comenta la creadora.

Hay voces que emocionan, y hay voces que representan. La de Eva Ayllón hace ambas cosas. Cada vez que entona un vals, una marinera o un landó, no solo interpreta una canción: encarna al Perú. Con más de cinco décadas de carrera, Eva es la gran dama de la música criolla y símbolo vivo del patriotismo.

El último fin de semana, la cantante presentó la nueva camiseta de la selección peruana junto a otro ícono, el gran Héctor Chumpitaz. “Ponerse la camiseta del Perú es un acto de amor profundo. Es sentir que representas a millones de personas que aman, sufren, luchan y sueñan en este país”, dice la artista. “Cada vez que me la pongo, pienso en todo lo que me ha dado el Perú, en cada escenario donde he cantado con el corazón abierto, en cada rincón donde me han recibido con cariño. Es una manera de decir estoy aquí, soy parte de esta tierra y la llevo en la piel y en el alma”.

Eva dice que aún canta para recordarnos que este país tiene mucho por lo que vivir y luchar. “Necesitamos reconocernos como hermanos, con el mismo derecho a vivir con dignidad. Necesitamos líderes con visión, pero también ciudadanos con conciencia”, sostiene la diva del criollismo. “El arte, la música y la educación tienen que ser prioridad, porque ahí está nuestra fuerza. Si no valoramos lo que somos, nadie más lo hará. Y creo de verdad que, si nos volvemos a mirar con compasión y con amor, podemos construir un país que nos abrace a todos”, finaliza.

Lo que empezó como una apuesta personal, casi silenciosa, se convirtió en un espacio emblemático para la gastronomía peruana que hoy habla en voz alta. En el 2025, Maido fue elegido el mejor restaurante del mundo por The World’s 50 Best Restaurants, un reconocimiento histórico que no solo consagró la propuesta de Micha Tsumura, sino que puso al Perú, otra vez, en el centro del mapa culinario global.

En estos 15 años, Maido consolidó su propuesta y se convirtió en símbolo de identidad, innovación y orgullo. “Los peruanos hacemos muchas cosas bien. El talento es brutal. Hay ingenio. Somos chambeadores. Los emprendedores lo demuestran todos los días. Lo que nos falta es unirnos. Suena obvio, pero hay que trabajarlo. Es como tener un equipo de estrellas donde cada uno juega para su lado. Eso es lo que hay que revertir”, afirma el cocinero.

Micha sostiene que tenemos las armas y recursos para que nuestro país se enrumbe a las vías del desarrollo. “Tenemos minería, agroexportación y una diversidad biológica fascinante. A ello hay que sumarle la solidez económica que tenemos. Entonces, la base ya está. El Perú tiene mucho para crecer, siempre y cuando hayamos aprendido de nuestros errores”, comenta.

En tiempos de desencanto, su mensaje es una cucharada de fe: que el verdadero partido por un mejor país se juega todos los días. Y si lo jugamos juntos lo vamos a ganar.

Fundadora y CEO de Laboratoria, Mariana Costa creó una plataforma que enseña tecnología a mujeres en contextos vulnerables, abriéndoles las puertas a un futuro con más oportunidades, autonomía y voz. Desde que arrancó en 2014, el impacto ha sido concreto: cientos de egresadas trabajando en empresas de tecnología en América Latina, y un modelo de formación reconocido a nivel internacional.

En un país donde las brechas de género y la falta de acceso a la educación técnica aún persisten, Mariana apostó por creer en el talento donde pocos miraban. “Yo creo que ponernos la camiseta por el Perú significa encontrar las cosas que nos unen, las historias, la identidad y los sueños compartidos. Todo eso que tenemos en común para realmente generar ese sentimiento de qué significa ser peruanos”, comenta.

“El futuro del Perú es lo que los peruanos y las peruanas queremos que sea, lo que estamos a dispuestos a construir juntos. Es una elección consciente que tomamos, desde las acciones más grandes hasta las más pequeñas. Personalmente, veo el futuro con optimismo, porque creo mucho en el potencial de nuestro país”, concluye la científica.

El 29 de noviembre de 2007, el biólogo Juan Sánchez Babilonia decidió que Suramérica debía vivir. Sudamérica, la manatí, tenía nueve meses y nadie sabía cómo cuidarla. Junto con Javier Velásquez y Carlos Perea pasó horas buscando respuestas y leyendo libros sobre vida marina. Aquella tarde nació una idea que terminaría convertida en lema: rescatar, rehabilitar y liberar. La joven vaca marina, en cuyo pecho estaba dibujada la geografía de este lado del continente, solo sería el comienzo, la primera de 70 manatíes que pasaron por el Centro de Rescate Amazónico (CREA).

Suramérica fue liberada un año después —fecha aproximada de su reintegración al hábitat— y, al poco tiempo, se convirtió en madre. Al ser animales solitarios, los manatíes desarrollan un vínculo muy fuerte con sus crías, con las que permanecen casi dos años. Durante ese tiempo aprenden rutas de alimentación, técnicas de supervivencia y a salir a la superficie para respirar cada 20 minutos, pero no a salvarse de los actos humanos.

Los principales motivos por los que hoy es una especie en peligro de extinción fueron la caza indiscriminada, la domesticación y la asfixia o sacrificio al caer accidentalmente en redes de pesca. El mayor logro de tantos años de trabajo, presume el biólogo, ha sido conseguir que, desde 2017, ya no se reporten casos de tráfico de manatíes en Iquitos. “Ahora los rescatamos en zonas alejadas, casi en la frontera con Colombia o Brasil”. Es decir, varios días en barco, no menos de doce horas en deslizador o una hora en avión.

Tiempos diferentes

De 1935 a 1954 se sacrificaban entre 4.000 y 7.000 manatíes por año en toda la Amazonía para utilizar su carne como alimento y su piel para obtener cuero, empleado en la manufactura de correas para maquinaria. Prácticas que hoy son ilegales gracias a la Ley de Protección y Bienestar Animal. Sin embargo, todavía hay comunidades en las riberas del Amazonas que los cazan para su consumo y, de vez en cuando, aparecen cazadores oportunistas, de los cuales dos se encuentran judicializados y a la espera de una sentencia no mayor a tres años.

“Uno de ellos tenía al manatí amarrado de la cola a una estaca, así era la imagen —nos cuenta el biólogo—. El sujeto lo vendía por Facebook Marketplace. También hay quienes los capturan como trofeos, usan sus restos para jugar fútbol o piensan que son como perros —prosigue Sánchez—. Cuando llegan por esto último, lo hacen con desnutrición extrema; ahí solo podemos darles calidad de vida. Es casi imposible salvar a un animal que llega con 40 kilos, cuando en la adultez pueden superar una tonelada”.

A la defensa se suman los Yacu Tayta —o Padre del Agua—, quienes antaño fueron cazadores en la Reserva Nacional Pacaya-Samiria y que ahora utilizan ese título para denominarse defensores del agua, velando por la seguridad de varias especies, entre ellas los manatíes, que tienen, según teorías evolutivas, más de elefantes que de paiches.

A la venta

“Solo la educación ambiental nos podrá salvar —enfatiza Sánchez—. De esa forma garantizamos que en el futuro las nuevas generaciones sean mejores que nosotros”. Gran parte de esa salvación también se encuentra en la modernización. Con la introducción de productos sintéticos en el mercado, la industria del cuero de manatí se redujo considerablemente y, con la llegada del aceite de girasol, su grasa —utilizada como una manteca de gran valor— perdió vigencia en la vida de las comunidades.

Antes de la intervención del CREA y de los procesos judiciales, el mercado de Belén comerciaba abiertamente con carne de manatí. “Pocos te entienden si lo llamas así; diles vaca marina”, nos corrige un comerciante de la calle 16 de Julio. Dato que corrobora Sánchez, quien asegura que hace diez años ni siquiera se conocía el nombre común del Trichechus inunguis. Así surgían mitos como el de las sirenas del río que, al llamarte al agua, revelaban su aspecto rechoncho.

“No hay mucha magia en ellos. Yo lo probé una vez —asegura el comerciante, cuyo nombre prefiere no revelar—. Iba en lancha y unos pescadores cazaron a la madre por accidente. También mataron a la cría porque igual se iba a morir —dato que vuelve a corroborar Sánchez— Ya no lo cazan porque no es rentable, no tiene valor”.

Únicos en su especie

¿Qué tan inteligentes pueden ser? “Más que nosotros, sin duda”, responde el biólogo, quien asegura que son tan expertos en tareas experimentales como los delfines, uno de los animales más inteligentes del planeta; y tan únicos como nosotros, pues las manchas de su vientre equivalen a las huellas dactilares.

El CREA cuenta con 26 personas que se reparten las labores de rescate, rehabilitación y cuidado de las vacas marinas. Ubicado en el extremo sur de la ciudad de Iquitos, el centro también tiene la misión de educar a las comunidades, promover el turismo y, por sobre todo, contribuir a que estos animales abandonen la cada vez más extensa lista de especies en peligro de extinción.

No existen cifras exactas sobre cuántos manatíes quedan a lo largo del Amazonas, solo aproximaciones vagas que los rescatistas prefieren dejar en el papel, pues en la práctica son cada vez más frecuentes los avistamientos en diversas zonas. “La cosa va a mejorar”, se promete Sánchez, quien, una semana después de nuestra partida, recibe a Gru de Primavera, una nueva vaca marina rescatada en aquellas aguas donde aún persiste la amenaza de perder a nuestros gigantes amazónicos.

En una época en la que las peñas criollas forman parte de la memoria de muchos limeños, la Peña Don Porfirio en Barranco sigue resistiendo al paso del tiempo y lo hace gracias a una promesa de amor. Marilú Loncharich de Vásquez todavía recuerda con emoción aquel sueño que acompañó durante años a su esposo, el reconocido cantautor Abelardo Vásquez, hijo del gran Porfirio Vásquez, y que hoy se siente más vivo que nunca.

Ambos se conocieron en la Escuela Nacional de Folclore José María Arguedas, donde él era profesor y ella una de sus alumnas. Entre clases de marinera limeña y festejo nació una historia que terminaría convirtiéndose también en un proyecto de vida.

“Mi esposo siempre tuvo el sueño de tener una peña criolla”, cuenta Marilú. La oportunidad apareció en 1984, cuando dos alumnos de Porfirio le sugirieron aprovechar una antigua casona del pasaje Tumbes, en Barranco, donde además ofrecía clases particulares de marinera.

En apenas un mes, el lugar quedó listo. Solo faltaba un nombre. La noche de la inauguración, el 10 de febrero de 1984, fueron los propios asistentes quienes sugirieron bautizarla como Don Porfirio, en homenaje al querido criollo con quien muchos habían compartido interminables jaranas criollas. Así nació una de las peñas más tradicionales de Lima.

El sueño encontró un hogar

La primera sede permaneció ocho años en el pasaje Tumbes. Sin embargo, Abelardo tenía una condición innegociable: la peña debía seguir en Barranco. “Si no conseguimos algo en Barranco, la peña muere”, le decía a Marilú.

En 1992 encontraron el terreno donde hoy funciona el local. La pareja hizo esfuerzos, recibió el apoyo de amigos y en menos de un año levantaron la nueva casa. “Quiso hacer la peña y nuestra casa encima. Aquí vivimos”, cuenta doña Marilú.

Pero el camino no siempre fue fácil. Tras la muerte de Abelardo, muchos pensaron que la historia terminaría. “Fue un año muy complicado. Los amigos creían que la peña iba a desaparecer”, admite.

Sin embargo, la ayuda de artistas, amigos y personas cercanas permitió salir adelante. Y, sobre todo, la convicción de Marilú. “Lo hice por amor a mi esposo. El sueño de toda su vida no podía quedarse abandonado”.

Una anfitriona que conoce a todos

A sus más de cuatro décadas, la Peña Don Porfirio conserva una esencia familiar. Marilú sigue recibiendo personalmente a los visitantes. Recorre las mesas, pregunta de dónde vienen, felicita cumpleaños y toma el micrófono para presentar a los invitados. “Quiero que todos se sientan como en casa”, dice.

Su hijo Eduardo se encarga de la parte administrativa y tecnológica, mientras que Verónica se ocupa de las redes sociales y la difusión. Entre los tres mantienen vivo un proyecto que se convirtió en una extensión de la familia.

La pandemia cambió algunas costumbres, pero no la esencia. Hoy el público es más diverso que nunca. “Después de la pandemia vienen turistas de todas partes. Europa, América, África. Me emociona cuando llegan personas de países que uno ni imagina”, cuenta.

Pero hay otro fenómeno que la llena de satisfacción: la presencia de los jóvenes. “Antes el público era mayor. Ahora hay noches en las que tenemos un 80 % de jóvenes y eso nos encanta porque significa que nuestra música criolla sigue viva”.

Además, también disfruta viendo cómo extranjeros y peruanos terminan unidos por el ritmo de la música criolla. “Así vengan del Congo o de donde sea, terminan bailando festejo”, dice entre risas.

La peña abre principalmente los viernes, una tradición heredada de Abelardo. En los años ochenta, los espectáculos terminaban los viernes a las tres de la mañana y luego los músicos, cantantes y guitarristas llegaban a la peña a continuar la jarana hasta el día siguiente. “Por eso siempre fue viernes y así lo hemos mantenido”, explica.

El criollismo también se sirve en la mesa

La experiencia se complementa con una propuesta gastronómica sencilla, pero muy querida por sus visitantes. El plato estrella es el lomo saltado, uno de los favoritos históricos de la casa. También ofrecen piqueos como chicharrón de pollo, alitas, tequeños y otros platos ideales para compartir.

La cocina tiene un significado especial para Marilú. En los primeros años, era el propio Abelardo el que preparaba las comidas.

Un legado que sigue cantando

Aunque ya no canta como antes, Marilú continúa siendo el alma de la peña, para ella, Don Porfirio representa mucho más que un negocio. “Es el sueño cumplido de mi esposo y una gran satisfacción. Lo primero que quiero es que la gente se sienta como en casa. Y que los peruanos valoren lo que tenemos”.

Cada viernes, llegan curiosos y amigos, como Danna, quien llegó con una foto de su papá, gran amigo de la casa y que falleció hace unos meses, ella decidió celebrar el cumpleaños número 80 como lo hizo durante muchos años y es que cuando las guitarras vuelven a sonar y los visitantes se levantan a bailar, el legado de Abelardo Vásquez continúa vivo.

José Peláez habla de su hijo y el rostro se le ilumina. Desde que nació Lucas, aprendió que la paternidad empieza en los gestos pequeños. En preparar una leche temprano, cambiar un pañal, bañarlo con cuidado, verlo caminar o escucharlo decir “papá”. A puertas de celebrar su segundo Día del Padre, el conductor habla de su hijo como quien habla de una vida que volvió a empezar.

“Desde que soy papá, me he dado cuenta de que un hijo viene a darle color a la vida, a llenarla y a darle otra dimensión. También viene a retarte constantemente y a enseñarte muchas cosas de ti mismo. En mi caso, me enseñó a soltar”, reflexiona.

Lucas tiene un año y seis meses. Ya camina, dice algunas palabras, imita al perro y convierte cualquier gesto mínimo en un acontecimiento. Para Peláez, acompañar esa etapa le ha devuelto la capacidad de sorprenderse con lo simple.

“Te recuerda que vivir es un milagro, pero también que damos por sentadas muchas cosas”, asegura.

La paternidad lo encontró feliz, pero no necesariamente preparado. Antes de la llegada al mundo de Lucas, pensaba en si podría pagar el colegio, si la economía alcanzaría, si lograría ordenar su vida alrededor de esa nueva responsabilidad. Lo que no había dimensionado era las noches interrumpidas, los horarios que cambian, la casa apagada a las siete de la noche, el cansancio y esa extraña felicidad que puede aparecer incluso en medio del caos.

“Yo no estaba preparado para ser papá”, reconoce. Su esposa, dice, había profundizado mucho más en lo que significaba tener un hijo. Él, en cambio, fue aprendiendo sobre la marcha. Y en ese aprendizaje descubrió también todo lo que sus propios padres hicieron por él.

“No había interiorizado todo lo que mi papá y mi mamá hicieron por mí. Ahora digo: ‘Wow, qué cantidad de cosas hicieron’”.

Lucas llegó antes de lo previsto y cambió todos los planes. Su esposa tenía programada una cesárea porque el bebé venía en posición podálica, pero ambos querían evitar elegir la fecha de nacimiento. Mientras tanto, en “El gran chef famosos” se emitía un episodio dedicado al baby shower de Peláez. Esa misma noche, él tenía un matrimonio de una pareja de amigos en el sur. Era, de algún modo, su última fiesta antes de convertirse en padre.

Entonces sonó el teléfono. Su esposa le dijo que era mejor que regresara, que se sentía diferente. Él pensó que podía ser una falsa alarma, pero volvió lo más rápido que pudo. Al llegar a la clínica, encontró a su esposa monitoreada y poco después el médico le dio la noticia: Lucas nacería esa misma noche.

“No estaba preparado para que me dijeran eso. Literalmente el día del nacimiento de mi hijo, yo estaba de resaca”, recuerda con una sonrisa. Así empezó su vida como padre: de golpe, sin ensayo.

Ver nacer a su hijo, dice, fue lo más cercano a un milagro que ha presenciado. “De la nada sale una persona con la que vas a estar conectado el resto de tu vida”, afirma. Desde entonces, todo parece tener otro peso. “Cuando veo a mi hijo reír, siento que no importa absolutamente nada más”, dice.

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Amor heredado

La llegada de Lucas también lo conectó con la memoria de su propio padre, fallecido hace algunos años. Peláez fue hijo único y recuerda una infancia marcada por el amor y la presencia paterna. Su padre, cuenta, fue un hombre bondadoso, cariñoso y muy presente, aunque también cargó una historia difícil.

“Mi papá fue preso político en Cuba mucho antes de que yo existiera. Estuvo 12 años preso, antes de conocer a mi mamá, y eso dejó secuelas. Después sufrió depresiones. Yo lo veía llorar con cierta facilidad; de pronto lo encontraba en la cama, llorando. También tuvo cáncer y un infarto cerebral. Hubo una parte dura, retadora, en nuestra vida, pero aun así siento que tuve una infancia muy bonita y llena de amor”, detalla.

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De su padre heredó, sobre todo, el amor físico, la presencia, el abrazo. De niño, tanta demostración podía incomodarlo. Hoy entiende de dónde venía. “Mi papá era muy besucón. Y yo no puedo parar de besar y abrazar a mi hijo”, confiesa.

Esa necesidad de estar presente también lo llevó a ordenar el trabajo de otra manera. Cuando nació Lucas, Peláez tenía licencia de paternidad, pero decidió cerrar primero la temporada de “El gran chef famosos” y luego tomar un tiempo para concentrarse en su familia. Después vinieron proyectos más manejables, trabajos independientes, redes, podcast y una pausa de la exigencia diaria de la televisión. Necesitaba mirar crecer a su hijo sin sentir que el tiempo familiar quedaba siempre en segundo plano.

Ahora, con su regreso a la pantalla en “Me caigo de risa”, Peláez reconoce que la paternidad también le enseñó a trabajar de otra manera. El formato exige juego, improvisación y soltar el control, algo que hoy enfrenta con más naturalidad desde que Lucas llegó a su vida.

Esa misma capacidad de soltar atraviesa también su segundo Día del Padre. El primero lo encontró todavía cerca del nacimiento, entre el asombro y el aprendizaje inicial. Ahora Lucas ya camina, responde y empieza a construir con él una complicidad nueva.

“La vida del hogar y la vida en familia me hacen muy feliz”, dice. Y en esa felicidad simple, José Peláez parece haber encontrado algo más que una nueva etapa. Encontró el color que no sabía que le faltaba.