El artista peruano Lenin Tamayo, creador del Q-pop ha construido un proyecto musical y un universo visual coherente, reconocible y en constante evolución. Uno en el que se fusionan el K-pop -con su precisión estética y narrativa visual- con elementos andinos, símbolos ancestrales y una identidad que no busca adaptarse, sino afirmarse.

A ese cruce lo ha llamado Quechuapop (Q-pop). Y más que un género, es una declaración estética. El estilo de Lenin parte desde lo local para proyectarse globalmente. Sus looks, cuidadosamente construidos, funcionan como una extensión de su discurso artístico. Conversamos con el joven cantante, quien nos aterrizó en palabras su universo creativo: “La estética visual de un artista puede comunicar bastante sin tener que decir nada. Eso me parece muy poderoso”.

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A diferencia de muchos artistas cuya imagen es completamente delegada a un equipo, Tamayo mantiene el control creativo de su estilo. Si bien colabora con stylists y marcas, la decisión final siempre pasa por él.

“Colaboro con algunas personas, pero la última decisión siempre la tengo yo”, explica. Una postura que no es casual: su relación con la moda viene desde antes de su carrera musical. “Siempre he tenido ese hábito de pensar qué quiero expresar con la ropa”, declaró para El Comercio.

Esa claridad se traduce en una expresión de la moda que no responde a tendencias, sino a algo mucho más personal. Cada etapa de su música, cada canción, cada lanzamiento, define también su vestuario. “Depende de la era en la que me encuentro. Cada parte del proyecto tiene un mensaje y eso lo traduzco a todos los niveles, incluida la ropa”.

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Entre lo andino y lo asiático

Uno de los aspectos más interesantes de su estilo es la fusión entre lo andino y lo asiático. Lejos de ser un recurso superficial, esta mezcla responde a un proceso de exploración personal que terminó encontrando puntos de conexión inesperados.

“Cuando fui a Asia en 2024 empecé a notar similitudes entre las siluetas asiáticas y las prendas andinas. Recuerdo que llevé una pieza de Cusco y funcionaba perfectamente con esa estética. Ahí entendí que había algo en común”, cuenta.

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Desde entonces, esa relación se ha vuelto parte central de su propuesta visual. Pero el punto de partida no fue la referencia externa, sino la búsqueda interna. “Cuando haces algo nuevo, primero tienes que explorarte tú. Solo tú sabes qué quieres comunicar. Luego las personas que colaboran contigo empiezan a entender esa visión”.

El resultado es una estética híbrida pero coherente, donde conviven telares, capas, accesorios y siluetas contemporáneas con una naturalidad que desarma cualquier lectura folclórica.

Si hay un principio que define su forma de vestir, es la libertad. Lenin evita encasillar su estética desde la confección y prefiere construirla desde el styling.

“No me gusta definir la ropa desde cómo fue diseñada originalmente. Me interesa cómo puedo transformarla: usar una prenda como tocado, como chal o amarrarla de otra forma”, explica.

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Esta lógica convierte a los accesorios en protagonistas. Sobre bases simples -pantalones o tops neutros- construye capas de significado a través de piezas que se suman, se reinterpretan y se resignifican.

En ese proceso, también colabora con diseñadores peruanos y marcas independientes como Hey Jim, Ocho Perú y Katherine Salcedo, así como con creadores emergentes que incluso le hacen llegar piezas de forma directa. El resultado es un ecosistema diverso, donde la moda se construye de manera colectiva, pero con una dirección clara.

Y en el universo de Tamayo, nada es casual. Ni siquiera el cabello. Para su proyecto “AMARU”, un álbum conceptual dividido en tres partes, decidió dejarlo crecer como parte del relato. “Quería que se viera que el personaje está atravesando cambios. El crecimiento del cabello es una forma visual de mostrar evolución”.

Pero la decisión también conecta con una lectura cultural más profunda. “En la cultura andina el cabello tenía un significado importante, representaba jerarquía, identidad. Y también es una imagen muy asociada a las culturas originarias a nivel global”. Así, el cabello se convierte en símbolo: una herramienta visual que dialoga con la historia, la percepción global y la construcción de identidad contemporánea.

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Entre todos los elementos que componen su estilo, hay uno que se repite y resume su enfoque: un collar en forma de sol que aparece en múltiples looks.

Lejos de ser una pieza de lujo en términos tradicionales, su valor es simbólico. “Lo conseguí detrás de la catedral del Cusco. Para mí es una joya no por el material, sino por lo que representa”, explica.

El accesorio llamado Sol Echenique remite a sus raíces familiares y al significado del quechua como cultura viva. Es, en esencia, una declaración: en su estética, el valor no está en el objeto, sino en la historia que carga.

Uno de sus looks más representativos -un kimono bicolor en rojo y blanco representando los colores de nuestra bandera- resume bien su manera de entender la moda como puente cultural. Diseñado para una gira en Asia, el look buscaba transmitir el mensaje de “amor y libertad”, eje central de su proyecto. “Quería representar nuestra llegada a Asia no como algo ajeno, sino como parte de esa cultura”, explica. La imagen es potente: un artista peruano que se presenta ante el mundo desde el respeto, pero sin renunciar a su identidad. “Era como una especie de Inca que llegaba con un kimono, y al abrirlo mostraba todo el universo quechua”.

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Hoy, el impacto de su propuesta trasciende lo visual. El creciente apoyo del público -incluyendo quienes lo proponen como telonero para el concierto de BTS en Lima- refleja algo más amplio: un cambio en la forma en que se percibe lo local.

“Que en mi propio país haya más apertura a lo que hago es un indicador de que estamos empezando a tener una visión más amplia, sin perder identidad”, señala.

Su referencia más reciente, no por casualidad, es David Bowie, un artista que entendió la estética como parte esencial de la música. “Me inspira cómo construía cada alter ego con una identidad visual clara”.//

En París, donde las tendencias nacen y la moda suele dictarse silenciosamente en escaparates y ‘maisons’, una joven franco-peruana atrae miradas con una moda singular: polleras andinas y accesorios latinos maximalistas. Desde hace ya algunos meses, la también fotógrafa y productora Claudia Rivera obliga a mirar, a gritar fuerte herencias que por años estuvieron estereotipadas y ocultas. Sobre todo allá, del otro lado del charco, en Europa.

Hija de migrantes peruanos que llegaron a Francia en los años noventa, Claudia creció entre dos geografías emocionales. En casa se hablaba español, se comía peruano y se contaban historias del Valle del Mantaro, de donde es su padre (nacido en la comunidad campesina de Usibamba), y de Llampao, un poco más al norte, la comunidad andina de la que proviene su madre. Afuera, en cambio, se respiraba otra cultura, otros sabores, otro idioma.

Decir “soy peruana” en el colegio no siempre fue fácil para Rivera. “La gente no conocía Perú”, recuerda en diálogo con Somos. Sin embargo, con el tiempo, terminaría por entender que la palabra “latina” le ayudaría a encontrar comunidad en un país donde la diáspora latinoamericana es pequeña frente a otras minorías.

“Es muy importante para mí decir que tengo raíces andinas. No se trata de un detalle geográfico, sino de una postura”, afirma. Sus padres son andinos y esa cultura —apunta— es la que intenta resaltar en todo lo que hace.

Con los años, abrazar esa latinidad no solo la llevó a generar comunidad en Francia con otros migrantes e hijos de migrantes, sino también a chocar fuerte con estereotipos aún vigentes en pleno siglo XXI. La hipersexualización, las bromas reduccionistas y la simplificación constante de identidades complejas fueron algunos de ellos.

Lejos de encasillarse o sentirse diminuta ante estas problemáticas, Rivera plantó cara y se sintió en el deber de trabajar por cerrar brechas y revertir invisibilizaciones. En esa línea, se encargó también de ahondar aún más en la historia de las generaciones que la antecedieron, más allá de sus padres. Parte de esa convicción la llevó a Chupaca, cuna de sus abuelos paternos. Pronto sintió la necesidad de conocer más, proteger más memorias y llevar un poco de ello al otro lado del mundo.

Cuando viajaba al Perú, ese mundo era el reverso absoluto de su vida parisina. Entonces decidió hacer algo concreto: archivar, fotografiar, registrar conversaciones, rostros, gestos. Conservar lo que parecía frágil. Aunque profesionalmente se sumergió en las ciencias políticas y los estudios de género, Claudia encontró en la fotografía un arte que no soltaría nunca más. Una forma de atesorar su historia con el Perú, aún a kilómetros de distancia.

“Cuando mis abuelos fallecieron, ya tenía algo para recordarlos. En cada fotografía no estaba el instante capturado, sino lo acontecido, las memorias compartidas y las vivencias que me contaban”, dice a Somos.

Latido latino

Años después, su pasión por la fotografía se transformaría en un proyecto. Durante su maestría en Ciencias Políticas y Estudios de Género, Claudia Rivera investigó la hipersexualización de las mujeres latinoamericanas en Francia, lo que la llevó a crear Ñañaykuna, un espacio fotográfico y comunitario donde empezó a retratar a mujeres latinas en París y, sobre todo, a reunirlas más allá del lente, creando una verdadera red de soporte y colectividad.

“Antes de ser un proyecto por el que me conocieran, fue algo que creé porque sentía que lo necesitaba”, explica. Las sesiones eran colectivas, casi catárticas. Mujeres que no se conocían descubrían que compartían experiencias similares: invisibilización, prejuicios, desconocimiento sobre sus países de origen. “Era como decir: ‘Ah, tú también pasaste por eso’ y sentirse sostenida”. Más que una serie de imágenes, Ñañaykuna fue un lugar de sanación e impulso al cambio.

En paralelo, su estética empezó a llamar la atención. Primero fueron las joyas que traía de cada viaje al Perú. Luego, los accesorios más audaces. Después, las polleras. No como traje típico ocasional, sino como parte de su cotidianidad en París. “Me di cuenta de la importancia que eso podía tener en términos de representación”, afirma. Lo que durante décadas fue motivo de burla o discriminación, hoy lo lleva con orgullo en uno de los centros simbólicos de la moda mundial.

Para Claudia Rivera, la moda no es superficial. “Es algo muy político porque es así como te muestras al mundo. Cuestiona actitudes que nos atan a vergüenzas sin sentido, a estereotipos que no debemos cargar”. Así, vestirse es también disputar narrativas perpetuadas por años, ampliando el imaginario sobre lo que significa ser andina (y latina) en el siglo XXI. //

Desde su concepción, las tablas de Sarhua (Ayacucho) han sido instrumento para narrar historias, costumbres y luchas a través de pinceladas con conciencia. Sumergida desde niña en esta tradición, Gaudencia Yupari hoy es reconocida internacionalmente por dar un paso más allá con valentía: demostrar que estas historias también resisten fuera de la madera, sobre telas con bordados igual de poderosos.

“Este arte es algo que he visto desde chiquita”, rememora en diálogo con Somos. “En casa, me gustaba hacer dibujos en tabla, y luego mi mamá me enseñó también a hacerlo en polleras, blusas… porque era artesana”, añade. Crecer en ese entorno marcó el ritmo de su aprendizaje: miraba, repetía, probaba. Con una realidad compleja, Gaudencia reconoce que su infancia estuvo atravesada por el hacer. “Como no teníamos cosas para jugar, me gustaba hacer chompitas, ropa... así me distraía y de paso ayudaba”, comenta sobre esas primeras conexiones con el arte, que más que por gusto surgieron por necesidad.

Esa intuición temprana fue tomando forma con los años. A los 16, como muchas otras mujeres de nuestro país, se casó y migró a Lima con una idea concreta: trabajar lo suficiente para comprarse una máquina de coser. Gaudencia no se casó por amor, reconoce, pero ello le abrió las puertas para salir adelante en una sociedad que muchas veces se encargó de cerrárselas. “Me repetía: ‘Voy a ir a Lima, trabajar y comprar mi máquina’”, recuerda Yupari. Y esa frase la acabaría sosteniendo durante su juventud.

El camino no fue inmediato. “A los 25 años recién pude aprender más. Mi esposo me compró mi máquina, y así comencé a hacer blusas y polleras”, cuenta. Su esposo también era artista —músico, tocaba la guitarra— y aquel entorno terminó nutriendo aún más su vínculo con lo creativo.

Nace una maestra

Durante años, el trabajo de Gaudencia se mantuvo en lo tradicional: confección de polleras, blusas, encargos. Sin embargo, un hallazgo inesperado acabaría por cambiar la dirección. El reconocido coleccionista y galerista Mauro Herlitzka encontraría sus diseños en Internet y le propondría explorar nuevas formas de revalorizar su talento. “A mí me sorprendió que se hayan fijado en mí; nunca antes había pasado”, afirma emocionada.

Lo que siguió fue un proceso intenso, mediante el cual Yupari volvió a las raíces de las tablas de Sarhua y las adaptó a bordados fascinantes. “Recuerdo que hubo noches en que no podía dormir. Me la pasaba pensando qué bordar, cómo hacerlo. Al principio no sabía bien cómo, pero sí tenía claro que lo iba a lograr y me iba a quedar bien”. Así, comenzó a experimentar con el bordado como soporte narrativo, trasladando a la tela lo que antes se contaba en madera.

La pregunta que se hizo fue clave: “¿Acaso no puedo hacer diseños como en las tablas, pero en tela, con la misma emoción y dedicación?”. La respuesta fue construyéndose puntada a puntada. Bordó escenas. Historias completas. Y, a través de ello, revela que también empezó a sanar. Así como las tablas de Sarhua, sus bordados no son meramente estéticos: son pasajes dolorosos de su vida, las luchas de su comunidad, las taras y desigualdades con las que aún carga nuestro país.

“Recuerdo, por ejemplo, uno de los bordados que más me costó hacer, pero al que más dediqué mi tiempo. Es uno que muestra mi primer parto. El de mi primer hijo. Fue muy doloroso, muy difícil. En el bordado no solo busqué mostrar mi vivencia, sino la de muchas mujeres de mi comunidad, que, sin acceso a una salud digna, viven partos muy crueles”, reflexiona.

El impacto no tardaría en aparecer. Junto a Herlitzka, sus piezas ganaron reconocimiento internacional. “Cuando me contó que querían mis bordados en España [en el museo Reina Sofía], no podía creerlo. Me sentí muy contenta, muy feliz. Hasta ahora, sigo muy agradecida con todos las personas que ayudan a que mi arte sea más conocido y apreciado”, apunta.

Más allá de los reconocimientos, el núcleo de su obra está en lo que decide contar. De los momentos más duros pueden nacer los bordados más impresionantes. Todo ello encuentra sostén en la tela. “También he bordado sobre la lucha de mi hijo y sus adicciones. Para sanar, fui cosiendo. Botando todo puntada por puntada”.

En ese gesto hay una intención clara de compartir. “No solamente por mí… por todas las madres que sufrimos cuando se destruyen nuestros hijos”, dice. Y añade: “El arte me ha enseñado a no rendirme. Puedes sufrir, llorar mientras bordas, pero al final siempre hay que tener fuerza y voluntad”, concluye. Una idea de resistencia que atraviesa todo su trabajo, y que cada vez conmueve a muchas más personas. //