Cuando Renato Gaitán era niño y crecía en Villa El Salvador, podía pasar horas preguntándose cómo funcionaban las cosas. En su casa era común verlo desarmar cualquier mecanismo que le provocara asombro, desde juguetes hasta bicicletas, para desconcierto de todos. A veces lograba volver a armarlo; otras, no. Pero la curiosidad era más fuerte que la frustración. Su madre, la señora Asunción García, recuerda que su curiosidad parecía infinita. “Siempre quería saber el porqué de todo”, dice hoy. Ese niño curioso hoy tiene 18 años y dentro de poco tomará un avión rumbo a Estados Unidos. Renato Gaitán ha sido admitido en el Massachusetts Institute of Technology (MIT), una de las universidades más prestigiosas del mundo, donde estudiará Matemáticas puras.

Para cualquier estudiante peruano, ingresar al MIT es un logro extraordinario; para alguien que creció en un hogar de bajos recursos y con pocas oportunidades, lo es todavía más. La madre de Renato es vendedora de ropa y durante años atendió un pequeño puesto en el centro de Lima. El papá de Renato vende repuestos. Ninguno de los dos pudo ir a la universidad, aunque a ella le hubiera encantado estudiar medicina. De ese dolor nació un anhelo: “siempre pensé que mis hijos tenían que estudiar e ir a la universidad, siempre quise que tuvieran lo que yo no tuve”, cuenta.

Los primeros indicios de que el niño tenía un talento especial aparecieron temprano. En el colegio Prolog, donde estudió desde pequeño, los profesores notaron que aprendía rápido y destacaba en clase. Poco después empezaron a invitarlo al círculo académico del colegio, donde se preparaba a los alumnos para competencias de ciencias y matemáticas. El problema era que las clases quedaban lejos, en otro distrito, y sus padres trabajaban todo el día.

La familia tuvo que reorganizar toda su rutina para que Renato pudiera ingresar al círculo. Asunción recuerda años de sacrificio para acompañar el entusiasmo de su hijo. Muchas veces tuvo que cerrar su puesto de ropa justo los días en que más vendía, porque Renato tenía competencias académicas. “Sabía que íbamos a ganar menos dinero”, dice, “pero me importaba más verlo contento”. Ese respaldo silencioso fue clave.

Renato empezó a participar en olimpiadas de matemáticas y a dedicar cada vez más horas al estudio, imponiéndose una disciplina férrea: jornadas de hasta doce horas resolviendo problemas y revisando teoría. El esfuerzo pronto empezó a dar resultados. Renato acumuló medallas en competencias nacionales e internacionales, y viajó a países como Rusia, China, Australia y el Reino Unido representando a su colegio y al Perú.

Fue en ese mundo de estudiantes de élite que Renato comenzó a aterrizar el deseo de estudiar en el extranjero. Postular al MIT implicó un proceso largo de exámenes, ensayos, cartas de recomendación y pruebas de inglés. Una organización llamada Beca Cometa lo orientó durante el camino y lo ayudó a completar los requisitos. Incluso el idioma lo enfrentó con su estilo autodidacta. Renato había tomado algunos cursos de inglés, pero decidió prepararse por su cuenta para el examen internacional TOEFL. Pasó semanas estudiando con materiales de internet, libros y videos en línea. Su madre dudaba que lograra el puntaje necesario en tan poco tiempo; él, en cambio, parecía tranquilo.

Cuando llegaron los resultados, la sorpresa fue general: había obtenido una calificación suficiente para completar su postulación. Meses después llegó la noticia definitiva: el MIT lo aceptaba con beca completa, que cubriría matrícula, alojamiento, alimentación y seguro médico.

Antes de partir, su madre quiere organizar un almuerzo con familiares, amigos y profesores que lo acompañaron en el camino. El menú ya está decidido: pescado, el plato favorito de Renato. Por ahora Asunción se siente serena. Dice que el orgullo es más grande que la preocupación. Sin embargo, recuerda lo que ocurrió cuando su hijo viajó por primera vez a una competencia en el extranjero: no lloró en el aeropuerto. Se mantuvo fuerte mientras otras madres se despedían entre lágrimas. Pero al volver a casa y ver la cama vacía, no pudo contenerse. Quizá esta vez ocurra lo mismo. Porque su hijo se va lejos, por mucho tiempo, aunque el punto de partida siga siendo Villa El Salvador. //

En una ciudad donde la cena puede empezar pasadas las nueve de la noche y el ritmo cotidiano parece no dar tregua, hay un ritual que resiste y que incluso se reinventa: la merienda. Ese espacio entre el almuerzo y la cena, muchas veces relegado por la rutina, es el eje de “Meriendas de Buenos Aires”, el nuevo programa de la cocinera argentina Ximena Sáenz en canal elGourmet, en el que invita a conocer a la “ciudad de la fiura” desde otro ángulo.

“Hay algo muy ligado a la infancia, a volver del colegio y sentarse a merendar”, cuenta. Pero ese recuerdo hoy convive con una nueva realidad: restaurantes llenos a media tarde, jóvenes que eligen este horario para salir y una oferta gastronómica cada vez más especializada. “Se abrió un nuevo horario para encontrarse”, resume.

Lejos de apostar por un solo estilo, el recorrido de “Meriendas de Buenos Aires” busca reflejar la diversidad gastronómica de la ciudad. Desde salones clásicos que te hacen sentir en otra época hasta espacios modernos con estética urbana, la selección responde a una premisa: mostrar un abanico de opciones, pero siempre con buena comida.

“Queríamos que fuera variado: lo elegante, lo popular, lo tradicional y lo más joven. Lugares donde podrías llevar a tu abuela, y otros donde predominan los neones y una estética más contemporánea”, explica.

El resultado es un mapa afectivo y gastronómico que incluye desde palacios hasta cafeterías de barrio. En todos, sin embargo, hay un elemento en común: la experiencia de la merienda como un pequeño lujo cotidiano.

El viaje comienza en lugares emblemáticos como Confitería La Ideal, donde la tradición sigue intacta, y se extiende hacia experiencias más sofisticadas como el té del Hotel Alvear. En paralelo, aparecen propuestas modernas como Lab Sucré, donde la pastelería se acerca a lo experimental.

La ruta continúa con espacios que combinan estética y cocina, como Casa Cavia, o reinterpretaciones de lo clásico en lugares como García Nordelta. También hay lugar para la técnica y el detalle en La Kitchen, donde el ambiente eleva la experiencia.

En otros episodios, el recorrido se vuelve más diverso: desde el té premium en el Palacio Paz con Croque Madame, hasta propuestas abundantes como el buffet de Club El Progreso. A esto se suma la tradición pastelera del Hotel del Sindicato de Pasteleros, donde el oficio cobra protagonismo.

La experiencia también incluye escenarios arquitectónicos como el Palacio Basavilbaso, opciones más informales como Anafe, con su propuesta “a la ventana”, y un cierre íntimo en Casa Sáenz, donde la merienda vuelve al hogar.

Una comida para los jóvenes

Uno de los hallazgos más interesantes del programa es el cambio generacional. La merienda, antes asociada a la infancia o a encuentros familiares, hoy convoca a un público joven.

“Me sorprendió ver mesas de chicos de entre 18 y 22 años. Quizá todavía no tienen tanto dinero para salir a cenar, pero la merienda es más accesible y también más relajada”, señala.

Este factor económico, sumado a la posibilidad de compartir platos, ha contribuido a posicionar la merienda como una alternativa atractiva dentro de la oferta gastronómica.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Ximena Saenz (@ximena_saenz)

Más allá de Buenos Aires

Aunque el programa se centra en la capital argentina, la idea podría crecer. Sáenz no lo plantea como un plan inmediato, pero sí como un deseo claro: explorar otras ciudades y países a través de este mismo concepto.

Entre ellos, menciona a Perú, un destino que aún no visita pero que admira profundamente, en gran parte por su gastronomía. La cocinera recuerda con emoción una charla de Gastón Acurio en Buenos Aires y destaca el rol de los restaurantes peruanos como embajadores culturales.

“Fue muy fuerte. Habló de cómo representan a su país a través de la comida”, cuenta. Para ella, la cocina peruana es una de las más importantes de la región, y no duda en mencionarla entre sus favoritas.

Entre sus platos preferidos están los clásicos como el cebiche o la papa a la huancaína, pero también tiene un gusto especial por los postres. “Soy muy dulcera. El suspiro a la limeña me parece de lo más delicioso que hay”, dice. Incluso menciona con cariño restaurantes peruanos en Buenos Aires, donde ha encontrado sabores caseros y memorables.

No es casual, entonces, que uno de sus sueños sea llevar el formato del programa a otros países. “Me encantaría salir a merendar por Latinoamérica, entender qué tenemos en común y en qué somos distintos”, afirma. Perú, claramente, está en esa lista.

Entre la televisión y los nuevos proyectos

El estreno de “Meriendas de Buenos Aires” llega en un momento de intensa actividad para Sáenz, quien también ha ganado visibilidad tras su paso por MasterChef. A esto se suma la expansión de sus restaurantes y su interés por explorar nuevos formatos de contenido, como la escritura en plataformas digitales.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Ximena Saenz (@ximena_saenz)

Pero, más allá de los proyectos, hay una constante en su trabajo: la búsqueda de momentos significativos alrededor de la comida. Y en este caso, la merienda se convierte en una excusa perfecta para redescubrir una ciudad.

Ahora adultos, los vecinos todavía recuerdan cuando jugaban de niños en los patios de la casona. Hasta podían escuchar la misa del domingo en esa iglesia jesuita de estilo barroco edificada en 1752. El origen de la Casa Hacienda San Juan Grande se remonta a 1581 y, desde esa fecha, se volvió un valioso emblema del pasado limeño y del distrito de Surco.

Mucha historia corrió ante los ojos de esta hacienda. Los siglos pasaron mientras la ciudad fue creciendo: las casas, edificios y avenidas la fueron acorralando. Mientras realizamos el recorrido junto a Betsalí Curi, historiadora de la Municipalidad de Surco, nos va contando, siglo por siglo, cómo estas tierras fueron cambiando desde su primer dueño, Diego de Porras Sagredo, quien en 1559 recibió la chacra del segundo marqués de Cañete para trabajarla.

Posteriormente, la dona a los jesuitas. En sus inicios coloniales había trapiches para la producción de azúcar y, con la administración jesuita hasta su expulsión en 1767, se ampliaron los cultivos de caña, vid y olivo.

Uno de los recuerdos anidados en el corazón de quienes conocen la casa hacienda es la historia del niño que se volvió héroe durante la Guerra del Pacífico. Este era Julio César Escobar, Julito. Desde aquí el ejército peruano se defendía del ataque chileno durante la batalla de San Juan: “Esta era la línea número uno de defensa de San Juan. Aquí estaba el coronel Belisario Suárez. Había bastante neblina y no se podía ver el avance de los chilenos. Cuenta la tradición que el niño de 13 años, Julito Escobar, se subió con agilidad a un pino inmenso desde donde logró observar por dónde estaban llegando”, declara la historiadora. Desde lo alto podía informar la posición de los soldados enemigos para atacarlos, pero fue descubierto y murió tras varios disparos.

Con la invasión chilena, el área de las rancherías, donde vivieron los indígenas y esclavos que trabajaron estas tierras, se convirtió en cuartel y caballerizas de las tropas chilenas. “Luego de unos años la recuperan los jesuitas, pero la hacienda estaba destruida y comienza a pasar de mano en mano. A fines del siglo XIX es que se empieza a plantar uva y a producir vino en todo este valle, y se instalan varias familias italianas”. El pino histórico cayó en 2001 con 247 años de vida, pero todavía se conserva. Su tronco se guardó y se encuentra cerca de la iglesia principal, haciendo recordar este triste pasaje de nuestra historia decimonónica. En el patio interior de la casona plantaron un nuevo pino que se luce actualmente mirando la ciudad.

Un referente cultural

Durante los últimos 50 años, la Casa Hacienda San Juan Grande fue ocupada por invasores que alteraron su arquitectura, la misma que está siendo recuperada poco a poco. Ahora se encuentra cercada y solo transita ese esplendor virreinal todavía presente a través de su iglesia, con su fachada, murales y techos restaurados, al igual que buena parte de la casa hacienda levantada en 1719 y sus patios interiores.

Pronto, el área de las rancherías será reconstruida y restaurada gracias a un convenio de la Municipalidad de Surco con la Fundación Ignacia, dueña del predio, para convertirlo en un punto clave del turismo y la cultura. Al caminar por las rancherías, ahora destruidas, todavía se ven las señales de su invasión. Hay muros de adobe original cubiertos de cemento y paredes levantadas con ladrillo para crear más divisiones. Todo este espacio tendrá una nueva cara: “A partir del anteproyecto realizado por la Universidad de Lima hemos desarrollado el expediente técnico de esta obra que se empezó a ejecutar desde la semana pasada. El objetivo es que se genere un punto obligado de turismo en Lima”, nos comenta el ingeniero Elías Ruiz, gerente de Servicios a la Ciudad de la Municipalidad de Surco.

Después de la reconstrucción del sector de las rancherías se implementarán salas de exposiciones, espacios de usos múltiples, áreas audiovisuales, áreas de talleres vitivinícolas y gastronómicos. También se construirá una plaza con pérgola al centro destinada a actividades gastronómicas y exposiciones; estacionamientos, jardines y un muro perimétrico. El ingeniero Ruiz anuncia que los trabajos demorarán 240 días calendario —es decir, ocho meses—.

La iglesia San Juan y la casona no se abrirán al público, pero sí toda la zona de las rancherías y espacios que estarán diseñados precisamente para que los vecinos disfruten del espíritu original de esta casa hacienda, una de las pocas que se encuentran aún en pie. //

Joan Roca es de los mejores chefs del mundo. Su restaurante, El Celler de Can Roca —que lidera junto a sus también famosísimos hermanos Josep (sommelier) y Jordi (pastelero)—, tiene tres estrellas Michelin y es Best of the Best después de haber ganado dos veces como el mejor del mundo según The World’s 50 Best Restaurants. A sus galardones, que son muchos, se suma una profunda historia familiar en Girona, donde nació y comenzó esta aventura gastronómica hace 40 años.

-En tus viajes por el Perú has tenido la oportunidad de conocer la tradición gastronómica. ¿Cuál es tu relación con nuestro país?

Voy hace muchos años. La primera vez fue por un Mistura. Me impactó darme cuenta de la peculiaridad que hay en la cocina peruana, tan distinta a otras cocinas de Latinoamérica. Tiene mucha personalidad, con esa identidad fruto de ese mestizaje de otras culturas que llegaron a vuestro país y configuraron una cocina muy excitante conocida en todo el mundo gracias a Gastón Acurio. Pero también gracias a todos los cocineros y cocineras que están llevando esa cocina popular a la excelencia y a la internacionalización de sus platos emblemáticos.

-El Perú está viviendo un momento en que la cocina está muy ligada a la identidad y al orgullo; ¿qué otros factores crees que se deban tener en cuenta para liderar la cocina de una región?

Probablemente, hay que tener un muy buen sector primario; es decir, que se produzcan buenos productos en la zona y que, desde la agricultura, la ganadería, la pesca, haya una actividad comprometida con hacer bien las cosas y la excelencia. Pero también esa idea de que la gastronomía es un orgullo nacional. Es prácticamente una cuestión de Estado aquí.

-¿De qué manera?

Recuerdo la primera vez que fui a Lima, el taxista que me llevaba del aeropuerto al hotel —sin saber quién era yo— me habló de la importancia de la cocina peruana, del orgullo que sentía de ser peruano, de lo bien que se comía y que se comía mejor que en cualquier lugar del mundo. Me lo estaba diciendo alguien de la calle que lo sentía como algo propio y eso a mí me impactó porque no suele suceder. Entonces otros factores son que haya una cultura popular vinculada a la gastronomía, un sector primario de alto nivel y, luego, que haya talento, como lo tiene el Perú.

-En cocinas diversas y en los talentos premiados mundialmente.

En el Perú se ha dado la circunstancia de que se ha acumulado talento en las cocinas, encabezadas por Gastón Acurio, pero luego por todos los demás. Otro factor determinante y objetivo es que dos restaurantes limeños, peruanos, han sido nombrados como mejor restaurante del mundo. Esto es un dato objetivo, incuestionable; todo lo demás es subjetivo. Ha pasado en el Perú y no en otros lugares.

-Es increíble cómo nuestro cebiche ha atravesado fronteras y está ingresando a las cartas del mundo.

Se está convirtiendo en una cocina tradicional dentro de otras cocinas. Esto resulta fascinante por la manera en que la cultura peruana contribuye a generar, a mi juicio, uno de los fenómenos más valiosos de la gastronomía actual: transmitir que la cocina une culturas, países y personas. Verlo de forma natural es alentador y sugiere que, incluso en tiempos de conflicto, hay espacio para la esperanza. La cocina nos conecta, y comprobarlo es, simplemente, extraordinario.

-¿En tu restaurante tienes insumos peruanos o técnicas aprendidas aquí?

Hemos empezado a cultivar en nuestro huerto variedades de pimiento que no teníamos, ajíes y rocotos. Y, sobre todo, el cómo aplicar las técnicas a nuestros pescados, cocinar de la misma manera como cocinan sus maravillosos lenguados, elaboraciones como el arroz con pato, la causa limeña. Por mucho tiempo, hicimos un postre inspirado en el suspiro a la limeña. Esta manera de viajar, de cocinar con el corazón abierto y la mente abierta nos da aprendizajes.

-Algo interesante es que cada día es más fuerte el turismo gastronómico. ¿A qué se debe que las personas estén viajando a restaurantes como destinos en sí mismos, así como se viaja a las pirámides de Egipto o al Museo del Louvre?

Pasa y creo que pasará más porque hoy lo material no es tan importante como vivir experiencias que sean auténticas. Lo material seguirá siendo importante —los objetos de lujo, en fin—, pero quizá menos. Y lo que más valor está dando a la gente es vivir algo que se lleva en la memoria, esa experiencia vivida, y cuanto más auténtica, mejor. Es por esto que muchos turistas gastronómicos buscan ir a Mil [en Cusco] y vivir algo realmente extraordinario y exclusivo. ¿Por qué viene la gente hasta Girona a comer expresamente desde cualquier ciudad del mundo? Quieren vivir una experiencia de un restaurante que se ha posicionado, que tiene una solvencia en calidad contrastada, y desean vivirla porque empieza a ser algo aspiracional.

-¿Qué es lo que buscan de El Celler?

Quieren saber qué producimos, qué cocinamos y qué se cocinaba antes en Girona, en la zona de Ampurdán, en la zona del Mediterráneo occidental, que es distinto de lo que se cocina y se come en Galicia. Esa búsqueda de la identidad y de la diferencia, de poder ser auténtico, tiene que ver cada vez más con una mirada de los cocineros hacia esa autenticidad que buscamos todos. De alguna manera es lo mismo que están haciendo Pía León, Virgilio Martínez, ‘Micha’ y Gastón Acurio. Todos buscamos dar de comer algo distinto a lo que se ofrece en otras zonas del planeta. //

Una mañana de marzo pasado, los hermanos Rozas se plantaron frente a la casa de John Lennon en Menlove Avenue con sus instrumentos al hombro. Desde adolescentes, los jóvenes músicos Fabrizio, Piero y José Luis habían soñado con el momento en que su obsesión por The Beatles los llevara al origen de todo, a Liverpool mismo. Crecer con la música de los Fab Four en la camioneta paterna, yendo de un lugar a otro, los fue permeando en el catálogo de los autores de “A Hard Day’s Night”. Que luego formaran una banda tributo que saltó a la fama en la televisión peruana fue otra bendición. Los recordados “Beatles de Yo Soy” —ya adultos y bajo el nombre artístico de Los Mapaches— confiesan que pararse al pie de la casa donde creció su ídolo es algo que apenas pueden describir. Recuerdan que cuando sacaron sus instrumentos y empezaron a tocar una versión de “In My Life” para sus redes, apareció el guardián de la casa. El hombre, lejos de echarlos a escobazos, bailó primero con su música y luego los invitó a entrar.

Adentro, el tiempo parecía detenido. “Pudimos ver su sala, su cuarto, los libros que tenía ahí. Todo estaba intacto”, recuerda uno de los hermanos con una emoción que solo un beatlemaníaco podría entender. En esa casa, Lennon vivió de adolescente bajo el techo severo y amoroso de su tía Mimi, la mujer que lo crió y que, según la leyenda, le dijo que la guitarra era un entretenimiento, no un oficio. Los Mapaches recuerdan que ese día la casa estaba cerrada al público porque en sus habitaciones se acababa de filmar la película biográfica de los Beatles, uno de los proyectos cinematográficos más esperados de los últimos años. Pero tan bien les cayeron los peruanos al guardián Andy que, antes de salir, les regaló un botón de la ropa de la tía Mimi. Un souvenir imposible de comprar en ninguna tienda del mundo.

La casa de Lennon no fue el único lugar que los Rozas convirtieron en escenario. Durante 23 días, los tres hermanos recorrieron Liverpool como peregrinos con guitarras, plantándose frente a Strawberry Fields, en Penny Lane, junto a las estatuas de los cuatro en el puerto. Todo lo grababan para TikTok sin pensar que sus videos se harían virales y que llegarían a la misma BBC que se hizo la pregunta: ¿quiénes son estos peruanos?

“Recibimos un mensaje de la BBC pidiéndonos una entrevista y pensamos que era una de esas estafas, las que te dicen que ganaste no sé cuánto dinero y que tienes que depositar un adelanto”, cuentan entre risas. Cuando se animaron a contestar resultó que la invitación era real. “Cuando nos conocieron, les encantó que fuésemos hermanos y que teníamos más de diez años haciendo esto. Ellos del Perú no sabían mucho. Te relacionan con el oso Paddington”.

Y fue en la radio que el conductor les lanzó la pregunta que cambió por completo el viaje: “¿Tienen fecha en el Cavern Club?”, les consultó en referencia al mítico club que vio nacer a los Beatles. “No”, respondieron. El conductor sonrió, pidió un momento y marcó un número. Minutos después, John Keats —dueño del Cavern— estaba en línea. Los había escuchado por la radio. Le gustaron. “No veo por qué no los puedo invitar”, dijo. El sábado 7 de marzo, Los Mapaches bajaron las escaleras del local más famoso del rock mundial. Si llegar a la casa de Lennon era un sueño, tocar en La Caverna era como arribar al paraíso.

Al día siguiente, BBC One llegó al Cavern antes de que abriera para filmar un reportaje con los peruanos, que apenas salían de su asombro. Habían llegado a la cuna de la beatlemanía sin imaginar que desatarían una simbólica “mapachemanía” en el mundo beatle del Reino Unido. Todo fue como un viaje mágico y misterioso del que aún no quieren despertar. Pero tienen que hacerlo. Tanto les gustó la experiencia que los Rozas ya planean volver, en junio, para una gira más grande. El cielo es el límite.

No importan los vaivenes profesionales —si es el cine, la música o la televisión—, a Giovanni Ciccia (54) los caminos siempre lo han conducido de regreso al teatro. Desde que se hizo actor en 1994 con su grupo de estudiantes del Club de Teatro de Lima, en la obra “El tartufo”, las tablas han formado parte de su identidad. Todo lo que vino después —las películas, las novelas, las giras musicales— han sido felices accidentes que le recuerdan la ética con la que suele abordar la vida: “Nosotros hacemos las cosas según nos salen de las tripas; nunca nos preguntamos si están bien o están mal, si van a gustar o no”, dice desde el Teatro Municipal de Surco, que a estas alturas es casi su oficina. Aquí lo encuentras dirigiendo la obra “Madres” o ensayando “Esperando a Baltasar”. Son días ocupados.

Para Ciccia, como para cualquier persona de su generación —la que creció entre las colas y los carros-bomba—, hacer muchas cosas a la vez es un instinto. Un mecanismo de supervivencia. La idea de ser actor y morirse de hambre nunca lo asustó. “Mi generación es la del ‘no futuro’, la que hacía las cosas por sí misma, porque, haciendo cualquier cosa, te ibas a morir de hambre igual. Era mejor hacer lo que te gustaba”, asume. Con ese mismo ímpetu tomó este año una decisión que pocos en su lugar tomarían. Puso en pausa su participación en la exitosa “Al fondo hay sitio” para volver a sentirse un poco libre, un poco punk, rodeado de proyectos nuevos que lo cautivaban de otra forma.

El esfuerzo de hacer televisión diaria es titánico. “Prácticamente todo el día hay que estar a disposición de la producción”, explica Ciccia, suspirando, como si recordara ese agotamiento. Así que pidió chepa y la producción encontró la solución perfecta: su personaje Diego Montalbán no se despide, huye al enterarse de que su mejor amigo, con quien tenía cuentas pendientes, había salido del coma. “Digamos que mi personaje está ahorita como un fugitivo”, dice Ciccia, con una sonrisa que sugiere que hay más de lo que puede contar. La puerta, en todo caso, quedó abierta.

Con más tiempo de su lado, Giovanni dirige los ensayos de la obra “Esperando a Baltasar”. En ella vuelve a reunirse con dos actores que, a estas alturas, son algo más que colegas. Con Óscar López Arias la historia viene de lejos: han compartido escenario desde 2008 en un sinfín de obras como “El mentiroso”, “La chunga” y varias producciones más. Con Renzo Schuller el vínculo es todavía más difícil de categorizar. El mismo año en que hicieron su primera obra juntos, 2004, Renzo fue quien ofició su matrimonio. “Tenemos un vínculo tan estrecho”, dice Ciccia, y la frase queda suspendida, como si las palabras no alcanzaran del todo. Que estos dos le hayan propuesto dirigirlos en una comedia de dos actores era una invitación que no podía rechazar.

El precio de ser actor

Para entender al Giovanni de hoy hay que volver a los noventa. Hay un momento que él identifica como un punto de no retorno: cuando conoció la fama. O la infamia. Sucedió en 1997, al aceptar participar en “No se lo digas a nadie”, la adaptación de la controvertida novela de Jaime Bayly. La convocatoria tenía dos imanes imposibles de ignorar: Pancho Lombardi dirigiendo —para él, el mejor cineasta peruano— y un guion en el que creía profundamente. “En ningún momento lo pensé como trampolín”, dice. “Creía mucho en el guion, quería hacer un buen trabajo”. Lo que no calculó fue el precio. Lima en 1997 quizá no estaba lista para un romance homosexual en pantalla grande, y Ciccia pasó del anonimato relativo a ser insultado en la calle. “Me decían maricón, coquero, desperdicio de hombre, asqueroso. Hasta en la cola del banco me gritaban cosas”, relata. No recuerda haber respondido. Cuando llegó “Tinta roja”, tres años después, sus ‘haters’ se quedaron callados y solo conoció elogios.

Esa misma lógica —la de hacer sin calcular— explica también Chabelos, acaso la cosa más impensada que le ha pasado en la vida. A mediados de los noventa, los actores Giovanni Ciccia, Sergio Galliani y Paul Vega empezaron a juntarse en la sala de sus casas para tocar. Los animaba el punk chonguero, las ganas de hacer ruido, y ninguna pretensión de que alguien los escuchara algún día. “Una propuesta cien por ciento artística, sin ninguna proyección”, recuerda Ciccia. El primer disco era casi puros covers, con apenas tres canciones propias, y al mismísimo Giovanni le daba algo de vergüenza. Hoy, a la distancia, lo escucha diferente. Veinticinco años, siete discos y cien mil oyentes mensuales en Spotify, Chabelos se prepara para tocar en Milán, París, Barcelona y Madrid. “Si me lo hubieras planteado hace 25 años, te habría dicho que me estás tomando el pelo”, confiesa.

Estos días lo tienen a Giovanni entre la adrenalina de los nuevos proyectos y una calma zen recién descubierta. Ya casi no sale, no toma y su mayor felicidad a la hora de dormir es imaginar cuál será su desayuno al día siguiente. No tiene Instagram activo, no graba lo que come, no informa a nadie dónde está. “¿Por qué tienes que grabar todo lo que haces?”, pregunta con genuina perplejidad. Su representante a veces lo reprende: le pide números, métricas, que genere contenido. Él encoge los hombros. Lo que más le preocupa no es un algoritmo. “Veo actores que se dedican a promocionar cosas en sus redes y lo que menos veo que hacen es actuar. Nos hemos convertido en vendedores”. Para su generación, que eligió este oficio por las tripas y no por el mercado, la deriva actual le resulta incomprensible. Prefiere la privacidad que le queda. “Ya perdí el anonimato siendo actor”, dice. “Convertir mi vida privada también en un show es algo que no quiero para nada”. //

Un día en los laboratorios de Glexco Robotics & Automation, en Surco, no se parece en nada a un día de oficina convencional. En la entrada, cual recepcionista, hay un robot rechoncho de rostro amable que te saluda, escanea tu rostro y, tras verificar tu identidad, te saluda por tu nombre con su habitual voz sintetizada. Unos pasos más adentro, en el showroom, dos androides de la marca Ubitree extienden la mano con una cortesía y energía impropia para un oficinista que recién llega al trabajo. Más allá, dos perros robóticos te ven aparecer y se sientan para ofrecer la patita mecánica, más educados que cualquier peludo de barrio. La sensación es que hemos viajado al futuro. Pero en Glexco se apresuran a corregirlo. Esto no es el futuro. Esto es el presente.

La prensa que cubrió el debate electoral peruano, repleto de puyas y discursos ininteligibles, alcanzó a notar que el expositor mejor articulado de la noche no fue ningún candidato a la presidencia. Fue Xpertus, un robot de forma humanoide que, presente en la sala, orientaba a los ciudadanos curiosos en el laberinto del sistema electoral peruano 2026. Xpertus es un robot cien por ciento peruano, fabricado en las instalaciones de Glexco, y representa un hito en la incipiente industria local. “Fue el primer robot que desarrollamos acá y su especialidad es la interacción con personas. Puede conversar, resolver dudas”, cuenta Jorge Tuesta, CEO de Glexco Robotics, sobre este C-3PO a la peruana.

Como muchos compatriotas de su generación, Tuesta creció viendo en la televisión series de autómatas metálicos como “Ultrasiete”, “Ultraman” o “Goldar y los monstruos del espacio”. Para los niños de los años setenta y ochenta, los robots eran una obsesión. Si los chicos del siglo XIX jugaban con caballos de madera y soldaditos de plomo, quienes crecieron pegados al televisor en las décadas siguientes soñaban con “Astroboy”, “Mazinger Z”, “Transformers” o “Robotech”. En esos dibujos animados, las máquinas caminaban, hablaban y salvaban el mundo antes de la hora de la cena. El sueño de más de uno era construir el suyo propio. Hoy, ese viejo anhelo infantil parece cada vez menos imposible.

Una antigua fascinación

En el siglo XVIII, cuando los relojeros europeos dominaban el arte de los engranajes minúsculos, aparecieron los autómatas, máquinas capaces de simular acciones humanas. El más famoso fue El Turco, un supuesto robot jugador de ajedrez presentado en 1770. El artefacto vestía turbante, movía las piezas con solemnidad y hasta parecía irritarse cuando perdía una partida, para mayor realismo. En realidad, era una farsa: dentro del mueble se escondía un ajedrecista de carne y hueso que movía las piezas. Aun así, su leyenda sobrevivió durante décadas —se decía que había derrotado a Napoleón— y alimentó la vieja fascinación, pero también el temor, de que las máquinas pudieran algún día reemplazar funciones humanas.

Recién en 1939 apareció quien suele presentarse como el padre de los robots modernos: Elektro, de la firma Westinghouse. Medía dos metros, caminaba torpemente y podía pronunciar unas 700 palabras, lo cual ya era bastante para una máquina… y para no pocos humanos. Elektro incluso tenía un perrito, también mecánico, cuyo paradero actual es desconocido. En las ferias de la época la gente pagaba por ver aquella proeza de la ciencia, dividida entre la fascinación y un ligero temor a que el aparato decidiera algún día pensar por su cuenta.

El cine fue el arte que mejor supo aprovechar esa mezcla de maravilla y paranoia. Desde la muda “Metrópolis” (1927) hasta “Terminator”, sin olvidar la saga “Blade Runner”, donde Hollywood imaginó androides que no dudan en matar a sus creadores mientras buscan respuestas existenciales.

Mientras tanto, la robótica real siguió avanzando con mucho menos dramatismo. Empresas como Honda desarrollaron máquinas capaces de caminar, como el célebre ASIMO, una especie de astronauta en miniatura que parecía esforzarse por no caerse. Actualmente existen androides con piel de silicona y expresiones faciales que rozan lo humano sin llegar del todo a serlo. El efecto que provocan ha sido estudiado por los ingenieros, quienes lo llaman “uncanny valley”: ese momento incómodo en el que una máquina se parece demasiado a una persona y, precisamente por eso, nos resulta perturbadora.

Hechos en el Perú

Aunque los robots que hoy aparecen en ferias tecnológicas o bailando en campañas políticas suelen venir de China, en el Perú también ha surgido un pequeño pero creativo ecosistema de desarrollos propios. Están los sofisticados humanoides de Glexco, pero también hay inventos mucho más vernaculares, por decirlo de algún modo. En el Vraem, por ejemplo, el profesor Walter Velásquez construyó Kipi, un pequeño asistente educativo ensamblado con chatarra electrónica, material reciclado y un panel solar para recargar energía. Durante la pandemia, cuando los estudiantes de las comunidades rurales de Huancavelica quedaron sin internet ni señal de televisión, Velásquez cargaba a Kipi y se internaba en trochas con su invento subido en el lomo de un burro.

En algunos hospitales también han empezado a aparecer robots con vocación de enfermero. Ingenieros de la PUCP desarrollaron el año pasado a RoPI, un robot interactivo pensado para acompañar a niños hospitalizados en el Instituto Nacional de Salud del Niño de San Borja. Su misión es distraer, conversar y jugar con pacientes que pasan largas temporadas en tratamiento. En esa misma línea, la investigadora Yadhira Valenzuela creó este año a Misi, un robot con forma de gatito diseñado para ayudar a niños con trastorno del espectro autista a practicar habilidades sociales mientras dibujan, escriben o interactúan con el dispositivo.

La robótica peruana también se ha colado en lugares menos esperados, como las casonas y criptas del Centro Histórico de Lima. Un equipo de la Universidad de Lima ha presentado a Alqo, un perro robot equipado con sensores y cámaras, para explorar túneles, pasajes y estructuras coloniales donde entrar con casco y linterna sería, como mínimo, imprudente. Con ayuda de drones y escáneres láser, el proyecto busca crear modelos tridimensionales del patrimonio histórico de la ciudad. Así, mientras los historiadores revisan papeles en la superficie, el robot baja a los sótanos a ver qué secretos quedaron guardados desde el virreinato.

Hace doscientos años, cuando las máquinas de vapor amenazaron con dejar sin empleo a media Europa, los trabajadores respondieron como sabían: agarraron las máquinas a martillazos. El miedo a ser reemplazados por un engranaje es tan antiguo como la industria misma. Qué pasará ahora es difícil de anticipar. Mientras estas líneas se escriben, el robot Optimus de Tesla —ya en su tercera generación— empieza a caminar por las fábricas de Fremont y Austin realizando tareas de ensamblaje. La idea de Elon Musk es que, tarde o temprano, Optimus también ingrese a los hogares para ocuparse de “tareas aburridas” como limpiar, traer cosas o cocinar. Lo que antes parecía un argumento de ciencia ficción que inevitablemente termina mal —como en “Yo, robot”— empieza a asomarse como una realidad a la vuelta de la esquina.

Astroboy

Astroboy fue un icónico personaje de manga y anime creado por Osamu Tezuka en 1952. Contaba la historia de un niño robot con poderes extraordinarios que luchaba por la justicia mientras buscaba su lugar entre humanos.

Caballero Mecánico

Recreación de El caballero mecánico, un invento del genio italiano Leonardo Da Vinci, que fue diseñado hacia 1495. Se considera uno de los primeros autómatas humanoides.

El Hombre de hojalata

El Hombre de Hojalata es uno de los personajes más recordados de “El mago de Oz”, la novela de L. Frank Baum publicada en 1900. No es exactamente un robot, sino un leñador convertido en hombre metálico que cree haber perdido su corazón en alguna parte.

Elektro

Fue un robot humanoide creado por Westinghouse en 1937 y presentado en la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Medía más de dos metros, pesaba unos 120 kilos y podía caminar, hablar unas 700 palabras, fumar cigarrillos e inflar globos. Incluso tenía un perro robot llamado Sparko.

ASIMO

Fue un robot humanoide desarrollado por Honda y presentado en el año 2000. Podía caminar, subir escaleras, reconocer rostros y responder a comandos de voz. Con su apariencia de pequeño astronauta blanco, se convirtió en uno de los robots más famosos del mundo.

Este 23 de abril se cumplen cincuenta años de la aparición de “Ramones”, el disco debut de la banda neoyorquina del mismo nombre, y lo primero que habría que reconocer es que el álbum aún conserva una frescura difícil de explicar. Hoy mismo, en alguna ciudad, todavía hay adolescentes encerrados en una habitación, aporreando instrumentos y tratando de tocar así de rápido, imperfecto y amateur, como lo hacían los Ramones en 1976. Aquel primer alarido punk nació para conjurar el aburrimiento de una escena ‘mainstream’ atrofiada por su propia pomposidad. Frente a ello, su respuesta fue volver a lo esencial.

La escena que rodeaba a los Ramones en Nueva York en los años setenta era pequeña pero fértil y daría mucho que hablar tiempo después. En el ruinoso club CBGB del Bowery coincidían bandas muy distintas entre sí: estaba Television, que exploraba con guitarras largas y angulosas, luego los Talking Heads y su nervioso art rock. Todas compartían el mismo escenario, pero los Ramones eran el extremo más curioso de ese ecosistema. Eran una banda de personajes que parecían sacados de una pandilla, con canciones que apenas superaban los dos minutos.

“Nosotros solo estábamos reaccionando contra la música de ese momento”, diría sobre su estilo el guitarrista Johnny Ramone en su autobiografía “Commando” (2004). Para él, bandas como Yes o Emerson, Lake & Palmer representaban justo lo que los Ramones querían evitar: canciones largas, solos interminables y estructuras cada vez más complejas. La respuesta fue radical. “Lo único que hicimos fue tomar el viejo rock and roll y acelerarlo”, diría más tarde en el documental “End of the Century” (2003). La disciplina interna del grupo incluía una regla sencilla: nada de solos de guitarra. Johnny la rompió solo una vez, y justo en su mayor éxito, “I Wanna Be Sedated”. Pero lo hizo a su manera: el “solo” consiste en una sola nota sostenida durante ocho compases.

De la Gran Manzana a Londres

Sobre los orígenes del punk se ha escrito mucho y especulado aún más. Hay quienes insisten todavía en que los peruanos Los Saicos fueron sus creadores, una tesis romántica pero insostenible que, en todo caso, no debería herir el orgullo nacional. Antes del punk existía el rock de garaje, parecido en su aspereza pero distinto en su alcance y en su conciencia histórica. El punk no fue solo un sonido, sino un hecho social. El crítico estadounidense Greil Marcus lo formuló con precisión antropológica en su gran libro “Trazos de carmín”: “Era una cultura para quienes no encajaban”. El filósofo y crítico peruano Pedro Cornejo llegó a una conclusión similar. En “Juegos sin fronteras” observó cómo la música de los setenta relegaba a su público juvenil al papel de mero contemplador de “elaboradísimos ejercicios musicales”. En ese proceso, advertía Cornejo, el rock perdía su potencial movilizador. El punk llegó para recuperarla.

Si en Nueva York el punk tomó forma en los clubes del Bowery, al otro lado del Atlántico el movimiento adquirió un tono aún más explosivo. En 1976, irrumpieron los Sex Pistols, un grupo que transformó el descontento juvenil británico en un escándalo nacional. Su cantante, John Lydon —conocido entonces como Johnny Rotten—, convirtió el sarcasmo, la furia y la provocación en una forma de arte. Canciones como “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen” atacaban frontalmente a la monarquía, a la política y a la cultura oficial, en una Inglaterra marcada por el desempleo juvenil.

Tras el colapso de los Pistols, John Lydon decidió explorar otros caminos. En 1978, fundó Public Image Ltd. (PiL), un fascinante proyecto que empujó la energía punk hacia territorios más experimentales, con ritmos dub, estructuras abiertas y atmósferas oscuras que terminarían definiendo el llamado post-punk. Casi medio siglo después de aquel estallido, Lydon —que de anarquista ha pasado a defender posturas conservadoras— sigue siendo una de las figuras más singulares de esa historia.

Con PiL, el cantante demostró que podía sobrevivir a su propia leyenda y seguir encontrando nuevos caminos. Lydon y Public Imaged Ltd. visitarán Lima este 21 de abril, una fecha imperdible para los nostálgicos del punk y para cualquiera que quiera presenciar en vivo un pedazo de historia del rock del siglo XX. Después de todo, no todos los días pasa por la ciudad uno de los hombres que ayudó a incendiar a toda una generación con sonido, furia e inconformismo. //

Hace unas semanas, el actor Timothée Chalamet lanzó una frase que encendió el debate: dijo que no le interesaba trabajar en el ballet ni en la ópera, disciplinas que —según sugirió— suelen mantenerse vivas más por convicción que por tendencia, incluso cuando parecen no estar en el centro del interés masivo. La declaración, viral y discutida, volvió a traer la pregunta sobre el lugar que ocupan las artes clásicas en un mundo donde la inmediatez del streaming domina el entretenimiento global. Pero más allá de la polémica, surge algo evidente: la ópera sigue generando conversación. Y, sobre todo, sigue viva. Al menos en Lima, una ciudad donde esta expresión artística no solo resiste, sino que encuentra nuevas formas de sostenerse, reinventarse y convocar.

TRADICIÓN EN ESCENA

Para Miguel Molinari, gerente de Cultura de la Municipalidad de Lima, la ópera no está en crisis. “La crisis es de los teatros”, afirma. En el caso peruano —explica— el problema ha sido estructural: los grandes escenarios no han operado como espacios de producción, sino, más bien, como recintos de alquiler.

Es justamente a partir de ese diagnóstico que el modelo ha comenzado a cambiar. Desde el municipio limeño, la apuesta ha sido que los teatros asuman un rol activo en la creación de sus propias temporadas. “Este es un primer paso para institucionalizar la ópera”, señala Molinari. La clave está en la ordenanza N° 2734 aprobada el año pasado, la cual establece, por primera vez, temporadas oficiales de ópera, conciertos y danza con presupuesto asignado. “Lo importante es que no quede como una anécdota, sino que tenga continuidad en el tiempo”, añade.

En el fondo, se trata también de reconectar con una historia que Lima nunca ha dejado del todo atrás. Su tradición operística es, de hecho, fundacional. “La ópera en América nació en Lima”, comenta Molinari, aludiendo al estreno de ‘La púrpura de la rosa’ en 1701, con música de Tomás de Torrejón y Velasco. Desde entonces, la ciudad desarrolló una intensa actividad lírica. “Los antecedentes musicales e históricos son enormes”, subraya. En el siglo XIX, esa tradición se consolidó con temporadas formales y figuras como Rosa Merino, mientras que la escena alcanzó niveles hoy difíciles de imaginar. “Cuando se inaugura el Teatro Municipal, se montaron 36 óperas en cinco meses”, apunta.

Esa continuidad, sin embargo, se fue diluyendo. Durante décadas, fueron asociaciones privadas las que sostuvieron la ópera en Lima. “Se ha mantenido viva por el interés de personas y grupos que han trabajado con mucho esfuerzo y amor por la música”, reconoce. Hoy, ese impulso empieza a articularse con una política pública que busca asegurar su permanencia. Incluso —dice entre risas— polémicas recientes como las declaraciones de Timothée Chalamet “terminaron dándole promoción a la ópera sin querer”.

La temporada 2026 se desarrollará principalmente en los teatros municipales (Teatro Municipal y Teatro Segura), recuperando su rol histórico como espacios de producción y exhibición. La programación incluye títulos del repertorio clásico como ‘Il trovatore’ de Verdi y ‘Tancredi’ de Rossini, junto a propuestas vinculadas a la historia y la identidad peruana como ‘La púrpura de la rosa’ y ‘Atahualpa’, además de montajes como ‘Cavalleria rusticana’, ‘Pagliacci’ y ‘L’elisir d’amore’ (más información en el recuadro).

ARTE QUE EVOLUCIONA

Desde el 2008, el Festival Granda de Ópera se ha convertido en uno de los pilares de la escena operística en el Perú. Nacido como una iniciativa privada para mantener viva la tradición lírica en tiempos de escasa programación institucional, el festival ha logrado consolidarse como una cita clave en la agenda cultural limeña. En los últimos diez años, bajo la presidencia de Fiorella Simeone, su apuesta ha sido clara: formar públicos y demostrar que la ópera no es un arte lejano ni elitista, sino una experiencia viva y accesible.

“Durante mucho tiempo sentimos que el interés por la ópera estaba un poco dormido”, reconoce Simeone. “Nuestro principal objetivo ha sido acercar nuevos públicos, sobre todo jóvenes”, añade. Para ello, el evento apostó en sus primeras ediciones por títulos reconocibles como ‘La traviata’, ‘Carmen’ o ‘El barbero de Sevilla’, capaces de tender un puente entre la curiosidad y la experiencia. Hoy, con un público más formado, la propuesta puede arriesgar más.

La temporada 2026 marca un punto de madurez. El festival presentará ‘Aida’, una de las grandes óperas del repertorio, en el Gran Teatro Nacional, un escenario que —según Simeone— permite finalmente desplegar toda la magnitud del espectáculo. “Es una ópera que no se presenta hace muchos años en Lima y que necesita un espacio con las condiciones técnicas adecuadas”, explica. La elección no es casual: ‘Aida’ exige grandes coros, una orquesta amplia y una puesta en escena de escala monumental, elementos que encuentran en el Gran Teatro Nacional su mejor plataforma.

Detrás de esta ambición hay también una visión artística sólida. La curaduría cuenta con el respaldo de figuras como el tenor peruano Ernesto Palacio, lo que permite convocar a artistas internacionales de primer nivel y articularlos con talento local. “Buscamos propuestas innovadoras, que desmitifiquen la idea de que la ópera es aburrida”, señala Simeone.

A pesar de los desafíos (financiamiento, competencia con otros espectáculos, coyunturas políticas) el festival ha logrado crecer. “Es casi una magia que logramos gracias al equipo y a los auspiciadores”, admite. Pero más allá del espectáculo, hay una convicción: la ópera sigue teniendo un lugar en Lima. “Es una experiencia que te atraviesa, que te hace sentir. Hay que vivirla para entenderla”, dice.

En una ciudad que vuelve a mirar su tradición lírica con ambición renovada, el Festival Granda no solo acompaña ese impulso, sino que lo potencia: apuesta por espectáculos de gran escala, forma nuevos públicos y reafirma que, lejos de ser un arte del pasado, la ópera sigue encontrando en la capital peruana un escenario para proyectarse hacia el futuro. //

Una semana de intensidad, decisiones clave y giros inesperados que invitan a transformar, soltar y construir nuevas bases.

El 18 de abril, según el horóscopo, Mercurio en Aries forma un aspecto favorable con Plutón, trayendo noticias importantes relacionadas con cambios y reformas en lo colectivo. En cuanto a lo personal, se activa una energía poderosa en la comunicación: palabras que empoderan, conversaciones que transforman y verdades que salen a la luz. El 19 de abril, Mercurio, Marte y Saturno se alinean en una triple conjunción en Aries. Es un momento intenso y cargado de tensión. Muchos estarán iniciando algo nuevo, pero bajo presión o desafíos. Estos días funcionan como una prueba: situaciones que exigen decisión, carácter y control emocional. También pueden surgir discusiones o palabras impulsivas, por lo que conviene actuar con conciencia.

El 20 de abril, el Sol ingresa en Tauro, marcando el inicio de una etapa para reconectar con el cuerpo, la calma y la estabilidad. Es tiempo de enfocarse en lo concreto, en lo que da seguridad y en construir bases sólidas. El 23 de abril, Venus se une a Urano en Tauro en sus últimos grados, señalando finales inesperados o giros sorpresivos en asuntos afectivos y económicos. Para los solteros, puede traer encuentros inesperados o conexiones fuera de lo común.

Horóscopo para esta semana del 18 al 23 de abril del 2026:

♦◊ ARIES

Un inicio potente te empuja a actuar con coraje. Tu paciencia se pone a prueba con tenciones. Las palabras clave abren puertas.

♦◊ TAURO

El Sol ilumina tu identidad, invitándote a priorizarte. Sacudidas emocionales traen claridad. Atracciones sorpresivas activan tu corazón. Enraíza tu energía y cuida lo que valoras profundamente.

♦◊ GÉMINIS

El Sol ilumina tu identidad, invitándote a priorizarte. Las sacudidas emocionales te traen claridad. Enraíza tu energía y cuida lo que valoras profundamente.

♦◊ CÁNCER

Semana desafiante en lo profesional te exige firmeza emocional. Noticias importantes redefinen tus metas. Evita reacciones impulsivas. Busca seguridad y avanza con pasos conscientes hacia la estabilidad.

♦◊ LEO

Nuevas ideas amplían tu visión. Las tensiones te empujan a tomar decisiones valientes. Cambios inesperados en proyectos. Confía en tu liderazgo y construye con disciplina tu futuro.

♦◊ VIRGO

Las transformaciones profundas en lo emocional te invitan a soltar el control. Conversaciones intensas traen claridad. Prioriza tu bienestar y redefine tus límites.

♦◊ LIBRA

Relaciones en foco traen pruebas y decisiones importantes. Comunicación directa será clave. Giros inesperados sacuden vínculos. Busca equilibrio interno y no temas cerrar ciclos.

♦◊ ESCORPIO

Semana de intensidad laboral y mental. Los cambios te empujan a reorganizar tus rutinas. Conversaciones reveladoras. Cuida tu energía física.

♦◊ SAGITARIO

Creatividad en alza, pero con desafíos que exigen compromiso. Expresa tu verdad con claridad. Construye estabilidad sin perder tu esencia libre.

♦◊ CAPRICORNIO

Los asuntos familiares requieren tu atención y decisiones firmes. Tensiones internas salen a la superficie. Cambios inesperados en el hogar. Busca estabilidad emocional y fortalece tus bases personales.

♦◊ ACUARIO

La comunicación intensa te trae revelaciones importantes. Evita discusiones impulsivas. Noticias inesperadas cambian tus planes.

♦◊ PISCIS

Asuntos económicos se activan con decisiones clave. Evita gastos impulsivos. Cambios inesperados te traen oportunidades. Valora tus talentos y construye seguridad desde tu propio valor interno.//

Aunque la belleza es puramente subjetiva, creo que hay algo muy poderoso en una mirada que transmite alegría, salud y sobre todo descanso. El problema es que, al estar inmersos en un ritmo de vida marcado por el estrés y las pantallas, despertar con ojeras se ha vuelto parte del día a día de muchas personas.

En mi caso, siempre he tenido cierta tendencia a desarrollarlas, por lo que en más de una ocasión me han preguntado si estoy enferma o si no he dormido bien, incluso cuando sí lo había hecho. Por eso, durante muchos años, mi solución fue simple: un buen corrector de ojeras. La verdad es que he probado productos de diferentes presentaciones, texturas, coberturas, marcas, etc.; sin embargo, con el tiempo entendí que taparlas no es lo mismo que tratarlas.

Ahí empezó mi interés por cuidar realmente esa zona, descubriendo que no todas las ojeras son iguales y que lo que le funciona a una persona puede no ser lo más recomendable para uno. Desde mi experiencia, creo que la clave está en identificar qué tipo de ojera tienes y solo así, podrás elegir el tratamiento adecuado y dejar de perder tiempo —y dinero— en productos que prometen mucho, pero no atacan la causa de fondo.

¿Qué son las ojeras?

Las ojeras son alteraciones del color y la apariencia de la piel en el párpado inferior. Como explicó Antuaneth Sobrino, dermatóloga del Centro Bienestar Auna a Somos, pueden verse más oscuras, hundidas o inflamadas, e incluso, presentarse acompañadas de bolsas.

Para entender por qué aparecen, primero hay que tener en cuenta que, la piel de esta zona es especialmente delicada. Según la dermatóloga Shilpi Khetarpal, de Cleveland Clinic, es hasta cinco veces más fina que la del resto del rostro (0.5 mm aproximadamente), lo que facilita la visibilidad de los vasos sanguíneos o la pigmentación. Además, al contar con menos glándulas sebáceas y un soporte estructural más débil, es más propensa a la deshidratación, lo que acelera la aparición de signos de fatiga y envejecimiento.

Asimismo, su aspecto depende de múltiples factores. Como señaló María Luisa Téllez, dermatóloga de la Clínica Ricardo Palma, influyen:

• La genética.
• La falta de sueño
• El envejecimiento.
• La deshidratación.
• Las alergias.
• La exposición solar prolongada.
• El uso excesivo de pantallas.
• La mala circulación sanguínea.
• La mala alimentación.
• El estrés.

“Contrario a lo que muchas personas creen, en la mayoría de casos, las ojeras son completamente normales y responden al estilo de vida o a las características propias de cada individuo. Sin embargo, si aparecen de forma repentina o muy marcadas, también pueden estar relacionadas con problemas como anemia o alternaciones tiroideas, por lo que conviene prestar atención”, precisó la doctora Sobrino.

¿Qué tipo de ojeras existen y cómo tratarlas?

Ojeras pigmentadas

Las ojeras pigmentadas son aquellas que tienen una tonalidad marrón o incluso negra, ya que son causadas por la producción excesiva de melanina (hipercromía idiopática). De acuerdo con la dermatóloga, son más frecuentes en personas con tonos de piel más oscuros y, en muchos casos tienen un componente genético.

No obstante, también pueden aparecer por exposición solar, frotación de los ojos constante, alergias, cambios hormonales (como el embarazo) e inflamación previa en la piel.

¿Qué ingredientes ayudan a aclararlas?:

Para mejorar su apariencia, se recomiendan cremas con activos despigmentantes como:

• Vitamina C.
• Ácido kójico.
• Arbutina.
• Niacinamida.
• Hidroquinona.
• Ácido azelaico.
• Retinoides.

“Cabe recalcar que para que el producto sea realmente eficaz, se debe considerar no solo la coloración, sino también el tipo y resistencia de la piel, ya que muchas de estas sustancias son irritativas. Si no se usan correctamente pueden causar el efecto contrario: más manchas por inflamación. Además, el uso diario del protector solar es clave para evitar que la pigmentación empeore”, advirtió la doctora María Luisa Téllez.

De igual manera, cuando las cremas no son suficientes, existen algunas opciones médicas que actúan directamente sobre el pigmento. Los dermatólogos destacan tres soluciones principales: los peelings químicos, que ayudan a eliminar las capas superficiales de piel pigmentada; los láseres —como el de colorante pulsado o el de diodo—, que reducen la pigmentación acumulada; y la mesoterapia, consistente en inyecciones de sustancias despigmentantes puras o combinadas.

Ojeras vasculares

Según la dermatóloga Antuaneth Sobrino, las ojeras vasculares surgen debido a la delgadez de la piel, que deja traslucir los vasos sanguíneos y una microcirculación deficiente, creando ese característico tono azulado o violáceo. Factores como el estrés, la falta de sueño, el alcohol y el tabaquismo agravan esta condición al comprometer la circulación y acelerar el envejecimiento cutáneo.

¿Cómo reducirlas?:

El tratamiento suele enfocarse en mejorar la circulación y fortalecer la piel:

• Cremas con cafeína, retinol o vitamina K, que ayudan a activar la circulación.
• Péptidos o ácido tranexámico, que mejoran la calidad de la piel.
• Láser vascular (Nd:YAG) o luz pulsada (IPL), para disminuir la visibilidad de los vasos.
• Rellenos con ácido hialurónico, que engrosan la piel y reducen el aspecto hundido.

“La aplicación de compresas o cucharas frías, puede ayudar a contraer los vasos sanguíneos dilatados, reduciendo la apariencia de ojeras vasculares. Igualmente, las bolsas de té frío pueden favorecer la circulación gracias a la cafeína y los antioxidantes que contienen”, indicó la doctora Khetarpal:

Ojeras estructurales o hundidas

Este tipo de ojeras no tienen que ver tanto con el color, sino con la forma del rostro. Como refirió Téllez, aparecen cuando se forma un surco que va desde el lagrimal hacia la mejilla, generando una sombra que da aspecto de cansancio, incluso si has dormido bien.

“Estas ojeras pueden deberse a la genética, ya que algunas personas tienen la cuenca ocular más profunda, así como también por la pérdida de grasa en la zona periocular. La disminución de colágenos y elastina, al igual que la deshidratación o el cansancio pueden atenuar el hundimiento”.

¿Cómo se pueden mejorar?:

A diferencia de otros tipos de ojeras, en estos casos las cremas si bien pueden mejorar la hidratación o la textura de la piel, no pueden rellenar el volumen perdido ni modificar la anatomía del rostro.

Por eso, cuando el hundimiento es evidente, como subrayó la experta de la Clínica Ricardo Palma, es necesario recurrir a ciertos tratamientos dermatológicos que puedan contrarrestar esta apariencia. Entre los más utilizados se encuentran:

• Ácido hialurónico: Ayuda a restaurar el volumen perdido.
• Bioestimuladores de colágeno: Mejoran la firmeza y calidad de la piel.
• Lipofilling: Utiliza grasa propia para rellenar la zona, con resultados más duraderos.
• Láser: Mejora la textura de la piel y el aspecto general.

No obstante, no todas las personas son candidatas para estos procedimientos. Por ejemplo, el uso de ácido hialurónico no se recomienda si existen bolsas de grasa marcadas o retención de líquidos en la zona. Por esta razón, es clave una evaluación previa con un dermatólogo para elegir la opción más adecuada, aseguró Antuaneth Sobrino.

¿Cómo puedo identificar mi tipo de ojera?

Antes de invertir en cremas o tratamientos, es importante identificar qué tipo de ojera tenemos, ya que esto puede marcar la diferencia entre gastar en algo que no funciona o elegir el tratamiento ideal desde el inicio.

Para la doctora Sobrino, es indispensable observar dos características básicas: el color y la forma. Para lograrlo, debemos seguir estos pasos:

1. Mírate: Hazlo frente al espejo y, de preferencia, con luz natural. Esto te permitirá ver el tono real de la piel sin distorsiones.
2. Prueba de estiramiento: Estira suavemente la piel del párpado inferior y fíjate en lo que ocurre. Si el color se atenúa o cambia, probablemente se trata de una ojera vascular. En cambio, si el tono marrón permanece igual, es más probable que sea pigmentada.
3. Observa la forma y las sombras: No todos se trata del color. También importa la estructura. Si notas un hundimiento o surco que genera sombra (especialmente según la luz), estás ante una ojera estructural. Mientras que, si ves hinchazón o bolsas, sobre todo al despertar, puede ser una ojera edematosa.
4. Identifica cuándo se notan más: El momento del día también es un elemento clave, ya que si son más marcadas en la mañana, pueden ser edematosas; y si son más visibles tras el estrés o la falta de sueño, suelen ser vasculares.

“Es importante tener en cuenta que se pueden tener más de dos tipos de ojera a la vez. Muchas personas presentan lo que se conoce como ojeras mixtas, es decir, una combinación de dos o más tipos (por ejemplo, pigmentación + hundimiento). En estos casos, el abordaje no es único: se necesita combinar tratamientos según cada causa”, sostuvo la dermatóloga del Centro Bienestar Auna.

Lo que estás haciendo mal (y por qué nada te funciona)

Si sientes que has probado de todo y tus ojeras siguen ahí, la doctora Shilpi Khetarpal advirtió que el problema no siempre es el producto, sino algunos errores muy comunes que casi todos cometemos sin darnos cuenta.

Tratar todas las ojeras como si fueran iguales:

Uno de los errores más frecuentes es usar cualquier contorno de ojos sin saber qué tipo de ojera tienes. No es lo mismo una ojera pigmentada que una vascular o hundida, por lo que usar el producto equivocado solo hace que pierdas tiempo y dinero.

Esperar resultados rápidos:

Aunque los productos prometan cambios en pocos días, la mayoría de cremas solo actúan a nivel superficial. Pueden hidratar o mejorar ligeramente la apariencia, pero si tus ojeras tienen un origen más profundo —como genética, estructura facial o vasos sanguíneos visibles—, su efecto será limitado.

“Los efectos reales de un tratamiento adecuado comienzan a percibirse entre la segunda y cuarta semana. Mientras que la hidratación y la reducción de la inflamación son visibles rápidamente, la disminución del pigmento es un proceso más lento que depende de su profundidad”, precisó María Luisa Téllez.

Usar demasiados productos:

Aplicar varias cremas a la vez o elegir fórmulas excesivamente potentes puede desencadenar dermatitis o irritaciones. Esto es contraproducente, ya que la inflamación en esa zona suele derivar en un mayor oscurecimiento.

Frotarse los ojos constantemente:

Aunque parece un hábito inofensivo, puede irritar la piel y oscurecer aún más la zona. También puede favorecer la inflamación y empeorar la apariencia de las ojeras con el tiempo.

Cómo elegir un contorno de ojos que sí te funcione

• Fíjate en los activos no en la marca: Cada tipo de ojera necesita ingredientes distintos. Si no eliges el activo correcto, es muy probable que no veas resultados.
• La textura sí importa: Los contornos más ligeros, como geles o sérums, suelen penetrar mejor en la piel que las cremas pesadas. Esto es clave porque la piel del contorno de ojos es más fina y delicada.
• De menos a más: La clave está en la adaptación. Debes aplicar concentraciones mínimas al principio y subir la intensidad de forma gradual, evitando combinar demasiados ingredientes que puedan irritar la zona.
• Evita estos ingredientes: Para evitar irritaciones en la zona, los contornos de ojos no deben contener fragancias o bases alcohólicas. Además, debes asegurarte de que el producto esté dermatológicamente testeado.
• Considera el aplicador:  Muchos contornos incluyen aplicadores de mental o de jade, los cuales facilitan la distribución del producto, dan un efecto refrescante y pueden ayudar a desinflamar ligeramente. Aunque no son indispensables, sí son un plus importante.

“No solo importa qué producto usas, sino también cómo lo aplicas. Usa una cantidad del tamaño de un grano de arroz y aplícalo con el dedo anular, a toquecitos suaves sobre el hueso orbital (alrededor del ojo y la ceja), evitando el párpado móvil y la línea de las pestañas para prevenir irritaciones. Hazlo desde la zona interna hacia afuera y repítelo mañana y noche, después de la limpieza”, detalló la doctora Sobrino.

Hace algunos años, cuando trabajaba en Luces, descubrí un local escondido en un pasaje del Centro de Lima. Carolina Uechi ofrecía platos caseros de buena factura para un público que buscaba algo distinto. No era un restaurante de carnes. Todavía no. Carolina había llegado a la cocina por descarte. “Pensé que era una carrera fácil”, confiesa. Las prácticas sí la llevaron, por casualidad, a un restaurante de carnes. Ahí se enamoró del fuego. Pero se encontró con un mundo sin mujeres. En vez de alejarse, se quedó.

La volví a encontrar en Surco, al frente de un restaurante que destacaba por sus carnes y precios. Carolina no acumula tropiezos: los convierte en el siguiente paso. Cuando esa sociedad se disolvió y tuvo que empezar de cero, abrió un puesto en el Mercado del Pilar. Cuando el mercado cerró, se vio frente a un local enorme que nadie más hubiera tomado, pero ella no lo dudó. Así nació Kobe, puerta de los dioses, en japonés.

Antes de abrir, viajó a Japón. Pero no fue como turista, sino a entender cómo ese país, tan ligado al consumo de carne, piensa el producto y el servicio. Volvió con dos certezas que hoy definen la carta. La primera: menos es más. Por eso, la carne solo va con sal. Los complementos se encargan de elevar el plato. La segunda: el producto no es negociable. De ahí una decisión radical de Kobe: no hay lomo fino. Solo cortes parrilleros —angus argentinas y americanas, prime y pride— y Wagyu Gold y Black, categorías más altas en el mercado, en cortes como la picaña, la entraña, el asado de tira y los bifes.

Pero Kobe no es solo parrilla, porque Carolina no es solo una chef con experiencia en brasas. Su identidad nikkei no es un concepto de carta: es parte fundamental de quien es. Por eso la barra de sushi no sorprende —o no debería—. Los nigiris de wagyu con foie, de salmón con coral trufado o de pato curado con alioli angus y yema curada están ahí porque también son parte de ella. Lo mismo el harumaki relleno de angus y quesos, el tiradito de picaña wagyu, o el bao de chanchito oriental que aparece en todas sus cartas como una constante que todos siempre piden. Otro aspecto que destaca son sus platos especiales, como su hamburguesa wagyu con foie y fondue de quesos y su gran variedad de acompañamientos como las papas fritas con manchego, el ramen batayaki o el puré de papa con poro rostizado, además de la clásica ensalada parrillera.

Quizás el plato que mejor resume lo que es Kobe es el domburi. Confort food japonés, pero construido con otra lógica: un tazón de arroz gohan con picaña Wagyu Black, huevo onsen —un huevo cocido a baja temperatura durante una hora, con la clara apenas cuajada y la yema densa y cremosa que se disuelve en el arroz— ajos crocantes en láminas y wasabi. Mezclar el huevo con el arroz, agregar los acompañamientos y disfrutar con la carne.

Le confieso que en pocos lugares como y disfruto la grasa de un corte. Se lo digo y no se sorprende: “Eso es producto y técnica. Con la carne hay que tomarse su tiempo para que la grasa derrita, sin que se pase de cocción”, me explica.

Lo mismo aplica al servicio. Otra lección de Japón: que no tengas que pedir nada, que todo ya esté pensado antes de que lo necesites. En Kobe, eso también se nota. Un nombre que, visto desde afuera, parece casualidad; pero que, visto desde adentro, parece una cuestión del destino. //

La curiosidad del fotógrafo británico Alexi Lubomirski cruza fronteras. A través de la pantalla de una laptop, la señal llega desde Nueva York hasta la redacción de Somos en el Centro de Lima. “¡Eso es un palacio!”, se sorprende al ver por videollamada el interior de la sede histórica de El Comercio, periódico que leía su abuelo polaco-francés, Vivian, cuando radicaba en la capital peruana junto a su esposa, Vituca, hace más de 30 años. Pero antes de iniciar la conversación, le interesa hacer algunas preguntas, como a qué se dedica esta periodista o si es feliz en su trabajo. Está concentrado en todo y en todos, menos en él —el tema de la conversación—, porque así funciona su método para fotografiar a famosos artistas del mundo. Primero entra en confianza y luego dispara.

Lubomirski tiene una carrera amplia y destacada. Entre 1999 y 2003 fue asistente del peruano Mario Testino, aunque prefiere no abordar el asunto, en parte por las denuncias de acoso que recayeron sobre Testino en 2018. Pero más allá de eso, frente a su lente han desfilado figuras como Julia Roberts, Reese Witherspoon, Taylor Swift, Brad Pitt y, recientemente, los siete integrantes de BTS, la banda surcoreana con mayor popularidad del mundo. Y aunque para su ejército de fans (ARMY) los miembros de esta ‘boyband’ sean unos semidioses del Olimpo, la lógica de Alexi no cambia al fotografiarlos. No importa su cultura ni su idioma: él busca siempre capturar, en microsegundos, el gesto menos público de sus retratados. Su trabajo para revistas de espectáculos como “Variety” o “Harper’s Bazaar” lo llevó a seguir al grupo musical en su primer concierto de reencuentro en Seúl, que dio inicio a su gira Arirang World Tour. Un regreso a los escenarios tras una pausa de casi cuatro años.

“En una sesión de fotos te das cuenta de si alguien cruza mucho los brazos o si es inseguro con sus piernas”, explica el fotógrafo. Alexi tuvo tres días de sesiones con BTS para la portada de su reciente disco “Arirang”, que rompió récords en Billboard en sus primeros días de lanzamiento. Además, registró las sesiones musicales que tuvieron lugar en el documental de Netflix “BTS: El regreso”, y allí pudo reconocer el comportamiento de cada integrante.

“Eran un inmenso rompecabezas de siete personalidades diferentes. Uno me preguntaba qué imágenes quería hacer y me decía que solo lo dirigiera. Otro me decía que lo documentara cuando esté creando de manera espontánea. RM es más abierto; es el poeta, interesado en las luces. V es más introspectivo; Jimin, con la sonrisa más linda; JK (Jungkook), superdivertido; J-Hope, siempre bailando en el set; Jin, dulce y amable; y Suga no paraba de tocar la guitarra”, recuerda Alexi sobre los momentos de grabación musical con ellos en Los Ángeles.

El atractivo de la fama

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de Alexi Lubomirski (@alexilubomirski)

“Estoy fascinado por las celebridades —explica Lubomirski—. Cuando hay tiempo entre tomas, he hablado con algunas de ellas sobre la fama. Me interesa la parte psicológica de todo y he llegado a preguntarles cómo diferencian ser vistos como estrellas en la pantalla o en el escenario y ser ellos mismos fuera de cámara. Porque la gente no se enamora de ellos como personas, sino que los extrapola desde lo que ven de lejos. Me parece interesante cómo manejan esa popularidad”.

La celebridad, vista desde cerca, pierde volumen. O cambia de escala. Lubomirski ha fotografiado a la realeza (como la boda de Prince Harry y Meghan Markle en 2018), campañas globales, portadas que circulan por el mundo. Y, sin embargo, la conversación concluye en una idea sobre la fama y las celebridades: “Al final, todos tienen que ir a comprar leche al supermercado”, comenta.

En realidad, la historia de Alexi Lubomirski también se arma como un rompecabezas. Aunque dice que “es un desastre” por la cantidad de nacionalidades en su familia, intenta encontrar en cada viaje un pedazo de sí mismo. “En realidad, nunca me he sentido inglés”, confiesa. En 1996, viajó al Perú y llenó un vacío en su pecho, que también rellenó su visita a Polonia tiempo después. De su padre, el polaco-francés Ladislas Lubomirski, heredó el título nobiliario de príncipe como Su Alteza Serenísima (HSH, His Serene Highness), aunque la familia perdió sus tierras y parte de su riqueza tras la Segunda Guerra Mundial.

Alexi solo ha utilizado su título paterno en una ocasión, cuando publicó el libro “Mensajes de un príncipe”, en el que reflexiona sobre esa curiosa condición. Por su lado, su madre, nacida en Lima y de ascendencia piurana, lo crio entre Londres (Reino Unido), Botsuana (África) y París (Francia). Y él, ya adulto, formó su propia familia junto a una mujer cubano-italiana, madre de sus hijos.

No sabe cuándo regresará al Perú. Mientras camina por su departamento de paredes amaderadas y se sirve un café en su cocina, aún sosteniendo el celular en la mano, dice: “Creo que la fotografía está… perdida”, en referencia a la tecnología de punta en dispositivos móviles al alcance de cualquier persona, o la amenaza de la generación de imágenes con inteligencia artificial. “Soy afortunado de aún tener mi trabajo en revistas”, reconoce. Por eso no se considera “fotógrafo”, sino un “creador de imágenes”. “Cuando te defines a ti mismo con un título, te estancas”, concluye.

VIDEO RECOMENDADO

Antes de crear el nuevo menú degustación de Mayta, Jaime Pesaque y el equipo del centro de exploración creativa Yachay dejaron el mandil para convertirse en expedicionarios de la Amazonía. Navegaron los ríos de la selva, convivieron con comunidades, observaron, probaron y aprendieron de sus técnicas. Se encontraron con almejas de agua dulce conocidas como tumba cuchara, distintos tipos de ajíes y de palmas, shambiras que son como coquitos, churos (caracoles), raíces, tubérculos, frutos y una infinidad de insumos imposibles de contabilizar.

En estos viajes descubrieron de manera fortuita, mientras veían al dueño de casa en una comunidad rostizando la carachama para facilitar pelarla, que de esa manera el caldo tiene un sabor ahumado mucho más sabroso. O que allá no existen las estaciones del año, sino que a veces se camina o se navega, dependiendo de cómo fluyen los niveles del agua. Y que el pescado sabe mejor cuando hay lluvias y más agua porque tiene menos sabor a lodo. “Hemos entendido y aprendido mucho más sobre cómo palpita la Amazonía. Estuvimos en Iquitos, Tarapoto, Lamas y otros lugares. Cogíamos botes para trasladarnos 4 o 5 horas hacia comunidades y también visitamos mercados porque creemos que ahí está la cultura”, narra el chef Jaime Pesaque sobre estas aventuras.

Y el aprendizaje no se detiene. El propósito de Mayta es viajar cinco veces al año a los diversos territorios amazónicos. “Ahora lo tenemos en agenda; es algo muy sólido y por eso hemos querido gritar que queremos ser promotores de la Amazonía porque creemos que es la despensa del futuro y porque todavía hay mucho por hacer”, dice Pesaque. Pero obtener los productos en la capital no es sencillo, no hay mucha constancia en el envío. Por eso también la importancia de viajar, porque se crea contacto directo con productores y comunidades, así como un compromiso a largo plazo. El camino se está dando. “Espero, con el tiempo, sin apurarlo, que cada vez haya más comunidades que puedan traer más cosas y que se beneficien. Y al final, tener la despensa amazónica en Lima, poder mostrarla un poco, generar curiosidad en la gente y movimiento”, agrega.

Como promotores, buscan a su vez que el público se involucre con los productos amazónicos, no solo a través de su menú degustación, sino dándolos a conocer a quienes trabajan directamente con los insumos, como los propios chefs. Que los consideren en sus cartas o la gente en la cocina diaria, y quizá así pronto se encuentren fácilmente en los supermercados y los propios mercados de cada región. Por ello, observar los productos en su hábitat natural e identificar sus posibilidades de consumo es importante. Este trabajo de investigación tiene una parte complementaria en Lima, cuando llegan a Yachay, su centro de exploración, ubicado a unos pasos de Mayta.

Servir conocimiento

A Yachay llegan los insumos de la selva antes de convertirse en los platos que se presentan en el menú degustación de Mayta que este año es un 80% amazónico. Se trata de un espacio netamente creativo. Lo aprendido en las comunidades se expresa con las técnicas propias y la experiencia de su cocina vanguardista. Se trabajan texturas, temperaturas, se mezclan sabores, se entienden procesos: “Acá acertamos, nos equivocamos y tratamos de expresar todo lo que podamos con los insumos que hemos traído de la selva y el aprendizaje de su gente. Este espacio en sí tiene entregables que van a Mayta”, explica el chef.

En Yachay el trabajo es constante, no paran. Tienen un equipo destinado exclusivamente a esta labor. Los productos llegan cada día. Los trabajan, los conocen, ven las maneras en que se comportan mejor. Es la zona creativa o intelectual. “Pero todo es muy explorativo desde el ángulo de la cocina, no es académico”, sostiene Pesaque. Prefieren no llamarlo investigación, sino curiosidad. Pesaque describe Yachay como una acción, el espíritu explorador que viaja, curiosea, experimenta con los insumos. El proceso es largo. Hay bastante detalle, ensayo y error; pero lo más importante es que hay muchísimo aprendizaje. Por eso lleva ese nombre, pues en quechua ‘yachay’ significa sabiduría. //

¿Tu hijo está en esa etapa en la que sigue chupándose el dedo? Al principio parece algo inofensivo, hasta te resulta un gesto tierno. Y es que cuando hablas con otros padres, la gran mayoría te dice lo mismo: “no te preocupes, es normal” o “ya se le pasará solo”.

Pero cuando los meses pasan y el hábito continúa—incluso durante el día o sin que el niño se dé cuenta—, empiezan las dudas: ¿realmente es normal o debería preocuparme?

Lo que hay detrás del hábito de chuparse el dedo en la infancia

Chuparse el dedo es uno de los hábitos más comunes en la infancia, incluso es un comportamiento biológico y a su vez, emocional.

En un inicio, como explicó Erick Olivera, pediatra de la Clínica Ricardo Palma a Somos, este hábito responde a un reflejo innato, pues incluso antes de nacer, los bebés ya practican la succión como parte de su preparación para la alimentación, lo que se le conoce como “succión no nutritiva”.

Sin embargo, su función va más allá de lo físico, ya que este simple hábito les brinda calma, seguridad y les ayuda a relajarse. Por eso, es muy común observar este comportamiento cuando el niño está cansado, aburrido o necesita consuelo, e incluso como una forma de conciliar el sueño.

“Aunque no todos los niños pasan por esta etapa, sí es bastante frecuente. Hay algunos más propensos, especialmente aquellos con mayor necesidad de succión o que buscan constantemente autorregularse. También puede observarse en niños que han usado menos el chupón o que han tenido menos tiempo de lactancia exclusiva”, precisó el pediatra.

Entonces, ¿cuándo deja de ser algo normal? Según Anne Clemons, dentista de Cleveland Clinic, este hábito es esperable hasta los 2 y 4 años aproximadamente, y en muchos casos desaparece por sí solo. No obstante, la preocupación surge cuando continúa después de que comienzan a salir los dientes permanentes.

Las señales de que chuparse el dedo ya no es una fase normal

Si bien este comportamiento es una forma en la que los niños manejan algunas emociones difíciles, como advirtió la pediatra Irismar Del Moral, de Sanitas Consultorios Médicos, deja de ser normal cuando se vuelve automático y repetitivo, incluso sin que el niño sea consciente, funcionando más como una respuesta constante frente a la ansiedad.

“En este tipo de comportamientos, el contexto es importantísimo. No es lo mismo que ocurra solo al dormir que durante el día. Si el niño se chupa el dedo únicamente al descansar, suele ser un hábito de consuelo. Pero si lo hace con frecuencia mientras está despierto, puede estar relacionado con el aburrimiento, el estrés, la ansiedad o una necesidad constante de atención, lo cual podría tener un trasfondo emocional más serio”.

Por eso, además de observar la frecuencia, la intensidad con la que se ejerce la succión es clave, ya que puede afectar directamente al desarrollo de la boca.

Sin embargo, hay un punto en el que este hábito deja de ser inofensivo y empieza a aparecer señales de alerta. Sobre ese aspecto María Barrios, pediatra de SANNA Chacarilla, indicó algunos de los signos más importante a tener en cuenta:

• Mordida abierta,es decir, cuando los dientes no logran cerrarse correctamente.
• Deformación del paladar por la presión constante.
• Posición anómala de la lengua.
• Alteraciones en el lenguaje.
• Irritación persistente en el dedo succionado.
• Cuando el hábito interfiere con sus actividades diarias.

Esto es lo que podría ocurrirle a tu hijo si no deja de chuparse el dedo

Cuando el hábito de chuparse el dedo se mantiene más allá de los 4 o 5 años, puede empezar a tener consecuencias reales en la salud infantil.

A corto plazo, la doctora Barrios señaló que es frecuente que aparezca irritación en la piel del dedo debido a la succión constante, así como también un mayor riesgo de infecciones por las bacterias que se encuentran en las manos.

Mientras que, con el tiempo, el impacto puede ser más significativo. Entre las principales consecuencias se encuentran la maloclusión dental, la hipoplasia del maxilar superior, la protrusión de los incisivos y las alteraciones en la deglución.

“Cuando el hábito ya está afectando la dentadura o el desarrollo oral, suelen aparecer señales visibles que no conviene pasar por alto. Signos como dientes frontales salientes o apiñamiento dental, indican que la succión prolongada ya está alterando la estructura de la boca. Además, la respiración por la boca —otro indicador frecuente— no solo refleja un desequilibrio en la posición de la lengua y los dientes, sino que también puede aumentar el riesgo de caries, gingivitis y mal aliento”, destacó la dentista Anne Clemons.

Asimismo, mantener este comportamiento puede producir trastornos del habla. Tal como resaltó Barrios, los cambios en la posición de los dientes, la lengua y el paladar pueden dificultar la pronunciación de ciertos fonemas como la “t”, la “d” o la “l”, dando lugar a dislalias.

Entonces, ¿es mejor que use chupón?

A diferencia de lo que muchos padres puedan pensar: no es lo mismo chuparse el dedo que el chupón. Aunque ambos hábitos pueden parecer similares, sus efectos no siempre lo son. Cuando se prolongan más allá de los 2 o 3 años, tanto el uso del chupón como chuparse el dedo pueden provocar todas las consecuencias previamente mencionadas. Sin embargo, la diferencia está en la intensidad y el control del hábito.

“Chuparse el dedo suele ejercer una presión más fuerte y constante sobre el paladar y los dientes, lo que puede llegar a deformar el hueso de forma más severa con el paso del tiempo. Además, a diferencia del chupón —que los padres pueden retirar cuando lo consideran necesario—, este hábito depende directamente del niño, lo que hace que sea más difícil de eliminar”, sostuvo la doctora Del Moral.

La forma más efectiva para que tu hijo deje de chuparse el dedo

Más que prohibir el hábito, es importante entender que muchas veces cumple una función de consuelo ante el cansancio, el estrés o el aburrimiento.

Según la doctora Del Moral una de las estrategias más efectivas es el refuerzo positivo: reconocer y elogiar los momentos en que el niño no se chupa el dedo. Este pequeño cambio de enfoque no solo refuerza la conducta deseada, sino que también evita generar ansiedad o frustración.

También es clave observar cuándo aparece el hábito, ya que muchos niños recurren a él como un recurso emocional. Identificar estos momentos permite anticiparse y ofrecer alternativas —como distracción, cercanía o una rutina calmante— antes de que surja la necesidad.

En niños mayores, involucrarlos activamente puede marcar una gran diferencia. Darles un rol en el proceso, ya sea a través de calendarios de estrellas, metas simples o pequeños acuerdos, aumenta su motivación y sentido de logro. Este enfoque facilita a su vez, un cambio progresivo y reduce la ansiedad asociada al hábito.

Además, existen herramientas que pueden acompañar este proceso de forma respetuosa, como los objetos de apego (peluches o mantas), las rutinas de sueño estables o el uso de curitas en el dedo como recordatorio. Para el especialista Erick Olivera, estos recursos no deben verse como castigos, sino como apoyos que ayudan al niño a generar seguridad y nuevos hábitos.

Sin embargo, tan importante como saber qué hacer es evitar algunos errores comunes. En este sentido, la pediatra María Barrios advirtió que ciertas prácticas pueden empeorar la situación en lugar de resolverla, como:

• Forzar la interrupción demasiado pronto: Muchos niños abandonan el hábito por sí solos entre los 2 y 4 años, por lo que presionarlos antes de que estén listos puede generar ansiedad.
• Ignorar la causa emocional: Chuparse el dedo es un mecanismo de consuelo ante el miedo, estrés, aburrimiento o sueño.
• Falta de constancia: Permitir que se chupe el dedo a veces y otras no, confunde al niño.
• Prohibir drásticamente: Prohibir sin ofrecer alternativas reconfortantes dificulta el abandono.
• Usar palabras fuertes, burlas o castigos: Estas pueden alterar al niño y empeorar el hábito, generando inseguridad, estrés y ansiedad.

¿Cuánto tiempo tarda un niño en dejar de chuparse el dedo?

En cuanto al tiempo, no existe una regla única. En los casos más leves, el proceso puede tomar solo días o semanas. Sin embargo, cuando intervienen factores emocionales o sensoriales, la transición puede extenderse por varias semanas o incluso meses.

“Más allá de la duración, lo que realmente determina el éxito es el enfoque. La paciencia de los padres, la constancia en las estrategias y el respeto por el ritmo del niño son fundamentales. En aquellos casos donde el hábito persiste o genera preocupación, el acompañamiento de un especialista puede ser de gran ayuda. Un pediatra, un odontopediatra o un psicólogo infantil pueden orientar a la familia y ofrecer herramientas adaptadas a cada situación”, subrayó la experta de SANNA.

Con empatía, acompañamiento y consistencia, este proceso no solo es posible, sino que también puede convertirse en una oportunidad para fortalecer la seguridad emocional del niño.

La historia del Jockey Club del Perú se remonta a inicios del siglo XX, cuando la afición por las carreras de caballos comenzaba a consolidarse en la capital. Su antecedente directo fue el Jockey Club de Lima, fundado en el antiguo hipódromo de Santa Beatriz. Según el archivo histórico de El Comercio, este espacio marcó el inicio de una tradición que vinculó este deporte con la vida social de la ciudad.

El actual Jockey Club del Perú se funda oficialmente el 4 de abril de 1946, en un contexto de modernización urbana y crecimiento institucional. Su primera sede fue el hipódromo de Jesús María, ubicado donde hoy se levanta la residencial San Felipe. El gran salto llegaría en 1960, durante el gobierno de Manuel Prado Ugarteche, con la inauguración del Hipódromo de Monterrico, que se convertiría en el corazón de la hípica nacional.

Más allá de las carreras, este complejo ecuestre también ha sido escenario de momentos memorables. En los años 80 recibió la visita del Juan Pablo II, y en 1995 fue sede de un multitudinario concierto de Luciano Pavarotti. Hoy, con capacidad para 35 mil personas, el recinto se ha consolidado como un espacio versátil, con amplias explanadas que acogen eventos sociales, corporativos y espectáculos musicales.

A ochenta años de su fundación, el club atraviesa un momento que su presidente, Danilo Chávez Abad, define como “estelar”. “Somos la única institución social-deportiva creada por ley en el Perú, con la responsabilidad de desarrollar la actividad hípica y proteger la especie caballar”, afirma.

El aniversario coincide, además, con un hito mayor: Lima volverá a ser sede del Gran Premio Latinoamericano, la principal cita hípica de la región. “Es una vitrina no solo para la hípica, sino para el país. Vendrán los mejores caballos y autoridades del mundo ecuestre”, destaca Chávez, subrayando su impacto deportivo y turístico.

En un país en constante transformación, el dirigente pone en valor la vigencia de la institución que lidera. La hípica —dice— ha estado históricamente ligada a la vida republicana. Prueba de ello es el tradicional Clásico Independencia, parte oficial de las celebraciones de Fiestas Patrias. “Es el evento con mayor asistencia: reúne autoridades, diplomáticos y miles de personas para celebrar al país”, comenta.

Ese arraigo explica su permanencia. Frente a nuevas formas de entretenimiento, el Jockey Club apuesta por renovarse sin perder su esencia. “La hípica es desafiante, pero apasionante. Queremos acercarla a nuevos públicos y devolverla al sitial que le corresponde”, concluye Chávez.

HEREDEROS DEL GALOPE

Si bien el presente es auspicioso, el futuro de la hípica peruana se proyecta aún más prometedor gracias al trabajo de Edwin Talaverano como formador de nuevos valores en la escuela de jinetes del Jockey Club del Perú. Tras más de cuatro décadas en competencia, el excampeón cambió este año las pistas por las aulas, en una transición que asume con entusiasmo y sentido de responsabilidad.

“Para mí es algo bonito, porque sigo ligado a la hípica”, cuenta. Su rol, explica, no se limita a enseñar técnica, sino a formar criterio y carácter. La escuela funciona como un espacio de orientación integral: desde la postura y el estilo hasta la preparación mental que exige una profesión donde el riesgo y la disciplina conviven a diario. “Donde más se aprende es encima del caballo, pero aquí se les guía, se les prepara psicológicamente para lo que viene”, señala. “Mi sueño es formar jinetes capaces de competir en el extranjero. Que puedan salir, hacer carrera y crecer”, añade.

Desde su nueva posición, Talaverano observa también el lugar de la hípica peruana en la región. Aunque reconoce una brecha frente a potencias como Argentina, Brasil o Chile —donde el número de nacimientos de caballos es ampliamente superior—, destaca el esfuerzo local por mantenerse competitivo. “Somos una hípica que lucha por sostenerse y salir adelante”, resume.

Ese mismo ímpetu es el que transmite a sus jóvenes discípulos. Entre ellos están Dayani Andrea Flores, de 19 años, nacida en Huánuco, y José Aldo Letona, de 20, proveniente de Apurímac. Ambos crecieron entre caballos. En el caso de Andrea, la afición es heredada: “He vivido mi niñez en el campo, siempre cerca de ellos”, cuenta. Empezó a montar a los 11 años y, tras un accidente, encontró en la escuela una nueva oportunidad para retomar un vínculo que —dice— “lleva en la sangre”.

José, por su parte, siguió los pasos de sus hermanos. Desde los seis años monta caballos y descubrió en ellos una mezcla de adrenalina y conexión difícil de explicar. “La emoción que se siente mientras corres es única: es como si todo se detuviera y solo quedaras tú y el caballo”, comenta.

Se levantan antes del amanecer. A las cinco y media ya están en la pista, montando y sumando vueltas para ganar confianza. Luego continúan con la formación técnica: ejercicios físicos, postura y control. La rutina es exigente y diaria. La preparación puede tomar más de un año antes de estar listos para competir.

Ambos comparten un mismo horizonte: Andrea busca abrirse camino como jockey profesional; José quiere proyectarse y competir a nivel internacional. Esa es la meta. //

La gran carrera

El Gran Premio Latinoamericano es la carrera más importante de la región, una competencia que reúne a los mejores caballos de Sudamérica en un mismo escenario. En 2026, Lima volverá a ser sede del evento, que se disputará el 26 de abril en el Hipódromo de Monterrico, coincidiendo con el 80 aniversario del Jockey Club del Perú. Considerado la “Copa América” de la hípica, el Latino congrega a delegaciones de países como Argentina, Brasil, Chile y Uruguay, y posiciona al Perú como epicentro del circuito internacional. Entrada libre.

Cuando uno convive con una mascota, aprende a notar cada cambio en su comportamiento, por más pequeño que sea. Sin embargo, no siempre es fácil distinguir cuándo esas variaciones forman parte del envejecimiento normal o cuándo hay algo más detrás, como dolor, inflamación o incluso ansiedad.

Eso fue lo que ocurrió con Nala, una perrita de 7 años que, hasta hace poco, disfrutaba de largos paseos. Con el tiempo, sus tutores empezaron a observar que dudaba antes de levantarse o que simplemente no quería salir. Por eso, tras una serie de exámenes, el diagnóstico fue claro: una enfermedad osteoarticular.

Ante esta situación y bajo la supervisión de un médico veterinario, optaron por incorporar cannabis medicinal como parte de su tratamiento. Aunque para muchos, esto sigue siendo un tema que genera dudas e incluso rechazo, esta alternativa natural está ganando cada vez más atención por su posible impacto en el bienestar de las mascotas.

“Más que la edad, lo importante es observar los síntomas”, explicó Cecilia Padilla, médica veterinaria especializada en dermatología veterinaria y medicina felina, y directora médica de la Veterinaria PetyLab a Somos. “El cannabis tiene un amplio espectro de uso, por lo que puede incorporarse, por ejemplo, en enfermedades crónicas dolorosas, como los problemas osteoarticulares, epilepsia, problemas neurológicos, enfermedades oncológicas, así como también en trastornos emocionales o alteraciones del sueño”.

Y es que como aclaró la doctora Marisol León, docente de la carrera de Medicina Veterinaria y Zootecnia de la Universidad Científica del Sur, su uso no busca reemplazar tratamientos convencionales. “El objetivo es mejorar la calidad de vida del paciente. Se trata de un complemento que pueda ayudar a controlar el malestar, especialmente en animales longevos, donde muchas veces aliviar los síntomas ya representa un cambio significativo en su día a día”.

La solución que está generando interés

En el imaginario de muchos tutores, el cannabis sigue cargando con una reputación ambigua. Parte de esta confusión proviene de no diferenciar correctamente sus componentes. Como recalcó la doctora Padilla, dentro de la planta existen dos fracciones principales: el THC, que es el responsable de los efectos psicoactivos —aquellos asociados a la alteración de la percepción y potencial toxicidad —, y el CBD, que es la parte medicinal y, cuyos efectos generan respuestas favorables frente a diversas afecciones.

“No se trata solo de identificar estos compuestos, sino de entender cómo se formula. La seguridad del producto depende de factores como la concentración, la calidad del aceite e incluso la trazabilidad de su elaboración”. En este sentido, mencionó que existen laboratorios especializados que han perfeccionado los procesos para obtener CBD más puro y, por lo tanto, más eficaz y seguro.

Esta mirada se complementa con lo señalado por la experta de la Universidad Científica del Sur, quien matizó que, si bien el THC es la parte psicoactiva, en los productos terapéuticos su presencia es mínima y cuidadosamente controlada. Más aún, León destacó el concepto de “espectro completo”, precisando que un aceite de cannabis puede ser más efectivo cuando no solo contiene CBD, sino también pequeñas cantidades de otros compuestos naturales como terpenos y flavonoides, que actúan en conjunto potenciando sus beneficios. Por ello, el temor de que el cannabis “drogue” a una mascota pierde fundamento cuando su uso es adecuado.

Así actúa el cannabis en tu mascota

Cuando se habla del uso de CBD en mascotas, especialmente en casos de osteoartritis o dolores articulares, es importante entender que no funciona como un analgésico tradicional. Tal como indicó Cecilia Padilla, los antiinflamatorios no esteroides suelen ser la primera línea de tratamiento porque actúan directamente sobre la cadena de la inflamación y el dolor. El CBD, en cambio, sigue una ruta distinta: no compite con estos fármacos ni actúa en el mismo punto, sino que modula el sistema endocannabinoide, un sistema presente tanto en seres humanos como en animales vertebrados.

“Si bien este sistema se activa con el consumo de la marihuana, el uso de formulaciones específicas de CBD permite estimularlo de forma controlada. Gracias a esto, es posible obtener beneficios analgésicos y antiinflamatorios sin los efectos psicoactivos asociados al THC”.

Sin embargo, su impacto no se limita al dolor físico, ya que también puede influir en el manejo del estrés, la ansiedad y otros trastornos emocionales. De acuerdo con la doctora León, los cannabinoides interactúan con los receptores CB1 en el cerebro y modulan neurotransmisores claves, lo que tiene un efecto directo en las emociones.

Además, este mismo mecanismo abre la puerta a otros beneficios. En animales mayores, por ejemplo, el CBD podría tener un rol en la disfunción cognitiva, comúnmente conocida como demencia senil. Como resaltó la médica veterinaria, su efecto neuroprotector podría ayudar a retrasar el avance de los signos asociados a este deterioro del sistema nervioso.

Sin embargo, más allá del gran interés que despierta esta alternativa, la investigación científica aún está en desarrollo. Según María Lourdes Velarde, decana de la carrera de Medicina Veterinaria y Zootecnia de la UCSUR, si bien existen estudios — principalmente en perros — que demuestran resultados prometedores en el tratamiento del dolor y la ansiedad, la evidencia sigue siendo limitada, razón por la cual, en muchos casos, el uso de CBD en mascotas permanece en una etapa exploratoria.

¿Qué cambios puedes observar en tu mascota?

En la rutina diaria, los cambios en una mascota suelen percibirse de forma progresiva, pero significativa. Como aseguró la doctora Padilla, uno de los primeros signos es una mejora general en el ánimo: el animal se muestra más activo, recupera el apetito y logra regular mejor sus ciclos de sueño.

Sin embargo, no se trata de un “rejuvenecimiento”, sino de una recuperación del bienestar. En muchos casos, el punto de inflexión está en el manejo del dolor crónico, por lo que cuando este disminuye, se refleja directamente en una mayor movilidad, disposición al juego y una actitud más estable.

“Estos avances dependen de un uso responsable del tratamiento. Las dosis no son estáticas, sino que deben ajustarse periódicamente —incluso mes a mes— según la evolución del paciente. Esto implica un seguimiento constante y controles veterinarios que permitan abordar correctamente la patología de base, evitando la idea errónea de que una dosis inicial se mantiene igual durante toda la vida de la mascota”, sostuvo la directora médica de la Veterinaria PetyLab.

Por su parte, León precisó que los efectos del tratamiento pueden manifestarse en distintos tiempos, dependiendo del objetivo. En formulaciones orientadas a modular el comportamiento, como en casos de ansiedad, algunos cambios pueden observarse incluso a los 30 minutos de la administración. No obstante, en términos generales, las primeras mejoras sostenidas comienzan a percibirse durante la primera semana.

Aún así, la especialista enfatizó que, al tratarse de un nutracéutico, el efecto más consistente y duradero se alcanza con el uso continuo y con una dosis ajustada a cada paciente.

¿Cómo usarlo sin riesgos?

Dosificación

El proceso correcto no consiste en aplicar una dosis estándar, sino en realizar una titulación, es decir, un ajuste progresivo y personalizado. Aunque algunas referencias sugieren empezar entre 0.5 y 1 mg por kilo de peso, esta cifra es solo orientativa. Como subrayó Cecilia Padilla, el médico veterinario —de preferencia, especializado en medicina integrativa o alternativa— es quien debe ajustar la dosis según la enfermedad, la respuesta del animal y sus características individuales.

“En perros existe más evidencia científica para guiar este proceso, pero en gatos la situación es distinta: no hay suficientes estudios concluyentes. Por esto, en felinos la dosificación depende aún más de la respuesta individual, lo que hace indispensable el seguimiento profesional”.

Formas de administración

Aunque el cannabis medicinal se ofrece en diversas presentaciones, el aceite es el formato predilecto. La experta en medicina felina advirtió que, para evitar alteraciones en la dosis y garantizar su eficacia, el producto no debe diluirse en agua o comida, sino suministrarse vía oral de manera directa.

Producto seguro y legal

Elegir un buen producto es tan importante como la dosis. Un cannabis medicinal adecuado debe ser:

• Puro y con concentración claramente indicada.
• Elaborado por un laboratorio confiable.
• De grado médico o medicinal.
• Con registro sanitario vigente.

La etiqueta debe especificar la cantidad exacta de CBD y contar con trazabilidad: es decir, una información clara sobre su origen y fabricación. Los productos que solo dicen “contiene cannabis” sin detallar la concentración o el respaldo sanitario no ofrecen garantías.

Además, estos productos deben adquirirse con receta médica. Como destacó la doctora Padilla, aunque algunos sean de uso humano, pueden utilizarse en mascotas siempre que un veterinario ajuste la dosis según el peso y la condición del animal.

¡No lo uses sin leer esto primero!

El uso de cannabis medicinal en mascotas está creciendo, pero no es algo que deba tomarse a la ligera. Antes de empezar con cualquier tratamiento, es clave entender qué observar, cuándo preocuparse y en qué casos es mejor evitarlo por completo.

Según la especialista Marisol León, es común notar somnolencia o mayor tranquilidad en la mascota durante los primeros días. Este efecto es temporal y tiende a normalizarse conforme el organismo se adapta, por lo que no es necesario suspender el tratamiento.

“En caso tu mascota presente vómitos, diarrea o incluso reacciones de miedo o ansiedad después de la administración, es importante actuar de inmediato. En este tipo de escenarios, el tratamiento debe suspenderse y se debe contactar al médico veterinario lo antes posible”, advirtió la médica veterinaria.

De igual manera, es importante tener en cuenta que, no en todos los casos su uso es recomendable. Hay situaciones en las que se debe actuar con especial cautela, como ocurre con las mascotas que presentan enfermedades hepáticas. Al metabolizarse en el hígado, un funcionamiento deficiente en este órgano puede hacer que sus efectos sean impredecibles: desde la acumulación del compuesto en el organismo hasta una menor eficiencia del tratamiento.

Algo similar ocurre en etapas como la gestación o la lactancia. Aunque no hay evidencia concluyente de que sea perjudicial, tampoco existen suficientes estudios que respalden su seguridad. En estos casos, el cannabis podría transferirse a las crías a través de la placenta o la leche, y sus efectos en los fetos o recién nacidos aún no están del todo claros.

Entonces, ¿es seguro usar cannabis en las mascotas?

La evidencia y la experiencia clínica coinciden en algo importante: el cannabis medicinal puede ser una herramienta segura para nuestras mascotas, siempre y cuando, se utilice de manera responsable y bajo supervisión profesional.

En el Perú, aunque su uso está claramente regulado en humanos, todavía no existe una normativa específica para la medicina veterinaria. Aun así, esto no significa que su uso esté fuera del marco legal. Según la Ley 31151, que regula el trabajo del médico veterinario, estos profesionales están facultados para prescribir medicamentos de uso humano en animales cuando lo consideran necesario.

Esto refuerza una idea clave: no se trata de automedicar, sino de confiar en el criterio clínico de un veterinario que evalúe cada caso de forma individual. Por eso, con la dosis adecuada, el seguimiento correcto y una indicación profesional, el cannabis puede convertirse en una alternativa terapéutica que mejore su bienestar y calidad de vida.

La primera vez que Ana Torroja compuso una canción —o, más bien, parte de ella— tenía 25 años y cargaba con las dudas propias de quien recién empieza. Nacho Cano, su compañero en Mecano, le pidió que escribiera el estribillo de un tema que ya tenía avanzado, y ella aceptó. Durante una semana, el vértigo se instaló en su rutina. Eran apenas unas líneas, pero la idea de estar a la altura de esa oportunidad la desvelaba. “Me despertaba por las noches, escribía y, al día siguiente, lo que leía no me gustaba y volvía a darle vueltas”, recuerda sobre ese proceso tan intenso del que nació “Mosquito”, el único tema que firmó en su etapa con el trío. Cuatro décadas después, Torroja se permitió una nueva primera vez: pero ahora sus inseguridades —ya no las de una debutante, sino las de una artista experimentada— terminaron dándole, sin proponérselo, las herramientas para cumplir un sueño que, de tanto poner en pausa, había olvidado: publicar un álbum solo con canciones escritas por ella.

“Se ha acabado el show” es el nombre de ese disco que nació cuando Ana empezó a evaluar la posibilidad de una despedida. “La falta de interés que yo sentía cuando arranqué el proyecto me hizo estar en una posición de absoluto desconocimiento, no sabía a dónde quería ir o si iba a lograr terminarlo”, nos cuenta la artista sobre ese momento, a finales de 2024, en el que se preguntaba si aún le quedaba algo por decir. No es casual, entonces, que el álbum abra con la canción que le da título, planteada como un diálogo entre las dos Anas que la habitan: la artista y la “de a pie”, como ella misma la llama. “Me pasa que muchas veces una le reclama espacio a la otra y en este caso, la Ana persona, vamos a decirle así, llevaba mucho tiempo reclamando más espacio del habitual, y eso fue lo que me hizo pensar que había llegado el momento de decir adiós”, explica Torroja, quien también aborda esas dudas en “Cuánto me falta”, otro de los temas más reveladores del álbum.

El plan inicial era escribir un par de canciones, pero abordar estas dudas sobre su futuro en sesiones de composición resultó tan catártico que el proyecto terminó convirtiéndose en un álbum completo. El resultado es un disco que se ubica entre los más sólidos de su etapa en solitario. “A veces hay que cerrar capítulos para abrir otros y, desde el total desconocimiento de lo que iba a ocurrir, con cero expectativas, me encontré al cabo de un año con este disco enteramente compuesto por mí”, añade Ana.

El oficio de escribir(se)

Su forma de enfrentarse a la hoja en blanco para este disco dista por completo de aquella primera vez en Mecano, cuando tuvo que inventar una motivación para aterrizar una historia ajena. También marca una diferencia frente a su método en “Puntos cardinales”, su debut en solitario en 1997, cuando la timidez se imponía sobre ese necesario desparpajo que exige la composición.

“Con ese disco empiezo a hablar más de mí, pero me sentía muy vulnerable porque nunca lo había hecho. Había estado once años en Mecano convirtiéndome en personajes. Aunque conectara con las canciones de Nacho y de José, estas no se referían a mí. Pero he ido de menos a más. Hoy me siento más cómoda escribiendo las letras, aunque luego en la melodía siempre me ayudan”, sintetiza Torroja, abierta a reconocer tanto sus fortalezas como las inseguridades que aún aparecen en el proceso creativo.

“Era como ir a terapia, un lugar donde te sientas a hablar sin la sensación de que te van a juzgar por contar lo que sea que te ocurra y eso sentí al ponerme frente al papel a escribir o a la hora de sentarme a las sesiones de composición con los distintos autores, me sentí muy cómoda para hablar de muchas cosas que necesitaban salir, de alguna forma es un disco catártico, me sentí más cómoda que nunca. No sé si sea la edad”, añade sobre un proceso que, además, estuvo acompañado por una generación diversa de músicos.

Encuentros musicales

Para este disco, Ana Torroja contó con el productor venezolano Andrés Levin, con quien trabaja desde hace más de una década, como principal colaborador. Pero también se rodeó de autores jóvenes que la ayudaron a dar forma y musicalidad a sus letras. En las sesiones de composición participaron artistas como las españolas Samuraï y Alba Morena, una nueva generación de la que Torroja solo tiene palabras halagüeñas.

“Lo que más me ha gustado (de trabajar con esta nueva generación) es lo cómoda que me he sentido. Con Samuraï me pasó que estábamos en un Zoom para conocernos y yo la oía hablar y me sorprendía de su madurez, cuando se lo dije ella me contó que sus amigos le llamaban la abuela. Y es que es alucinante la madurez que tiene. Y eso me ha pasado con varios de los que he trabajado, que me sentía muy cómoda. Y luego aparte del talento enorme que tienen, tienen seguridad”, cuenta Torroja, quien reconoce que las dudas aún forman parte de su proceso creativo, como ya ocurría cuando escribió el estribillo de “Mosquito” en su etapa con Mecano.

Algo similar sucedió durante una sesión de “La rosa del desierto”: mientras buscaban una palabra que encajara con la melodía, Torroja propuso una idea que convenció a su colaboradora, pero que a ella le generó una duda inmediata. “Yo realmente me sentía insegura, porque ella es muy decidida. Pero eso es lo que me gusta de esta generación, parece que no hay barreras para ellos, no hay límites”, afirma la artista, que ya había explorado ese cruce generacional en su anterior álbum, “Mil razones” (2021), donde trabajó con nombres como El Guincho, Alizzz y Rosalía.

En “Se ha acabado el show” también hay dos featurings, como se le llama ahora a este recurso cada vez más frecuente —y muchas veces forzado— de los dúos. Aquí, sin embargo, funcionan con naturalidad: un tema junto a la mexicana Ximena Sariñana y otro con el colombiano Esteman, con quien inicialmente solo iba a escribir una canción, pero con quien terminó haciendo tal conexión que decidieron mantenerla como dueto. El resultado es la encantadora “Problemas de conversación”, una pieza de gran factura que bien podría sumarse a la lista de colaboraciones memorables de Torroja.

A lo largo de su carrera, la artista ha firmado otros encuentros destacados, como “Duele el amor” junto a Aleks Syntek y, por supuesto, la etapa de “Girados” con Miguel Bosé, de la que surgieron algunos de sus temas más populares tras Mecano, como la balada pop “Corazones”. De esa época guarda especial cariño: “Mi relación con Miguel es estupenda, nunca ha dejado de serlo. Yo estoy muy feliz de que esté de vuelta en los escenarios y el público más. En alguna ocasión se ha dicho así por lo bajo (para volver a girar), pero no hay nada concreto y no sé si lo habrá, pero sería increíble si volviera a ocurrir, porque fue una gira en la que nos lo pasamos muy bien y lo disfrutamos mucho, la verdad”, recuerda.

Sin fecha de caducidad

Mientras tanto, Ana Torroja celebra esta nueva etapa con un disco que le ha quedado redondo o, como ella misma dice, “como los de antes”. “Me gustan los discos en los que no falta ni sobra nada, que están pensados hasta el último detalle”, explica sobre un álbum que ya cuenta con cinco sencillos y que formará parte del setlist de la gira que arrancó hace unos días en México y continuará en junio con fechas en Colombia, Chile y Perú, dejando la idea del retiro cada vez más lejos.

“En esta profesión no hay edad de jubilación, uno decide cuándo se quiere ir, pero es cierto que, cuando realmente te lo planteas, dices: ‘No pues, venga, hago este disco, gira de despedida, y ya me voy’. Y yo en algún momento me puse una fecha. Cuando arrancamos en Mecano, me dije: ‘A los 50 me retiro, porque todavía seré joven, ya mi economía estará estabilizada y tendré tiempo y energía para hacer otras cosas’. Pues qué ingenua fui. Estoy cerca de cumplir los 70 años y todavía estoy aquí. Y me siento con la energía para seguir”, dice Torroja.

Quienes más celebran esa decisión son sus fans, a quienes la artista ve como hijos. “Esta profesión es adictiva, es difícil encontrar el momento de decir adiós. No solo por uno mismo, sino también por la gente que conecta con las canciones. Entonces, me da una tristeza, una pena horrible, pensar en dejar solos a los que nos siguen, me siento como una mamá. Creo que, aunque tenga esa sensación en distintos momentos, va a ser muy difícil decir adiós y me van a tener que echar del escenario”, afirma. Que así sea.//

Aunque en el Perú más de 4 millones se comunican en alguna de nuestras 48 lenguas originarias, recién en marzo del 2015 se dictó la primera sentencia en quechua. Ocurrió en el Primer Juzgado de Investigación Preparatoria de la provincia de Azángaro, en Puno. El dato no solo evidencia una deuda histórica del sistema judicial, sino también las profundas barreras que aún limitan el acceso a la justicia para millones de ciudadanos. En ese contexto nace DOXS.AI, una herramienta desarrollada por los hermanos Torres en Cusco que busca acortar estas brechas mediante el uso de inteligencia artificial. Su propuesta: un asistente jurídico capaz de responder consultas legales en lenguas originarias, apoyado en una base sólida de jurisprudencia nacional.

Joseph Junior Torres Cama, estudiante de administración de negocios internacionales de la Universidad Andina del Cusco y con un MBA en Centrum PUCP, es parte del proyecto junto a sus hermanos George y Julio. Cada uno aporta desde su especialidad: George, estudiante de derecho con conocimientos en programación e inteligencia artificial, fue quien dio el primer paso en la creación de la plataforma; mientras que Julio, desarrollador con experiencia en empresas como BBVA y actualmente ingeniero de software en la división de Yape, consolidó el desarrollo técnico.

La idea surgió cuando George cursaba el noveno semestre de su carrera. Identificó una necesidad concreta y decidió construir una solución tecnológica. El proceso tomó casi un año y contó con el respaldo del departamento legal de la universidad, así como de incubadoras tecnológicas. Finalmente, DOXS.AI fue lanzada en diciembre del 2025 en una conferencia realizada en la Universidad Andina, en Cusco.

“DOXS.AI es una solución para cerrar las brechas en el acceso a la justicia, permitiendo que las personas de comunidades de lenguas originarias puedan acceder a información legal en su propio idioma. Miles de personas no tienen acceso a este a justicia por el simple hecho de no saber sus derechos, eso es lo que nos impulsó a poder desarrollar esta plataforma”, dice Joseph Torres.

La IA para romper brechas

Uno de los principales diferenciales de DOXS.AI frente a otras herramientas de inteligencia artificial generativa es su enfoque intercultural. A través de DOXS Intercultural, los usuarios pueden realizar consultas legales tanto de forma escrita como oral en lenguas originarias como quechua, awajún, wampis y aimara.

“DOXS.AI no solo es una herramienta legal, es una herramienta de justicia social. Aquí DOXS Intercultural no está pensada solo para abogados, sino para personas que nunca han tenido acceso al sistema legal”, señala Joseph sobre la plataforma con la que buscan ayudar a personas que jamás han hecho una denuncia por hablar otro idioma o por desconocimiento del sistema legal peruano.

La plataforma no solo traduce consultas, sino que responde con información respaldada. Según sus creadores, cuenta con más de 2 millones de resoluciones judiciales, incluyendo normativa del Código Procesal Civil, Código Penal, jurisprudencia de Indecopi y arbitrajes del OSCE.

“Si bien es cierto que existen otras plataformas que te ayudan si les das un buen prompt, DOXS.AI no inventa información, tiene más de 2 millones de resoluciones judiciales, puede hacer consultas con documentos reales del país, no inventa información y aparte no hace una búsqueda sistemática. Otras plataformas lo que hacen es agarrar una base de datos y, cuando buscas referencias, te dan los documentos. Lo que hace nuestra plataforma es una búsqueda inteligente, porque conoce del documento y conoce la ley”, añade.

El funcionamiento es sencillo: el usuario ingresa una consulta en lenguaje natural —por ejemplo, “quiero presentar una denuncia por alimentos”— y la IA procesa la solicitud para ofrecer modelos de demanda, jurisprudencia relevante, fundamentos legales y enlaces de descarga en PDF. La búsqueda se realiza en segundos y permite acceder a precedentes del Tribunal Constitucional, la Corte Suprema y el SCIJ.

Actualmente, gran parte de las consultas se concentran en temas de violencia y alimentos, lo que evidencia las necesidades legales más urgentes de los usuarios.

El reto del trabajo de campo

Aunque la herramienta ya funciona al 100% en quechua, el equipo continúa trabajando para ampliar su cobertura en otras lenguas originarias. Para ello, el trabajo de campo es clave.

“Nosotros estamos trabajando conjuntamente con la Asociación Jesús Obrero CCAIJO, que es una ONG que tiene incidencia en la en las comunidades de Quispicanchis de la ruta Ausangate. También tenemos el apoyo de comunidades del Amazonas con los awajún y wampis”, explica Joseph.

El desarrollo de estas capacidades no ha sido sencillo. Comprender cómo se formulan las preguntas en distintos contextos culturales y lingüísticos ha sido uno de los mayores desafíos. Sin embargo, replicar este avance en otras lenguas requiere presencia directa en las comunidades. Y ese es, hoy, uno de los principales obstáculos.

“Buscamos apoyo para poder llegar a más comunidades. Necesitamos poder contactarnos, porque es difícil, no cualquiera puede ingresar a, por ejemplo, la comunidad de los machingas. No puedes ingresar así, simplemente, llevar tu laptop y decirles, ‘Ya vengo a capacitarlos’. No, el proceso de ingresar es complicado”, afirma.

Actualmente, DOXS.AI ofrece acceso gratuito a estudiantes e instituciones sin fines de lucro. Los universitarios pueden realizar hasta 20 consultas diarias mediante un sistema de créditos, mientras que las ONGs cuentan con acceso libre.

El siguiente paso para el equipo es fortalecer alianzas que les permitan ingresar a más territorios y así seguir ampliando el alcance de una herramienta que, desde Cusco, busca reducir una de las brechas más persistentes del sistema judicial peruano.//