Los trenes tienen el poder de ejercer cierta fascinación sobre las personas. Para algunos recogen un aire nostálgico, como apelando siempre a una triste despedida. Incluso, hay quienes se han convertido en sus ‘groupies’, fieles seguidores que viajan por el mundo como ‘railfans’, saben todo de su funcionamiento y preparan sus maletas según el destino donde se encuentre el tren elegido.

Los trenes del Perú dejan huella en su propio estilo. A la cantante peruana Flor Pucarina le debemos ese huayno “Trencito macho”, un homenaje al Ferrocarril Huancayo-Huancavelica que lleva este nombre porque “llega cuando quiere y sale cuando puede”: “Siempre presentaba un montón de dificultades, se quedaba a medio camino, se malograba. De ahí nace su nombre”, nos comenta el historiador ferroviario Elio Galessio sobre este emblemático tren que el próximo año cumplirá 100 años de fundación y que tiene un proyecto de modernización que beneficiará a 1,2 millones de habitantes.

A grandes rasgos, la historia ferroviaria del país comenzó en el siglo XIX. Representó la modernidad y el desarrollo económico a partir del transporte de cargas como minerales, así como el traslado de una mayor cantidad de pasajeros en menos tiempo: “El primer ferrocarril de Sudamérica fue el Lima-Callao, en 1851”, sostiene Galessio. Este tren permitió recorrer desde Lima hacia el puerto en solo 28 minutos, dejando a un lado las antiguas carretas y lentos recorridos.

“A partir de ahí, empezaron a construirse líneas ferroviarias de corto y mediano recorrido, pero no fue hasta el gobierno de José Balta, con la llegada de Henry Meiggs al Perú, que empezaron las construcciones de los grandes ferrocarriles que casualmente son los que existen hasta ahora, como el Ferrocarril Central (Lima-La Oroya-Huancayo) y el Ferrocarril del Sur (Arequipa-Puno-Cusco)”. En ese tiempo de apogeo, los trenes representaron modernidad, fuerza, crecimiento económico, menores distancias. Pero también trajo consigo enormes deudas y corrupción. El fervor ferroviario fue decayendo y de este ‘boom’, afectado además por la Guerra con Chile, todavía quedan algunos escenarios, como la fantasmal Estación del Tren Lima-Ancón o la embellecida Estación de Desamparados donde se encuentra actualmente La Casa de la Literatura y por donde vemos pasar al Ferrocarril Central Andino tocando el silbato con todo su vigor.

“Cuando hablamos de una infraestructura vial, el Ferrocarril Central Andino (FCCA) es quizá la infraestructura vial más moderna que hay en América Latina”, sostiene Juan de Dios Olaechea, presidente del FCCA. “Hoy día tenemos los rieles más modernos, el mejor mantenimiento de vía, estamos a la altura de los mejores ferrocarriles mundiales”. Su recorrido es un desafío a la gravedad. Durante 14 horas se enfrenta a las geografías extremas de los Andes, por lo que su velocidad siempre será lenta y cuidadosa. Atraviesa 69 túneles, 58 puentes y 6 zigzags. Su punto más alto es la Estación de Galera (Ticlio) a 4.781 msnm, convirtiéndolo en el más alto del Perú, de América y el segundo más alto del mundo, después del Ferrocarril Qinghai-Tíbet en China, que supera los 5.000 msnm.

Cada ciertos meses, los turistas tenemos la oportunidad de abordarlo y disfrutar de esos increíbles paisajes que solo los trenes pueden ofrecer. La próxima salida será en Fiestas Patrias. Según Olaechea, se trataría de uno de los ferrocarriles más difíciles del mundo por el radio de curvaturas, por las pendientes, por lo angosta que es la trocha donde los rieles están puestos, “por ello hay que tratarlo con extrema seguridad”. “Los ferrocarriles tienen que hacerse, pero estratégicamente, evitando proyectos frívolos que gasten el dinero del Perú”, opina el presidente del FCCA.

Olvidado por mucho tiempo, nuestro único ferrocarril binacional estaría entrando a una nueva etapa. El Ferrocarril Tacna-Arica fue el segundo en inaugurarse en el Perú, en 1856, después del de Lima-Callao, y es el más antiguo en funcionamiento, pero afectado por el deterioro. Operado actualmente por el Gobierno Regional de Tacna, en marzo se anunció su modernización, lo que facilitará el tránsito entre el Perú y Chile.

Además, de ser una inversión necesaria para el desarrollo económico de las regiones, los aportes que brindan los ferrocarriles desde el lado turístico son también provechosas. Un trayecto como el que ofrecen ferrocarriles del sur, puede ser una de las experiencias paisajísticas más memorables de la vida. Y uno de los recorridos más codiciados es el tramo hacia Machu Picchu. En Ollantaytambo parte el tren local, que es una opción más económica. Pero por estos rieles también se lucen los vagones más lujosos, como los operados por las empresas Inca Rail y Perú Rail, esta última a cargo de la marca Belmond.

Javier Carlavilla, gerente general de Trenes de Lujo de Belmond, nos comenta que servicios como el Hiram Bingham (Cusco-Machu Picchu) o Andean Explorer (Cusco, Arequipa y Puno) son las experiencias que valen cada dólar: “El servicio Hiram Bingham nació en el año 2003. Tenemos dos restaurantes, dos bares y la capacidad de acomodar hasta 84 pasajeros. El viaje de ida es un descubrimiento, un adentrarse en las montañas, es cumplir el sueño de ir a Machu Picchu. Tenemos guías a bordo, que te van contando la historia del lugar sagrado”. Por otro lado, el recorrido más largo es el Andean Explorer. Es considerado de los trenes más exclusivos del mundo. “Salimos los jueves de Cusco hacia Arequipa para llegar el sábado y salimos los domingos de Arequipa para llegar el martes al mediodía a Cusco”, comenta Carlavilla. En el trayecto hacemos paradas para que los turistas conozcan complejos arqueológicos, el Abra de la Raya en la frontera de Cusco y Puno, a 4.319 metros de altura, la islas flotantes de los Uros y Taquille.

Ahora que se han anunciado una amplia cantidad de proyectos ferroviarios para el país, es la oportunidad de mirar las vías actuales, analizar el beneficio para la población y la pertinencia de las inversiones. El transporte sigue siendo un gran problema por solucionar y nuestros trenes son grandes aliados. //

En una casona de Barranco, acaba de abrir sus puertas el primer restaurante de Rodrigo Fernandini en Lima. Tras consolidar su carrera en Estados Unidos, donde lidera desde 2022 el restaurante Artesano en Nueva York, el popular chef de las redes sociales vuelve a su país con una propuesta de ‘fine dining’.

Fernandini Restaurante abrió sus puertas el pasado 28 de marzo en el Boulevard de Barranco y se presenta como una experiencia donde el producto local (de todas las regiones del Perú) es protagonista.

Los comensales podrán encontrar una variada carta, así como la alternativa del menú degustación. Te contamos más detalles a continuación.

Sobre el menú degustación

La experiencia central en Fernandini Restaurante es su menú degustación de diez pasos, con un costo de 520 soles por persona. Concebido como un viaje por las tres regiones del país, este recorrido culinario integra fermentos, tubérculos ancestrales, insumos amazónicos y carnes curadas.

El primer plato, llamado “Primer Latido”, ofrece: hormigas siquisapa de Moyobamba servidas con gel de cocona agridulce y chucrut. A partir de ahí, el menú despliega una serie de preparaciones que incluyen productos emblemáticos como la trucha del lago Titicaca, el paiche con puré de aguaje, el pato norteño y una leche de tigre elaborada con mango verde piurano.

Cada plato está trabajado con un máximo de tres o cuatro elementos, una decisión que responde a la intención del chef de resaltar sabores y generar una experiencia sensorial clara. La secuencia incluye también propuestas como Marcona, “Río Profundo” o “Cordillera Larga”, manteniendo siempre el hilo conductor de un Perú diverso y reinterpretado.

Además, durante abril se ofrecerá una experiencia especial: el menú “Fernandini & Artesano”, disponible únicamente el 7 de abril bajo reserva. En esta ocasión, el chef recibirá a César Taboada para presentar un menú conjunto de diez pasos con platos emblemáticos de ambos restaurantes. El precio será de 600 soles por persona.

La carta de Fernandini

Para quienes prefieren una experiencia más flexible, el restaurante también ofrece una carta que combina insumos tradicionales con técnicas contemporáneas. No es necesario realizar reserva para acceder a esta opción.

En la sección de “Frescos despertares”, destacan propuestas como el ceviche Fernandini, elaborado con pesca del día, zapallo loche, pota de choclo y leche de tigre, así como la “Pesca de los Andes”, que combina trucha con leche de tigre de chirimoya, chalaca y palta. También figuran alternativas como el tartar de pescado con quinoa caviar o el de lomo fino con causa de pallares verdes.

Las opciones calientes, agrupadas bajo “Calores esenciales”, incluyen platos como el pulpo anticuchero con sarandaja y chimichurri, el chorizo de pato madurado con ocopa y huevo frito, o el lomo fino acompañado de huancaína y papas andinas. Preparaciones como el gnocchi andino o la tortilla de raya de Pimentel reflejan la diversidad regional que inspira la carta.

En los fondos, la propuesta se amplía con platos como el asado de tira con moraya, el paiche con aguaje, el agnolotti relleno de lengua o el risotto con mariscos en salsa acevichada. También resalta el tomahawk de cerdo con puré de camote y miel de güiñapo.

El cierre dulce mantiene la línea de reinterpretación de insumos peruanos: postres como Pachamisky (lúcuma, quinoa y aguaymanto), Secano Dulce (maíz, manjar y algarrobina) o Suspiro Fernandini (camu camu, cacao y piña confitada) completan la experiencia.

La barra acompaña con una cuidada selección de coctelería de autor, donde destacan combinaciones como el Atardecer Barranquino, el Vinicunca o el Espresso Fernandini, además de versiones locales de clásicos como el Negroni o el Sazerac. También hay opciones sin alcohol, cafés e infusiones.

En cuanto a los precios de la carta, los platos tienen aproximadamente estos precios: 90 soles (cebiche Fernandini, costa brava y huella del valle), 102 soles (res de altura) 112 soles (cerdo del campo), 72 soles (maduración salvaje), 65 soles (pesca de los Andes) y 45 soles (postre Pachamisky). Los cócteles tienen precios aproximados de 55 soles (colibrí Amazonas).

Esta es la carta completa del restaurante:

La cultura coreana no solo está conquistando al mundo con bandas como BTS o Blackpink, sino también con su enfoque del cuidado de la piel, el cual está revolucionando por completo el mercado de la belleza. El famoso skincare coreano se ha convertido en un auténtico must entre los millennials y los jóvenes de la generación Z, quienes buscan el codiciado efecto “glass skin”: una piel luminosa, uniforme y con una apariencia casi translúcida.

Uno de los ingredientes estrella de esta tendencia es, sin duda, la centella asiática, un activo calmante que ha ganado gran protagonismo. La llevo probando desde hace meses y su popularidad no es casualidad: idols del K-pop como Jisoo, Jin o Karina la incluyen en rutinas enfocadas en la hidratación y el equilibrio de la piel.

Pero, más allá del entusiasmo y la viralidad, realmente es un activo que merece tanto hype o estamos ante otra tendencia pasajera dentro del universo del K-beauty.

El boom de la centella asiática: el ingrediente natural que está en todas partes

También conocida como cica o “hierba del tigre”, la centella asiática es una planta medicinal que crece en zonas pantanosas en regiones tropicales y subtropicales de la India, el sudeste asiático y Madagascar, así como en China, Corea, Japón y Taiwán. Durante siglos, ha sido usada en Oriente para tratar enfermedades infecciosas de la piel, acelerar la cicatrización de úlceras y en heridas cutáneas.

Actualmente, como explicó la dermatóloga Antuaneth Sobrino, del Centro Bienestar Auna a Somos, se ha posicionado en el mundo del K-beauty y la dermatología, gracias a que:

• Tiene acción antiinflamatoria y calmante.
• Fortalece la barrera cutánea, actuando como humectante natural.
• Activa la síntesis de colágeno y elastina, mejorando la firmeza y elasticidad.
• Ayuda en la apariencia de las estrías.

“A diferencia de otros ingredientes comúnmente conocidos como el aloe vera, la manzanilla, la urea o la caléndula, la centella asiática se destaca por aportar una hidratación más profunda y por su efecto regenerador y calmante. Aunque la industria dermatológica y cosmética ha puesto en valor sus beneficios recientemente, no se trata de una simple tendencia pasajera, sino de un ingrediente útil con una larga historia”, recalcó la experta.

La ciencia detrás de la centella asiática: cómo actúa en la piel

De acuerdo con Rocío del Pilar Bringas, docente de la carrera de Medicina Humana de la Universidad Científica del Sur, los compuestos activos de la centella asiática — asiaticósido, madecassósido, ácido asiático y ácido madecásico — actúan principalmente sobre tres frentes celulares:

• Estimula los fibroblastos— las células responsables de la estructura de la piel— favoreciendo su actividad y aumentando la síntesis de colágeno tipo I y elastina, lo que mejora la firmeza y elasticidad.
• Estimula las células endoteliales y favorece a la formación de nuevos vasos sanguíneos, además de aumentar los niveles intracelulares de fibronectina, una proteína clave para que la piel recién formada sea más resistente.
• Ayuda a controlar la inflamación y el estrés oxidativo al bloquear mediadores inflamatorios (como el factor NF-κB y citoquinas TNF-α, IL-6). También protege a los queratinocitos (células de la epidermis) de la muerte celular (apoptosis) causada por la radiación ultravioleta.

Aunque la evidencia científica respalda estos beneficios, hay algunos efectos que han sido exagerados por la industria cosmética. Como señaló la doctora Claudia Castañeda, médico cirujano del Centro Estético de Clínica Internacional, la centella asiática no elimina manchas pigmentarias profundas ni tampoco la celulitis. Si bien puede suavizar las líneas finas, no ofrece un efecto lifting inmediato ni un rejuvenecimiento visible por sí sola.

Cómo integral la centella asiática a tu rutina

La mejor manera de incluirla en nuestra rutina—según la doctora Bringas— es en serum, ya que este formato contiene una alta concentración del activo y aporta una mayor regeneración, lo cual es ideal para pieles mixtas. Mientras que, en pieles más secas, la crema puede proporcionar una mejor hidratación.

“Para introducir la centella asiática, conviene seguir la regla general del skincare: empezar de la textura más ligera a la más densa. Asimismo, se puede aplicar tanto por la mañana como por la noche, e incluso dos veces al día para potenciar sus efectos calmantes y regeneradores. Aunque es un ingrediente suave y apto para la mayoría de pieles, en casos de rosácea o dermatitis conviene evitar su uso directo”.

Otro punto clave a considerar es que, si bien es un ingrediente bastante efectivo por sí solo, si deseamos potenciar sus resultados podemos combinarla con otros activos como:

• Vitamina C: Ambos actúan como antioxidantes anti-edad, ya que la centella estimula la producción de colágeno y la vitamina C es esencial para ese proceso. Juntas, mejoran la firmeza y la luminosidad de forma mucho más rápida que por separado.
• Ácido hialurónico: Mientras el hialurónico retiene agua, la centella repara la barrera cutánea para que esa humedad no se escape. Este dúo es ideal para pieles deshidratadas.
• Niacinamida: La niacinamida regula la grasa y ayuda con el aclaramiento de manchas, mientras que la centella reduce la inflamación. Por lo tanto, ambos pueden ser útiles para pieles grasas con tendencia acneica.

Sin embargo, no se debe mezclar con ingredientes que puedan irritar la barrera cutánea como el peróxido de benzoilo, altos porcentajes de ácidos exfoliantes (AHA/BHA) o retinoides, advirtió la especialista de la Universidad Científica del Sur.

¿Es para todos? Cuándo usar centella asiática y cuándo no

De acuerdo con la dermatóloga Samantha Stein, de Cleveland Clinic se recomienda especialmente en piel seca, sensible o con la barrera cutánea alterada, así como también para tratar el acné. Incluso puede ser útil después de tratamientos como láser o peelings químicos, puesto que ayuda a acelerar la regeneración, calmar la inflamación, reducir las rojeces y fortalecer la barrera cutánea.

Por ejemplo, en heridas, quemaduras leves y úlceras cutáneas, acelera la reparación y la cicatrización en un 50%, precisó Bringas. Además, es excelente para la prevención de marcas de estiramiento en la piel, ya sea por embarazo o cambios bruscos de peso.

En casos de insuficiencia venosa crónica y várices, también es un aliado, dado que ayuda a reducir la presión venosa, disminuye la permeabilidad capilar y alivia la sensación de piernas pesadas.

Aunque es bien tolerada en la mayoría de los casos, algunas personas pueden presentar reacciones adversas, especialmente aquellas con sensibilidad o alergia al ingrediente. De igual manera, algunos productos con centella asiática pueden estar mezclados con propilenglicol o conservantes que, en pieles con la barrera dañada, son los verdaderos culpables de la irritación.

Por eso, conviene prestar atención a señales como ardor, irritación o dermatitis, ya que pueden indicar que la piel no tolera bien el producto. “Para evitar estos síntomas, se recomienda hacer una prueba previa en una zona pequeña de la piel antes de su uso habitual. Si se presenta alguna reacción negativa, se debe suspender su uso y consultar con un dermatólogo”, subrayó la doctora Stein.

Lo que no debes hacer al usar centella asiática

• Esperar resultados anti-edad intensos o inmediatos.
• Utilizarla dentro de rutinas excesivamente agresivas que impidn que la piel se recupere adecuadamente.
• Emplear concentraciones demasiado altas de centella asiática.
• Mezclarla con activos de concentraciones altas.
• Aplicarla en heridas abiertas.
• No realizar una prueba de alergia.
• Aplicarla en pieles con rosácea y/o eczema sin supervisión dermatológica previa.

“Un error frecuente al adoptar rutinas del K-beauty es asumir que funcionan igual en todas las pieles. Las pieles asiáticas, en específico las coreanas, suelen ser más finas y propensas a la deshidratación, mientras que las pieles latinas tienden a ser más gruesas y con mayor producción de sebo. Por eso, sus necesidades son distintas y no se pueden comparar directamente”, sostuvo la dermatóloga Antuaneth Sobrino.

Cómo elegir correctamente tu producto de centella asiática

La doctora Rocío del Pilar Bringas lo resumió en tres simples aspectos para asegurar la efectividad del producto:

Revisa la lista INCI

Los ingredientes se ordenan de mayor a menor concentración. Para que sea efectivo, “Centella Asiatica Extract” debe aparecer dentro de los primeros 3-5 lugares. Si este ingrediente activo está al final, probablemente sea más marketing que un beneficio real.

Extracto vs. agua de centella

No son lo mismo. El extracto de centella es más concentrado y potente, en cambio el agua (hidrolato) es un subproducto con menor cantidad de activos. Por eso, si un producto dice “90% de agua de centella”, en realidad estás comprando principalmente agua. Más allá del porcentaje que promete la etiqueta, fíjate en la posición del extracto puro en la lista de ingrediente.

Evita esto al inicio de la fórmula

Alcoholes secantes y fragancias en los primeros lugares pueden disminuir la tolerancia y la efectividad del producto.

Finalmente, como nos recuerda la especialista del Centro Bienestar Auna, ante cualquier duda, lo ideal es consultar con un dermatólogo y adaptar la rutina al tipo de piel y sus necesidades, ya que un uso inadecuado puede dañar la barrera cutánea.

En el corazón de Barranco, un distrito que respira arte y diseño en cada esquina, Casa Rocaverde continúa consolidándose como un punto de encuentro para el talento local. Este espacio, que combina café y una cuidada selección de marcas peruanas, suma ahora nuevas propuestas de moda, decoración y accesorios que estarán disponibles desde el próximo sábado.

Más que una casona cultural, Casa Rocaverde propone una experiencia apenas cruzas su primera puerta. Con esta nueva curaduría, refuerza su espíritu de visión compartida: productos con identidad, procesos conscientes y una apuesta clara por lo hecho en el Perú. Entre las marcas que se integran está Qora (@qora.lima), una propuesta botánica que va más allá de lo decorativo. “No vendemos plantas, creamos experiencias vivas”, señalan, destacando su interés por generar una conexión auténtica con lo natural. Sobre su llegada, añaden: “Este es un espacio que se siente, donde todo está hecho con intención”.

A partir del diseño experimental y sostenible, Trellis (@trellislima) aporta una mirada innovadora que combina arte, tecnología y materiales poco convencionales, como filamentos hechos de algas recicladas y cáscaras de piña. “Nos entusiasma formar parte de un espacio que reúne marcas con sensibilidad y una visión auténtica del diseño”, comentan, invitando a descubrir propuestas que nacen desde lo honesto en cada visita a Barranco.

En moda, Onism (@onism.brand), firma fundada por Celene Oropeza, apuesta por prendas limitadas que trascienden temporadas. Con una estética que equilibra lo atemporal y lo contemporáneo, su presencia en Casa Rocaverde refuerza la idea de la tienda como un espacio donde “las piezas no solo se compran, sino se viven”, como Oropeza misma apunta: integrando moda, comunidad y momentos cotidianos como un café compartido.

Para cerrar, Hercules Atelier (@hercules_leather) destaca por su enfoque artesanal: cada pieza es elaborada a mano por artesanos peruanos, lo que garantiza unicidad en cada diseño. Su incorporación responde de manera natural al espíritu del lugar, donde distintas identidades convergen en una propuesta común, con piezas que no responden a la volatilidad del mercado, sino más bien a una conexión real. //

El día del dulce peruano nació en 2023 con la finalidad de promociona los negocios de preparación y venta de dulces tradicionales del Perú.

Es así que abril se ha convertido en una celebración dulce en el país, donde se reconoce la preparación de recetas de antaño y postres que forman parte del día a día de los peruanos.

¿Cuándo se celebra el día del Dulce peruano?

El día del Dulce peruano se celebra cada último sábado de abril. En junio del 2023, mediante la ley 31794 publicada en el Boletín de Normas Legales del Diario Oficial El Peruano se reconoció la preparación o venta de dichos productos como “actividad de interés público de carácter social, económico, turístico y cultural”.

“Dicha actividad, al propiciar la generación de microempresas generadoras de autoempleo productivo en la vía pública, promueve “espacios de desarrollo socioeconómicos inclusivos a favor de la población peruana y resguardando nuestras tradiciones”, se destacó en la citada norma.

¿Qué postres peruanos son los más conocidos?

Entre los postres más emblemáticos del Perú se destacan el suspiro a la limeñan, la mazamorra morada y los picarones.

A propósito del Día del Dulce Peruano, consultamos a los seguidores de Provecho cuáles son sus postres nacionales favoritos y estos fueron algunos de los elegidos:

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• Ponderaciones
• Queso helado
• Picarones
• Arroz con leche
• Turrón de Doña Pepa
• Mazamorra morada
• Suspiro a la limeña

La moda ama los grandes regresos. Y si hay uno que el universo fashion estaba esperando con verdadera devoción, es el de “The Devil Wears Prada”. Su esperada secuela promete revivir a dos de los personajes más influyentes del cine contemporáneo y devolvernos ese espectáculo visual donde cada look cuenta una historia. La gira de prensa ya comenzó y viene cargada de momentos memorables.

La primera parada fue Ciudad de México, un escenario vibrante que no pudo ser más acertado para inaugurar este recorrido. Allí vimos reunidas a las icónicas Anne Hathaway y Meryl Streep, quienes, como era de esperarse, ofrecieron un verdadero deleite para los amantes de la moda.

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Streep, fiel a su elegancia contundente, apostó por un conjunto de Dolce & Gabbana completamente custom-made. La pieza, rica en detalles incluía broches en el pecho y un lazo al cuello que evocaba una sofisticación casi editorial. Un look que honra su personaje y reafirma su estatus como una figura de estilo.

Por su parte, Hathaway demostró por qué su evolución dentro y fuera de la pantalla sigue siendo relevante. La actriz apareció en un total look de Schiaparelli: una falda de flecos con movimiento dramático y un cinturón escultural que elevaba la silueta a una pieza de arte. Un guiño perfecto a esa Andy Sachs que aprendió, quizás demasiado bien, las reglas del juego.

Pero el verdadero golpe maestro de esta primera parada fue un desfile que reunió a más de veinte diseñadores locales -entre nombres consagrados y talentos emergentes- para reinterpretar el universo de la película desde una mirada latinoamericana. El resultado fue una celebración de la moda como lenguaje global.

Y como toda buena historia necesita un giro inesperado, el desfile nos regaló dos apariciones sorpresa que elevaron aún más la experiencia. Anne Hathaway entró con un minivestido de lentejuelas combinado con botas altísimas de Stella McCartney, en un momento que encapsuló el espíritu más audaz del personaje. Mientras tanto, Meryl Streep optó por un vestido camisero azul de Schiaparelli, demostrando que el poder también puede expresarse con aparente sencillez.

@devilwearspradamovie

A fashionable night at the Mexico City Fan Event for The Devil Wears Prada 2 featuring Meryl Streep and Anne Hathaway.   Get your tickets now and see the film only in theaters May 1.

♬ original sound - The Devil Wears Prada 2

En medio de este despliegue internacional, hubo también espacio para el talento peruano. Natalie Vértiz dijo presente apostando por diseñadores nacionales en distintas apariciones: de la marca ESCVDO, un vestido que tarda aproximadamente dos semanas en completarse, ya que se teje a mano y un set de cuadros en tono ‘cerulean’ (if you know, you know) confeccionado con 100% algodón pima tejido a mano en un telar tradicional. De la diseñadora Ana María Guiulfo lució un conjunto colorido a rayas que destacó entre los mejores looks de los asistentes. Una elección que no solo suma visibilidad, sino que reafirma el lugar de Perú dentro de la conversación global de la moda.

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La gira continuará por Tokio, Seúl, Shanghái, Nueva York y Londres. Y la pregunta es inevitable: ¿repetirán este formato celebrando el talento local en cada destino? De ser así, estaríamos frente a una de las estrategias de moda más interesantes de los últimos años, donde cada ciudad no solo recibe una película, sino también una plataforma.

Esto recién comienza. Y si algo nos ha enseñado El diablo viste a la moda, es que la moda cuando se hace bien no es superficial: es narrativa, es identidad y, sobre todo, es poder.

Seguiremos atentos. Porque si algo está claro, es que este elenco aún tiene mucho que decir… y que vestir.//

Antes de crear el nuevo menú degustación de Mayta, Jaime Pesaque y el equipo del centro de exploración creativa Yachay dejaron el mandil para convertirse en expedicionarios de la Amazonía. Navegaron los ríos de la selva, convivieron con comunidades, observaron, probaron y aprendieron de sus técnicas. Se encontraron con almejas de agua dulce conocidas como tumba cuchara, distintos tipos de ajíes y de palmas, shambiras que son como coquitos, churos (caracoles), raíces, tubérculos, frutos y una infinidad de insumos imposibles de contabilizar.

En estos viajes descubrieron de manera fortuita, mientras veían al dueño de casa en una comunidad rostizando la carachama para facilitar pelarla, que de esa manera el caldo tiene un sabor ahumado mucho más sabroso. O que allá no existen las estaciones del año, sino que a veces se camina o se navega, dependiendo de cómo fluyen los niveles del agua. Y que el pescado sabe mejor cuando hay lluvias y más agua porque tiene menos sabor a lodo. “Hemos entendido y aprendido mucho más sobre cómo palpita la Amazonía. Estuvimos en Iquitos, Tarapoto, Lamas y otros lugares. Cogíamos botes para trasladarnos 4 o 5 horas hacia comunidades y también visitamos mercados porque creemos que ahí está la cultura”, narra el chef Jaime Pesaque sobre estas aventuras.

Y el aprendizaje no se detiene. El propósito de Mayta es viajar cinco veces al año a los diversos territorios amazónicos. “Ahora lo tenemos en agenda; es algo muy sólido y por eso hemos querido gritar que queremos ser promotores de la Amazonía porque creemos que es la despensa del futuro y porque todavía hay mucho por hacer”, dice Pesaque. Pero obtener los productos en la capital no es sencillo, no hay mucha constancia en el envío. Por eso también la importancia de viajar, porque se crea contacto directo con productores y comunidades, así como un compromiso a largo plazo. El camino se está dando. “Espero, con el tiempo, sin apurarlo, que cada vez haya más comunidades que puedan traer más cosas y que se beneficien. Y al final, tener la despensa amazónica en Lima, poder mostrarla un poco, generar curiosidad en la gente y movimiento”, agrega.

Como promotores, buscan a su vez que el público se involucre con los productos amazónicos, no solo a través de su menú degustación, sino dándolos a conocer a quienes trabajan directamente con los insumos, como los propios chefs. Que los consideren en sus cartas o la gente en la cocina diaria, y quizá así pronto se encuentren fácilmente en los supermercados y los propios mercados de cada región. Por ello, observar los productos en su hábitat natural e identificar sus posibilidades de consumo es importante. Este trabajo de investigación tiene una parte complementaria en Lima, cuando llegan a Yachay, su centro de exploración, ubicado a unos pasos de Mayta.

Servir conocimiento

A Yachay llegan los insumos de la selva antes de convertirse en los platos que se presentan en el menú degustación de Mayta que este año es un 80% amazónico. Se trata de un espacio netamente creativo. Lo aprendido en las comunidades se expresa con las técnicas propias y la experiencia de su cocina vanguardista. Se trabajan texturas, temperaturas, se mezclan sabores, se entienden procesos: “Acá acertamos, nos equivocamos y tratamos de expresar todo lo que podamos con los insumos que hemos traído de la selva y el aprendizaje de su gente. Este espacio en sí tiene entregables que van a Mayta”, explica el chef.

En Yachay el trabajo es constante, no paran. Tienen un equipo destinado exclusivamente a esta labor. Los productos llegan cada día. Los trabajan, los conocen, ven las maneras en que se comportan mejor. Es la zona creativa o intelectual. “Pero todo es muy explorativo desde el ángulo de la cocina, no es académico”, sostiene Pesaque. Prefieren no llamarlo investigación, sino curiosidad. Pesaque describe Yachay como una acción, el espíritu explorador que viaja, curiosea, experimenta con los insumos. El proceso es largo. Hay bastante detalle, ensayo y error; pero lo más importante es que hay muchísimo aprendizaje. Por eso lleva ese nombre, pues en quechua ‘yachay’ significa sabiduría. //

El artista peruano Lenin Tamayo, creador del Q-pop ha construido un proyecto musical y un universo visual coherente, reconocible y en constante evolución. Uno en el que se fusionan el K-pop -con su precisión estética y narrativa visual- con elementos andinos, símbolos ancestrales y una identidad que no busca adaptarse, sino afirmarse.

A ese cruce lo ha llamado Quechuapop (Q-pop). Y más que un género, es una declaración estética. El estilo de Lenin parte desde lo local para proyectarse globalmente. Sus looks, cuidadosamente construidos, funcionan como una extensión de su discurso artístico. Conversamos con el joven cantante, quien nos aterrizó en palabras su universo creativo: “La estética visual de un artista puede comunicar bastante sin tener que decir nada. Eso me parece muy poderoso”.

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A diferencia de muchos artistas cuya imagen es completamente delegada a un equipo, Tamayo mantiene el control creativo de su estilo. Si bien colabora con stylists y marcas, la decisión final siempre pasa por él.

“Colaboro con algunas personas, pero la última decisión siempre la tengo yo”, explica. Una postura que no es casual: su relación con la moda viene desde antes de su carrera musical. “Siempre he tenido ese hábito de pensar qué quiero expresar con la ropa”, declaró para El Comercio.

Esa claridad se traduce en una expresión de la moda que no responde a tendencias, sino a algo mucho más personal. Cada etapa de su música, cada canción, cada lanzamiento, define también su vestuario. “Depende de la era en la que me encuentro. Cada parte del proyecto tiene un mensaje y eso lo traduzco a todos los niveles, incluida la ropa”.

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Entre lo andino y lo asiático

Uno de los aspectos más interesantes de su estilo es la fusión entre lo andino y lo asiático. Lejos de ser un recurso superficial, esta mezcla responde a un proceso de exploración personal que terminó encontrando puntos de conexión inesperados.

“Cuando fui a Asia en 2024 empecé a notar similitudes entre las siluetas asiáticas y las prendas andinas. Recuerdo que llevé una pieza de Cusco y funcionaba perfectamente con esa estética. Ahí entendí que había algo en común”, cuenta.

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Desde entonces, esa relación se ha vuelto parte central de su propuesta visual. Pero el punto de partida no fue la referencia externa, sino la búsqueda interna. “Cuando haces algo nuevo, primero tienes que explorarte tú. Solo tú sabes qué quieres comunicar. Luego las personas que colaboran contigo empiezan a entender esa visión”.

El resultado es una estética híbrida pero coherente, donde conviven telares, capas, accesorios y siluetas contemporáneas con una naturalidad que desarma cualquier lectura folclórica.

Si hay un principio que define su forma de vestir, es la libertad. Lenin evita encasillar su estética desde la confección y prefiere construirla desde el styling.

“No me gusta definir la ropa desde cómo fue diseñada originalmente. Me interesa cómo puedo transformarla: usar una prenda como tocado, como chal o amarrarla de otra forma”, explica.

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Esta lógica convierte a los accesorios en protagonistas. Sobre bases simples -pantalones o tops neutros- construye capas de significado a través de piezas que se suman, se reinterpretan y se resignifican.

En ese proceso, también colabora con diseñadores peruanos y marcas independientes como Hey Jim, Ocho Perú y Katherine Salcedo, así como con creadores emergentes que incluso le hacen llegar piezas de forma directa. El resultado es un ecosistema diverso, donde la moda se construye de manera colectiva, pero con una dirección clara.

Y en el universo de Tamayo, nada es casual. Ni siquiera el cabello. Para su proyecto “AMARU”, un álbum conceptual dividido en tres partes, decidió dejarlo crecer como parte del relato. “Quería que se viera que el personaje está atravesando cambios. El crecimiento del cabello es una forma visual de mostrar evolución”.

Pero la decisión también conecta con una lectura cultural más profunda. “En la cultura andina el cabello tenía un significado importante, representaba jerarquía, identidad. Y también es una imagen muy asociada a las culturas originarias a nivel global”. Así, el cabello se convierte en símbolo: una herramienta visual que dialoga con la historia, la percepción global y la construcción de identidad contemporánea.

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Entre todos los elementos que componen su estilo, hay uno que se repite y resume su enfoque: un collar en forma de sol que aparece en múltiples looks.

Lejos de ser una pieza de lujo en términos tradicionales, su valor es simbólico. “Lo conseguí detrás de la catedral del Cusco. Para mí es una joya no por el material, sino por lo que representa”, explica.

El accesorio llamado Sol Echenique remite a sus raíces familiares y al significado del quechua como cultura viva. Es, en esencia, una declaración: en su estética, el valor no está en el objeto, sino en la historia que carga.

Uno de sus looks más representativos -un kimono bicolor en rojo y blanco representando los colores de nuestra bandera- resume bien su manera de entender la moda como puente cultural. Diseñado para una gira en Asia, el look buscaba transmitir el mensaje de “amor y libertad”, eje central de su proyecto. “Quería representar nuestra llegada a Asia no como algo ajeno, sino como parte de esa cultura”, explica. La imagen es potente: un artista peruano que se presenta ante el mundo desde el respeto, pero sin renunciar a su identidad. “Era como una especie de Inca que llegaba con un kimono, y al abrirlo mostraba todo el universo quechua”.

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Hoy, el impacto de su propuesta trasciende lo visual. El creciente apoyo del público -incluyendo quienes lo proponen como telonero para el concierto de BTS en Lima- refleja algo más amplio: un cambio en la forma en que se percibe lo local.

“Que en mi propio país haya más apertura a lo que hago es un indicador de que estamos empezando a tener una visión más amplia, sin perder identidad”, señala.

Su referencia más reciente, no por casualidad, es David Bowie, un artista que entendió la estética como parte esencial de la música. “Me inspira cómo construía cada alter ego con una identidad visual clara”.//

En tiempos donde las cartas sofisticadas se apoderan de las mesas, Lo+o (Lomaso) apuesta por lo contrario: menos es más. En un pequeño espacio dentro del mercado de Miraflores, ubicado en la Av. Mendiburu 459, este huarique ha decidido concentrar toda su energía en un solo objetivo: hacer un lomo saltado memorable al primer bocado.

La idea, cuenta el director gastronómico Fabrizio Mazzetti, nació desde lo más básico. “Queríamos hacer un plato bien. Pero realmente bien. Y resaltar el insumo: el lomo, la papa”, dice.

El proyecto es reciente, apenas lleva poco más de un mes abierto, pero detrás hay años de trabajo. El equipo, que también integran la jefa de cocina Rafaela García y Betania Tello en la dirección de concepto y experiencia, viene del mundo del catering y la producción de eventos. Sin embargo, había algo que faltaba.

“Como cocinero, extrañaba el servicio, el contacto directo con la gente”, explica Mazzetti, quien antes ha pasado por restaurantes de la capital. Esa necesidad encontró su lugar en el mercado: un espacio donde la cocina se vive de cerca, sin intermediarios, donde el cliente está a pocos pasos del fogón.

Comer y seguir

Lo+o no es un restaurante tradicional. Es, más bien, una parada. Un “wok stop”, como ellos mismos lo definen. Llegas, pides, comes y sigues.

La dinámica es rápida, pero no descuidada: los platos salen en pocos minutos y la experiencia es ágil, pensada para el ritmo del mercado. “Buscábamos un formato flexible, donde la gente venga, coma bien y se vaya”, explica Beta, como le dicen en confianza, quien además es prima de Fabrizzio.

Ese espíritu también se refleja en la carta, teniendo como protagonista al lomo saltado y sus variaciones: con pollo, con langostinos, en versión mar y tierra o acompañado de tacu tacu. Todo gira en torno al wok.

Un sabor con identidad

En Lo+o, el lomo saltado tiene un sello propio. Hay un guiño oriental, kion, sillao, técnicas de salteado, pero también una búsqueda por intensificar el sabor.

“Hacemos una base concentrada, como una salsa de res que se cocina con los mismos ingredientes del saltado. Eso le da más cuerpo y profundidad”, explica Mazzetti.

A eso se suma la elección del producto: lomo fino de buena calidad y verduras frescas compradas a diario. El resultado es un plato que, aunque familiar, tiene carácter y gusta. Y como era de esperarse, funciona entre los propios vendedores del mercado y los oficinistas de la zona. Los sábados y domingos, las familias toman el mercado y las colas son evidencia de ello.

Pero más allá de la técnica y la búsqueda de hacer el mejor lomo saltado, hay una intención clara detrás del proyecto: devolverle al lomo saltado su lugar cotidiano.

“Se había vuelto un plato muy caro, muy de restaurante. Queríamos democratizarlo otra vez”, dice Mazzetti. No se trata de restarle valor, sino de acercarlo.

Esa filosofía conecta con lo que Beta define como la esencia del proyecto: “hacer las cosas bien, sin tanto alboroto”. Simple, pero bien hecho.

En pocas semanas, Lo+o ha logrado algo difícil: generar comunidad. Vecinos, creativos, trabajadores de la zona y curiosos que llegan por recomendación o redes sociales se mezclan frente al pequeño mostrador.

“Es bonito ver cómo la gente regresa. Ya reconoces caras”, cuenta Rafaela, ecuatoriana de nacimiento, pero de paladar peruano.

La cercanía del mercado también juega un rol clave. Aquí no hay barreras: la cocina es abierta, el diálogo es directo y la experiencia se construye en el momento y en pocos segundos.

Crecer sin perder el foco

Aunque el éxito ha sido rápido, el equipo lo tiene claro: no quieren apresurarse.

La carta seguirá siendo corta. El espacio, por ahora, también. La prioridad es consolidar la propuesta del almuerzo y en unas semanas más la del desayuno.

Mientras tanto, el proyecto sigue evolucionando con pequeños detalles: nuevos saltados por temporada, postres como la crema volteada amazónica o el budín de Analú, mamá de Fabrizzio, y bebidas chinas que complementan la experiencia.

Para quienes están detrás de Lo+o, este no es solo un emprendimiento gastronómico. Es también un regreso.

Un regreso a la cocina, al fuego, al contacto con el cliente. A esa relación directa que, muchas veces, se pierde en formatos más grandes.

“Lo que más me gusta es eso: estar tan cerca de la gente”, dice Mazzetti.

Y quizá ahí esté la clave de su éxito: en recordar que, antes que cualquier concepto, la comida sigue siendo un acto simple. Cocinar, servir y compartir. Pasa y siéntate, el plato está servido.

En una casona de Barranco hoy se consolida el proyecto que por años le quitó el sueño a Rodrigo Fernandini: tener un restaurante en la capital del sabor, Lima. Aunque la piscina a la que acaba de sumergirse no le es ajena —lidera Artesano, su restaurante en Nueva York, desde 2022—, es claro en marcar distancia. Esta apertura no es un paso más en su carrera, sino el proyecto de su vida. “Quiero que en un futuro mis hijos puedan decir: mi papá apostó por lo que sentía en el corazón y lo logró”, declara en diálogo con Somos.

Bautizado como Fernandini, este nuevo espacio culinario abre sus puertas desde hoy en el mítico Boulevard de Barranco y su carta funciona como una declaración de amor al Perú. “Por cerca de tres meses nos dedicamos a recorrer costa, sierra y selva para nutrirnos y crear la propuesta. Al volver, trabajamos con lo aprendido por otros seis meses más y creamos el menú degustación, con diez pasos”, comenta Fernandini, apuntando que se reunió no solo con otros chefs, sino también con productores y agricultores de todo el país. “Al volver tuve que replantear el menú completo. Al principio pensé en estructurarlo parecido a Artesano; sin embargo, cada viaje llenó mi corazón y me invitó a hacer algo más personal, más cercano”, indica.

En el universo creado por Fernandini (con dos opciones para disfrutar: menú degustación y carta), conviven delicias curadas como el jamón de alpaca anticuchera y el chorizo de pato chiclayano con insumos tradicionales como el zapallo loche, el chuño y los ajíes norteños. La lúcuma, la guanábana y el cacao se suman a la fiesta reversionados en postres para cerrar con broche de oro, y la barra también destaca con coctelería de autor.

“El menú degustación es una locura. Tenemos, como primer curso, hormigas siquisapa de Moyobamba servidas con gel de cocona agridulce y chucrut. Esto activa todas las papilas gustativas y prepara el aparato digestivo para el viaje que significa la experiencia. El sorbo de umami, luego el bocado agridulce con la hormiga, y así despertamos todos los sentidos”, explica Fernandini, sobre Primer Latido, el primer plato del menú degustación.

A esa sorpresa, le siguen apuestas como ostras de Marcona, trucha del lago Titicaca, leche de tigre de mango verde piurano, paiche con puré de aguaje, pato norteño y más. “Todos los platos están trabajados con tres o cuatro elementos, no más. La idea es realzar los sabores y transportar al comensal en un viaje completo por el Perú”, precisa el chef.

CONEXIÓN INNATA

El recuerdo del primer momento culinario de Rodrigo se remonta a su niñez. Es una memoria colorida, olfativa y aún latente en su pensamiento. “Metiendo la cabeza en la olla de mi mamá. Uf. Los colores, el aderezo, el aroma a ajos con cebolla. Ese perfume que invadía todos los días mi casa”, dice mientras los ojos le brillan. “Las salidas al mercado también eran un ritual. Ahí entendí que no eran simples transacciones: era crear comunidad, una cuestión mágica de conocer cada producto y a quien te lo ofrece. Una conexión humana que atesoro y aplico hasta hoy”, añade.

Aunque los caminos de la vida lo llevaron por otro rumbo al principio (de adolescente se dedicó al modelaje y anfitrionaje), la cocina buscó la manera de volver para adueñarse de todo. “Lo recuerdo claramente: la cocina siempre estaba ahí, y me daba tanta pena no dedicarle mi vida que hasta cambiaba los canales donde salían programas culinarios para evitar esa sensación. Hasta que un día estaba en mi cama y pensé: ‘Si no es ahora, no es nunca’. Toqué puertas, literalmente, y les decía a los chefs: ‘No me pagues, no me interesa. Solo quiero cocinar, aprender’. Tenía 19 años. Supuestamente me quedaría dos horas y terminaron siendo 12. La adrenalina me cautivó: las comanderas, el fuego, el calor... Me enamoré de esa adrenalina”, comenta con emoción.

Y como la pasión es algo que se contagia, el también creador de contenido ha logrado transmitirla muy bien a toda su comunidad en redes sociales, acumulando más de 2,5 millones de seguidores en Instagram y TikTok, donde comparte recetas. viajes, tips y más.

LISTO PARA CONQUISTAR

La apuesta de ‘fine dining’ del chef chiclayano primero tiene en la mira afianzar su lugar en el panorama local. No es fácil, lo sabe, teniendo en cuenta que lugares como Central, Maido y Rafael, por mencionar algunos, son hijos prodigio de la capital. “Esto es para lo que he entrenado toda mi vida. Durante mi carrera en San Francisco, estuve en muchos restaurantes con estrella, que me pulieron en esa exigencia, en ese training. Con Fernandini no apunto a menos. Mi primera meta es cobrar fuerza para soñar con una posición en los 50 Best. Para ello, sabemos que todo tiene que ser perfecto, no solo la comida: el ambiente, la temperatura, la experiencia de principio a fin. Mi equipo está comprometido con alcanzar esa meta”, indica.

Consciente de que el paladar internacional está más abierto a la curiosidad (lo conoce de primera mano con Artesano), Fernandini reflexiona también sobre el gusto local. “El peruano es un poco más tradicional a la hora de comer, lo cual me parece espectacular. Sin embargo, creo que a raíz de los galardones gastronómicos que ostenta el país, el comensal también ha evolucionado y se está atreviendo más a probar cosas distintas”, precisa. “Ahora, hay algo que tengo muy claro: como todo en la vida, no le vas a gustar a todo el mundo. Para eso yo tengo que creérmela, estar seguro de lo que sirvo y me gusta servir. Mientras sienta que estoy haciendo las cosas de la manera correcta, para mí será suficiente”, aclara Rodrigo.

Aunque aún no tiene claro qué pasará más adelante, Rodrigo Fernandini se encuentra confiado. “Es como si tuviera un recién nacido. Toca cuidarlo todo el día”, dice no como quien carga con una obligación, sino más bien con un sueño hecho realidad.

Sobre la caótica vida en la gastronomía (a la cual un mortal puede limitarse a conocer a través de una ficción, un libro o una película), Fernandini declara que perder la cordura es inevitable en ocasiones. “Es un mundo donde todo pasa muy rápido —advierte—. Tiene que gustarte la presión, la exigencia y la demanda. Sobre todo si trabajas en cocinas de alto rendimiento. Ojo, esto no quiere decir que el ambiente deba ser tóxico. Creo que con una buena organización se puede reducir el nivel de tropiezos. Para eso, dos cosas son vitales: comunicación con tu equipo, cocina, ‘front of the house’, etc.; y resiliencia. Esto último para aceptar que hay cosas que siempre van a escapar de tus manos. No puedes controlarlo todo y está bien. Esa es la clave”.

En esa línea, su mirada sobre el futuro de la gastronomía peruana también es clara: el siguiente paso no está solo en la creatividad o la técnica para destacar, sino en fortalecer el vínculo con quienes la producen.

En un país que permanece en la mirada del mundo por su cocina y sus insumos, cada restaurante que abre sus puertas funciona como un manifiesto de identidad: una declaración hecha de sabores, texturas y aromas. Así se plantea Fernandini, un espacio listo para emocionar con una carta que, durante meses, volvió los ojos hacia adentro para rescatar lo esencial de un país que, como su cocina, se construye todos los días. //

Hace algunos años, cuando trabajaba en Luces, descubrí un local escondido en un pasaje del Centro de Lima. Carolina Uechi ofrecía platos caseros de buena factura para un público que buscaba algo distinto. No era un restaurante de carnes. Todavía no. Carolina había llegado a la cocina por descarte. “Pensé que era una carrera fácil”, confiesa. Las prácticas sí la llevaron, por casualidad, a un restaurante de carnes. Ahí se enamoró del fuego. Pero se encontró con un mundo sin mujeres. En vez de alejarse, se quedó.

La volví a encontrar en Surco, al frente de un restaurante que destacaba por sus carnes y precios. Carolina no acumula tropiezos: los convierte en el siguiente paso. Cuando esa sociedad se disolvió y tuvo que empezar de cero, abrió un puesto en el Mercado del Pilar. Cuando el mercado cerró, se vio frente a un local enorme que nadie más hubiera tomado, pero ella no lo dudó. Así nació Kobe, puerta de los dioses, en japonés.

Antes de abrir, viajó a Japón. Pero no fue como turista, sino a entender cómo ese país, tan ligado al consumo de carne, piensa el producto y el servicio. Volvió con dos certezas que hoy definen la carta. La primera: menos es más. Por eso, la carne solo va con sal. Los complementos se encargan de elevar el plato. La segunda: el producto no es negociable. De ahí una decisión radical de Kobe: no hay lomo fino. Solo cortes parrilleros —angus argentinas y americanas, prime y pride— y Wagyu Gold y Black, categorías más altas en el mercado, en cortes como la picaña, la entraña, el asado de tira y los bifes.

Pero Kobe no es solo parrilla, porque Carolina no es solo una chef con experiencia en brasas. Su identidad nikkei no es un concepto de carta: es parte fundamental de quien es. Por eso la barra de sushi no sorprende —o no debería—. Los nigiris de wagyu con foie, de salmón con coral trufado o de pato curado con alioli angus y yema curada están ahí porque también son parte de ella. Lo mismo el harumaki relleno de angus y quesos, el tiradito de picaña wagyu, o el bao de chanchito oriental que aparece en todas sus cartas como una constante que todos siempre piden. Otro aspecto que destaca son sus platos especiales, como su hamburguesa wagyu con foie y fondue de quesos y su gran variedad de acompañamientos como las papas fritas con manchego, el ramen batayaki o el puré de papa con poro rostizado, además de la clásica ensalada parrillera.

Quizás el plato que mejor resume lo que es Kobe es el domburi. Confort food japonés, pero construido con otra lógica: un tazón de arroz gohan con picaña Wagyu Black, huevo onsen —un huevo cocido a baja temperatura durante una hora, con la clara apenas cuajada y la yema densa y cremosa que se disuelve en el arroz— ajos crocantes en láminas y wasabi. Mezclar el huevo con el arroz, agregar los acompañamientos y disfrutar con la carne.

Le confieso que en pocos lugares como y disfruto la grasa de un corte. Se lo digo y no se sorprende: “Eso es producto y técnica. Con la carne hay que tomarse su tiempo para que la grasa derrita, sin que se pase de cocción”, me explica.

Lo mismo aplica al servicio. Otra lección de Japón: que no tengas que pedir nada, que todo ya esté pensado antes de que lo necesites. En Kobe, eso también se nota. Un nombre que, visto desde afuera, parece casualidad; pero que, visto desde adentro, parece una cuestión del destino. //

En París, donde las tendencias nacen y la moda suele dictarse silenciosamente en escaparates y ‘maisons’, una joven franco-peruana atrae miradas con una moda singular: polleras andinas y accesorios latinos maximalistas. Desde hace ya algunos meses, la también fotógrafa y productora Claudia Rivera obliga a mirar, a gritar fuerte herencias que por años estuvieron estereotipadas y ocultas. Sobre todo allá, del otro lado del charco, en Europa.

Hija de migrantes peruanos que llegaron a Francia en los años noventa, Claudia creció entre dos geografías emocionales. En casa se hablaba español, se comía peruano y se contaban historias del Valle del Mantaro, de donde es su padre (nacido en la comunidad campesina de Usibamba), y de Llampao, un poco más al norte, la comunidad andina de la que proviene su madre. Afuera, en cambio, se respiraba otra cultura, otros sabores, otro idioma.

Decir “soy peruana” en el colegio no siempre fue fácil para Rivera. “La gente no conocía Perú”, recuerda en diálogo con Somos. Sin embargo, con el tiempo, terminaría por entender que la palabra “latina” le ayudaría a encontrar comunidad en un país donde la diáspora latinoamericana es pequeña frente a otras minorías.

“Es muy importante para mí decir que tengo raíces andinas. No se trata de un detalle geográfico, sino de una postura”, afirma. Sus padres son andinos y esa cultura —apunta— es la que intenta resaltar en todo lo que hace.

Con los años, abrazar esa latinidad no solo la llevó a generar comunidad en Francia con otros migrantes e hijos de migrantes, sino también a chocar fuerte con estereotipos aún vigentes en pleno siglo XXI. La hipersexualización, las bromas reduccionistas y la simplificación constante de identidades complejas fueron algunos de ellos.

Lejos de encasillarse o sentirse diminuta ante estas problemáticas, Rivera plantó cara y se sintió en el deber de trabajar por cerrar brechas y revertir invisibilizaciones. En esa línea, se encargó también de ahondar aún más en la historia de las generaciones que la antecedieron, más allá de sus padres. Parte de esa convicción la llevó a Chupaca, cuna de sus abuelos paternos. Pronto sintió la necesidad de conocer más, proteger más memorias y llevar un poco de ello al otro lado del mundo.

Cuando viajaba al Perú, ese mundo era el reverso absoluto de su vida parisina. Entonces decidió hacer algo concreto: archivar, fotografiar, registrar conversaciones, rostros, gestos. Conservar lo que parecía frágil. Aunque profesionalmente se sumergió en las ciencias políticas y los estudios de género, Claudia encontró en la fotografía un arte que no soltaría nunca más. Una forma de atesorar su historia con el Perú, aún a kilómetros de distancia.

“Cuando mis abuelos fallecieron, ya tenía algo para recordarlos. En cada fotografía no estaba el instante capturado, sino lo acontecido, las memorias compartidas y las vivencias que me contaban”, dice a Somos.

Latido latino

Años después, su pasión por la fotografía se transformaría en un proyecto. Durante su maestría en Ciencias Políticas y Estudios de Género, Claudia Rivera investigó la hipersexualización de las mujeres latinoamericanas en Francia, lo que la llevó a crear Ñañaykuna, un espacio fotográfico y comunitario donde empezó a retratar a mujeres latinas en París y, sobre todo, a reunirlas más allá del lente, creando una verdadera red de soporte y colectividad.

“Antes de ser un proyecto por el que me conocieran, fue algo que creé porque sentía que lo necesitaba”, explica. Las sesiones eran colectivas, casi catárticas. Mujeres que no se conocían descubrían que compartían experiencias similares: invisibilización, prejuicios, desconocimiento sobre sus países de origen. “Era como decir: ‘Ah, tú también pasaste por eso’ y sentirse sostenida”. Más que una serie de imágenes, Ñañaykuna fue un lugar de sanación e impulso al cambio.

En paralelo, su estética empezó a llamar la atención. Primero fueron las joyas que traía de cada viaje al Perú. Luego, los accesorios más audaces. Después, las polleras. No como traje típico ocasional, sino como parte de su cotidianidad en París. “Me di cuenta de la importancia que eso podía tener en términos de representación”, afirma. Lo que durante décadas fue motivo de burla o discriminación, hoy lo lleva con orgullo en uno de los centros simbólicos de la moda mundial.

Para Claudia Rivera, la moda no es superficial. “Es algo muy político porque es así como te muestras al mundo. Cuestiona actitudes que nos atan a vergüenzas sin sentido, a estereotipos que no debemos cargar”. Así, vestirse es también disputar narrativas perpetuadas por años, ampliando el imaginario sobre lo que significa ser andina (y latina) en el siglo XXI. //

La curiosidad del fotógrafo británico Alexi Lubomirski cruza fronteras. A través de la pantalla de una laptop, la señal llega desde Nueva York hasta la redacción de Somos en el Centro de Lima. “¡Eso es un palacio!”, se sorprende al ver por videollamada el interior de la sede histórica de El Comercio, periódico que leía su abuelo polaco-francés, Vivian, cuando radicaba en la capital peruana junto a su esposa, Vituca, hace más de 30 años. Pero antes de iniciar la conversación, le interesa hacer algunas preguntas, como a qué se dedica esta periodista o si es feliz en su trabajo. Está concentrado en todo y en todos, menos en él —el tema de la conversación—, porque así funciona su método para fotografiar a famosos artistas del mundo. Primero entra en confianza y luego dispara.

Lubomirski tiene una carrera amplia y destacada. Entre 1999 y 2003 fue asistente del peruano Mario Testino, aunque prefiere no abordar el asunto, en parte por las denuncias de acoso que recayeron sobre Testino en 2018. Pero más allá de eso, frente a su lente han desfilado figuras como Julia Roberts, Reese Witherspoon, Taylor Swift, Brad Pitt y, recientemente, los siete integrantes de BTS, la banda surcoreana con mayor popularidad del mundo. Y aunque para su ejército de fans (ARMY) los miembros de esta ‘boyband’ sean unos semidioses del Olimpo, la lógica de Alexi no cambia al fotografiarlos. No importa su cultura ni su idioma: él busca siempre capturar, en microsegundos, el gesto menos público de sus retratados. Su trabajo para revistas de espectáculos como “Variety” o “Harper’s Bazaar” lo llevó a seguir al grupo musical en su primer concierto de reencuentro en Seúl, que dio inicio a su gira Arirang World Tour. Un regreso a los escenarios tras una pausa de casi cuatro años.

“En una sesión de fotos te das cuenta de si alguien cruza mucho los brazos o si es inseguro con sus piernas”, explica el fotógrafo. Alexi tuvo tres días de sesiones con BTS para la portada de su reciente disco “Arirang”, que rompió récords en Billboard en sus primeros días de lanzamiento. Además, registró las sesiones musicales que tuvieron lugar en el documental de Netflix “BTS: El regreso”, y allí pudo reconocer el comportamiento de cada integrante.

“Eran un inmenso rompecabezas de siete personalidades diferentes. Uno me preguntaba qué imágenes quería hacer y me decía que solo lo dirigiera. Otro me decía que lo documentara cuando esté creando de manera espontánea. RM es más abierto; es el poeta, interesado en las luces. V es más introspectivo; Jimin, con la sonrisa más linda; JK (Jungkook), superdivertido; J-Hope, siempre bailando en el set; Jin, dulce y amable; y Suga no paraba de tocar la guitarra”, recuerda Alexi sobre los momentos de grabación musical con ellos en Los Ángeles.

El atractivo de la fama

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“Estoy fascinado por las celebridades —explica Lubomirski—. Cuando hay tiempo entre tomas, he hablado con algunas de ellas sobre la fama. Me interesa la parte psicológica de todo y he llegado a preguntarles cómo diferencian ser vistos como estrellas en la pantalla o en el escenario y ser ellos mismos fuera de cámara. Porque la gente no se enamora de ellos como personas, sino que los extrapola desde lo que ven de lejos. Me parece interesante cómo manejan esa popularidad”.

La celebridad, vista desde cerca, pierde volumen. O cambia de escala. Lubomirski ha fotografiado a la realeza (como la boda de Prince Harry y Meghan Markle en 2018), campañas globales, portadas que circulan por el mundo. Y, sin embargo, la conversación concluye en una idea sobre la fama y las celebridades: “Al final, todos tienen que ir a comprar leche al supermercado”, comenta.

En realidad, la historia de Alexi Lubomirski también se arma como un rompecabezas. Aunque dice que “es un desastre” por la cantidad de nacionalidades en su familia, intenta encontrar en cada viaje un pedazo de sí mismo. “En realidad, nunca me he sentido inglés”, confiesa. En 1996, viajó al Perú y llenó un vacío en su pecho, que también rellenó su visita a Polonia tiempo después. De su padre, el polaco-francés Ladislas Lubomirski, heredó el título nobiliario de príncipe como Su Alteza Serenísima (HSH, His Serene Highness), aunque la familia perdió sus tierras y parte de su riqueza tras la Segunda Guerra Mundial.

Alexi solo ha utilizado su título paterno en una ocasión, cuando publicó el libro “Mensajes de un príncipe”, en el que reflexiona sobre esa curiosa condición. Por su lado, su madre, nacida en Lima y de ascendencia piurana, lo crio entre Londres (Reino Unido), Botsuana (África) y París (Francia). Y él, ya adulto, formó su propia familia junto a una mujer cubano-italiana, madre de sus hijos.

No sabe cuándo regresará al Perú. Mientras camina por su departamento de paredes amaderadas y se sirve un café en su cocina, aún sosteniendo el celular en la mano, dice: “Creo que la fotografía está… perdida”, en referencia a la tecnología de punta en dispositivos móviles al alcance de cualquier persona, o la amenaza de la generación de imágenes con inteligencia artificial. “Soy afortunado de aún tener mi trabajo en revistas”, reconoce. Por eso no se considera “fotógrafo”, sino un “creador de imágenes”. “Cuando te defines a ti mismo con un título, te estancas”, concluye.

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Cuando uno convive con una mascota, aprende a notar cada cambio en su comportamiento, por más pequeño que sea. Sin embargo, no siempre es fácil distinguir cuándo esas variaciones forman parte del envejecimiento normal o cuándo hay algo más detrás, como dolor, inflamación o incluso ansiedad.

Eso fue lo que ocurrió con Nala, una perrita de 7 años que, hasta hace poco, disfrutaba de largos paseos. Con el tiempo, sus tutores empezaron a observar que dudaba antes de levantarse o que simplemente no quería salir. Por eso, tras una serie de exámenes, el diagnóstico fue claro: una enfermedad osteoarticular.

Ante esta situación y bajo la supervisión de un médico veterinario, optaron por incorporar cannabis medicinal como parte de su tratamiento. Aunque para muchos, esto sigue siendo un tema que genera dudas e incluso rechazo, esta alternativa natural está ganando cada vez más atención por su posible impacto en el bienestar de las mascotas.

“Más que la edad, lo importante es observar los síntomas”, explicó Cecilia Padilla, médica veterinaria especializada en dermatología veterinaria y medicina felina, y directora médica de la Veterinaria PetyLab a Somos. “El cannabis tiene un amplio espectro de uso, por lo que puede incorporarse, por ejemplo, en enfermedades crónicas dolorosas, como los problemas osteoarticulares, epilepsia, problemas neurológicos, enfermedades oncológicas, así como también en trastornos emocionales o alteraciones del sueño”.

Y es que como aclaró la doctora Marisol León, docente de la carrera de Medicina Veterinaria y Zootecnia de la Universidad Científica del Sur, su uso no busca reemplazar tratamientos convencionales. “El objetivo es mejorar la calidad de vida del paciente. Se trata de un complemento que pueda ayudar a controlar el malestar, especialmente en animales longevos, donde muchas veces aliviar los síntomas ya representa un cambio significativo en su día a día”.

La solución que está generando interés

En el imaginario de muchos tutores, el cannabis sigue cargando con una reputación ambigua. Parte de esta confusión proviene de no diferenciar correctamente sus componentes. Como recalcó la doctora Padilla, dentro de la planta existen dos fracciones principales: el THC, que es el responsable de los efectos psicoactivos —aquellos asociados a la alteración de la percepción y potencial toxicidad —, y el CBD, que es la parte medicinal y, cuyos efectos generan respuestas favorables frente a diversas afecciones.

“No se trata solo de identificar estos compuestos, sino de entender cómo se formula. La seguridad del producto depende de factores como la concentración, la calidad del aceite e incluso la trazabilidad de su elaboración”. En este sentido, mencionó que existen laboratorios especializados que han perfeccionado los procesos para obtener CBD más puro y, por lo tanto, más eficaz y seguro.

Esta mirada se complementa con lo señalado por la experta de la Universidad Científica del Sur, quien matizó que, si bien el THC es la parte psicoactiva, en los productos terapéuticos su presencia es mínima y cuidadosamente controlada. Más aún, León destacó el concepto de “espectro completo”, precisando que un aceite de cannabis puede ser más efectivo cuando no solo contiene CBD, sino también pequeñas cantidades de otros compuestos naturales como terpenos y flavonoides, que actúan en conjunto potenciando sus beneficios. Por ello, el temor de que el cannabis “drogue” a una mascota pierde fundamento cuando su uso es adecuado.

Así actúa el cannabis en tu mascota

Cuando se habla del uso de CBD en mascotas, especialmente en casos de osteoartritis o dolores articulares, es importante entender que no funciona como un analgésico tradicional. Tal como indicó Cecilia Padilla, los antiinflamatorios no esteroides suelen ser la primera línea de tratamiento porque actúan directamente sobre la cadena de la inflamación y el dolor. El CBD, en cambio, sigue una ruta distinta: no compite con estos fármacos ni actúa en el mismo punto, sino que modula el sistema endocannabinoide, un sistema presente tanto en seres humanos como en animales vertebrados.

“Si bien este sistema se activa con el consumo de la marihuana, el uso de formulaciones específicas de CBD permite estimularlo de forma controlada. Gracias a esto, es posible obtener beneficios analgésicos y antiinflamatorios sin los efectos psicoactivos asociados al THC”.

Sin embargo, su impacto no se limita al dolor físico, ya que también puede influir en el manejo del estrés, la ansiedad y otros trastornos emocionales. De acuerdo con la doctora León, los cannabinoides interactúan con los receptores CB1 en el cerebro y modulan neurotransmisores claves, lo que tiene un efecto directo en las emociones.

Además, este mismo mecanismo abre la puerta a otros beneficios. En animales mayores, por ejemplo, el CBD podría tener un rol en la disfunción cognitiva, comúnmente conocida como demencia senil. Como resaltó la médica veterinaria, su efecto neuroprotector podría ayudar a retrasar el avance de los signos asociados a este deterioro del sistema nervioso.

Sin embargo, más allá del gran interés que despierta esta alternativa, la investigación científica aún está en desarrollo. Según María Lourdes Velarde, decana de la carrera de Medicina Veterinaria y Zootecnia de la UCSUR, si bien existen estudios — principalmente en perros — que demuestran resultados prometedores en el tratamiento del dolor y la ansiedad, la evidencia sigue siendo limitada, razón por la cual, en muchos casos, el uso de CBD en mascotas permanece en una etapa exploratoria.

¿Qué cambios puedes observar en tu mascota?

En la rutina diaria, los cambios en una mascota suelen percibirse de forma progresiva, pero significativa. Como aseguró la doctora Padilla, uno de los primeros signos es una mejora general en el ánimo: el animal se muestra más activo, recupera el apetito y logra regular mejor sus ciclos de sueño.

Sin embargo, no se trata de un “rejuvenecimiento”, sino de una recuperación del bienestar. En muchos casos, el punto de inflexión está en el manejo del dolor crónico, por lo que cuando este disminuye, se refleja directamente en una mayor movilidad, disposición al juego y una actitud más estable.

“Estos avances dependen de un uso responsable del tratamiento. Las dosis no son estáticas, sino que deben ajustarse periódicamente —incluso mes a mes— según la evolución del paciente. Esto implica un seguimiento constante y controles veterinarios que permitan abordar correctamente la patología de base, evitando la idea errónea de que una dosis inicial se mantiene igual durante toda la vida de la mascota”, sostuvo la directora médica de la Veterinaria PetyLab.

Por su parte, León precisó que los efectos del tratamiento pueden manifestarse en distintos tiempos, dependiendo del objetivo. En formulaciones orientadas a modular el comportamiento, como en casos de ansiedad, algunos cambios pueden observarse incluso a los 30 minutos de la administración. No obstante, en términos generales, las primeras mejoras sostenidas comienzan a percibirse durante la primera semana.

Aún así, la especialista enfatizó que, al tratarse de un nutracéutico, el efecto más consistente y duradero se alcanza con el uso continuo y con una dosis ajustada a cada paciente.

¿Cómo usarlo sin riesgos?

Dosificación

El proceso correcto no consiste en aplicar una dosis estándar, sino en realizar una titulación, es decir, un ajuste progresivo y personalizado. Aunque algunas referencias sugieren empezar entre 0.5 y 1 mg por kilo de peso, esta cifra es solo orientativa. Como subrayó Cecilia Padilla, el médico veterinario —de preferencia, especializado en medicina integrativa o alternativa— es quien debe ajustar la dosis según la enfermedad, la respuesta del animal y sus características individuales.

“En perros existe más evidencia científica para guiar este proceso, pero en gatos la situación es distinta: no hay suficientes estudios concluyentes. Por esto, en felinos la dosificación depende aún más de la respuesta individual, lo que hace indispensable el seguimiento profesional”.

Formas de administración

Aunque el cannabis medicinal se ofrece en diversas presentaciones, el aceite es el formato predilecto. La experta en medicina felina advirtió que, para evitar alteraciones en la dosis y garantizar su eficacia, el producto no debe diluirse en agua o comida, sino suministrarse vía oral de manera directa.

Producto seguro y legal

Elegir un buen producto es tan importante como la dosis. Un cannabis medicinal adecuado debe ser:

• Puro y con concentración claramente indicada.
• Elaborado por un laboratorio confiable.
• De grado médico o medicinal.
• Con registro sanitario vigente.

La etiqueta debe especificar la cantidad exacta de CBD y contar con trazabilidad: es decir, una información clara sobre su origen y fabricación. Los productos que solo dicen “contiene cannabis” sin detallar la concentración o el respaldo sanitario no ofrecen garantías.

Además, estos productos deben adquirirse con receta médica. Como destacó la doctora Padilla, aunque algunos sean de uso humano, pueden utilizarse en mascotas siempre que un veterinario ajuste la dosis según el peso y la condición del animal.

¡No lo uses sin leer esto primero!

El uso de cannabis medicinal en mascotas está creciendo, pero no es algo que deba tomarse a la ligera. Antes de empezar con cualquier tratamiento, es clave entender qué observar, cuándo preocuparse y en qué casos es mejor evitarlo por completo.

Según la especialista Marisol León, es común notar somnolencia o mayor tranquilidad en la mascota durante los primeros días. Este efecto es temporal y tiende a normalizarse conforme el organismo se adapta, por lo que no es necesario suspender el tratamiento.

“En caso tu mascota presente vómitos, diarrea o incluso reacciones de miedo o ansiedad después de la administración, es importante actuar de inmediato. En este tipo de escenarios, el tratamiento debe suspenderse y se debe contactar al médico veterinario lo antes posible”, advirtió la médica veterinaria.

De igual manera, es importante tener en cuenta que, no en todos los casos su uso es recomendable. Hay situaciones en las que se debe actuar con especial cautela, como ocurre con las mascotas que presentan enfermedades hepáticas. Al metabolizarse en el hígado, un funcionamiento deficiente en este órgano puede hacer que sus efectos sean impredecibles: desde la acumulación del compuesto en el organismo hasta una menor eficiencia del tratamiento.

Algo similar ocurre en etapas como la gestación o la lactancia. Aunque no hay evidencia concluyente de que sea perjudicial, tampoco existen suficientes estudios que respalden su seguridad. En estos casos, el cannabis podría transferirse a las crías a través de la placenta o la leche, y sus efectos en los fetos o recién nacidos aún no están del todo claros.

Entonces, ¿es seguro usar cannabis en las mascotas?

La evidencia y la experiencia clínica coinciden en algo importante: el cannabis medicinal puede ser una herramienta segura para nuestras mascotas, siempre y cuando, se utilice de manera responsable y bajo supervisión profesional.

En el Perú, aunque su uso está claramente regulado en humanos, todavía no existe una normativa específica para la medicina veterinaria. Aun así, esto no significa que su uso esté fuera del marco legal. Según la Ley 31151, que regula el trabajo del médico veterinario, estos profesionales están facultados para prescribir medicamentos de uso humano en animales cuando lo consideran necesario.

Esto refuerza una idea clave: no se trata de automedicar, sino de confiar en el criterio clínico de un veterinario que evalúe cada caso de forma individual. Por eso, con la dosis adecuada, el seguimiento correcto y una indicación profesional, el cannabis puede convertirse en una alternativa terapéutica que mejore su bienestar y calidad de vida.

La historia del Jockey Club del Perú se remonta a inicios del siglo XX, cuando la afición por las carreras de caballos comenzaba a consolidarse en la capital. Su antecedente directo fue el Jockey Club de Lima, fundado en el antiguo hipódromo de Santa Beatriz. Según el archivo histórico de El Comercio, este espacio marcó el inicio de una tradición que vinculó este deporte con la vida social de la ciudad.

El actual Jockey Club del Perú se funda oficialmente el 4 de abril de 1946, en un contexto de modernización urbana y crecimiento institucional. Su primera sede fue el hipódromo de Jesús María, ubicado donde hoy se levanta la residencial San Felipe. El gran salto llegaría en 1960, durante el gobierno de Manuel Prado Ugarteche, con la inauguración del Hipódromo de Monterrico, que se convertiría en el corazón de la hípica nacional.

Más allá de las carreras, este complejo ecuestre también ha sido escenario de momentos memorables. En los años 80 recibió la visita del Juan Pablo II, y en 1995 fue sede de un multitudinario concierto de Luciano Pavarotti. Hoy, con capacidad para 35 mil personas, el recinto se ha consolidado como un espacio versátil, con amplias explanadas que acogen eventos sociales, corporativos y espectáculos musicales.

A ochenta años de su fundación, el club atraviesa un momento que su presidente, Danilo Chávez Abad, define como “estelar”. “Somos la única institución social-deportiva creada por ley en el Perú, con la responsabilidad de desarrollar la actividad hípica y proteger la especie caballar”, afirma.

El aniversario coincide, además, con un hito mayor: Lima volverá a ser sede del Gran Premio Latinoamericano, la principal cita hípica de la región. “Es una vitrina no solo para la hípica, sino para el país. Vendrán los mejores caballos y autoridades del mundo ecuestre”, destaca Chávez, subrayando su impacto deportivo y turístico.

En un país en constante transformación, el dirigente pone en valor la vigencia de la institución que lidera. La hípica —dice— ha estado históricamente ligada a la vida republicana. Prueba de ello es el tradicional Clásico Independencia, parte oficial de las celebraciones de Fiestas Patrias. “Es el evento con mayor asistencia: reúne autoridades, diplomáticos y miles de personas para celebrar al país”, comenta.

Ese arraigo explica su permanencia. Frente a nuevas formas de entretenimiento, el Jockey Club apuesta por renovarse sin perder su esencia. “La hípica es desafiante, pero apasionante. Queremos acercarla a nuevos públicos y devolverla al sitial que le corresponde”, concluye Chávez.

HEREDEROS DEL GALOPE

Si bien el presente es auspicioso, el futuro de la hípica peruana se proyecta aún más prometedor gracias al trabajo de Edwin Talaverano como formador de nuevos valores en la escuela de jinetes del Jockey Club del Perú. Tras más de cuatro décadas en competencia, el excampeón cambió este año las pistas por las aulas, en una transición que asume con entusiasmo y sentido de responsabilidad.

“Para mí es algo bonito, porque sigo ligado a la hípica”, cuenta. Su rol, explica, no se limita a enseñar técnica, sino a formar criterio y carácter. La escuela funciona como un espacio de orientación integral: desde la postura y el estilo hasta la preparación mental que exige una profesión donde el riesgo y la disciplina conviven a diario. “Donde más se aprende es encima del caballo, pero aquí se les guía, se les prepara psicológicamente para lo que viene”, señala. “Mi sueño es formar jinetes capaces de competir en el extranjero. Que puedan salir, hacer carrera y crecer”, añade.

Desde su nueva posición, Talaverano observa también el lugar de la hípica peruana en la región. Aunque reconoce una brecha frente a potencias como Argentina, Brasil o Chile —donde el número de nacimientos de caballos es ampliamente superior—, destaca el esfuerzo local por mantenerse competitivo. “Somos una hípica que lucha por sostenerse y salir adelante”, resume.

Ese mismo ímpetu es el que transmite a sus jóvenes discípulos. Entre ellos están Dayani Andrea Flores, de 19 años, nacida en Huánuco, y José Aldo Letona, de 20, proveniente de Apurímac. Ambos crecieron entre caballos. En el caso de Andrea, la afición es heredada: “He vivido mi niñez en el campo, siempre cerca de ellos”, cuenta. Empezó a montar a los 11 años y, tras un accidente, encontró en la escuela una nueva oportunidad para retomar un vínculo que —dice— “lleva en la sangre”.

José, por su parte, siguió los pasos de sus hermanos. Desde los seis años monta caballos y descubrió en ellos una mezcla de adrenalina y conexión difícil de explicar. “La emoción que se siente mientras corres es única: es como si todo se detuviera y solo quedaras tú y el caballo”, comenta.

Se levantan antes del amanecer. A las cinco y media ya están en la pista, montando y sumando vueltas para ganar confianza. Luego continúan con la formación técnica: ejercicios físicos, postura y control. La rutina es exigente y diaria. La preparación puede tomar más de un año antes de estar listos para competir.

Ambos comparten un mismo horizonte: Andrea busca abrirse camino como jockey profesional; José quiere proyectarse y competir a nivel internacional. Esa es la meta. //

La gran carrera

El Gran Premio Latinoamericano es la carrera más importante de la región, una competencia que reúne a los mejores caballos de Sudamérica en un mismo escenario. En 2026, Lima volverá a ser sede del evento, que se disputará el 26 de abril en el Hipódromo de Monterrico, coincidiendo con el 80 aniversario del Jockey Club del Perú. Considerado la “Copa América” de la hípica, el Latino congrega a delegaciones de países como Argentina, Brasil, Chile y Uruguay, y posiciona al Perú como epicentro del circuito internacional. Entrada libre.

Aunque en el Perú más de 4 millones se comunican en alguna de nuestras 48 lenguas originarias, recién en marzo del 2015 se dictó la primera sentencia en quechua. Ocurrió en el Primer Juzgado de Investigación Preparatoria de la provincia de Azángaro, en Puno. El dato no solo evidencia una deuda histórica del sistema judicial, sino también las profundas barreras que aún limitan el acceso a la justicia para millones de ciudadanos. En ese contexto nace DOXS.AI, una herramienta desarrollada por los hermanos Torres en Cusco que busca acortar estas brechas mediante el uso de inteligencia artificial. Su propuesta: un asistente jurídico capaz de responder consultas legales en lenguas originarias, apoyado en una base sólida de jurisprudencia nacional.

Joseph Junior Torres Cama, estudiante de administración de negocios internacionales de la Universidad Andina del Cusco y con un MBA en Centrum PUCP, es parte del proyecto junto a sus hermanos George y Julio. Cada uno aporta desde su especialidad: George, estudiante de derecho con conocimientos en programación e inteligencia artificial, fue quien dio el primer paso en la creación de la plataforma; mientras que Julio, desarrollador con experiencia en empresas como BBVA y actualmente ingeniero de software en la división de Yape, consolidó el desarrollo técnico.

La idea surgió cuando George cursaba el noveno semestre de su carrera. Identificó una necesidad concreta y decidió construir una solución tecnológica. El proceso tomó casi un año y contó con el respaldo del departamento legal de la universidad, así como de incubadoras tecnológicas. Finalmente, DOXS.AI fue lanzada en diciembre del 2025 en una conferencia realizada en la Universidad Andina, en Cusco.

“DOXS.AI es una solución para cerrar las brechas en el acceso a la justicia, permitiendo que las personas de comunidades de lenguas originarias puedan acceder a información legal en su propio idioma. Miles de personas no tienen acceso a este a justicia por el simple hecho de no saber sus derechos, eso es lo que nos impulsó a poder desarrollar esta plataforma”, dice Joseph Torres.

La IA para romper brechas

Uno de los principales diferenciales de DOXS.AI frente a otras herramientas de inteligencia artificial generativa es su enfoque intercultural. A través de DOXS Intercultural, los usuarios pueden realizar consultas legales tanto de forma escrita como oral en lenguas originarias como quechua, awajún, wampis y aimara.

“DOXS.AI no solo es una herramienta legal, es una herramienta de justicia social. Aquí DOXS Intercultural no está pensada solo para abogados, sino para personas que nunca han tenido acceso al sistema legal”, señala Joseph sobre la plataforma con la que buscan ayudar a personas que jamás han hecho una denuncia por hablar otro idioma o por desconocimiento del sistema legal peruano.

La plataforma no solo traduce consultas, sino que responde con información respaldada. Según sus creadores, cuenta con más de 2 millones de resoluciones judiciales, incluyendo normativa del Código Procesal Civil, Código Penal, jurisprudencia de Indecopi y arbitrajes del OSCE.

“Si bien es cierto que existen otras plataformas que te ayudan si les das un buen prompt, DOXS.AI no inventa información, tiene más de 2 millones de resoluciones judiciales, puede hacer consultas con documentos reales del país, no inventa información y aparte no hace una búsqueda sistemática. Otras plataformas lo que hacen es agarrar una base de datos y, cuando buscas referencias, te dan los documentos. Lo que hace nuestra plataforma es una búsqueda inteligente, porque conoce del documento y conoce la ley”, añade.

El funcionamiento es sencillo: el usuario ingresa una consulta en lenguaje natural —por ejemplo, “quiero presentar una denuncia por alimentos”— y la IA procesa la solicitud para ofrecer modelos de demanda, jurisprudencia relevante, fundamentos legales y enlaces de descarga en PDF. La búsqueda se realiza en segundos y permite acceder a precedentes del Tribunal Constitucional, la Corte Suprema y el SCIJ.

Actualmente, gran parte de las consultas se concentran en temas de violencia y alimentos, lo que evidencia las necesidades legales más urgentes de los usuarios.

El reto del trabajo de campo

Aunque la herramienta ya funciona al 100% en quechua, el equipo continúa trabajando para ampliar su cobertura en otras lenguas originarias. Para ello, el trabajo de campo es clave.

“Nosotros estamos trabajando conjuntamente con la Asociación Jesús Obrero CCAIJO, que es una ONG que tiene incidencia en la en las comunidades de Quispicanchis de la ruta Ausangate. También tenemos el apoyo de comunidades del Amazonas con los awajún y wampis”, explica Joseph.

El desarrollo de estas capacidades no ha sido sencillo. Comprender cómo se formulan las preguntas en distintos contextos culturales y lingüísticos ha sido uno de los mayores desafíos. Sin embargo, replicar este avance en otras lenguas requiere presencia directa en las comunidades. Y ese es, hoy, uno de los principales obstáculos.

“Buscamos apoyo para poder llegar a más comunidades. Necesitamos poder contactarnos, porque es difícil, no cualquiera puede ingresar a, por ejemplo, la comunidad de los machingas. No puedes ingresar así, simplemente, llevar tu laptop y decirles, ‘Ya vengo a capacitarlos’. No, el proceso de ingresar es complicado”, afirma.

Actualmente, DOXS.AI ofrece acceso gratuito a estudiantes e instituciones sin fines de lucro. Los universitarios pueden realizar hasta 20 consultas diarias mediante un sistema de créditos, mientras que las ONGs cuentan con acceso libre.

El siguiente paso para el equipo es fortalecer alianzas que les permitan ingresar a más territorios y así seguir ampliando el alcance de una herramienta que, desde Cusco, busca reducir una de las brechas más persistentes del sistema judicial peruano.//

Una mañana de marzo pasado, los hermanos Rozas se plantaron frente a la casa de John Lennon en Menlove Avenue con sus instrumentos al hombro. Desde adolescentes, los jóvenes músicos Fabrizio, Piero y José Luis habían soñado con el momento en que su obsesión por The Beatles los llevara al origen de todo, a Liverpool mismo. Crecer con la música de los Fab Four en la camioneta paterna, yendo de un lugar a otro, los fue permeando en el catálogo de los autores de “A Hard Day’s Night”. Que luego formaran una banda tributo que saltó a la fama en la televisión peruana fue otra bendición. Los recordados “Beatles de Yo Soy” —ya adultos y bajo el nombre artístico de Los Mapaches— confiesan que pararse al pie de la casa donde creció su ídolo es algo que apenas pueden describir. Recuerdan que cuando sacaron sus instrumentos y empezaron a tocar una versión de “In My Life” para sus redes, apareció el guardián de la casa. El hombre, lejos de echarlos a escobazos, bailó primero con su música y luego los invitó a entrar.

Adentro, el tiempo parecía detenido. “Pudimos ver su sala, su cuarto, los libros que tenía ahí. Todo estaba intacto”, recuerda uno de los hermanos con una emoción que solo un beatlemaníaco podría entender. En esa casa, Lennon vivió de adolescente bajo el techo severo y amoroso de su tía Mimi, la mujer que lo crió y que, según la leyenda, le dijo que la guitarra era un entretenimiento, no un oficio. Los Mapaches recuerdan que ese día la casa estaba cerrada al público porque en sus habitaciones se acababa de filmar la película biográfica de los Beatles, uno de los proyectos cinematográficos más esperados de los últimos años. Pero tan bien les cayeron los peruanos al guardián Andy que, antes de salir, les regaló un botón de la ropa de la tía Mimi. Un souvenir imposible de comprar en ninguna tienda del mundo.

La casa de Lennon no fue el único lugar que los Rozas convirtieron en escenario. Durante 23 días, los tres hermanos recorrieron Liverpool como peregrinos con guitarras, plantándose frente a Strawberry Fields, en Penny Lane, junto a las estatuas de los cuatro en el puerto. Todo lo grababan para TikTok sin pensar que sus videos se harían virales y que llegarían a la misma BBC que se hizo la pregunta: ¿quiénes son estos peruanos?

“Recibimos un mensaje de la BBC pidiéndonos una entrevista y pensamos que era una de esas estafas, las que te dicen que ganaste no sé cuánto dinero y que tienes que depositar un adelanto”, cuentan entre risas. Cuando se animaron a contestar resultó que la invitación era real. “Cuando nos conocieron, les encantó que fuésemos hermanos y que teníamos más de diez años haciendo esto. Ellos del Perú no sabían mucho. Te relacionan con el oso Paddington”.

Y fue en la radio que el conductor les lanzó la pregunta que cambió por completo el viaje: “¿Tienen fecha en el Cavern Club?”, les consultó en referencia al mítico club que vio nacer a los Beatles. “No”, respondieron. El conductor sonrió, pidió un momento y marcó un número. Minutos después, John Keats —dueño del Cavern— estaba en línea. Los había escuchado por la radio. Le gustaron. “No veo por qué no los puedo invitar”, dijo. El sábado 7 de marzo, Los Mapaches bajaron las escaleras del local más famoso del rock mundial. Si llegar a la casa de Lennon era un sueño, tocar en La Caverna era como arribar al paraíso.

Al día siguiente, BBC One llegó al Cavern antes de que abriera para filmar un reportaje con los peruanos, que apenas salían de su asombro. Habían llegado a la cuna de la beatlemanía sin imaginar que desatarían una simbólica “mapachemanía” en el mundo beatle del Reino Unido. Todo fue como un viaje mágico y misterioso del que aún no quieren despertar. Pero tienen que hacerlo. Tanto les gustó la experiencia que los Rozas ya planean volver, en junio, para una gira más grande. El cielo es el límite.

Es cada vez más común ver a perros y gatos en los aeropuertos, en las cabinas de los aviones e incluso protagonizando videos virales sobre sus aventuras alrededor del mundo. Y es que, para muchos, nuestras mascotas son más que una simple compañía: son una parte importantísima de nuestras familias, por lo que dejarlos atrás — ya sea por unas vacaciones o una mudanza a otra ciudad o incluso país —no es una opción.

Sin embargo, entre el deseo de viajar juntos y la realidad, existe una brecha importante. La planificación, los documentos, las exigencias tanto de las aerolíneas como del país de destino, así como su bienestar, que convierten a este proceso en un verdadero desafío logístico.

Lo digo por experiencia propia: viajar con mascotas es totalmente posible, pero exige una preparación integral. Más allá de comprar el pasaje, la clave es informarse bien para garantizar una experiencia segura y, sobre todo, tranquila para ambos.

Por eso, antes de empezar a organizar cada detalla, hay algo fundamental que debes tener claro.

¿Tu mascota está lista para viajar?

Viajar con una mascota no es una decisión menor, ya que para ellos cada cambio de entorno es una experiencia intensa y llena de estímulos desconocidos. Si bien no existe un “perfil ideal”, como explicó la médica veterinaria Leslie Jiménez a Somos, hay algunas señales claras para identificar qué animal podría sobrellevar mejor este proceso. Por su parte, las aerolíneas suelen aplicar sus propios criterios, inclinándose por mascotas pequeñas, tranquilas y, ante todo, saludables.

Sin embargo, existen casos donde viajar no es una buena idea. Las razas braquicéfalas—como pug, shih tzu, bulldog, bóxer o mastín napolitano—, por ejemplo, enfrentan mayores dificultades respiratorias, lo que puede agravarse en cabina o bodega. A esto se suman mascotas con problemas cardíacos, movilidad reducida, gestación o una edad muy temprana o avanzada.

Más allá de lo físico, la salud emocional es clave. Una mascota lista para viajar no es solo la que puede hacerlo, sino la que lo tolera mejor. “Una mascota que se muestra tranquila en su transportador y que no se alterna ante ruidos o movimientos logra adaptarse mejor a entornos nuevos sin entrar en pánico”, aseguró la especialista.

Y es que cuando una mascota jadea sin parar, vocaliza o se muestra inquieta, no es que se esté portando mal: está expresando estrés, por lo que forzarla a viajar en ese estado puede convertir el trayecto en una experiencia angustiante.

Ante esto, muchos tutores creen que sedarla es la solución, pero la doctora Cecilia Padilla, directora médica de la Veterinaria PetyLab y especialista en medicina felina, advirtió que es sumamente peligroso.

“Algunos fármacos tradicionales no eliminan el miedo, solo lo inmovilizan. Es decir, pueden dejarlo consciente, pero incapaz de reaccionar, lo que aumenta incluso su sensibilidad al estrés. Además, hay un riesgo aún mayor: la caída de la temperatura corporal. En una bodega de avión, donde el ambiente puede ser frío, esto puede derivar en hipotermia o incluso en la muerte. Por eso, el enfoque actual apunta hacia un manejo más respetuoso del bienestar emocional, conocido como “Fear Free”.

¿Cómo preparar a tu mascota para un viaje sin estrés?

Adaptación emocional

Este es un paso indispensable, ya que muchos animales suelen asociar el trasportador con experiencias negativas, como las visitas al veterinario, por lo que la doctora Padilla destacó la importancia de resignificarlo.

Para lograrlo, es fundamental limpiarlo profundamente para eliminar las feromonas de miedo que pueden haber quedado impregnadas. Una vez limpio, se debe integrar el transportador a su rutina. Lo ideal es dejarlo abierto en un espacio común de la casa para que pueda entrar y salir libremente.

Como esta adaptación debe ser progresiva, es importante acostumbrarla a periodos cortos con la puerta cerrada, incrementando el tiempo de 5 a 10 minutos hasta alcanzar la duración estimada del vuelo. Cuando la mascota ya se sienta cómoda en casa, el siguiente paso son los paseos cortos en carro para habituarla al movimiento y al ruido exterior.

En paralelo, se pueden emplear algunas ayudas externas como las feromonas en spray y los suplementos con triptófanos o alfa-casozepina, que favorecen a la relajación, siempre y cuando, se utilicen bajo estricta supervisión veterinaria.

Condiciones del transportador

El transportín no solo debe ser un espacio familia, sino también seguro y adecuado. De acuerdo con Jimena Bracamonte, administradora de Pet Travel, este debe cumplir con normas internacionales como las de IATA, exigidas por las aerolíneas.

Esto implica que tenga una buena ventilación a los lados, una puerta de metal y un material resistente, de preferencia de fibra de vidrio. Asimismo, debe contar con recipientes de comida, un bebedero y un pañal de piso.

“La mascota necesita moverse con total libertad dentro del transportador. Lo ideal es que pueda ponerse de pie y girar sobre sí misma sin restricciones. Por eso, debe sobrar un margen de 5 a 10 centímetros sobre su cabeza y alrededor de su cuerpo. Esto evita que se sienta atrapada y es la clave para que pueda descansar durante el viaje”.

Chequeos médicos

Antes de viajar, es importante una evaluación clínica completa. Según María Lourdes Velarde, decana de la carrera de Medicina Veterinaria y Zootecnia de la Universidad Científica del Sur, esta permite obtener el certificado de salud que acredite que la mascota está sana. Este documento tiene una validez de 15 días, pero algunos países de destino solicitan que sea emitido lo más cercano a la fecha del viaje.

Además, es fundamental que el animal tenga su esquema de vacunación al día. Cecilia Padilla nos recuerda que, aunque la vacuna contra la rabia es el requisito mínimo en muchos destinos, lo recomendable es que cuente con una protección más completa, como la vacuna séxtuple, que cubre diversas enfermedades.

Microchip

El microchip es un dispositivo subcutáneo con un código de identificación único. Es un requisito vital para viajes al extranjero, ya que vincula a la mascota con bases de datos oficiales y facilita el control sanitario en cualquier parte del mundo.

Botiquín de emergencias

Contar con un botiquín básico puede marcar la diferencia ante cualquier imprevisto. La experta de PetyLab recomendó incluir elementos, como agua, paños húmedos y soluciones en polvo con electrolitos y complejo B para mantener la hidratación, especialmente en trayectos largos.

También es importante llevar los medicamentos previamente recetados por el médico veterinario, así como algunos materiales para la curación de heridas, como gasas estériles, vendas, loción antiséptica (con ácido hipocloroso) y una crema cicatrizante/regeneradora.

A este kit médico, es necesario sumar sus juguetes y mantas habituales. Si el viaje implica una mudanza, llevar su propia cama, platos y, en el caso de los gatos, su arenero, es fundamental para que la mascota se sienta segura, ya que el olor propio reduce significativamente el estrés y facilita una adaptación mucho más rápida al nuevo entorno.

Antesala y día del viaje

Para la doctora Jiménez, el éxito de viajar con una mascota comienza en la estabilidad. Es importante que, durante los días previos, la mascota mantenga su rutina diaria habitual, incluyendo horarios de comida y sus momentos de ejercicio.

Mientras que, el día del vuelo la planificación debe ser aún más minuciosa. Para reducir el riesgo de mareos o vómitos, se recomienda que la mascota no ingiera alimentos sólidos entre cuatro y seis horas antes del embarque, aunque es vital mantener una adecuada hidratación hasta pocas horas antes de salir.

Además, un paseo ligero antes de partir hacia el aeropuerto es muy recomendable, ya que ayuda a que el animal descargue energía y se sienta más relajado al iniciar el proceso.

“Es necesario planificar la llegada con al menos tres o cuatro horas de anticipación al aeropuerto. Este tiempo extra no solo es necesario para completar el proceso de check-in, verificar que todos los documentos estén en orden y pagar cualquier tasa correspondiente, sino que es el espacio que necesita la mascota para adaptarse al entorno ruidoso de la terminar antes de embarcar”, resaltó la médica veterinaria.

No viajes sin esto: documentos, requisitos y tiempos clave

Antes de viajar con tu mascota, hay una serie de requisitos obligatorios que se repiten en casi todos los destinos. A partir de ahí, Jimena Bracamonte indicó que cada país puede sumar condiciones adicionales y, sobre todo, más tiempo de preparación.

La hoja de ruta: Tiempos de anticipación

Los 5 requisitos indispensables

• Vacunas al día: Deben ser anuales y estar registradas formalmente.
• Microchip de identificación: Obligatorio para casi todos los destinos internacionales (Europa, EE. UU. y la mayoría de países).
• Análisis serológico: Prueba de anticuerpos de rabia (imprescindible para Europa, EE. UU. y Asia).
• Certificado de salud: Emitido por un veterinario colegiado, confirmando que la mascota está sana, desparasitada y libre de pulgas o garrapatas.
• Validación SENASA: El Servicio Nacional de Sanidad Agraria (SENASA) es la autoridad sanitaria del Perú que certifica que el animal está apto para volar y que cumple con toda la documentación. No es un trámite que se pueda realizar solo con documentos, ya que la mascota debe estar presente en las instalaciones de SENASA para ser evaluada por un inspector sanitario.

La “letra chica” por destino

• Latinoamérica: En general, todos solicitan los mismos documentos: vacunas, microchip, certificado de salud y SENASA, a excepción de Colombia que pide un permiso virtual del ICA (autoridad sanitaria local) y Panamá que exige un permiso de importación que se gestiona vía correo electrónico.
• Europa: Sigue la regla de: vacunas, microchip, prueba serológica, certificado de salud y SENASA, con dos casos especiales: Suiza que solicita un permiso de importación adicional y Reino Unido que requiere un formato distinto de documentación, ya que no pertenece a la UE.
• Estados Unidos: Este es el destino con el proceso más complejo. El ingreso de mascotas está regulado por la CDC (Centers for Disease Control and Prevention), entidad que establece requisitos específicos y en constante actualización. Actualmente, las mascotas solo pueden ingresar a través de ciudades autorizadas como Miami, Nueva York, Los Ángeles, Atlanta y Filadelfia. Además, el proceso implica enviar previamente toda la documentación para su revisión y aprobación antes del viaje.

¿Cómo volar con tu mascota?

Además de la preparación con la mascota y los documentos que se deben gestionar, es importante coordinar directamente con la aerolínea. Como recomendó la experta de Pet Travel, uno de los errores más comunes es comprar el pasaje sin haber confirmado antes si la mascota podrá viajar. Por eso, es clave contactar con la aerolínea y brindar todos los datos: peso, medidas y tipo de canil. Con esta información la aerolínea puede confirmar mediante una reserva si el animal será aceptado en el vuelo y en la fecha elegida.

En cuanto a las opciones disponibles, Bracamonte señaló que, en Latinoamérica y Estados Unidos, aerolíneas como LATAM Airlines y Copa Airlines suelen ser las más recomendadas. Mientras que, para rutas hacia Europa o conexiones, las alternativas son Plus Ultra Líneas Aéreas, Air Europa, Avianca —que además ofrece facilidades para perros de servicio o soporte emocional—, y KLM.

A esta elección se suman criterios indispensables que, según la doctora Leslie Jiménez no deben pasarse por alto: revisar la política de mascotas de cada aerolínea (si permite cabina, bodega o ambas), confirmar los límites de peso y tamaño, verificar la edad mínima permitida, asegurarse de contar con toda la documentación y considerar los costos adicionales asociados.

Otro aspecto clave es entender cómo viajará la mascota, es decir, en cabina o bodega. “En términos generales, las aerolíneas permiten viajar en cabina cuando el peso combinado (mascota más transportín) oscila entre 7 y 10 kg, con dimensiones aproximadas de 56 × 36 × 23 cm. Si se superan esos límites, el animal deberá ir en bodega, donde el peso permitido suele variar entre 32 y 45 kg, dependiendo de la compañía”, agregó la médica veterinaria.

¿Qué otras opciones existen para trasladar a tu mascota?

Si estás planeando una mudanza al extranjero, existen dos modalidades principales para el traslado de tu mascota, señaló la especialista Jimena Bracamonte:

Pet nanny

Este servicio garantiza que un personal especializado acompañe a la mascota durante todo el trayecto. El animal puede viajar tanto en cabina, si cumple con los requisitos de tamaño y la aerolínea dispone de cupo, como en bodega, en el caso de mascotas más grandes.

La ventaja principal es el acompañamiento continuo, lo que reduce el estrés del animal. Además, al contar con un escolta, el tutor se libera de la gestión en el aeropuerto de destino, ya que el acompañante realiza los trámites de inmigración y aduanas, entregando a la mascota directamente al dueño.

Pet cargo

Esta modalidad implica que la mascota viaja de forma independiente a través del área de carga de la aerolínea, bajo la categoría de “carga viva”.

En este caso, el animal es transportado en la bodega del avión y, al llegar, debe seguir los procedimientos regulares de aduanas y control sanitario. Para ello, el tutor debe ser más activo: es necesario coordinar la recepción en destino y, dependiendo de la normativa local, contratar a un agente aduanero (broker) que se encargue del desaduanaje y el retiro de la mascota en el terminal.

Hay una imagen que se me quedó grabada antes de sentarme a comer: un pequeño mural de Jesucristo custodiado por flores frescas, en el corredor de entrada. No es decoración (o, si lo es, lo disimula bien). Parece que alguien lo puso ahí de verdad, como en una quinta surquillana, como en la casa de una abuela creyente. Medidas anotadas a lápiz en la pared. Una persiana de metal que simula un bar de pisco cerrado al costado. Afuera, una calle de Surquillo donde aún no llegan los restaurantes de moda y, al frente, una sanguchería de las que abren las 24 horas. Los Primos de San Juan no desentona. Se adapta. Se mimetiza. Y en esa decisión —la de no fingir estar en otro lugar— está el corazón de su propuesta.

César Hernández fue durante más de veinte años la mano derecha del chef Rafael Osterling. Tenían una costumbre: el primero que llegaba le preparaba café al otro. Ese grado de amistad —y de oficio— define lo que César es en la cocina: alguien que aprendió a cocinar desde adentro, con sazón, memoria y empeño. Junto a él, Héctor —su hermano, chef del restaurante del Museo Larco— y Alan Chamba, primo hermano de ambos, director de hospitalidad de Central, que se las agencia para estar en los dos lados. Los tres crecieron juntos en el aún nuevo San Juan de Miraflores, cobijados por su abuela María, que no los dejó estar en la calle; en cambio, les enseñó a cortar cebollas y a ser del barrio de otra manera. Esa mujer está en cada plato.

Virgilio Martínez lo llamó, según cuentan los primos, el “fine dining popular”. La cocina de la carretilla y la calle, elevada con técnicas del mantel y del menú de pasos. El cebiche triciclo lo explica mejor que cualquier definición: una carretilla de San Juan servía cebiche con plátano y César la reversionó con un puré pintado en el plato —suave, dulce, con cuerpo—, una leche de tigre picantona y una corvina fresquísima del día. Sencillo en la idea, preciso en la ejecución.

Las conchitas del tío Julio sorprenden por contención: mantequilla al mezcal con notas ahumadas que realzan el molusco en lugar de sepultarlo. El seco de María —en honor a la abuela— llega en ‘sous vide’: carne tierna que no pierde textura ni humedad, con una salsa de textura ‘velouté’ que concentra todo el sabor del guiso tradicional, pero con una delicadeza inédita. Lo acompaña un majado de yuca aterciopelado con un ligero crujiente encima. Hay una pasta que se llama Giuseppe Riccetti —gambas y huancaína—, cuyo nombre es un guiño al personaje de Carlos Alcántara en “Asu Mare”: el chico de barrio que adopta un alias pituco para camuflar su origen.

Esa noche, en una mesa cercana, cocineros de Astrid & Gastón cuchareaban la crema volteada con ‘crumble’ de cristales de naranja y helado de coco. Compartían, probaban. Todos soñamos con esa historia: la de tres primos de San Juan que escalaron el ‘fine dining’ y pusieron su propio restaurante.

Humildad, barrio y oficio. Tres cosas que no aparecen en el menú, pero que definen cada plato. Los Primos de San Juan no es un restaurante con identidad: es identidad convertida en restaurante. Soñarlo es fácil. Hacerlo, no. //

La primera vez que Ana Torroja compuso una canción —o, más bien, parte de ella— tenía 25 años y cargaba con las dudas propias de quien recién empieza. Nacho Cano, su compañero en Mecano, le pidió que escribiera el estribillo de un tema que ya tenía avanzado, y ella aceptó. Durante una semana, el vértigo se instaló en su rutina. Eran apenas unas líneas, pero la idea de estar a la altura de esa oportunidad la desvelaba. “Me despertaba por las noches, escribía y, al día siguiente, lo que leía no me gustaba y volvía a darle vueltas”, recuerda sobre ese proceso tan intenso del que nació “Mosquito”, el único tema que firmó en su etapa con el trío. Cuatro décadas después, Torroja se permitió una nueva primera vez: pero ahora sus inseguridades —ya no las de una debutante, sino las de una artista experimentada— terminaron dándole, sin proponérselo, las herramientas para cumplir un sueño que, de tanto poner en pausa, había olvidado: publicar un álbum solo con canciones escritas por ella.

“Se ha acabado el show” es el nombre de ese disco que nació cuando Ana empezó a evaluar la posibilidad de una despedida. “La falta de interés que yo sentía cuando arranqué el proyecto me hizo estar en una posición de absoluto desconocimiento, no sabía a dónde quería ir o si iba a lograr terminarlo”, nos cuenta la artista sobre ese momento, a finales de 2024, en el que se preguntaba si aún le quedaba algo por decir. No es casual, entonces, que el álbum abra con la canción que le da título, planteada como un diálogo entre las dos Anas que la habitan: la artista y la “de a pie”, como ella misma la llama. “Me pasa que muchas veces una le reclama espacio a la otra y en este caso, la Ana persona, vamos a decirle así, llevaba mucho tiempo reclamando más espacio del habitual, y eso fue lo que me hizo pensar que había llegado el momento de decir adiós”, explica Torroja, quien también aborda esas dudas en “Cuánto me falta”, otro de los temas más reveladores del álbum.

El plan inicial era escribir un par de canciones, pero abordar estas dudas sobre su futuro en sesiones de composición resultó tan catártico que el proyecto terminó convirtiéndose en un álbum completo. El resultado es un disco que se ubica entre los más sólidos de su etapa en solitario. “A veces hay que cerrar capítulos para abrir otros y, desde el total desconocimiento de lo que iba a ocurrir, con cero expectativas, me encontré al cabo de un año con este disco enteramente compuesto por mí”, añade Ana.

El oficio de escribir(se)

Su forma de enfrentarse a la hoja en blanco para este disco dista por completo de aquella primera vez en Mecano, cuando tuvo que inventar una motivación para aterrizar una historia ajena. También marca una diferencia frente a su método en “Puntos cardinales”, su debut en solitario en 1997, cuando la timidez se imponía sobre ese necesario desparpajo que exige la composición.

“Con ese disco empiezo a hablar más de mí, pero me sentía muy vulnerable porque nunca lo había hecho. Había estado once años en Mecano convirtiéndome en personajes. Aunque conectara con las canciones de Nacho y de José, estas no se referían a mí. Pero he ido de menos a más. Hoy me siento más cómoda escribiendo las letras, aunque luego en la melodía siempre me ayudan”, sintetiza Torroja, abierta a reconocer tanto sus fortalezas como las inseguridades que aún aparecen en el proceso creativo.

“Era como ir a terapia, un lugar donde te sientas a hablar sin la sensación de que te van a juzgar por contar lo que sea que te ocurra y eso sentí al ponerme frente al papel a escribir o a la hora de sentarme a las sesiones de composición con los distintos autores, me sentí muy cómoda para hablar de muchas cosas que necesitaban salir, de alguna forma es un disco catártico, me sentí más cómoda que nunca. No sé si sea la edad”, añade sobre un proceso que, además, estuvo acompañado por una generación diversa de músicos.

Encuentros musicales

Para este disco, Ana Torroja contó con el productor venezolano Andrés Levin, con quien trabaja desde hace más de una década, como principal colaborador. Pero también se rodeó de autores jóvenes que la ayudaron a dar forma y musicalidad a sus letras. En las sesiones de composición participaron artistas como las españolas Samuraï y Alba Morena, una nueva generación de la que Torroja solo tiene palabras halagüeñas.

“Lo que más me ha gustado (de trabajar con esta nueva generación) es lo cómoda que me he sentido. Con Samuraï me pasó que estábamos en un Zoom para conocernos y yo la oía hablar y me sorprendía de su madurez, cuando se lo dije ella me contó que sus amigos le llamaban la abuela. Y es que es alucinante la madurez que tiene. Y eso me ha pasado con varios de los que he trabajado, que me sentía muy cómoda. Y luego aparte del talento enorme que tienen, tienen seguridad”, cuenta Torroja, quien reconoce que las dudas aún forman parte de su proceso creativo, como ya ocurría cuando escribió el estribillo de “Mosquito” en su etapa con Mecano.

Algo similar sucedió durante una sesión de “La rosa del desierto”: mientras buscaban una palabra que encajara con la melodía, Torroja propuso una idea que convenció a su colaboradora, pero que a ella le generó una duda inmediata. “Yo realmente me sentía insegura, porque ella es muy decidida. Pero eso es lo que me gusta de esta generación, parece que no hay barreras para ellos, no hay límites”, afirma la artista, que ya había explorado ese cruce generacional en su anterior álbum, “Mil razones” (2021), donde trabajó con nombres como El Guincho, Alizzz y Rosalía.

En “Se ha acabado el show” también hay dos featurings, como se le llama ahora a este recurso cada vez más frecuente —y muchas veces forzado— de los dúos. Aquí, sin embargo, funcionan con naturalidad: un tema junto a la mexicana Ximena Sariñana y otro con el colombiano Esteman, con quien inicialmente solo iba a escribir una canción, pero con quien terminó haciendo tal conexión que decidieron mantenerla como dueto. El resultado es la encantadora “Problemas de conversación”, una pieza de gran factura que bien podría sumarse a la lista de colaboraciones memorables de Torroja.

A lo largo de su carrera, la artista ha firmado otros encuentros destacados, como “Duele el amor” junto a Aleks Syntek y, por supuesto, la etapa de “Girados” con Miguel Bosé, de la que surgieron algunos de sus temas más populares tras Mecano, como la balada pop “Corazones”. De esa época guarda especial cariño: “Mi relación con Miguel es estupenda, nunca ha dejado de serlo. Yo estoy muy feliz de que esté de vuelta en los escenarios y el público más. En alguna ocasión se ha dicho así por lo bajo (para volver a girar), pero no hay nada concreto y no sé si lo habrá, pero sería increíble si volviera a ocurrir, porque fue una gira en la que nos lo pasamos muy bien y lo disfrutamos mucho, la verdad”, recuerda.

Sin fecha de caducidad

Mientras tanto, Ana Torroja celebra esta nueva etapa con un disco que le ha quedado redondo o, como ella misma dice, “como los de antes”. “Me gustan los discos en los que no falta ni sobra nada, que están pensados hasta el último detalle”, explica sobre un álbum que ya cuenta con cinco sencillos y que formará parte del setlist de la gira que arrancó hace unos días en México y continuará en junio con fechas en Colombia, Chile y Perú, dejando la idea del retiro cada vez más lejos.

“En esta profesión no hay edad de jubilación, uno decide cuándo se quiere ir, pero es cierto que, cuando realmente te lo planteas, dices: ‘No pues, venga, hago este disco, gira de despedida, y ya me voy’. Y yo en algún momento me puse una fecha. Cuando arrancamos en Mecano, me dije: ‘A los 50 me retiro, porque todavía seré joven, ya mi economía estará estabilizada y tendré tiempo y energía para hacer otras cosas’. Pues qué ingenua fui. Estoy cerca de cumplir los 70 años y todavía estoy aquí. Y me siento con la energía para seguir”, dice Torroja.

Quienes más celebran esa decisión son sus fans, a quienes la artista ve como hijos. “Esta profesión es adictiva, es difícil encontrar el momento de decir adiós. No solo por uno mismo, sino también por la gente que conecta con las canciones. Entonces, me da una tristeza, una pena horrible, pensar en dejar solos a los que nos siguen, me siento como una mamá. Creo que, aunque tenga esa sensación en distintos momentos, va a ser muy difícil decir adiós y me van a tener que echar del escenario”, afirma. Que así sea.//

Cuando Renato Gaitán era niño y crecía en Villa El Salvador, podía pasar horas preguntándose cómo funcionaban las cosas. En su casa era común verlo desarmar cualquier mecanismo que le provocara asombro, desde juguetes hasta bicicletas, para desconcierto de todos. A veces lograba volver a armarlo; otras, no. Pero la curiosidad era más fuerte que la frustración. Su madre, la señora Asunción García, recuerda que su curiosidad parecía infinita. “Siempre quería saber el porqué de todo”, dice hoy. Ese niño curioso hoy tiene 18 años y dentro de poco tomará un avión rumbo a Estados Unidos. Renato Gaitán ha sido admitido en el Massachusetts Institute of Technology (MIT), una de las universidades más prestigiosas del mundo, donde estudiará Matemáticas puras.

Para cualquier estudiante peruano, ingresar al MIT es un logro extraordinario; para alguien que creció en un hogar de bajos recursos y con pocas oportunidades, lo es todavía más. La madre de Renato es vendedora de ropa y durante años atendió un pequeño puesto en el centro de Lima. El papá de Renato vende repuestos. Ninguno de los dos pudo ir a la universidad, aunque a ella le hubiera encantado estudiar medicina. De ese dolor nació un anhelo: “siempre pensé que mis hijos tenían que estudiar e ir a la universidad, siempre quise que tuvieran lo que yo no tuve”, cuenta.

Los primeros indicios de que el niño tenía un talento especial aparecieron temprano. En el colegio Prolog, donde estudió desde pequeño, los profesores notaron que aprendía rápido y destacaba en clase. Poco después empezaron a invitarlo al círculo académico del colegio, donde se preparaba a los alumnos para competencias de ciencias y matemáticas. El problema era que las clases quedaban lejos, en otro distrito, y sus padres trabajaban todo el día.

La familia tuvo que reorganizar toda su rutina para que Renato pudiera ingresar al círculo. Asunción recuerda años de sacrificio para acompañar el entusiasmo de su hijo. Muchas veces tuvo que cerrar su puesto de ropa justo los días en que más vendía, porque Renato tenía competencias académicas. “Sabía que íbamos a ganar menos dinero”, dice, “pero me importaba más verlo contento”. Ese respaldo silencioso fue clave.

Renato empezó a participar en olimpiadas de matemáticas y a dedicar cada vez más horas al estudio, imponiéndose una disciplina férrea: jornadas de hasta doce horas resolviendo problemas y revisando teoría. El esfuerzo pronto empezó a dar resultados. Renato acumuló medallas en competencias nacionales e internacionales, y viajó a países como Rusia, China, Australia y el Reino Unido representando a su colegio y al Perú.

Fue en ese mundo de estudiantes de élite que Renato comenzó a aterrizar el deseo de estudiar en el extranjero. Postular al MIT implicó un proceso largo de exámenes, ensayos, cartas de recomendación y pruebas de inglés. Una organización llamada Beca Cometa lo orientó durante el camino y lo ayudó a completar los requisitos. Incluso el idioma lo enfrentó con su estilo autodidacta. Renato había tomado algunos cursos de inglés, pero decidió prepararse por su cuenta para el examen internacional TOEFL. Pasó semanas estudiando con materiales de internet, libros y videos en línea. Su madre dudaba que lograra el puntaje necesario en tan poco tiempo; él, en cambio, parecía tranquilo.

Cuando llegaron los resultados, la sorpresa fue general: había obtenido una calificación suficiente para completar su postulación. Meses después llegó la noticia definitiva: el MIT lo aceptaba con beca completa, que cubriría matrícula, alojamiento, alimentación y seguro médico.

Antes de partir, su madre quiere organizar un almuerzo con familiares, amigos y profesores que lo acompañaron en el camino. El menú ya está decidido: pescado, el plato favorito de Renato. Por ahora Asunción se siente serena. Dice que el orgullo es más grande que la preocupación. Sin embargo, recuerda lo que ocurrió cuando su hijo viajó por primera vez a una competencia en el extranjero: no lloró en el aeropuerto. Se mantuvo fuerte mientras otras madres se despedían entre lágrimas. Pero al volver a casa y ver la cama vacía, no pudo contenerse. Quizá esta vez ocurra lo mismo. Porque su hijo se va lejos, por mucho tiempo, aunque el punto de partida siga siendo Villa El Salvador. //

Una buena historia de amor, siempre nos hace creer que no hay imposibles. Que cuando la conexión es real, el tiempo o incluso las expectativas sociales pasan a un segundo plano. Pero cuando una relación está marcada por una diferencia significativa de años, algo en nosotros cambia: la curiosidad aparece, los prejuicios se activan y la pregunta se instala casi de inmediato: ¿qué hay realmente detrás de ese vínculo?

En definitiva, este no es un fenómeno nuevo, ya que a lo largo de la historia —y hoy más visible que nunca — distintas parejas han generado cierta polémica precisamente por esa brecha generacional. Desde el ganador del Oscar Leonardo DiCaprio (51), cuya conocida “regla no escrita” de no salir con mujeres mayores de 25 años ha sido tema de conversación durante años, hasta matrimonios como el de Nick Jonas (33) y Priyanka Chopra (43), o casos más recientes como el de la pareja entre Stephanie Cayo (38) y Alejandro Sanz (57), que ha reavivado el debate.

Pero más allá de los nombres y la controversia, la pregunta de fondo es otra: ¿cuándo una diferencia de edad realmente empieza a importar? Desde la psicología, la respuesta no es tan simple como fijar un número. Como explicó Vanessa Román, psicóloga del Centro psicológico SANNA a Somos, no existe una cifra exacta que determine cuándo la brecha se vuelve “grande”, aunque suele considerarse que a partir de los 10 o 15 años pueden aparecer diferencias importantes en la dinámica de pareja. No obstante, el punto no está tanto en los años, sino en el momento vital que atraviesa cada persona.

“No es lo mismo una diferencia de esa magnitud en etapas tempranas, donde aún se están formando aspectos esenciales como la toma de decisiones, el manejo emocional o la capacidad de proyectarse a futuro que, en edades más avanzadas, —35 y 45 o 45 y 65 años—, donde estos aspectos ya están más consolidados. Con el tiempo, la edad tiende a perder peso y el vínculo se organiza más desde la madurez emocional, los recursos personales y los proyectos compartidos”.

En este sentido, la verdadera brecha no siempre es cronológica, sino emocional y psicológica. Quizás por eso, lo que antes parecía excepcional, hoy es más común. Para Diana Bances, docente de la carrera de Psicología de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM), las redes sociales y las aplicaciones de citas han ampliado la posibilidad de conexión más allá del círculo etario habitual, reforzando además una idea cada vez más presente: la autonomía para elegir con quién vincularse.

Aun así, la aceptación no es total. En contextos como el peruano, los perjuicios persistentes y no solo cuando la diferencia es muy marcada, sino también cuando se rompen ciertos esquemas tradicionales — como el caso de mujeres mayores con parejas más jóvenes —, donde el juicio social suele ser más duro.

¿Por qué te enamoras de alguien mucho mayor (o menor)?

Aunque generan bastante interés, lo cierto es que detrás de este tipo de relaciones no hay una única explicación y, es que como señaló Vanessa Román, enamorarse de alguien mayor o menor puede responder tanto a una conexión genuina como a procesos internos más completos.

En ciertos casos, la atracción está influenciada por la búsqueda de estabilidad, validación o incluso por el intento de reparar experiencias afectivas pasadas. Por ejemplo, personas que crecieron en entornos con poca contención emocional y que han desarrollado un apego ansioso por ausencia o insuficiencia de figuras parentales, pueden idealizar dinámicas en donde uno asume un rol más directivo y otro más dependiente o de sumisión.

“Estos vínculos no suelen ser conscientes. Muchas veces responden a historias personales y a modelos de relación que se han internalizado desde la infancia”.

Sin embargo, la especialista enfatizó que no siempre parten de heridas o vacíos emocionales, ya que también existen relaciones donde la diferencia de edad es solo un dato más y lo que predomina es la afinidad emocional, intelectual y un proyecto de vida compartido construido en el presente.

“Por eso, no podemos hablar de un perfil único en quienes buscan relaciones con gran diferencia de edad. Si bien se repiten algunos patrones, como personas que valoran la estabilidad, que buscan admiración o aprendizaje, o que tienen dificultades para vincularse con pares de su misma edad, cada historia debe leerse en su contexto, evitando generalizaciones”, advirtió la psicoterapeuta Liliana Tuñoque, de Clínica Internacional.

Más allá de los años que separan a una pareja, la clave no está en la edad, sino en cómo se construye el vínculo. Y es que, el buen funcionamiento de una relación — según Natacha Duke, psicoterapeuta de Cleveland Clinic— depende mucho más de la madurez emocional, es decir, de habilidades como la regulación emocional, la empatía, la comunicación y el respeto por los límites que de la edad cronológica.

¿Amor o necesidad?

En primer lugar, como precisó Verónica Ponce-Castañeda, docente de la carrera de Psicología de la Universidad Científica del Sur, el amor no es un estado “puro” separado de otras motivaciones; es más bien una construcción compleja donde coexisten el afecto, el deseo, el reconocimiento y las necesidades emocionales o materiales. Por ello, lo esencial no es la ausencia de estas dimensiones, sino que sean reconocidas y negociadas conscientemente.

Una señal clave de que una relación es saludable es, sin duda, la reciprocidad: cuando ambas personas mantienen autonomía, capacidad de decisión y libertad para disentir o alejarse, se habla de un vínculo afectivo equilibrado. En cambio, si una parte depende emocionalmente o económicamente de la otra, es probable que la relación opere bajo dinámica asimétricas.

Asimismo, a este tipo de relaciones se les suele catalogar como “aventuras” o una simple “exploración pasajera. Sin embargo, para la psicóloga, el inicio no tiene por qué determinar la trayectoria, ya que al final la sostenibilidad depende de cómo ambas partes gestionan sus diferencias más allá del entusiasmo inicial.

También es clave diferenciar si la brecha generacional responde a un patrón de vida establecido o si se trata de una elección excepcional en la historia de la pareja. “Repetir este patrón puede estar vinculado a la búsqueda inconsciente de figuras que los ayuden a cubrir ciertas necesidades emocionales no resueltas. Pero no todas las relaciones responden a esa lógica: existen elecciones genuinas donde el encuentro se da a nivel emocional e intelectual, sin que medien carencias previas”, aseguró Román.

Estos son los retos que nadie te cuenta

Iniciar una relación con una gran diferencia de edad no es solo cuestión de enamoramiento, como en cualquier tipo de vínculos también enfrenta una serie de desafíos no menores.

La presión social y familiar suele ser uno de los primeros obstáculos. En Perú, los comentarios del entorno pueden ser directos y generar incomodidad, recalcó Diana Bances. A esto se suman las diferencias en los estilos de vida: mientras uno prioriza las salidas nocturnas o la vida social activa, la otra puede preferir planes más tranquilos. Sin conversaciones claras desde el inicio, estas diferencias tienden a escalar en conflictos.

La idealización también marca los primeros meses de relación, especialmente hacia la persona mayor, a quien se le atribuyen cualidades como seguridad, experiencia y estabilidad. “Esto suele colocar a uno de los miembros en un rol receptivo y al otro en un lugar directivo”, añadió Román. Además, los introyectos sociales —las creencias sobre cómo “debería ser” una pareja — pueden generar dudas y conflictos internos.

Con el paso del tiempo, la diferencia de edad también puede hacerse más evidente a nivel físico y biológico: energía, salud, deseo sexual, decisiones sobre tener hijos o etapas como la jubilación. No obstante, la psicóloga de SANNA subrayó que, esto no es un problema en sí mismo, sino en cómo la pareja lo maneja. Sin conciencia ni acuerdos, la brecha puede generar frustración o distancia emocional.

“La relación se sostiene no por estar en la misma etapa biológica, sino por la capacidad de adaptación y de construir acuerdos realistas”.

Otro desafío que puede poner en suspenso la relación, es cuando la nueva pareja tiene una edad similar a la de los hijos del miembro mayor. En estos casos, el vínculo puede no ser reconocido como diferenciador, sino percibido como un “igual”, dificultando su legitimación dentro de la familia. Las tensiones, cuestionamientos y dinámicas de poder aumentan si no hay madurez emocional y límites claros.

¿Tu pareja es mucho mayor o menor? Esto debes saber

Es importante tener mucho cuidado con el desequilibrio de poder en este tipo de relaciones. Aunque no ocurre en todos los casos, cuando una persona tiene más experiencia, recursos económicos, redes sociales o influencia, existe la posibilidad de que la relación se desplace hacia una dinámica jerárquica, es decir, más cercana a la de un padre/madre-hijo/hija o un mentor-alumno que a la de una pareja de iguales.

“El punto crítico está en que ambas partes tengan la misma capacidad de decidir y disentir, y de construir el vínculo sin que la voz de una se vea anulada. Si esto no ocurre, la relación puede volverse asimétrica y potencialmente tóxica”, advirtió Verónica Ponce-Castañeda.

Por eso, es fundamental estar atento ante ciertas señales de alerta que indiquen que la diferencia de edad está siendo utilizada para una dinámica disfuncional:

• Asimetría de poder: Uno ejerce control y el otro se posiciona desde la dependencia.
• Dependencia emocional o económica: Dificultad para sostenerse sin la pareja.
• Pérdida de autonomía: Disminución progresiva en la toma de decisiones propias.
• Idealización: Percepción del otro como figura superior o imprescindible.
• Manipulación psicológica: Invalidación emocional, culpa y control.
• Rasgos narcisistas: Predominio de las necesidades de uno sobre el otro.
• Deterioro cognitivo y emocional: La persona se siente sometida, confundida y va perdiendo progresivamente su capacidad de juicio y autonomía.
• Justificación de la desigualdad: Cuando se sostienen discursos como “yo sé más”, “es por tu bien” o “aún no entiendes”, ya que estos refuerzan una jerarquía que dificulta la construcción de un vínculo entre iguales.

“La alerta más crítica es cuando una persona busca sistemáticamente parejas muchísimo más jóvenes o vulnerables, aprovechándose de ciertas situaciones de fragilidad emocional, económica o social. Cualquier relación que implique menores de edad queda fuera de este análisis y constituye una violación de derechos”, apuntó la psicóloga de la Universidad Científica del Sur.

Claves para que tu relación sobreviva a la diferencia de edad

• El amor es fundamental, pero no lo es todo: El afecto no basta para cerrar la brecha generacional. La relación necesita también de condiciones materiales, emocionales y sociales que permitan sostener el vínculo en el tiempo.
• Comunicación y acuerdos claros: Hablar abiertamente sobre las expectativas, roles y decisiones ayuda a evitar malentendidos y permite que ambos se sientan escuchados y respetados.
• Autonomía y capacidad de negociación: Cada persona debe mantener su individualidad y aprender a negociar las desigualdades de manera consciente, evitando que el poder se concentre en uno solo.
• Adaptación con el tiempo: Las diferencias pueden transformarse o intensificarse con la edad, afectando la salud, energía y los proyectos de vida. Las parejas que logran sostenerse son las que se reinventan constantemente, ajustando roles y prioridades según cambian las circunstancias.
• Gestión consciente de desigualdades: El amor no elimina las diferencias: reconocerlas y manejarlas activamente es clave para que la relación funcione de manera equitativa y duradera.

Se puede discutir mucho sobre el lugar que ocupan hoy las bibliotecas en un mundo donde los libros ya no siempre resultan atractivos para buena parte de los jóvenes. Pero si hay un espacio donde la lectura sigue siendo una actividad fundamental e indispensable, ese es la universidad. Por eso, las bibliotecas suelen ocupar el corazón de los campus. Quienes fueron alumnos de la Universidad de Lima deben recordar con cariño su vieja biblioteca, ubicada entre las facultades de Comunicación y Derecho. El edificio de cuatro pisos era el punto neurálgico al que se iba a leer, a repasar los apuntes o reunirse con los compañeros para preparar trabajos en grupo, ocupando cualquier mesa disponible.

Durante décadas ese ritual cambió poco. Hubo generaciones que buscaron libros en ficheros de tarjetas y otras que ingresaban sus búsquedas en monitores de pantalla verde, más tarde reemplazados por computadoras. En esencia, la biblioteca seguía siendo un lugar silencioso dedicado al estudio individual. Hoy, sin embargo, estos espacios responden a otra idea del aprendizaje. El modelo conocido como ‘learning commons’ reconoce que gran parte del conocimiento universitario se construye en la interacción, discutiendo, investigando en equipo o desarrollando proyectos colectivos. Las bibliotecas contemporáneas se diseñan para facilitar ese intercambio.

Así es como la Universidad de Lima presenta por estos días su nueva biblioteca dentro del campus. Bautizada con el nombre de “Antonio Pinillia“, por su fundador y primer rector, se trata de una construcción de siete pisos y cerca de 18 mil metros cuadrados concebida como un espacio de aprendizaje activo. A diferencia de la biblioteca tradicional, el edificio combina áreas de lectura silenciosa con muchas salas de trabajo grupal, espacios de discusión y ambientes pensados para la investigación académica. La arquitectura misma responde a la idea de que la biblioteca, más que un depósito de libros, es un lugar donde se generan y comparten ideas.

En los niveles superiores se mantiene, sin embargo, el espíritu clásico de la biblioteca universitaria. Allí se encuentran las estanterías abiertas que permiten a los estudiantes recorrer directamente las colecciones y seleccionar los títulos que necesitan. El sistema de préstamo es completamente digital y convive con una oferta de recursos electrónicos y bases de datos académicas.

La nueva biblioteca también se inscribe dentro de una visión más amplia sobre el campus. Según la rectora Patricia Stuart, la idea es que la universidad funcione como un espacio en el que la vida académica no se limite al aula. “Queremos un campus donde el alumno no solo venga a estudiar y se vaya a su casa”, explica. “La idea es que aquí puedan crear relaciones, trabajar en conjunto y desarrollar proyectos”. Ese enfoque responde también a la manera en que se vive hoy la universidad. “Muchos estudiantes pasan todo el día en el campus”, señala Stuart. “Por eso debe ser un lugar donde el alumno quiera quedarse”.

La trayectoria de Stuart explica en parte esa visión. Economista de formación, es la primera egresada de la universidad que llega al rectorado. Su carrera académica comenzó como jefa de prácticas en la Facultad de Economía y, con el tiempo, fue ocupando distintos cargos dentro de la institución: coordinadora académica, directora de carrera, secretaria académica, decana y posteriormente vicerrectora. En ese recorrido llegó a trabajar con la doctora Ilse Wisotzki, la primera mujer en ocupar el rectorado de una universidad en el país. “Era una mujer de temperamento muy fuerte y con bastante empuje”, recuerda. En una época en que las autoridades universitarias eran mayoritariamente hombres, añade, Wisotzki solía ser “la única mujer en muchas reuniones”, una experiencia que, según Stuart, le sirvió de ejemplo sobre lo que implica conducir una universidad.

Educación para todos

Durante años la universidad ha cargado con la percepción de ser una institución reservada para sectores acomodados. Stuart sostiene que ese perfil ha cambiado con el tiempo y que hoy los estudiantes reflejan una composición social más diversa. “El 70% de nuestro alumnado se ubica en la última categoría de pago, entonces esta ya no es una universidad que sirve a una élite económica, sino más bien a una élite académica e intelectual”, afirma. En esa línea, la Universidad de Lima ha impulsado distintos programas de becas dirigidos a estudiantes de alto rendimiento provenientes de colegios públicos.

Uno de ellos es la Beca Ilse Wisotzki, creada para alumnos sobresalientes que hayan cursado toda su educación básica en colegios nacionales. El programa ofrece cobertura integral durante toda la carrera. Hasta ahora se han realizado tres convocatorias, entre 2024 y 2026, con 32 beneficiarios. Veintidós de ellos provienen de Lima y diez de distintas regiones del país, y una parte significativa estudió en los colegios de alto rendimiento (COAR).

Más allá de su nueva biblioteca y de los planes de expansión del campus, la universidad recuerda que la principal inversión de una institución sin fines de lucro sigue siendo la formación de sus estudiantes. En ellos descansa, finalmente, el prestigio académico de la casa de estudios. //

Aunque la belleza es puramente subjetiva, creo que hay algo muy poderoso en una mirada que transmite alegría, salud y sobre todo descanso. El problema es que, al estar inmersos en un ritmo de vida marcado por el estrés y las pantallas, despertar con ojeras se ha vuelto parte del día a día de muchas personas.

En mi caso, siempre he tenido cierta tendencia a desarrollarlas, por lo que en más de una ocasión me han preguntado si estoy enferma o si no he dormido bien, incluso cuando sí lo había hecho. Por eso, durante muchos años, mi solución fue simple: un buen corrector de ojeras. La verdad es que he probado productos de diferentes presentaciones, texturas, coberturas, marcas, etc.; sin embargo, con el tiempo entendí que taparlas no es lo mismo que tratarlas.

Ahí empezó mi interés por cuidar realmente esa zona, descubriendo que no todas las ojeras son iguales y que lo que le funciona a una persona puede no ser lo más recomendable para uno. Desde mi experiencia, creo que la clave está en identificar qué tipo de ojera tienes y solo así, podrás elegir el tratamiento adecuado y dejar de perder tiempo —y dinero— en productos que prometen mucho, pero no atacan la causa de fondo.

¿Qué son las ojeras?

Las ojeras son alteraciones del color y la apariencia de la piel en el párpado inferior. Como explicó Antuaneth Sobrino, dermatóloga del Centro Bienestar Auna a Somos, pueden verse más oscuras, hundidas o inflamadas, e incluso, presentarse acompañadas de bolsas.

Para entender por qué aparecen, primero hay que tener en cuenta que, la piel de esta zona es especialmente delicada. Según la dermatóloga Shilpi Khetarpal, de Cleveland Clinic, es hasta cinco veces más fina que la del resto del rostro (0.5 mm aproximadamente), lo que facilita la visibilidad de los vasos sanguíneos o la pigmentación. Además, al contar con menos glándulas sebáceas y un soporte estructural más débil, es más propensa a la deshidratación, lo que acelera la aparición de signos de fatiga y envejecimiento.

Asimismo, su aspecto depende de múltiples factores. Como señaló María Luisa Téllez, dermatóloga de la Clínica Ricardo Palma, influyen:

• La genética.
• La falta de sueño
• El envejecimiento.
• La deshidratación.
• Las alergias.
• La exposición solar prolongada.
• El uso excesivo de pantallas.
• La mala circulación sanguínea.
• La mala alimentación.
• El estrés.

“Contrario a lo que muchas personas creen, en la mayoría de casos, las ojeras son completamente normales y responden al estilo de vida o a las características propias de cada individuo. Sin embargo, si aparecen de forma repentina o muy marcadas, también pueden estar relacionadas con problemas como anemia o alternaciones tiroideas, por lo que conviene prestar atención”, precisó la doctora Sobrino.

¿Qué tipo de ojeras existen y cómo tratarlas?

Ojeras pigmentadas

Las ojeras pigmentadas son aquellas que tienen una tonalidad marrón o incluso negra, ya que son causadas por la producción excesiva de melanina (hipercromía idiopática). De acuerdo con la dermatóloga, son más frecuentes en personas con tonos de piel más oscuros y, en muchos casos tienen un componente genético.

No obstante, también pueden aparecer por exposición solar, frotación de los ojos constante, alergias, cambios hormonales (como el embarazo) e inflamación previa en la piel.

¿Qué ingredientes ayudan a aclararlas?:

Para mejorar su apariencia, se recomiendan cremas con activos despigmentantes como:

• Vitamina C.
• Ácido kójico.
• Arbutina.
• Niacinamida.
• Hidroquinona.
• Ácido azelaico.
• Retinoides.

“Cabe recalcar que para que el producto sea realmente eficaz, se debe considerar no solo la coloración, sino también el tipo y resistencia de la piel, ya que muchas de estas sustancias son irritativas. Si no se usan correctamente pueden causar el efecto contrario: más manchas por inflamación. Además, el uso diario del protector solar es clave para evitar que la pigmentación empeore”, advirtió la doctora María Luisa Téllez.

De igual manera, cuando las cremas no son suficientes, existen algunas opciones médicas que actúan directamente sobre el pigmento. Los dermatólogos destacan tres soluciones principales: los peelings químicos, que ayudan a eliminar las capas superficiales de piel pigmentada; los láseres —como el de colorante pulsado o el de diodo—, que reducen la pigmentación acumulada; y la mesoterapia, consistente en inyecciones de sustancias despigmentantes puras o combinadas.

Ojeras vasculares

Según la dermatóloga Antuaneth Sobrino, las ojeras vasculares surgen debido a la delgadez de la piel, que deja traslucir los vasos sanguíneos y una microcirculación deficiente, creando ese característico tono azulado o violáceo. Factores como el estrés, la falta de sueño, el alcohol y el tabaquismo agravan esta condición al comprometer la circulación y acelerar el envejecimiento cutáneo.

¿Cómo reducirlas?:

El tratamiento suele enfocarse en mejorar la circulación y fortalecer la piel:

• Cremas con cafeína, retinol o vitamina K, que ayudan a activar la circulación.
• Péptidos o ácido tranexámico, que mejoran la calidad de la piel.
• Láser vascular (Nd:YAG) o luz pulsada (IPL), para disminuir la visibilidad de los vasos.
• Rellenos con ácido hialurónico, que engrosan la piel y reducen el aspecto hundido.

“La aplicación de compresas o cucharas frías, puede ayudar a contraer los vasos sanguíneos dilatados, reduciendo la apariencia de ojeras vasculares. Igualmente, las bolsas de té frío pueden favorecer la circulación gracias a la cafeína y los antioxidantes que contienen”, indicó la doctora Khetarpal:

Ojeras estructurales o hundidas

Este tipo de ojeras no tienen que ver tanto con el color, sino con la forma del rostro. Como refirió Téllez, aparecen cuando se forma un surco que va desde el lagrimal hacia la mejilla, generando una sombra que da aspecto de cansancio, incluso si has dormido bien.

“Estas ojeras pueden deberse a la genética, ya que algunas personas tienen la cuenca ocular más profunda, así como también por la pérdida de grasa en la zona periocular. La disminución de colágenos y elastina, al igual que la deshidratación o el cansancio pueden atenuar el hundimiento”.

¿Cómo se pueden mejorar?:

A diferencia de otros tipos de ojeras, en estos casos las cremas si bien pueden mejorar la hidratación o la textura de la piel, no pueden rellenar el volumen perdido ni modificar la anatomía del rostro.

Por eso, cuando el hundimiento es evidente, como subrayó la experta de la Clínica Ricardo Palma, es necesario recurrir a ciertos tratamientos dermatológicos que puedan contrarrestar esta apariencia. Entre los más utilizados se encuentran:

• Ácido hialurónico: Ayuda a restaurar el volumen perdido.
• Bioestimuladores de colágeno: Mejoran la firmeza y calidad de la piel.
• Lipofilling: Utiliza grasa propia para rellenar la zona, con resultados más duraderos.
• Láser: Mejora la textura de la piel y el aspecto general.

No obstante, no todas las personas son candidatas para estos procedimientos. Por ejemplo, el uso de ácido hialurónico no se recomienda si existen bolsas de grasa marcadas o retención de líquidos en la zona. Por esta razón, es clave una evaluación previa con un dermatólogo para elegir la opción más adecuada, aseguró Antuaneth Sobrino.

¿Cómo puedo identificar mi tipo de ojera?

Antes de invertir en cremas o tratamientos, es importante identificar qué tipo de ojera tenemos, ya que esto puede marcar la diferencia entre gastar en algo que no funciona o elegir el tratamiento ideal desde el inicio.

Para la doctora Sobrino, es indispensable observar dos características básicas: el color y la forma. Para lograrlo, debemos seguir estos pasos:

1. Mírate: Hazlo frente al espejo y, de preferencia, con luz natural. Esto te permitirá ver el tono real de la piel sin distorsiones.
2. Prueba de estiramiento: Estira suavemente la piel del párpado inferior y fíjate en lo que ocurre. Si el color se atenúa o cambia, probablemente se trata de una ojera vascular. En cambio, si el tono marrón permanece igual, es más probable que sea pigmentada.
3. Observa la forma y las sombras: No todos se trata del color. También importa la estructura. Si notas un hundimiento o surco que genera sombra (especialmente según la luz), estás ante una ojera estructural. Mientras que, si ves hinchazón o bolsas, sobre todo al despertar, puede ser una ojera edematosa.
4. Identifica cuándo se notan más: El momento del día también es un elemento clave, ya que si son más marcadas en la mañana, pueden ser edematosas; y si son más visibles tras el estrés o la falta de sueño, suelen ser vasculares.

“Es importante tener en cuenta que se pueden tener más de dos tipos de ojera a la vez. Muchas personas presentan lo que se conoce como ojeras mixtas, es decir, una combinación de dos o más tipos (por ejemplo, pigmentación + hundimiento). En estos casos, el abordaje no es único: se necesita combinar tratamientos según cada causa”, sostuvo la dermatóloga del Centro Bienestar Auna.

Lo que estás haciendo mal (y por qué nada te funciona)

Si sientes que has probado de todo y tus ojeras siguen ahí, la doctora Shilpi Khetarpal advirtió que el problema no siempre es el producto, sino algunos errores muy comunes que casi todos cometemos sin darnos cuenta.

Tratar todas las ojeras como si fueran iguales:

Uno de los errores más frecuentes es usar cualquier contorno de ojos sin saber qué tipo de ojera tienes. No es lo mismo una ojera pigmentada que una vascular o hundida, por lo que usar el producto equivocado solo hace que pierdas tiempo y dinero.

Esperar resultados rápidos:

Aunque los productos prometan cambios en pocos días, la mayoría de cremas solo actúan a nivel superficial. Pueden hidratar o mejorar ligeramente la apariencia, pero si tus ojeras tienen un origen más profundo —como genética, estructura facial o vasos sanguíneos visibles—, su efecto será limitado.

“Los efectos reales de un tratamiento adecuado comienzan a percibirse entre la segunda y cuarta semana. Mientras que la hidratación y la reducción de la inflamación son visibles rápidamente, la disminución del pigmento es un proceso más lento que depende de su profundidad”, precisó María Luisa Téllez.

Usar demasiados productos:

Aplicar varias cremas a la vez o elegir fórmulas excesivamente potentes puede desencadenar dermatitis o irritaciones. Esto es contraproducente, ya que la inflamación en esa zona suele derivar en un mayor oscurecimiento.

Frotarse los ojos constantemente:

Aunque parece un hábito inofensivo, puede irritar la piel y oscurecer aún más la zona. También puede favorecer la inflamación y empeorar la apariencia de las ojeras con el tiempo.

Cómo elegir un contorno de ojos que sí te funcione

• Fíjate en los activos no en la marca: Cada tipo de ojera necesita ingredientes distintos. Si no eliges el activo correcto, es muy probable que no veas resultados.
• La textura sí importa: Los contornos más ligeros, como geles o sérums, suelen penetrar mejor en la piel que las cremas pesadas. Esto es clave porque la piel del contorno de ojos es más fina y delicada.
• De menos a más: La clave está en la adaptación. Debes aplicar concentraciones mínimas al principio y subir la intensidad de forma gradual, evitando combinar demasiados ingredientes que puedan irritar la zona.
• Evita estos ingredientes: Para evitar irritaciones en la zona, los contornos de ojos no deben contener fragancias o bases alcohólicas. Además, debes asegurarte de que el producto esté dermatológicamente testeado.
• Considera el aplicador:  Muchos contornos incluyen aplicadores de mental o de jade, los cuales facilitan la distribución del producto, dan un efecto refrescante y pueden ayudar a desinflamar ligeramente. Aunque no son indispensables, sí son un plus importante.

“No solo importa qué producto usas, sino también cómo lo aplicas. Usa una cantidad del tamaño de un grano de arroz y aplícalo con el dedo anular, a toquecitos suaves sobre el hueso orbital (alrededor del ojo y la ceja), evitando el párpado móvil y la línea de las pestañas para prevenir irritaciones. Hazlo desde la zona interna hacia afuera y repítelo mañana y noche, después de la limpieza”, detalló la doctora Sobrino.

Neisser Banout no planeaba ser comediante, tampoco imaginaba que terminaría recorriendo países con un show propio y ,ucho menos que Lima sería una de sus próximas paradas. Pero su historia, como buena rutina de stand up, tiene giros inesperados, momentos incómodos y, sobre todo, mucha verdad. Verdad que la ha llevado a conquistar lugares impensables y a ganarse el corazón de todas las lesbianas que la siguen y de las mujeres heterosexuales también, algo de lo que se siente totalmente orgullosa.

“Yo estaba estudiando administración de empresas. Antes quería ser médico. Nunca pensé en hacer contenido ni en subirme a una tarima”, cuenta. Todo empezó, casi sin querer, entre 2018 y 2019, cuando comenzó a escribir en Twitter (hoy X) en medio de un momento personal complicado. Lo que parecía un desahogo terminó conectando con miles de personas. “La gente se sentía identificada y yo ni siquiera sabía que estaba haciendo comedia”, dice.

Ese primer impulso la llevó a abrirse camino en otras plataformas como Instagram, TikTok y YouTube. El crecimiento fue rápido, casi absurdo, recuerda. Y ahí entendió que tal vez ese no era el plan original, pero sí una oportunidad.

El siguiente paso, y uno de los más difíciles, fue enfrentarse al escenario. “Soy muy tímida, muy penosa. Cuando me dijeron que el stand up era pararte frente a gente que te mira fijamente… pensé: esto es lo peor del mundo”, admite. Pero lo hizo igual. Y algo cambió. “Descubrí una chispa que solo aparece cuando estoy en la tarima. Esa persona no existe en otro espacio”.

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Hoy, esa versión suya es la que la ha llevado a girar por distintos países de Latinoamérica, con un público que va mucho más allá de Venezuela. “Yo juraba que solo me seguían venezolanos, pero cuando salí de gira me di cuenta de que había gente de Perú, Colombia, República Dominicana… y todos entendían lo que decía”.

Su comedia parte de lo personal. Habla de su vida, de su familia, de su identidad. Neisser es abiertamente lesbiana y ese también es un eje de su discurso, aunque, como aclara, no es el único. “No es que hable solo de eso, es que es mi perspectiva. Pero hay muchas cosas en común. Muchas mujeres se sienten identificadas con lo que digo, más allá de la orientación”.

En un contexto como el venezolano, donde estos temas aún generan resistencia, el riesgo era evidente. “Tenía miedo de que la gente no fuera, de que alguien se molestara. Pero pasó lo contrario: la gente que va a mis shows quiere escuchar eso”.

Su público, dice, es mayoritariamente femenino (un 80%) y eso le encanta. “Voy a mis shows y son cien mujeres y dos hombres. Y esos dos hombres también la pasan bien”, bromea. Su estilo evita el ataque directo o la incomodidad gratuita: apuesta más por la identificación que por la confrontación.

El espectáculo que traerá a Lima, “Desquiciada”, es el mismo con el que giró el año pasado y que pronto convertirá en especial. Una rutina que nació en una sola noche de escritura intensa junto a una amiga comediante. “Estuvimos desde las cinco de la tarde hasta las dos de la mañana. Yo me estaba desahogando y de ahí salió todo el show”.

Más allá del humor, Neisser entiende la comedia como un espacio casi terapéutico. “Estar en una sala llena de gente riéndose… eso es sanador. Es una energía muy bonita”.

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Su llegada a Perú no es casual. Era un destino pendiente. “El año pasado quería ir, pero no pude por temas de papeles. Este año lo logré y estoy demasiado emocionada. Nunca he ido, ni de visita”. La expectativa, además del show, pasa por la comida. “Sé que tienen una gastronomía increíble. Yo amo comer. Siento que puedes conocer un país a través de su comida”.

El 8 de mayo será su primer encuentro con el público peruano, ese que, según dice entre risas, no ha dejado de reclamarle su visita. “Siempre me escribían: ‘¿y tú crees que en Perú no hay lesbianas?’”.

La comediante llega en un momento de crecimiento personal y profesional. Más segura, más consciente de su voz y con ganas de explorar nuevos formatos, como escribir series o guiones. Pero sin perder de vista lo que la llevó hasta aquí: la honestidad.

“Antes dudaba mucho de mí. Ahora cuando me subo al escenario sé que este es mi espacio y que la gente está ahí porque quiere escucharme”, dice. Y eso, en tiempos donde todo parece fugaz, no es poca cosa. Así llega Neisser al Centro de Convenciones Bianca en Barranco, con mucha energía y humor para conocer a las “lesbianas del Perú”.

Desde su concepción, las tablas de Sarhua (Ayacucho) han sido instrumento para narrar historias, costumbres y luchas a través de pinceladas con conciencia. Sumergida desde niña en esta tradición, Gaudencia Yupari hoy es reconocida internacionalmente por dar un paso más allá con valentía: demostrar que estas historias también resisten fuera de la madera, sobre telas con bordados igual de poderosos.

“Este arte es algo que he visto desde chiquita”, rememora en diálogo con Somos. “En casa, me gustaba hacer dibujos en tabla, y luego mi mamá me enseñó también a hacerlo en polleras, blusas… porque era artesana”, añade. Crecer en ese entorno marcó el ritmo de su aprendizaje: miraba, repetía, probaba. Con una realidad compleja, Gaudencia reconoce que su infancia estuvo atravesada por el hacer. “Como no teníamos cosas para jugar, me gustaba hacer chompitas, ropa... así me distraía y de paso ayudaba”, comenta sobre esas primeras conexiones con el arte, que más que por gusto surgieron por necesidad.

Esa intuición temprana fue tomando forma con los años. A los 16, como muchas otras mujeres de nuestro país, se casó y migró a Lima con una idea concreta: trabajar lo suficiente para comprarse una máquina de coser. Gaudencia no se casó por amor, reconoce, pero ello le abrió las puertas para salir adelante en una sociedad que muchas veces se encargó de cerrárselas. “Me repetía: ‘Voy a ir a Lima, trabajar y comprar mi máquina’”, recuerda Yupari. Y esa frase la acabaría sosteniendo durante su juventud.

El camino no fue inmediato. “A los 25 años recién pude aprender más. Mi esposo me compró mi máquina, y así comencé a hacer blusas y polleras”, cuenta. Su esposo también era artista —músico, tocaba la guitarra— y aquel entorno terminó nutriendo aún más su vínculo con lo creativo.

Nace una maestra

Durante años, el trabajo de Gaudencia se mantuvo en lo tradicional: confección de polleras, blusas, encargos. Sin embargo, un hallazgo inesperado acabaría por cambiar la dirección. El reconocido coleccionista y galerista Mauro Herlitzka encontraría sus diseños en Internet y le propondría explorar nuevas formas de revalorizar su talento. “A mí me sorprendió que se hayan fijado en mí; nunca antes había pasado”, afirma emocionada.

Lo que siguió fue un proceso intenso, mediante el cual Yupari volvió a las raíces de las tablas de Sarhua y las adaptó a bordados fascinantes. “Recuerdo que hubo noches en que no podía dormir. Me la pasaba pensando qué bordar, cómo hacerlo. Al principio no sabía bien cómo, pero sí tenía claro que lo iba a lograr y me iba a quedar bien”. Así, comenzó a experimentar con el bordado como soporte narrativo, trasladando a la tela lo que antes se contaba en madera.

La pregunta que se hizo fue clave: “¿Acaso no puedo hacer diseños como en las tablas, pero en tela, con la misma emoción y dedicación?”. La respuesta fue construyéndose puntada a puntada. Bordó escenas. Historias completas. Y, a través de ello, revela que también empezó a sanar. Así como las tablas de Sarhua, sus bordados no son meramente estéticos: son pasajes dolorosos de su vida, las luchas de su comunidad, las taras y desigualdades con las que aún carga nuestro país.

“Recuerdo, por ejemplo, uno de los bordados que más me costó hacer, pero al que más dediqué mi tiempo. Es uno que muestra mi primer parto. El de mi primer hijo. Fue muy doloroso, muy difícil. En el bordado no solo busqué mostrar mi vivencia, sino la de muchas mujeres de mi comunidad, que, sin acceso a una salud digna, viven partos muy crueles”, reflexiona.

El impacto no tardaría en aparecer. Junto a Herlitzka, sus piezas ganaron reconocimiento internacional. “Cuando me contó que querían mis bordados en España [en el museo Reina Sofía], no podía creerlo. Me sentí muy contenta, muy feliz. Hasta ahora, sigo muy agradecida con todos las personas que ayudan a que mi arte sea más conocido y apreciado”, apunta.

Más allá de los reconocimientos, el núcleo de su obra está en lo que decide contar. De los momentos más duros pueden nacer los bordados más impresionantes. Todo ello encuentra sostén en la tela. “También he bordado sobre la lucha de mi hijo y sus adicciones. Para sanar, fui cosiendo. Botando todo puntada por puntada”.

En ese gesto hay una intención clara de compartir. “No solamente por mí… por todas las madres que sufrimos cuando se destruyen nuestros hijos”, dice. Y añade: “El arte me ha enseñado a no rendirme. Puedes sufrir, llorar mientras bordas, pero al final siempre hay que tener fuerza y voluntad”, concluye. Una idea de resistencia que atraviesa todo su trabajo, y que cada vez conmueve a muchas más personas. //

No importan los vaivenes profesionales —si es el cine, la música o la televisión—, a Giovanni Ciccia (54) los caminos siempre lo han conducido de regreso al teatro. Desde que se hizo actor en 1994 con su grupo de estudiantes del Club de Teatro de Lima, en la obra “El tartufo”, las tablas han formado parte de su identidad. Todo lo que vino después —las películas, las novelas, las giras musicales— han sido felices accidentes que le recuerdan la ética con la que suele abordar la vida: “Nosotros hacemos las cosas según nos salen de las tripas; nunca nos preguntamos si están bien o están mal, si van a gustar o no”, dice desde el Teatro Municipal de Surco, que a estas alturas es casi su oficina. Aquí lo encuentras dirigiendo la obra “Madres” o ensayando “Esperando a Baltasar”. Son días ocupados.

Para Ciccia, como para cualquier persona de su generación —la que creció entre las colas y los carros-bomba—, hacer muchas cosas a la vez es un instinto. Un mecanismo de supervivencia. La idea de ser actor y morirse de hambre nunca lo asustó. “Mi generación es la del ‘no futuro’, la que hacía las cosas por sí misma, porque, haciendo cualquier cosa, te ibas a morir de hambre igual. Era mejor hacer lo que te gustaba”, asume. Con ese mismo ímpetu tomó este año una decisión que pocos en su lugar tomarían. Puso en pausa su participación en la exitosa “Al fondo hay sitio” para volver a sentirse un poco libre, un poco punk, rodeado de proyectos nuevos que lo cautivaban de otra forma.

El esfuerzo de hacer televisión diaria es titánico. “Prácticamente todo el día hay que estar a disposición de la producción”, explica Ciccia, suspirando, como si recordara ese agotamiento. Así que pidió chepa y la producción encontró la solución perfecta: su personaje Diego Montalbán no se despide, huye al enterarse de que su mejor amigo, con quien tenía cuentas pendientes, había salido del coma. “Digamos que mi personaje está ahorita como un fugitivo”, dice Ciccia, con una sonrisa que sugiere que hay más de lo que puede contar. La puerta, en todo caso, quedó abierta.

Con más tiempo de su lado, Giovanni dirige los ensayos de la obra “Esperando a Baltasar”. En ella vuelve a reunirse con dos actores que, a estas alturas, son algo más que colegas. Con Óscar López Arias la historia viene de lejos: han compartido escenario desde 2008 en un sinfín de obras como “El mentiroso”, “La chunga” y varias producciones más. Con Renzo Schuller el vínculo es todavía más difícil de categorizar. El mismo año en que hicieron su primera obra juntos, 2004, Renzo fue quien ofició su matrimonio. “Tenemos un vínculo tan estrecho”, dice Ciccia, y la frase queda suspendida, como si las palabras no alcanzaran del todo. Que estos dos le hayan propuesto dirigirlos en una comedia de dos actores era una invitación que no podía rechazar.

El precio de ser actor

Para entender al Giovanni de hoy hay que volver a los noventa. Hay un momento que él identifica como un punto de no retorno: cuando conoció la fama. O la infamia. Sucedió en 1997, al aceptar participar en “No se lo digas a nadie”, la adaptación de la controvertida novela de Jaime Bayly. La convocatoria tenía dos imanes imposibles de ignorar: Pancho Lombardi dirigiendo —para él, el mejor cineasta peruano— y un guion en el que creía profundamente. “En ningún momento lo pensé como trampolín”, dice. “Creía mucho en el guion, quería hacer un buen trabajo”. Lo que no calculó fue el precio. Lima en 1997 quizá no estaba lista para un romance homosexual en pantalla grande, y Ciccia pasó del anonimato relativo a ser insultado en la calle. “Me decían maricón, coquero, desperdicio de hombre, asqueroso. Hasta en la cola del banco me gritaban cosas”, relata. No recuerda haber respondido. Cuando llegó “Tinta roja”, tres años después, sus ‘haters’ se quedaron callados y solo conoció elogios.

Esa misma lógica —la de hacer sin calcular— explica también Chabelos, acaso la cosa más impensada que le ha pasado en la vida. A mediados de los noventa, los actores Giovanni Ciccia, Sergio Galliani y Paul Vega empezaron a juntarse en la sala de sus casas para tocar. Los animaba el punk chonguero, las ganas de hacer ruido, y ninguna pretensión de que alguien los escuchara algún día. “Una propuesta cien por ciento artística, sin ninguna proyección”, recuerda Ciccia. El primer disco era casi puros covers, con apenas tres canciones propias, y al mismísimo Giovanni le daba algo de vergüenza. Hoy, a la distancia, lo escucha diferente. Veinticinco años, siete discos y cien mil oyentes mensuales en Spotify, Chabelos se prepara para tocar en Milán, París, Barcelona y Madrid. “Si me lo hubieras planteado hace 25 años, te habría dicho que me estás tomando el pelo”, confiesa.

Estos días lo tienen a Giovanni entre la adrenalina de los nuevos proyectos y una calma zen recién descubierta. Ya casi no sale, no toma y su mayor felicidad a la hora de dormir es imaginar cuál será su desayuno al día siguiente. No tiene Instagram activo, no graba lo que come, no informa a nadie dónde está. “¿Por qué tienes que grabar todo lo que haces?”, pregunta con genuina perplejidad. Su representante a veces lo reprende: le pide números, métricas, que genere contenido. Él encoge los hombros. Lo que más le preocupa no es un algoritmo. “Veo actores que se dedican a promocionar cosas en sus redes y lo que menos veo que hacen es actuar. Nos hemos convertido en vendedores”. Para su generación, que eligió este oficio por las tripas y no por el mercado, la deriva actual le resulta incomprensible. Prefiere la privacidad que le queda. “Ya perdí el anonimato siendo actor”, dice. “Convertir mi vida privada también en un show es algo que no quiero para nada”. //

Este 23 de abril se cumplen cincuenta años de la aparición de “Ramones”, el disco debut de la banda neoyorquina del mismo nombre, y lo primero que habría que reconocer es que el álbum aún conserva una frescura difícil de explicar. Hoy mismo, en alguna ciudad, todavía hay adolescentes encerrados en una habitación, aporreando instrumentos y tratando de tocar así de rápido, imperfecto y amateur, como lo hacían los Ramones en 1976. Aquel primer alarido punk nació para conjurar el aburrimiento de una escena ‘mainstream’ atrofiada por su propia pomposidad. Frente a ello, su respuesta fue volver a lo esencial.

La escena que rodeaba a los Ramones en Nueva York en los años setenta era pequeña pero fértil y daría mucho que hablar tiempo después. En el ruinoso club CBGB del Bowery coincidían bandas muy distintas entre sí: estaba Television, que exploraba con guitarras largas y angulosas, luego los Talking Heads y su nervioso art rock. Todas compartían el mismo escenario, pero los Ramones eran el extremo más curioso de ese ecosistema. Eran una banda de personajes que parecían sacados de una pandilla, con canciones que apenas superaban los dos minutos.

“Nosotros solo estábamos reaccionando contra la música de ese momento”, diría sobre su estilo el guitarrista Johnny Ramone en su autobiografía “Commando” (2004). Para él, bandas como Yes o Emerson, Lake & Palmer representaban justo lo que los Ramones querían evitar: canciones largas, solos interminables y estructuras cada vez más complejas. La respuesta fue radical. “Lo único que hicimos fue tomar el viejo rock and roll y acelerarlo”, diría más tarde en el documental “End of the Century” (2003). La disciplina interna del grupo incluía una regla sencilla: nada de solos de guitarra. Johnny la rompió solo una vez, y justo en su mayor éxito, “I Wanna Be Sedated”. Pero lo hizo a su manera: el “solo” consiste en una sola nota sostenida durante ocho compases.

De la Gran Manzana a Londres

Sobre los orígenes del punk se ha escrito mucho y especulado aún más. Hay quienes insisten todavía en que los peruanos Los Saicos fueron sus creadores, una tesis romántica pero insostenible que, en todo caso, no debería herir el orgullo nacional. Antes del punk existía el rock de garaje, parecido en su aspereza pero distinto en su alcance y en su conciencia histórica. El punk no fue solo un sonido, sino un hecho social. El crítico estadounidense Greil Marcus lo formuló con precisión antropológica en su gran libro “Trazos de carmín”: “Era una cultura para quienes no encajaban”. El filósofo y crítico peruano Pedro Cornejo llegó a una conclusión similar. En “Juegos sin fronteras” observó cómo la música de los setenta relegaba a su público juvenil al papel de mero contemplador de “elaboradísimos ejercicios musicales”. En ese proceso, advertía Cornejo, el rock perdía su potencial movilizador. El punk llegó para recuperarla.

Si en Nueva York el punk tomó forma en los clubes del Bowery, al otro lado del Atlántico el movimiento adquirió un tono aún más explosivo. En 1976, irrumpieron los Sex Pistols, un grupo que transformó el descontento juvenil británico en un escándalo nacional. Su cantante, John Lydon —conocido entonces como Johnny Rotten—, convirtió el sarcasmo, la furia y la provocación en una forma de arte. Canciones como “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen” atacaban frontalmente a la monarquía, a la política y a la cultura oficial, en una Inglaterra marcada por el desempleo juvenil.

Tras el colapso de los Pistols, John Lydon decidió explorar otros caminos. En 1978, fundó Public Image Ltd. (PiL), un fascinante proyecto que empujó la energía punk hacia territorios más experimentales, con ritmos dub, estructuras abiertas y atmósferas oscuras que terminarían definiendo el llamado post-punk. Casi medio siglo después de aquel estallido, Lydon —que de anarquista ha pasado a defender posturas conservadoras— sigue siendo una de las figuras más singulares de esa historia.

Con PiL, el cantante demostró que podía sobrevivir a su propia leyenda y seguir encontrando nuevos caminos. Lydon y Public Imaged Ltd. visitarán Lima este 21 de abril, una fecha imperdible para los nostálgicos del punk y para cualquiera que quiera presenciar en vivo un pedazo de historia del rock del siglo XX. Después de todo, no todos los días pasa por la ciudad uno de los hombres que ayudó a incendiar a toda una generación con sonido, furia e inconformismo. //

Un día en los laboratorios de Glexco Robotics & Automation, en Surco, no se parece en nada a un día de oficina convencional. En la entrada, cual recepcionista, hay un robot rechoncho de rostro amable que te saluda, escanea tu rostro y, tras verificar tu identidad, te saluda por tu nombre con su habitual voz sintetizada. Unos pasos más adentro, en el showroom, dos androides de la marca Ubitree extienden la mano con una cortesía y energía impropia para un oficinista que recién llega al trabajo. Más allá, dos perros robóticos te ven aparecer y se sientan para ofrecer la patita mecánica, más educados que cualquier peludo de barrio. La sensación es que hemos viajado al futuro. Pero en Glexco se apresuran a corregirlo. Esto no es el futuro. Esto es el presente.

La prensa que cubrió el debate electoral peruano, repleto de puyas y discursos ininteligibles, alcanzó a notar que el expositor mejor articulado de la noche no fue ningún candidato a la presidencia. Fue Xpertus, un robot de forma humanoide que, presente en la sala, orientaba a los ciudadanos curiosos en el laberinto del sistema electoral peruano 2026. Xpertus es un robot cien por ciento peruano, fabricado en las instalaciones de Glexco, y representa un hito en la incipiente industria local. “Fue el primer robot que desarrollamos acá y su especialidad es la interacción con personas. Puede conversar, resolver dudas”, cuenta Jorge Tuesta, CEO de Glexco Robotics, sobre este C-3PO a la peruana.

Como muchos compatriotas de su generación, Tuesta creció viendo en la televisión series de autómatas metálicos como “Ultrasiete”, “Ultraman” o “Goldar y los monstruos del espacio”. Para los niños de los años setenta y ochenta, los robots eran una obsesión. Si los chicos del siglo XIX jugaban con caballos de madera y soldaditos de plomo, quienes crecieron pegados al televisor en las décadas siguientes soñaban con “Astroboy”, “Mazinger Z”, “Transformers” o “Robotech”. En esos dibujos animados, las máquinas caminaban, hablaban y salvaban el mundo antes de la hora de la cena. El sueño de más de uno era construir el suyo propio. Hoy, ese viejo anhelo infantil parece cada vez menos imposible.

Una antigua fascinación

En el siglo XVIII, cuando los relojeros europeos dominaban el arte de los engranajes minúsculos, aparecieron los autómatas, máquinas capaces de simular acciones humanas. El más famoso fue El Turco, un supuesto robot jugador de ajedrez presentado en 1770. El artefacto vestía turbante, movía las piezas con solemnidad y hasta parecía irritarse cuando perdía una partida, para mayor realismo. En realidad, era una farsa: dentro del mueble se escondía un ajedrecista de carne y hueso que movía las piezas. Aun así, su leyenda sobrevivió durante décadas —se decía que había derrotado a Napoleón— y alimentó la vieja fascinación, pero también el temor, de que las máquinas pudieran algún día reemplazar funciones humanas.

Recién en 1939 apareció quien suele presentarse como el padre de los robots modernos: Elektro, de la firma Westinghouse. Medía dos metros, caminaba torpemente y podía pronunciar unas 700 palabras, lo cual ya era bastante para una máquina… y para no pocos humanos. Elektro incluso tenía un perrito, también mecánico, cuyo paradero actual es desconocido. En las ferias de la época la gente pagaba por ver aquella proeza de la ciencia, dividida entre la fascinación y un ligero temor a que el aparato decidiera algún día pensar por su cuenta.

El cine fue el arte que mejor supo aprovechar esa mezcla de maravilla y paranoia. Desde la muda “Metrópolis” (1927) hasta “Terminator”, sin olvidar la saga “Blade Runner”, donde Hollywood imaginó androides que no dudan en matar a sus creadores mientras buscan respuestas existenciales.

Mientras tanto, la robótica real siguió avanzando con mucho menos dramatismo. Empresas como Honda desarrollaron máquinas capaces de caminar, como el célebre ASIMO, una especie de astronauta en miniatura que parecía esforzarse por no caerse. Actualmente existen androides con piel de silicona y expresiones faciales que rozan lo humano sin llegar del todo a serlo. El efecto que provocan ha sido estudiado por los ingenieros, quienes lo llaman “uncanny valley”: ese momento incómodo en el que una máquina se parece demasiado a una persona y, precisamente por eso, nos resulta perturbadora.

Hechos en el Perú

Aunque los robots que hoy aparecen en ferias tecnológicas o bailando en campañas políticas suelen venir de China, en el Perú también ha surgido un pequeño pero creativo ecosistema de desarrollos propios. Están los sofisticados humanoides de Glexco, pero también hay inventos mucho más vernaculares, por decirlo de algún modo. En el Vraem, por ejemplo, el profesor Walter Velásquez construyó Kipi, un pequeño asistente educativo ensamblado con chatarra electrónica, material reciclado y un panel solar para recargar energía. Durante la pandemia, cuando los estudiantes de las comunidades rurales de Huancavelica quedaron sin internet ni señal de televisión, Velásquez cargaba a Kipi y se internaba en trochas con su invento subido en el lomo de un burro.

En algunos hospitales también han empezado a aparecer robots con vocación de enfermero. Ingenieros de la PUCP desarrollaron el año pasado a RoPI, un robot interactivo pensado para acompañar a niños hospitalizados en el Instituto Nacional de Salud del Niño de San Borja. Su misión es distraer, conversar y jugar con pacientes que pasan largas temporadas en tratamiento. En esa misma línea, la investigadora Yadhira Valenzuela creó este año a Misi, un robot con forma de gatito diseñado para ayudar a niños con trastorno del espectro autista a practicar habilidades sociales mientras dibujan, escriben o interactúan con el dispositivo.

La robótica peruana también se ha colado en lugares menos esperados, como las casonas y criptas del Centro Histórico de Lima. Un equipo de la Universidad de Lima ha presentado a Alqo, un perro robot equipado con sensores y cámaras, para explorar túneles, pasajes y estructuras coloniales donde entrar con casco y linterna sería, como mínimo, imprudente. Con ayuda de drones y escáneres láser, el proyecto busca crear modelos tridimensionales del patrimonio histórico de la ciudad. Así, mientras los historiadores revisan papeles en la superficie, el robot baja a los sótanos a ver qué secretos quedaron guardados desde el virreinato.

Hace doscientos años, cuando las máquinas de vapor amenazaron con dejar sin empleo a media Europa, los trabajadores respondieron como sabían: agarraron las máquinas a martillazos. El miedo a ser reemplazados por un engranaje es tan antiguo como la industria misma. Qué pasará ahora es difícil de anticipar. Mientras estas líneas se escriben, el robot Optimus de Tesla —ya en su tercera generación— empieza a caminar por las fábricas de Fremont y Austin realizando tareas de ensamblaje. La idea de Elon Musk es que, tarde o temprano, Optimus también ingrese a los hogares para ocuparse de “tareas aburridas” como limpiar, traer cosas o cocinar. Lo que antes parecía un argumento de ciencia ficción que inevitablemente termina mal —como en “Yo, robot”— empieza a asomarse como una realidad a la vuelta de la esquina.

Astroboy

Astroboy fue un icónico personaje de manga y anime creado por Osamu Tezuka en 1952. Contaba la historia de un niño robot con poderes extraordinarios que luchaba por la justicia mientras buscaba su lugar entre humanos.

Caballero Mecánico

Recreación de El caballero mecánico, un invento del genio italiano Leonardo Da Vinci, que fue diseñado hacia 1495. Se considera uno de los primeros autómatas humanoides.

El Hombre de hojalata

El Hombre de Hojalata es uno de los personajes más recordados de “El mago de Oz”, la novela de L. Frank Baum publicada en 1900. No es exactamente un robot, sino un leñador convertido en hombre metálico que cree haber perdido su corazón en alguna parte.

Elektro

Fue un robot humanoide creado por Westinghouse en 1937 y presentado en la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Medía más de dos metros, pesaba unos 120 kilos y podía caminar, hablar unas 700 palabras, fumar cigarrillos e inflar globos. Incluso tenía un perro robot llamado Sparko.

ASIMO

Fue un robot humanoide desarrollado por Honda y presentado en el año 2000. Podía caminar, subir escaleras, reconocer rostros y responder a comandos de voz. Con su apariencia de pequeño astronauta blanco, se convirtió en uno de los robots más famosos del mundo.

Si en 2010 alguien sugería que tanto Robert Pattinson como Zendaya serían dos de los intérpretes más aclamados de los próximos años, favoritos a una eventual nominación al Óscar, pocos lo habrían creído. Es más, se habrían reído en la cara del atrevido que dijera tal cosa. Dieciséis años después tendrán que comerse sus palabras por el cambio que han experimentado sus carreras. Ahora, ambos actores, que comenzaron en obras para las masas —él en el cine, ella en la televisión—, protagonizan juntos una película que promete dar que hablar. Dirigida por el noruego Kristoffer Borgli, “El drama” sigue a la librera Emma Harwood (Zendaya) y el director de museo Charlie Thompson (Pattinson), quienes están a punto de casarse. Días antes de la boda, en una reunión con amigos, ella revela lo peor que ha hecho en su vida, y nada volverá a ser lo mismo. Es un giro en la trama que A24, la distribuidora, ha intentado evitar a toda costa que se difunda, pero sobre el que medios internacionales ya han dado cobertura. Una decisión narrativa que causa polémica por su manejo de un asunto con heridas profundas en la sociedad estadounidense.

Harry Potter tiene la culpa

El inicio en el cine de Pattison no estuvo ligado al ‘blockbuster’, sino todo lo contrario. “Vanity Fair” (2004), donde actuó junto a Reese Witherspoon en un rol que ni siquiera mereció aparecer en los créditos, fue una pérdida de dinero para el estudio. Su suerte cambió con “Harry Potter y el cáliz de fuego” (2005), adaptación de la cuarta novela de la saga de magia, donde tuvo el rol más codiciado de Hollywood: Cedric Diggory, el mago cuyo homicidio súbito traumatizó a toda una generación de adolescentes. Pattinson reconoció que durante años vivió del dinero que le dejó esta película hasta que llegó su próximo éxito.

Fue “Crepúsculo” (2008) la cinta que lo catapultó al estrellato con el rol de Edward Cullen, vampiro de 104 años que se enamora de la adolescente Bella Swan (Kristen Stewart), diferencia de edad que no ha puesto peros en la popularidadde esta franquicia. El actor ha confesado que fue al cásting luego de tomar valium, lo que supuestamente lo ayudó a establecer el tono desinteresado del personaje, aunque con él nunca se sabe: ha confesado que miente en entrevistas. Al día de hoy, las fans de su era vampírica, que se enamoraron del look desaliñado y de la actitud distante de un hombre que en realidad es excéntrico (más que galán, un actor de personaje), todavía mantienen una comunidad digital que se activa a la menor excusa. Ya después trabajó con cineastas de peso, como David Cronenberg (“Cosmópolis”, 2012), los hermanos Safdie (“Good Time”, 2019), Robert Eggers (“El faro”, 2019), Christopher Nolan (“Tenet”, 2020), etc.

Más allá de Disney Channel

La carrera de Zendaya Maree Holland Coleman, nombre completo de la actriz, tiene paralelos con la de su colega. Cuando era niña descubrió su pasión por las artes escénicas; actuó en el colegio y ya de adolescente audicionó para la serie de Disney ”Shake it Up” (2010-2013), que protagonizó junto a Bella Thorne. Al acabar esta historia ya había empezado una incipiente carrera musical que incluso la llevó a “Bailando con las estrellas”. Entonces entró a la serie de espías “K.C. Undercover” (2015- 2018), también para niños, no solo como actriz, sino como productora. Ya para entonces su ingenio y rapidez en las entrevistas la habían convertido en un personaje a tener en cuenta, además de su ojo para las historias: ella pidió cambios al equipo creativo de la segunda serie.

A la par de esta producción debutó en el cine con “Spider-Man: de vuelta a casa” (2016), donde interpretó a Michelle, personaje que se reveló como M.J., interés amoroso clásico del hombre Araña, Peter Parker (dependiendo de la fuente, ella y el actor protagónico, Tom Holland, están comprometidos o ya se casaron en secreto). Tras esta película, siguió con “K.C…”, pero se sentía como una egresada que tenía que volver a clases. Entonces llegó el mayor rol de su carrera hasta el momento, la escolar drogadicta Rue en “Euphoria”, serie de HBO que dio que hablar por su representación de la sexualidad adolescente y que la convirtió en la ganadora más joven de la historia del premio Emmy a mejor actriz. También protagonizó la cinta de Netflix “Malcolm & Marie” (2021), sobre una pareja en crisis; “Challengers” (2024), donde fue una tenista profesional en un triángulo amoroso; y la saga “Dune” (2021-presente) dirigida por Denis Villeneuve.

Si bien Pattinson y Zendaya seguirán sus carreras de manera independiente, en menos de un año tendremos tres películas donde ambos comparten la pantalla. Además de “El drama” llegarán “La odisea” de Nolan (16 de julio) y “Duna: parte tres” de Villeneuve (18 de diciembre). No cabe duda de que, si ambos están en el mismo proyecto, es el espectador quien gana. //

La alfombra roja de “El diablo viste a la moda 2″ en Nueva York reunió a su elenco principal y volvió a activar una conversación global: la moda y su poder dentro y fuera de la pantalla. A dos décadas de la primera entrega, el mundo observa con expectativa la historia, cada referencia, cada guiño, cada cameo que conecte la ficción con la industria real.

Si algo nos enseñó la primera película es que la moda no es superficial. La moda es lenguaje, es trabajo, es significado. Y esta segunda entrega promete elevar ese código.

Anne Hathaway apareció en Louis Vuitton con un vestido rojo satinado que encapsula todo lo que esperamos de un gran momento de alfombra roja: factor wow y presencia. El corset, de construcción impecable, definía el torso con precisión, mientras que la falda con volumen estructurado, caía en un largo midi perfectamente calculado. El detalle clave fueron las sandalias rojas, que lejos de ser un complemento, se integraban al look como parte de la propuesta visual. Un styling limpio, coherente y ejecutado con absoluta seguridad.

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Meryl Streep no necesitó explicar nada. Vestida en Givenchy, su aparición fue un recordatorio de por qué Miranda Priestly sigue siendo uno de los personajes más influyentes en la representación de la moda. La capa con movimiento, los guantes de cuero y los lentes oscuros construyeron un look que habla por sí solo: poder, control y presencia. Y sí, también funciona como un guiño directo a Anna Wintour, quien estuvo presente en la alfombra roja, difuminando -una vez más- la línea entre ficción y realidad.

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Emily Blunt entregó uno de los momentos más impactantes de la noche con un diseño de Schiaparelli. El vestido, trabajado con plumas y un nivel de detalle extraordinario en el torso, le dio el tono teatral a la noche. Si bien el look rozó la perfección, el styling pudo haber respirado aún más sin el collar. Aun así, estamos ante una pieza de alta costura que reafirma su lugar como uno de los looks más memorables de toda la gira de prensa.

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Stanley Tucci optó por la sofisticación clásica con un traje de blazer de terciopelo. Un look sobrio, perfectamente ejecutado, que canaliza ese estilo effortless que definió a su personaje, el recordado Nigel. En una alfombra roja cargada de piezas de alto impacto, su elección demuestra que la elegancia también puede ser silenciosa.

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Stanley Tucci and the Runway moment he deserves. The Devil Wears Prada 2 arrives in theaters May 1.

♬ original sound - The Devil Wears Prada 2

Lady Gaga, encargada del tema oficial de la película, apareció con un vestido negro elegante y aparentemente clásico. Pero tratándose de Gaga, lo inesperado siempre está presente. El giro estuvo en los zapatos: una ruptura sutil pero contundente que nos recuerda que incluso dentro de lo clásico, la extravagancia sigue siendo su firma.

La expectativa alrededor de “El diablo viste a la moda 2″ va mucho más allá de la trama. El público -y especialmente la industria- está atento a los detalles: posibles cameos de diseñadores, referencias a casas de moda reales, menciones a figuras clave del sistema fashion. Porque si la primera entrega nos mostró una versión ficcionada del universo editorial, esta secuela llega en un momento donde la moda ha cambiado radicalmente: redes sociales, democratización del lujo y nuevas narrativas de poder.

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La verdadera pregunta ya no es solo qué veremos en pantalla, sino cómo se representará hoy el poder en la moda. Y si la alfombra roja ha sido un adelanto, la respuesta promete ser emocionante.

La premiere llega a nuestro país el lunes 27 de abril en Cinemark del Jockey Plaza. Estaremos atentos a los looks de nuestras figuras locales en el mundo de la moda.

Conociendo el mar se diluyen las fronteras. Somos un solo planeta conectado de costa a costa y los seres que lo habitan nos recuerdan la urgencia de protegerlo. Desde sus orillas o sus profundidades, muchas mujeres lo están haciendo. En el libro “Heroínas de la mar” encontramos a muchas de ellas: científicas y defensoras de los mares que son homenajeadas en sus páginas ilustradas. Somos logró conversar con algunas para continuar con este merecido reconocimiento.

Antes de que el Perú mirara con urgencia su biodiversidad marina, Obla Paliza —hoy de 95 años— ya estaba recopilando datos sobre plataformas balleneras y abriéndose paso en un mundo de hombres. Todo empezó con una imagen imposible de olvidar: el feto de un cachalote casi formado, expulsado en plena faena en las orillas de la provincia de Paita. “Eso fue lo que me atrapó”, recuerda. Desde ese instante, quiso entender cómo crecía ese gigante, qué necesidades tenía, cómo se desarrollaba en el mar peruano.

Bióloga y profesora, encontró en el océano una forma de vida. En condiciones extremas, Obla recogía decenas de datos por animal antes de que desapareciera en minutos de las plataformas de la costa, armándose de grandes cuchillos y curiosidad. “Hablamos de animales enormes, de entre 15 y 18 metros. Cortábamos y sacábamos estómago, vísceras, testículos… para luego investigar. Era un trabajo duro, razón por la que al principio tuve que insistir para que me dejaran entrar. En ese entonces solo lo hacían hombres”, explica. Con el tiempo, se posicionó como la pionera en la investigación de los cachalotes en el ámbito local y sus investigaciones se difundieron más fuera que dentro del país. “Se publicaba en Inglaterra, Noruega… aquí no había interés”, dice. Aun así, persistió. “No te paga nada, pero es una satisfacción sumar algo al estudio de esta fascinante especie”. Su trabajo no solo ayudó a entender al cachalote, sino que aportó evidencia clave para cuestionar prácticas extractivas. Hoy, su legado sigue vigente.

Por otro lado, con 98 años bien puestos, Norma Chirichigno sigue siendo un personaje solicitado. La buscan especialistas y seguidores de su trabajo de distintos países que sueñan con ver a esa pequeña mujer cuyas investigaciones pioneras aportaron profundamente a la taxonomía de los peces marinos en el mundo. Pero por su estado de salud no siempre es posible. La encontramos junto a su sobrino Luis Galli y su hermana Marta, quienes nos recibieron y usaron sus voces para contarnos parte de su historia. “Siempre quiso destacar dentro de la investigación a pesar de que su sueño de toda la vida era ser bailarina de ballet”, dice Galli. “¿Eso es cierto?”, le preguntamos, y la doctora nos lanza una sonrisa traviesa. Cuentan que eligió el mar porque siempre pensó que el principio y el fin de todo era el océano.

Viajó por el mundo gracias a su especialidad. Hizo un doctorado en una época en que postergar el rol de los cuidados del hogar por una profesión —mucho más si era una dedicada a las ciencias— significaba retar a la sociedad. Su carácter tuvo mucho que ver: ser estricta, la obsesión por el detalle, el estudio y la memoria fotográfica forjaron su carrera. Nunca se casó ni tuvo hijos, pero dejará a la humanidad destacados discípulos que la honran y continúan divulgando sus aportes que perdurarán en sus libros por siempre. Irónicamente, a Norma nunca le gustó el pescado: quizá los amó tanto que no se permitió dañarlos de ninguna manera.

Luchadoras a toda costa

Con 14 horas de diferencia nos contesta Adriana González. Vive en Australia, pero ha viajado a Timor-Leste a bucear en busca de tiburones. Buena parte de su trabajo lo pasa bajo el mar, rodeada de esta temida especie marina sobre la que caen todavía muchos prejuicios. Haber nacido en Lima, en una ciudad de concreto entre un desierto y un océano tan productivo, han sido determinantes para elegir dedicarse a la biología marina: fue parte de la primera promoción de biólogos marinos de la Ucsur.

Durante una pasantía en Galápagos, encontrarse cara a cara con lo más prehistórico de esta especie fue vital para decidirse a estudiarlos: “Es como regresar a un estado prístino donde la naturaleza siente curiosidad hacia el hombre”. Su primera reacción fue de terror: “Tenía todo el prejuicio de la película, pero al darme cuenta de que estaban descansando tranquilos no sentí una amenaza”. Fue cautivada por el tiburón martillo, sobre el que hizo su tesis de pregrado, y continúa conociéndolos a fondo. Aunque en el Perú no haya buceo con tiburones, las investigaciones de González se han desarrollado en desembarques pesqueros y recolectando muestras. Sumado a su trabajo de investigación, trabaja con pescadores y comunidades para acercar la ciencia a la sociedad. Actualmente, es parte de un proyecto de la UICN donde se mapea a escala global los hábitats críticos de los tiburones y rayas. La investigadora Joanna Alfaro, también parte de este libro, ha sido un importante referente en su carrera.

La historia de amor entre el mar y Kerstin Forsberg también comenzó en la niñez. “Biología era mi curso favorito, terminaba el recreo y corría a clases”. Ahora, con 41 años, la bióloga marina se ha dedicado a concientizar sobre el valor de las especies migratorias, especialmente las mantarrayas en Tumbes. Trabaja con escuelas, comunidades, pescadores locales y voluntarios creando conciencia social desde Planeta Océano. Su especial dedicación hacia las mantarrayas gigantes comenzó en 2012, cuando se percató de que en Ecuador estaban protegidas, pero no al migrar hacia el Perú, pues aquí eran capturadas para el comercio de su carne. Así luchó por una resolución que las protegiera y lo consiguió.

Su trabajo por salvaguardar las especies marinas involucrando a las comunidades, investigando para el manejo de políticas públicas y acercándose a colegios ha sido reconocido internacionalmente. En estos meses están tratando de sacar adelante un proyecto turístico con la asociación de pescadores: comprando una embarcación, buscan iniciar rutas de avistamiento de mantarrayas y fauna marina en Tumbes.

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Incluso, arriesgando la vida

También al norte, Fany León levanta la voz. Nacida en Zarumilla y criada por su abuela agricultora en donde el mar se une con el agua dulce de río, aprendió desde niña que cada ecosistema debe ser protegido. “Las antiguas generaciones no depredaban la zona de amortiguación de los manglares (Tumbes). Eso ha cambiado, principalmente por la deforestación y la crianza indiscriminada de langostinos”, apunta. “Hemos perdido mucho manglar”. Insta a proteger lo que queda: un territorio único donde conviven peces, cangrejos y las preciadas conchas negras. “Aquí tenemos carbono azul”, explica, como quien defiende un tesoro invisible que equilibra el cambio climático.

Desde su asociación de recolectores y pescadores, impulsa prácticas sostenibles y nuevas formas de subsistencia, como productos derivados del mar que permiten “dejar descansar” al ecosistema, pero su lucha va más allá. A diario, Fany lleva a niños al manglar, les enseña a no contaminar y conservar. “Queremos que las nuevas generaciones se involucren”, afirma, siguiendo los pasos de su abuela.

Estar en la primera línea de defensa del mar en ocasiones involucra leyes, juzgados y lucha intelectual. Desde Chimbote, Evelyn Lamadrid enfrenta delitos que amenazan los ecosistemas marinos: tráfico de especies, pesca ilegal y comercio clandestino. Su trabajo ha golpeado directamente a mafias organizadas —como la incautación de 182 kilos de aletas de tiburón en 2023— y también le ha costado amenazas de muerte.

“Mi trabajo no consiste solo en aplicar la ley. Es escuchar y hacer que otros sean escuchados”, explica. Formada en derecho cuando la especialidad ambiental apenas existía, eligió ese camino pese a que había quienes le decían que no tendría futuro. Hoy, articula a pescadores, científicos y periodistas en una red que le permite actuar y sostenerse frente al riesgo. “No hay forma de hacer esto sola, por eso siempre digo que los resultados de mi labor no serían posibles sin otros agentes que se suman a la lucha por la protección del mar”, reflexiona. Para Lamadrid, el problema es estructural: mientras la minería ilegal acapara atención, la pesca ilegal crece sin suficiente control. “No podemos permitir que se disfrace de pesca exploratoria lo que es ilegal. Las normas deben basarse en ciencia y no netamente en escritorio”, advierte.

Así como estas aguerridas activistas del mar, los peruanos estamos llamados a defenderlo. //

En una ciudad donde la cena puede empezar pasadas las nueve de la noche y el ritmo cotidiano parece no dar tregua, hay un ritual que resiste y que incluso se reinventa: la merienda. Ese espacio entre el almuerzo y la cena, muchas veces relegado por la rutina, es el eje de “Meriendas de Buenos Aires”, el nuevo programa de la cocinera argentina Ximena Sáenz en canal elGourmet, en el que invita a conocer a la “ciudad de la fiura” desde otro ángulo.

“Hay algo muy ligado a la infancia, a volver del colegio y sentarse a merendar”, cuenta. Pero ese recuerdo hoy convive con una nueva realidad: restaurantes llenos a media tarde, jóvenes que eligen este horario para salir y una oferta gastronómica cada vez más especializada. “Se abrió un nuevo horario para encontrarse”, resume.

Lejos de apostar por un solo estilo, el recorrido de “Meriendas de Buenos Aires” busca reflejar la diversidad gastronómica de la ciudad. Desde salones clásicos que te hacen sentir en otra época hasta espacios modernos con estética urbana, la selección responde a una premisa: mostrar un abanico de opciones, pero siempre con buena comida.

“Queríamos que fuera variado: lo elegante, lo popular, lo tradicional y lo más joven. Lugares donde podrías llevar a tu abuela, y otros donde predominan los neones y una estética más contemporánea”, explica.

El resultado es un mapa afectivo y gastronómico que incluye desde palacios hasta cafeterías de barrio. En todos, sin embargo, hay un elemento en común: la experiencia de la merienda como un pequeño lujo cotidiano.

El viaje comienza en lugares emblemáticos como Confitería La Ideal, donde la tradición sigue intacta, y se extiende hacia experiencias más sofisticadas como el té del Hotel Alvear. En paralelo, aparecen propuestas modernas como Lab Sucré, donde la pastelería se acerca a lo experimental.

La ruta continúa con espacios que combinan estética y cocina, como Casa Cavia, o reinterpretaciones de lo clásico en lugares como García Nordelta. También hay lugar para la técnica y el detalle en La Kitchen, donde el ambiente eleva la experiencia.

En otros episodios, el recorrido se vuelve más diverso: desde el té premium en el Palacio Paz con Croque Madame, hasta propuestas abundantes como el buffet de Club El Progreso. A esto se suma la tradición pastelera del Hotel del Sindicato de Pasteleros, donde el oficio cobra protagonismo.

La experiencia también incluye escenarios arquitectónicos como el Palacio Basavilbaso, opciones más informales como Anafe, con su propuesta “a la ventana”, y un cierre íntimo en Casa Sáenz, donde la merienda vuelve al hogar.

Una comida para los jóvenes

Uno de los hallazgos más interesantes del programa es el cambio generacional. La merienda, antes asociada a la infancia o a encuentros familiares, hoy convoca a un público joven.

“Me sorprendió ver mesas de chicos de entre 18 y 22 años. Quizá todavía no tienen tanto dinero para salir a cenar, pero la merienda es más accesible y también más relajada”, señala.

Este factor económico, sumado a la posibilidad de compartir platos, ha contribuido a posicionar la merienda como una alternativa atractiva dentro de la oferta gastronómica.

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Más allá de Buenos Aires

Aunque el programa se centra en la capital argentina, la idea podría crecer. Sáenz no lo plantea como un plan inmediato, pero sí como un deseo claro: explorar otras ciudades y países a través de este mismo concepto.

Entre ellos, menciona a Perú, un destino que aún no visita pero que admira profundamente, en gran parte por su gastronomía. La cocinera recuerda con emoción una charla de Gastón Acurio en Buenos Aires y destaca el rol de los restaurantes peruanos como embajadores culturales.

“Fue muy fuerte. Habló de cómo representan a su país a través de la comida”, cuenta. Para ella, la cocina peruana es una de las más importantes de la región, y no duda en mencionarla entre sus favoritas.

Entre sus platos preferidos están los clásicos como el cebiche o la papa a la huancaína, pero también tiene un gusto especial por los postres. “Soy muy dulcera. El suspiro a la limeña me parece de lo más delicioso que hay”, dice. Incluso menciona con cariño restaurantes peruanos en Buenos Aires, donde ha encontrado sabores caseros y memorables.

No es casual, entonces, que uno de sus sueños sea llevar el formato del programa a otros países. “Me encantaría salir a merendar por Latinoamérica, entender qué tenemos en común y en qué somos distintos”, afirma. Perú, claramente, está en esa lista.

Entre la televisión y los nuevos proyectos

El estreno de “Meriendas de Buenos Aires” llega en un momento de intensa actividad para Sáenz, quien también ha ganado visibilidad tras su paso por MasterChef. A esto se suma la expansión de sus restaurantes y su interés por explorar nuevos formatos de contenido, como la escritura en plataformas digitales.

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Pero, más allá de los proyectos, hay una constante en su trabajo: la búsqueda de momentos significativos alrededor de la comida. Y en este caso, la merienda se convierte en una excusa perfecta para redescubrir una ciudad.

Hace unas semanas, el actor Timothée Chalamet lanzó una frase que encendió el debate: dijo que no le interesaba trabajar en el ballet ni en la ópera, disciplinas que —según sugirió— suelen mantenerse vivas más por convicción que por tendencia, incluso cuando parecen no estar en el centro del interés masivo. La declaración, viral y discutida, volvió a traer la pregunta sobre el lugar que ocupan las artes clásicas en un mundo donde la inmediatez del streaming domina el entretenimiento global. Pero más allá de la polémica, surge algo evidente: la ópera sigue generando conversación. Y, sobre todo, sigue viva. Al menos en Lima, una ciudad donde esta expresión artística no solo resiste, sino que encuentra nuevas formas de sostenerse, reinventarse y convocar.

TRADICIÓN EN ESCENA

Para Miguel Molinari, gerente de Cultura de la Municipalidad de Lima, la ópera no está en crisis. “La crisis es de los teatros”, afirma. En el caso peruano —explica— el problema ha sido estructural: los grandes escenarios no han operado como espacios de producción, sino, más bien, como recintos de alquiler.

Es justamente a partir de ese diagnóstico que el modelo ha comenzado a cambiar. Desde el municipio limeño, la apuesta ha sido que los teatros asuman un rol activo en la creación de sus propias temporadas. “Este es un primer paso para institucionalizar la ópera”, señala Molinari. La clave está en la ordenanza N° 2734 aprobada el año pasado, la cual establece, por primera vez, temporadas oficiales de ópera, conciertos y danza con presupuesto asignado. “Lo importante es que no quede como una anécdota, sino que tenga continuidad en el tiempo”, añade.

En el fondo, se trata también de reconectar con una historia que Lima nunca ha dejado del todo atrás. Su tradición operística es, de hecho, fundacional. “La ópera en América nació en Lima”, comenta Molinari, aludiendo al estreno de ‘La púrpura de la rosa’ en 1701, con música de Tomás de Torrejón y Velasco. Desde entonces, la ciudad desarrolló una intensa actividad lírica. “Los antecedentes musicales e históricos son enormes”, subraya. En el siglo XIX, esa tradición se consolidó con temporadas formales y figuras como Rosa Merino, mientras que la escena alcanzó niveles hoy difíciles de imaginar. “Cuando se inaugura el Teatro Municipal, se montaron 36 óperas en cinco meses”, apunta.

Esa continuidad, sin embargo, se fue diluyendo. Durante décadas, fueron asociaciones privadas las que sostuvieron la ópera en Lima. “Se ha mantenido viva por el interés de personas y grupos que han trabajado con mucho esfuerzo y amor por la música”, reconoce. Hoy, ese impulso empieza a articularse con una política pública que busca asegurar su permanencia. Incluso —dice entre risas— polémicas recientes como las declaraciones de Timothée Chalamet “terminaron dándole promoción a la ópera sin querer”.

La temporada 2026 se desarrollará principalmente en los teatros municipales (Teatro Municipal y Teatro Segura), recuperando su rol histórico como espacios de producción y exhibición. La programación incluye títulos del repertorio clásico como ‘Il trovatore’ de Verdi y ‘Tancredi’ de Rossini, junto a propuestas vinculadas a la historia y la identidad peruana como ‘La púrpura de la rosa’ y ‘Atahualpa’, además de montajes como ‘Cavalleria rusticana’, ‘Pagliacci’ y ‘L’elisir d’amore’ (más información en el recuadro).

ARTE QUE EVOLUCIONA

Desde el 2008, el Festival Granda de Ópera se ha convertido en uno de los pilares de la escena operística en el Perú. Nacido como una iniciativa privada para mantener viva la tradición lírica en tiempos de escasa programación institucional, el festival ha logrado consolidarse como una cita clave en la agenda cultural limeña. En los últimos diez años, bajo la presidencia de Fiorella Simeone, su apuesta ha sido clara: formar públicos y demostrar que la ópera no es un arte lejano ni elitista, sino una experiencia viva y accesible.

“Durante mucho tiempo sentimos que el interés por la ópera estaba un poco dormido”, reconoce Simeone. “Nuestro principal objetivo ha sido acercar nuevos públicos, sobre todo jóvenes”, añade. Para ello, el evento apostó en sus primeras ediciones por títulos reconocibles como ‘La traviata’, ‘Carmen’ o ‘El barbero de Sevilla’, capaces de tender un puente entre la curiosidad y la experiencia. Hoy, con un público más formado, la propuesta puede arriesgar más.

La temporada 2026 marca un punto de madurez. El festival presentará ‘Aida’, una de las grandes óperas del repertorio, en el Gran Teatro Nacional, un escenario que —según Simeone— permite finalmente desplegar toda la magnitud del espectáculo. “Es una ópera que no se presenta hace muchos años en Lima y que necesita un espacio con las condiciones técnicas adecuadas”, explica. La elección no es casual: ‘Aida’ exige grandes coros, una orquesta amplia y una puesta en escena de escala monumental, elementos que encuentran en el Gran Teatro Nacional su mejor plataforma.

Detrás de esta ambición hay también una visión artística sólida. La curaduría cuenta con el respaldo de figuras como el tenor peruano Ernesto Palacio, lo que permite convocar a artistas internacionales de primer nivel y articularlos con talento local. “Buscamos propuestas innovadoras, que desmitifiquen la idea de que la ópera es aburrida”, señala Simeone.

A pesar de los desafíos (financiamiento, competencia con otros espectáculos, coyunturas políticas) el festival ha logrado crecer. “Es casi una magia que logramos gracias al equipo y a los auspiciadores”, admite. Pero más allá del espectáculo, hay una convicción: la ópera sigue teniendo un lugar en Lima. “Es una experiencia que te atraviesa, que te hace sentir. Hay que vivirla para entenderla”, dice.

En una ciudad que vuelve a mirar su tradición lírica con ambición renovada, el Festival Granda no solo acompaña ese impulso, sino que lo potencia: apuesta por espectáculos de gran escala, forma nuevos públicos y reafirma que, lejos de ser un arte del pasado, la ópera sigue encontrando en la capital peruana un escenario para proyectarse hacia el futuro. //