ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: su entorno cometerá errores que lograrán alterarle, pero necesitará paciencia. Amor: el encanto de los pequeños detalles será lo que facilite un encuentro romántico.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: apartará de su camino esas trabas que alejan las metas de proyectos o negocios. Amor: su fuerte encanto será un factor poderoso si está en pareja o si carece de ella.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: las disputas entre colegas no ayudarán al desarrollo de proyectos nuevos. Amor: tendrá que poner a salvo la pareja de los problemas creados por entrometidos.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: un aspecto económico negativo se resolverá con calma y una acción inteligente. Amor: hallará a esa persona que comprende sus sentimientos plenamente y lo disfruta.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: parecerá que se suman problemas y el entorno se altera pero tendrá todo controlado. Amor: su buen humor aliviará la tensión en la pareja y disipará los infinitos caprichos.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: momento favorable para los planes, proyectos o negocios más audaces. Amor: será un acierto expresar el afecto de modo explícito y generar una dulce calidez.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: su habilidad para el balance ayudará a que un emprendimiento fluya. Amor: tendrá que generarse el espacio para un cálido encuentro, pleno de armonía.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: detectará señales que dicen que la prosperidad está en el horizonte. Amor: se reforzarán los lazos de la pareja con renovado afecto y la calidez será un hecho.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: no será buena idea detenerse en detalles y dejar pasar una falla. Amor: no le escucharán si no comprende que se muestra con cierta indiferencia.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: sus virtudes analíticas se destacarán ante gente exigente. Amor: provocará los momentos agradables que facilitarán las expresiones cálidas.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: con una estrategia inteligente y utilizando nuevas tecnologías, crecerá. Amor: se concentrará en alguien que parece distante pero será su alma gemela.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: marchas y contramarchas, alguien cuestionará su éxito pero se lo ha ganado. Amor: llega el momento en el que conocerá a alguien que resultará ser su gran amor.

__________________________________________________________________

SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: MUY CREATIVA. CADA DÍA VENCE A LA RUTINA Y PROMUEVE CAMBIOS DRÁSTICOS.

La vida de Arturo Pomar Jr., asegura él mismo, se asemeja a la película “Easy Rider”: No es de aquí, tampoco de allá. Sin embargo, en lugar de andar en moto, lo suyo es el asiento del avión, del taxi y de las salas de espera en el hospital. En ese ir y venir transcurre hoy la vida del exintegrante de Arena Hash, un período marcado por los cambios, la nostalgia y los nuevos comienzos. Todo ello desemboca en la segunda edición de “Y es que sucede así”, un espectáculo en el que repasa episodios de su carrera musical mientras explora las preguntas que deja el paso del tiempo.

—Este espectáculo llega en una etapa de muchos cambios personales. ¿Cómo te encuentra hoy?

En un momento súper decisivo. Ahorita yo no vivo en ningún lado. En estos últimos tres años me divorcié. Viví 24 años en Miami y después me mudé a Georgia, donde está mi hermana. Viví un año y pico allá. Después me vine para Lima, me quedé ocho meses y luego regresé a Georgia.

—Después de tantos cambios, ¿sientes que todavía tienes un lugar al que llamar hogar?

Yo te puedo decir ahora que no sé dónde vivo. La vida me dice que voy a tener que pasar más tiempo en Perú, en Lima, de lo que paso allá. Tengo que ir a Estados Unidos dos o tres veces al año porque tengo que chequearme con los doctores, llenarme de medicinas y regresar.

—Has mencionado que debes viajar constantemente por temas médicos. ¿Qué tan condicionada está tu vida hoy por esa situación?

Tengo una dependencia total de los medicamentos porque controlo mi diabetes con un par de aparatos que acá sería muy utópico conseguir, incluso si tuviera dinero. Entonces estoy en una circunstancia que, si bien no me tienen cogido de las bolas, sí necesito viajar cada cierto tiempo para recoger mis medicinas y hacerme ver.

—¿El derrame cerebral cambió tu manera de mirar el tiempo y las prioridades?

Esto me lleva a replantear las cosas que quiero hacer y lo que soy. Desde que sufrí el derrame cerebral, hace más de tres años, mi mirada cambió. Me fui hacia lo que me gusta hacer, para lo que sé que soy... no sé si decirte bueno porque hay pocas cosas de las que puedo decir eso. Entonces tomé la decisión de dedicarme a hacer lo que hago, y esa es la querella más grande en la que me encuentro: estoy apostando todo a hacer lo que me llena, lo que me hace feliz, porque vivir en Estados Unidos no te da siempre la chance de hacer lo que te apasiona.

—Mucha gente te identifica únicamente con la música, pero tu vida en Estados Unidos fue muy distinta. ¿De qué viviste durante esos años?

Yo he trabajado en muchas cosas que no tienen nada que ver con la música. Durante mucho tiempo fui vendedor de timeshare. Eso incluso me ayudó con la comedia porque tenía que explicarle a la gente un producto durante cuatro horas y metérmelos al bolsillo. Eran ventas de altos costos, entonces tenía que hacerlos reír, lo que era un doble premio porque, además de venderles el producto, me daba el gusto de tener momentos chéveres con ellos.

En Estados Unidos uno termina haciendo trabajos muy distintos cuando tiene que sobrevivir y pagar cuentas. Las cuentas no paran. Entonces llegó un momento en que recapacité y me dije: “Haz lo que quieres hacer. Haz lo que debes hacer”. Y eso es lo que estoy haciendo ahora.

—Después del éxito de la primera entrega, ¿qué nuevas historias decidiste incorporar a esta versión?

Yo cuento la historia de la banda, pero le estamos agregando anécdotas que no conté la vez pasada. Hay anécdotas que sí conté y que también están ahí porque no las puedo obviar. Estamos agregándole cosas nuevas y armando algo más grande de lo que era antes.

—¿Hay anécdotas que quedaron fuera la primera vez y que ahora sentiste que era momento de compartir?

No porque no me haya atrevido, sino porque no me acordaba.

—Después de tantos años, ¿todavía quedan historias de Arena Hash que prefieres guardar para ti?

Definitivamente hay cosas que me guardo, pero intento contarlo todo. Hay momentos de dolor que son inevitables, especialmente cuando se habla de la ausencia de Pedro. Aunque yo vivía fuera del país y no tenía contacto diario con él, la ausencia existe. Cada uno ha tenido que adaptarse a vivir sin Pedro. Cinthya ha tenido que hacerlo como esposa. Patricio ha tenido que hacerlo como hermano. Y yo también he tenido que hacerlo como amigo. A veces me pasa algo parecido con mi madre. Han pasado ocho años desde que falleció y todavía hay momentos en los que quisiera hablar con ella y contarle cosas. Con Pedro me ocurre lo mismo. Hay veces en que me gustaría levantar el teléfono y llamarlo como antes, pero ya no se puede.

—Hay quienes sostienen que sigues orbitando alrededor de Arena Hash. ¿Qué respondes a esa crítica?

Si alguien piensa así, bueno, simplemente que no vaya a ver el show. Si la crítica es que sigo hablando de Arena Hash, la verdad es que Arena Hash es lo que soy. Actualmente no tengo la menor intención de grabar un disco nuevo, de ponerme a sacar canciones, de buscar compositores o volver a empezar una carrera musical desde cero. No tengo ninguna intención de hacer cosas nuevas [para Arena Hash].

—¿Nunca sentiste la tentación de escribir nuevas canciones o reactivar la faceta creativa de la banda?

Yo decía muchas veces que no me volvería a casar de a cuatro porque ya no estoy para eso, porque el tiempo ya pasó y ya fue. Lo que quiero hacer es lo que me gusta, lo que me llena, lo que me da gusto.

—Sin embargo, el nombre Arena Hash sigue teniendo un peso enorme. ¿Qué representa para ti recuperarlo?

Con Arena tengo una querella porque el nombre de la banda fue de Pedro y mío toda la vida, y eso se volvió a hacer realidad hace poco porque el anterior mánager, Robelo Calderón, compró el título de Arena Hash y lo tuvo durante casi doce años. Yo estaba en Estados Unidos y no sabía nada de eso. Se lo comenté a Pedro, pero él ya estaba malito y no hubo chance. Después, cuando me acerqué más a su esposa, Cinthya Martínez, ella inició el proceso para recuperar el nombre y gracias a ella terminamos obteniendo nuevamente la propiedad.

Hoy el nombre pertenece a quienes lo creamos originalmente: Pedro y yo. Como Pedro ya no está, Cinthya lo representa. Eso me da la posibilidad de revivir Arena, de hacer cosas con Arena. Es lo que quiero hacer, lo que voy a hacer y lo que siento que estoy destinado a hacer. Si a alguien no le gusta, es asunto suyo. No voy a perder tiempo buscando críticas ni dándoles importancia. Yo sigo haciendo lo mío y mirando hacia adelante.

—En este nuevo show aparece Patricio Suárez-Vértiz. ¿Qué representa hoy en tu vida?

Patricio es una prueba de lo que uno llama amistad. A estas alturas de mi vida uno se pregunta quién es realmente tu amigo, quién está contigo de verdad y quién está a media caña. Patricio y yo podemos haber discutido, podemos tener opiniones distintas, puedo haber dicho cosas de él o él de mí, pero eso me tiene sin cuidado. Es una amistad imperecedera. Estamos planeando reunir Arena Hash él y yo, sin Christian. Vamos a hacerlo porque queremos hacerlo y porque la gente nos lo pide todos los días.

—¿Por qué no incluir a Christian Meier?

Porque no quiere. Y si alguien quiere profundizar más en ese tema, debería preguntárselo directamente a él. Por lo que veo, no tiene interés en hacer nada relacionado con Arena Hash.

—¿El espectáculo también aborda las tensiones y desencuentros que existieron dentro de Arena Hash?

De hecho, en el show hay un bloque para cada uno donde contamos cómo fuimos a tocarle la puerta a Christian para invitarlo a tocar con nosotros. Tú sabes la fama de galán que siempre tuvo Christian. Era un chico muy apuesto. Entonces cuento cómo llegamos nosotros y hago una comparación entre él y yo. Yo estaba vestido como metalero y Patricio tenía una apariencia bastante andrógina en esa época. La señora que nos atendió apenas abrió la puerta. Después apareció Christian, pero nunca llegamos a entrar a la casa.

—La tuya con Pedro fue una amistad capaz de sobrevivir incluso a la distancia.

Totalmente. Yo estoy convencido de que si Pedro estuviera viendo este show, estaría feliz, cagándose de risa y apoyándome como siempre hizo. Pedro siempre fue así. Cuando yo hice un disco de hip-hop en el año 2000, Pedro hablaba bien de ese disco. Decía que le gustaba. Yo sabía perfectamente que a él no le gustaba el hip-hop. Nunca le gustó, pero aun así me apoyaba. Decía que estaba bien lo que hacía, opinaba sobre el trabajo, sobre cómo lo había presentado y respaldaba el proyecto. Y eso vale mucho.

Su primer gran paso llegó al ingresar a la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) de Madrid, una de las instituciones más reconocidas en formación teatral. Allí fortalece su preparación en teatro musical y participa en producciones como “Dear Evan Hansen” y “Las cosas del querer”, consolidando una base artística marcada por la disciplina y la continuidad formativa.

Durante su último año en la RESAD de Madrid, la pandemia lo sorprende en Perú, impidiéndole regresar a España y poniendo en riesgo la culminación de sus estudios. En ese contexto conoce a la gestora cultural y directora de ArtPlus, Jenny Prada, iniciando un proceso de trabajo conjunto que marca un punto de inflexión en su trayectoria.

Juntos producen el concierto virtual “Viaje por un sueño”, con la ayuda de artistas locales, logrando recaudar los fondos necesarios para regresar a España y culminar su formación en la RESAD de Madrid.

Posteriormente obtiene una beca completa por talento para estudiar en la American Musical and Dramatic Academy (AMDA), lo que marca el inicio de su llegada a Nueva York y una nueva etapa de expansión artística.

“ArtPlus fue mi guía desde el momento en que quedé varado en Perú durante la pandemia. Me acompañó en mi regreso a Madrid y en mi llegada a Nueva York. El trabajo con el equipo me permitió tomar decisiones más claras, ordenar mi carrera y definir el tipo de artista que quiero ser.”

Su llegada a la ciudad consolida su desarrollo profesional en la escena del teatro musical, con participación en espacios como Ellen’s Stardust Diner, The Green Room 42, Don’t Tell Mama y Repertorio Español, integrándose progresivamente al circuito artístico.

En esta etapa, amplía su trabajo en proyectos vinculados a la industria musical y digital, incluyendo su participación en campañas como Spotify Wrapped de Bad Bunny.

En paralelo, crece su presencia en plataformas como TikTok, donde comparte contenido sobre su vida artística, el lifestyle del artista migrante, su vínculo con la cultura peruana y su proceso de inserción en la industria del entretenimiento.

Este vínculo con la comunidad también se refleja fuera de lo digital. En Nueva York impulsa iniciativas que combinan arte, cultura y deporte, consolidando espacios de encuentro para artistas y migrantes latinos.

Así nace Chaski Run Club, un espacio de encuentro en Central Park que reúne a artistas, migrantes y corredores alrededor del running como punto de conexión.

“Siempre he tenido esa necesidad de armar comunidad, de juntar gente que estaba viviendo cosas parecidas a las mías, pero por su lado”, afirma. “Chaski empezó como algo muy pequeño y terminó reuniendo a mucha más gente de la que imaginé, alrededor del deporte, la nostalgia y nuestras raíces”, añade.

“Entre castings, escenarios y creación de contenido, intento construir un camino que no solo tenga que ver conmigo, sino también con lo que estamos viviendo como artistas latinos”.

Actualmente, su trayectoria en Estados Unidos se consolida con su participación en “Aguardiente: The Musical” en el GALA Hispanic Theatre, marcando su inserción en el circuito profesional del teatro musical en el país.

En este proceso, mantiene una mirada honesta sobre su recorrido personal y profesional, entendiendo su trayectoria como un camino de construcción constante entre escenarios, migración y comunidad artística latina.

Un país puede perdonarlo todo, menos que se metan con su fútbol. Y el Mundial de México 1986 escondía una historia marcada por la devoción del protagonista Martín de la Torre (Diego Luna), pero también por manejos administrativos y políticos que dejaron consecuencias. Y eso se convirtió en una espina clavada en la garganta del hincha durante años. El director Gabriel Ripstein toma este pasaje futbolero y lo lleva a una comedia política en “México 86” (Netflix).

El Mundial de México 1986 pasó a la historia por la magnífica maniobra de Maradona, el ‘gol del siglo’, y la victoria de Argentina, pero la película de Ripstein se mete en las trastiendas del poder que hicieron posible que México se convirtiera en sede, oportunidad que Colombia dejó ir por la crisis económica del país y la incapacidad de cubrir las exigencias de la FIFA, entre otras razones. ¿Pero quién podría rechazar un Mundial de Fútbol? Eso se preguntó Martín de la Torre (Luna), un funcionario que se cuela en las grandes ligas de Suiza a punta de discursos improvisados y su increíble amor por la Selección Mexicana.

“La historia de cómo México se hizo del mundial de 1986 refleja en buena medida la idiosincrasia de este país”, señala el director de la cinta.

Sobre México 86 hay películas y documentales, desde el film oficial “Héroes” hasta producciones recientes centradas en Maradona y la selección argentina, pero el foco ha estado casi siempre en la cancha y sus deportistas. En la película de Netflix, el foco está en Martín y la gesta que lo convirtió en el número uno de la Federación Mexicana de Fútbol Asociación (FEMEXFUT). La historia comienza en el 9 de julio de 1974 y luego avanza entre tensiones y espacios de comedia de la mano del protagonista mexicano. Pero también muestra la rivalidad entre la delegación mexicana y la estadounidense para pelear el Mundial, las alianzas políticas, saber quién llamó a quién y qué se negoció en salas de juntas y oficinas alfombradas mientras el mundo miraba hacia otro lado.

Daniel Krauze, guionista de “Luis Miguel: La serie”, escribe el guion de esta película mundialera. Tanto él como Ripstein pensaron en Diego Luna desde el primer momento. El actor y director mexicano marcó tendencia por su protagónico en “Andor” (Star Wars) y, en estos días, la ovación a su nueva película, “Ceniza en la boca”, en el Festival de Cine de Cannes. “Todos saben que Diego es pambolero a más no poder”, dijo el director de “México 86”, en referencia a una jerga que señala a los apasionados del fútbol. “Es un futbolista frustrado, pero también es un hombre muy consciente del país del que proviene, por lo que entiende muy bien la parte política de la película”, sostuvo Ripstein.

Entre tanta bandera, la película también se reserva un espacio para la intimidad, la familiaridad y el romance con la participación de la actriz mexicana Karla Souza en el papel de Susana, vecina y amante de Martín. Este personaje femenino no depende de un marido, como pocas mujeres lo eran en esa época. Con el tiempo, se convierte en cómplice y consejera del líder de la FEMEXFUT. Juntos son el gesto de comedia romántica de la cinta.

El resto del elenco termina de dibujar el mapa de poderes que rodearon al Mundial de 1986. Están Daniel Giménez Cacho como Emilio Azcárraga Milmo, el dueño de la empresa televisiva más poderosa de México, y Álvaro Guerrero como Caedo, miembro del comité organizador del Mundial 70, que representa la mano administrativa más tradicional de la federación.

Los creadores insisten en que la película sale de la realidad. Así, aparecen otras figuras populares como el futbolista Hugo Sánchez, interpretado por Memo Villegas, quien cumple el sueño de muchos mexicanos que vocearon su nombre para este personaje. Finalmente, los comentarios de usuarios en las redes sociales destacaron la representación del personaje de José Ramón Fernández, emblema del periodismo deportivo en México, encarnado en la pantalla por su hijo Juan Pablo. Una película que promete estar entre lo más visto de Netflix.

VIDEO RECOMENDADO

Rosalía aplazó los conciertos de la gira ‘LUX Tour 2026’ que tenía previstos esta semana en Miami y Orlando por “una emergencia familiar”, según informó este jueves la empresa promotora.

“Debido a una emergencia familiar, Rosalía se ve obligada a posponer sus próximos conciertos en Miami y Orlando. Lamenta decepcionar a sus fans, pero las circunstancias no le han dejado otra opción”, informó Live Nation Florida en redes sociales.

“Mientras el equipo de la gira gestiona el cambio de fechas, por favor conserven sus entradas. Próximamente habrá más información”, agregó.

La artista española tenía programado actuar en el Kaseya Center de Miami el 4 y 6 de junio, mientras que estaría presente al Kia Center de Orlando el 8 de junio.

La gira daba este jueves el salto a América tras su paso por Europa entre el 16 de marzo y el 6 de mayo.

Además de Miami y Orlando, ambas situadas en Florida, ‘LUX Tour 2026’ tiene previsto llegar a las ciudades estadounidenses de Boston, Nueva York, Chicago, Houston, Paradise, Inglewood, San Diego y Oakland, entre junio y julio, así como por la canadiense Toronto este mismo mes.

El concierto de Boston, previsto para el 11 de junio, sigue en pie, por el momento.

A partir del 16 de julio, Rosalía pondrá rumbo a Latinoamérica. Bogotá (Colombia), Santiago (Chile), Buenos Aires (Argentina), Río de Janeiro (Brasil), Tlajomulco de Zúñiga, Monterrey, Ciudad de México (México) y San Juan (Puerto Rico), serán las paradas de la gira.

La gira transcurre menos de un año después del lanzamiento de ‘Lux’, el cuarto álbum de estudio de la cantante.

VIDEO RECOMENDADO:

La mayoría de las películas sobre explosivos suelen apoyarse en la adrenalina, las cuentas regresivas y los héroes de acción. “Zona de riesgo” busca algo distinto. La producción británica, protagonizada por Aaron Taylor-Johnson, construye su tensión alrededor de procedimientos reales de desactivación de bombas en Reino Unido. El objetivo no habría sido imposible sin la participación de Nick Orr, operador de explosivos que pasó años enfrentándose a bombas reales de la Segunda Guerra Mundial en algunos de los escenarios más peligrosos del mundo.

Antes de llegar al cine, Orr desarrolló una carrera marcada por operaciones en Afganistán, Irak, Kuwait, Mali y, más recientemente, Gaza. Allí trabajó como especialista y jefe de operaciones en tareas relacionadas con la neutralización de explosivos y la gestión de amenazas. Hoy asesora a producciones audiovisuales que buscan representar escenas militares.

Detonador de bombas

“Cada día era una prueba”, dice Orr, en una comunicación con El Comercio, sobre su experiencia en zonas de conflicto. “Pero todo eso llegó después de haberme labrado una sólida trayectoria en el ejército”, cuenta sobre su carrera militar.

Su principal misión en “Zona de riesgo” fue ayudar a Aaron Taylor-Johnson (“Kraven, el cazador”, “Avengers: Era de Ultrón”) a convertirse en un técnico de desactivación de explosivos creíble, personaje de Will Tranter. En un comunicado difundido por la distribuidora de la cinta, el actor británico destaca la participación de Nick Orr como consultor de la cinta: “Trabajé codo a codo con un experto en desactivación de bombas de alto nivel, que había enfrentado situaciones extremas. Era importante que todo lo que dijera, todos mis accesorios y equipos, fueran auténticos y que supiera manejarlos”.

Aunque Hollywood suele presentar a los expertos en explosivos rodeados de tecnología futurista, Orr insiste en que la realidad es mucho más sencilla. Según explica, muchas intervenciones dependen de herramientas básicas como cintas aislantes, bridas plásticas, hojas de corte o mosquetones. “En la película, (Aaron Taylor-Johnson) usa mi monocular y mi puntero láser para explicar su plan al equipo”, comenta Orr. Sin embargo, la bomba retratada en la película exigía un tratamiento especial al ser artefacto mecánico que requiere el uso de un dispositivo conocido como “clock stopper”, el cual interrumpe su mecanismo de detonación.

Escena de “Zona de riesgo”

Una de las secuencias más llamativas de la película involucra una bomba alemana de 500 kilos heredada de la Segunda Guerra Mundial. En ella, el personaje interpretado por Taylor-Johnson identifica dos espoletas distintas. Una de ellas fue responsable de sembrar el caos durante el ataque de bombardeos aéreos, Blitz, de Londres, ya que podía detonar entre 0 y 72 horas después de activarse. “Al ser mecánica, la espoleta puede ser desactivada por el interruptor de tiempo. Esto nos da, como operadores de desactivación de explosivos, una oportunidad para preparar las condiciones para su posterior eliminación de forma segura. Es la única respuesta que tenemos en esta situación. Así que sí, es muy importante tener ese equipo en el vehículo de respuesta”, explica Orr.

La presencia de bombas históricas en “Zona de riesgo” también refleja la vigencia de estos dispositivos en el mundo de hoy. “Es un juego del gato y el ratón”, resume el experto. Cuando una amenaza deja de funcionar, aparece otra, y el ciclo vuelve a comenzar. Para Orr, la evolución de los explosivos ha sido una constante carrera entre quienes diseñan ataques y quienes intentan prevenirlos. Cada nueva técnica obliga a desarrollar procedimientos, entrenamientos y respuestas diferentes.

Para Orr, estos dispositivos son objetos cuyo comportamiento puede entenderse y neutralizarse mediante estrategia. “Las bombas no me asustan. Las personas sí”, afirma tras recordar su trabajo de años observando organizaciones armadas, como ISIS, que justificaban sus acciones en la fe. “Esa moralidad es terriblemente subjetiva. Ellos creían que estaban haciendo lo correcto. Nosotros no estábamos de acuerdo. El mundo puede ser un lugar muy cruel; es difícil encontrar belleza en los horrores de la guerra, pero si uno mira con atención, puede encontrarla”, concluye.

VIDEO RECOMENDADO

Las reconocidas bandas estadounidenses LIVE y Soul Asylum compartirán escenario por primera vez en Lima en un concierto único que reunirá algunos de los mayores éxitos de la década de los noventa en el Duomo de Costa 21 el próximo 17 de septiembre. La venta de entradas será a través de Teleticket.

LIVE, agrupación liderada por Ed Kowalczyk, llegará por primera vez a la Lima como parte de una gira que celebra más 30 años de trayectoria musical. La banda cuenta con más de 23 millones de discos vendidos en todo el mundo y es considerada una de las formaciones más influyentes del rock alternativo estadounidense.

Asimismo, cuenta con dos producciones que alcanzaron el número uno en las listas de éxitos: “Throwing Copper” y “Secret Samadhi”, de donde se han desprendido himnos generacionales como “Selling the Drama”, “I Alone”, “Lightning Crashes”, “All Over Your”, “Lakini’s Juice”, “Turn my Head”, entre otros.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por LIVE (@livetheband)

La banda volverá a Latinoamérica luego de más de dos décadas de ausencia. “¡No podemos esperar a verlos y cantar juntos! El espectáculo que hemos preparado es tan especial y contamos las horas hasta que podamos compartirlo con todos ustedes”, comentó entusiasmado el histórico líder de la banda, Ed Kowalczyk.

Uno de los mayores hitos de LIVE fue el álbum "Throwing Copper", producción que alcanzó el primer lugar del Billboard Top 200, superando los 10 millones de copias vendidas y fue incluido por la revista Rolling Stone en su listado de los mejores discos de rock alternativo de 1994.

Como invitados especiales estarán los integrantes de Soul Asylum, agrupación que llegará a Lima tras una gira por Europa y el Reino Unido. La banda es recordada por éxitos como “Runaway Train”, tema ganador del premio Grammy, además de canciones emblemáticas como “Misery”, “Somebody to Shove” y “Black Gold”, que formarán parte de su repertorio.

La preventa de entradas para ver a LIVE junto a Soul Asylum en Lima, el jueves 17 de setiembre en el Duomo de Costa 21, será el martes 9 de junio en Teleticket. Los boletos tendrán 15% de descuento con tarjetas de Interbank.

Perú nuevamente en el ojo internacional. “Bob and David Climb Machu Picchu”, dirigida por Michael LaHaie, es una de las películas más destacadas del Festival de Tribeca 2026, cuyo estreno está programado para este sábado 6 de junio. El documental sigue a los actores Bob Odenkirk y David Cross, reconocidos por su trabajo conjunto en el programa de culto “Mr. Show”, mientras emprenden un viaje por tierras peruanas con el objetivo de alcanzar la cima de Machu Picchu.

A lo largo de la travesía, los protagonistas exploran la cultura local y viven diversas experiencias que incluyen la degustación de productos tradicionales como las hojas de coca y la carne de alpaca. Entre bromas, conversaciones y situaciones inesperadas, Odenkirk y Cross entretienen tanto a los habitantes que encuentran en el camino como al público, manteniendo el característico humor que ha definido su carrera como dúo cómico.

Cabe resaltar que el documental surge de una aventura realizada en 2024, cuando los actores estadounidenses decidieron recorrer la ruta hacia Machu Picchu mientras reflexionaban sobre su amistad de más de tres décadas y sus trayectorias profesionales.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por David Cross (@davidcrossofficial)

Durante una reciente entrevista con la revista Variety, Odenkirk y Cross compartieron detalles de la experiencia vivida en Perú. Ambos destacaron los desafíos físicos de la travesía y la singularidad del paisaje andino.

“Llevaba tiempo diciendo que quería hacerlo, y pensé: ‘Me estoy haciendo viejo y tengo que hacerlo’. Y pensé: ‘¿Con quién podría ir, con quien me gustaría pasar un buen rato y al que le guste el senderismo?’. Y enseguida pensé en Bob. Todo el proceso duró unos 17 segundos”, comentó David Cross al ser consultado de cómo se le ocurrió la idea de hacer senderismo en Machu Picchu.

Por su parte, Bob Odenkirk destaca un episodio que le tocó vivir mientras realizaba el senderismo en tierra peruanas, cuyo momento no fue incluido en el documental.

“Tenía una preocupación, que no abordo en la película, que es la siguiente: El Camino Inca fue construido durante más de 100 años por esclavos capturados por los incas, y todos los escalones tienen alturas diferentes. Es arriesgado. Tuve que irme de allí y hacer dos películas de acción seguidas donde no puedes romperte un tobillo ni lastimarte el cuerpo… Dicho esto, realmente debes prestar atención al recorrer el Camino Inca porque hay muchas maneras de lastimarte debido a la ingeniería rudimentaria que se empleó en él”, dijo.

Según información difundida sobre el documental, la historia combina momentos de humor, reflexión y aventura, mientras los protagonistas recorren los caminos que conducen a la cima de Machu Picchu. El proyecto busca mostrar no solo el desafío físico del recorrido, sino también el valor cultural y paisajístico de una de las maravillas del mundo.

Para Karina Sian Jiménez, el cabello nunca fue solamente cabello. Antes que una herramienta estética, siempre lo vio como una materia capaz de transformarse: una estructura moldeable, donde conviven el volumen, la textura y la emoción. Quizás por eso sus peinados parecen esculturas y sus editoriales de moda se sienten más cercanos a una instalación artística que a un trabajo meramente bello.

Hace apenas unos días, “Forbes” la incluyó en una lista que reconoce a algunas de las personas más creativas del país. La noticia, sin embargo, la tomó completamente por sorpresa, durante su conversación con Somos. “Ha sido un gran regalo enterarme por medio de ustedes”, dice. Después de atravesar momentos personales difíciles, el reconocimiento llega como una confirmación silenciosa de todo lo construido durante años. “Es como cuando uno siembra y después cosecha”, reflexiona.

Aunque hoy su trabajo aparece en editoriales, pasarelas y campañas que han trascendido fronteras, el inicio de su historia estuvo lejos de ese universo. Karina nació en Arequipa y llegó a Lima aún adolescente. Fue entonces cuando descubrió un mundo que hasta ese momento parecía inaccesible. “Mi mamá me motivó muchísimo”, recuerda. Ya instalada en la capital, ingresó a Pivot Point, una de las escuelas más reconocidas del rubro, donde actualmente también se desempeña como mentora.Ahí entendió que el estilismo podía ir mucho más allá de la técnica. Lo que realmente despertó su curiosidad fue la posibilidad de investigar, experimentar y conectar el cabello con otras disciplinas creativas. Esa inquietud la llevó también a acercarse a las artes plásticas y desarrollar un lenguaje propio, profundamente influenciado por la observación y la exploración de formas.

Hoy en día, sus referencias pueden surgir de cualquier lugar: desde la historia del arte hasta un elemento cotidiano. Uno de sus procesos creativos más recordados, por ejemplo, nació observando la estructura de un camarón, un alimento muy presente en su infancia arequipeña. “Ese patrón modular fue lo que más me cautivó”, cuenta. A partir de ahí empezó a crear módulos de cabello y estructuras que luego se convertían en piezas escultóricas.

Karina reconoce que los trabajos editoriales y de pasarela son los que más la desafían. Mientras otros proyectos exigen rapidez o precisión comercial, esos espacios le permiten experimentar y llevar sus ideas al límite. “Siempre buscan algo más, algo diferente”, explica. Y esa búsqueda constante es precisamente lo que más disfruta.

Manos a la obra

Detrás de cada propuesta existe un proceso largo y minucioso. Algunas piezas pueden tomarle hasta dos meses de trabajo entre investigación, bocetos y pruebas. “Hay que cocinar la idea, investigar, debatir con quien invierte en la propuesta creativa”, indica. Antes de tocar el cabello, estudia referencias, desarrolla conceptos y prueba estructuras sobre maniquíes o modelos. Todo debe tener coherencia visual, pero también una conexión emocional y cultural.

Parte importante de esa sensibilidad tiene que ver con la manera en que Karina entiende el empoderamiento femenino. En sus redes sociales suele hablar sobre resiliencia, identidad y autoestima, temas que atraviesan también su obra. “Investigar y conectar con tu identidad es lo más valioso”, afirma.

Su experiencia personal ha marcado profundamente esa mirada. Karina es madre de un niño con discapacidad y reconoce que esa vivencia la obligó a fortalecerse emocionalmente. “Tengo que ser resiliente y valiente”, comenta. Más que una frase motivacional, para ella el empoderamiento femenino implica sostenerse incluso en los momentos más complejos y aprender a no autosabotearse.

Desde dentro de la industria, también ha sido testigo del crecimiento de la moda peruana y del enorme potencial creativo que existe en el país. Sin embargo, cree que todavía faltan más espacios de visibilidad, programas educativos y estímulos que impulsen a nuevos talentos. “Talento hay muchísimo, lo que falta son oportunidades y mentores que compartan sus conocimientos”, asegura.

Mientras tanto, ella continúa construyendo su universo creativo desde el mismo lugar donde empezó: la curiosidad. Cada editorial, videoclip o pasarela sigue representando un nuevo reto creativo, con esa misma fascinación que sintió aquella primera vez que entendió que el cabello también podía convertirse en arte. //

Una moneda de veinte céntimos cubierta de manchas azul verdosas de óxido es el objeto más preciado para el actor y psicólogo Javier Echevarría (57). La conserva desde hace más de treinta años como recordatorio de la que fue la primera de sus tres bancarrotas. Ocurrió hace mucho tiempo, la primera vez que quebró. Los trabajos en televisión por entonces pagaban bien, así que hizo algunas inversiones, pero todo terminó de la peor forma. Con un solo sol en el bolsillo, tuvo que morderse el orgullo y regresar a la casa paterna. Ochenta céntimos le costó el pasaje de regreso. “Me dije a mí mismo que sobre estos veinte céntimos iba a construir todo de nuevo”, recuerda mientras sostiene la moneda como único testigo de aquella promesa. Cinco años después tenía una casa propia. No sería la última gran crisis de su vida.

Sentado en el sofá de su sala junto a su gato, Flancito, que entrecierra los ojos al ser acariciado, Echevarría recuerda una experiencia que lo golpeó más que cualquiera de sus bancarrotas. Fue la noche en la que tuvo que despedirse de su gata Cleo, a causa de una enfermedad renal que cayó sobre ella casi de forma fulminante. Los veterinarios le advirtieron que probablemente Cleo no llegaría a la mañana siguiente, así que Echevarría no quiso dejarla en un lugar ajeno y frío. Se la llevó a su casa, la acomodó sobre su pecho y permaneció junto a ella hasta el final. “Vi cómo la vida se iba de ella. Sus ojos perdieron brillo y me dejó un frío en el pecho que me duró semanas”, recuerda.

Como muchas personas que fueron niños en los años setenta, el actor y psicólogo asegura que entonces no existía la sensibilidad que hay ahora por las mascotas. Eran tiempos en que al perro de la casa se le dejaba salir hasta que rascaba la puerta para entrar. Nunca había convivido realmente con gatos, y fue recién con Julieta, Cleo y Flancito que descubrió una relación distinta. La muerte de Cleo le permitió comprender hasta qué punto aquellos animales habían transformado su vida. “Ahora Flancito se ha quedado solo y no se me despega. Yo soy una persona que no llora con facilidad. Pero Cleo me ayudó mucho. Me hizo llorar muchas lágrimas que estaban ahí guardadas”.

Mientras acompañaba a Cleo en sus últimas horas, Echevarría comenzó a hacerse preguntas que nunca antes se había planteado. Una de ellas era qué ocurre con las mascotas después de la muerte. “No me había puesto a pensar en eso. No me había puesto a pensar en una narrativa posterior”, recuerda. La pregunta quedó rondando en su cabeza durante meses, hasta que intentó responderla primero en un libro y luego en una obra teatral: “El viaje de Cleo al corazón del cielo”, una historia que imagina el recorrido de una gata después de morir y propone una respuesta más emocional que religiosa. En el universo de Echevarría, las mascotas que partieron encuentran su lugar dentro del corazón de quienes las aman.

Echevarría cree que “El viaje de Cleo al corazón del cielo” es una obra sobre la reparación emocional antes que sobre la muerte. Como psicólogo, sostiene que el arte debe cumplir una función terapéutica y no únicamente estética. “El arte está al servicio de la terapia, no al revés”, afirma. Por eso buscó abordar un tema tan doloroso desde la ternura, el humor y la imaginación. Su intención no era provocar desolación, sino ofrecer una historia capaz de acompañar a quienes atraviesan un duelo y ayudarlos a manejar una situación así. Las reacciones del público han terminado confirmándole que la historia conecta. Después de las funciones, muchas personas lo esperan para compartir experiencias personales de despedida y ausencia. Hay lágrimas, reconoce, pero no desolación.

La conversación con Javier se extiende hacia otros territorios. Como él mismo reconoce, de niño no era muy apegado a los animales. Su infancia, sin embargo, tuvo algo de singular. Lo que más le gustaba era inventar historias. Cogía sus soldaditos de plástico y construía relatos completos que duraban días. Aunque creció entre cinco hermanos, cuenta que fue cultivando una impecable soledad, y a veces lo asaltaba una sensación de ser invisible que no le agradaba nada.. Un día, una profesora lo desaprobó por falta de participación, y cuando fue a reclamar, la docente le respondió: “¿Tú quién eres?”. Era, pues, un completo invisible. Para recuperar el curso debía actuar en una obra escolar. “Yo le tenía terror al escenario, pero le tenía más miedo a salir jalado”, dice entre risas. Esa fue la decisión que cambió su vida.

Pasó de ser el muchacho al que nadie veía a convertirse en alguien conocido, primero en su colegio, luego entre los asiduos al circuito teatral, y finalmente para todo el Perú gracias a tantas telenovelas. Durante los años noventa participó en algunas de las producciones más exitosas de la televisión peruana. Sin embargo, nunca terminó de identificarse con la imagen del galán televisivo: mientras las entrevistas se concentraban en su carrera como actor, él prefería hablar de psicología, disciplina que estudiaba y ejercía en paralelo. A los cuarenta años atravesó una crisis que se convirtió en epifanía. “Me dije: ‘he tratado de ser protagonista de novelas y no me he atrevido a ser protagonista de mi vida’”. Comprendió que llevaba demasiado tiempo esperando que otros escribieran el guion de su existencia.

Tras un paso por Colombia, regresó al Perú, creó su propia empresa y encontró una forma de unir el arte y la psicología. Ahora, mientras Flancito duerme a su lado y “El viaje de Cleo al corazón del cielo” se acerca a sus últimas funciones, se puede encontrar un trazo que une toda su trayectoria: el niño que imaginaba mundos, el actor que buscaba personajes complejos y el psicólogo que convirtió una pérdida personal en una historia capaz de acompañar a otros. Los escenarios cambian, pero no las ganas de contar nuevas historias. //

La artista francoiraní Marjane Satrapi, conocida mundialmente por el cómic y la película “Persépolis” donde contó su infancia en la República Islámica de Irán, murió “de tristeza” en París a los 56 años, un año después del fallecimiento de su marido.

”Marjane Satrapi murió de tristeza más de un año después del deceso de Mattias Ripa, su marido y el amor de su vida", indicaron sus allegados en un comunicado transmitido este jueves a la AFP. Productor, actor y director sueco, Mattias Ripa murió el 8 de abril de 2025.

Exiliada en Francia desde 1994 y naturalizada francesa en 2006, Satrapi saltó a la fama con su saga autobiográfica “Persépolis” (2000), en la que relata su juventud en Irán bajo el sistema de los mulás, la represión sufrida por el pueblo iraní y su dolorosa partida hacia Europa.

La artista francoiraní plasmó, con un trazo sencillo y en blanco y negro, la complejidad de la sociedad iraní y el choque íntimo y político provocado por la llegada al poder del ayatolá Jomeini en 1979.

“Esa imagen de la mujer cuervo y del hombre barbudo integrista, lo que ustedes pudieron ver en televisión, es lo que el gobierno permitía que se viera. Pero Irán es una dictadura, y una dictadura no lo muestra todo”, declaró en 2003, lamentando los “clichés” que rodean a su país natal.

“Persépolis”, adaptada en 2007 a la gran pantalla por ella misma junto a Vincent Paronnaud, ganó el premio del jurado en el Festival de Cannes, y también fue nominada al Óscar a la mejor película de animación.

“Aunque esta película es universal, quiero dedicársela a todos los iraníes”, declaró en Cannes la artista, quien en los últimos años siguió denunciando a las autoridades de la República Islámica de Irán.

Una voz esencial

El presidente de Francia, Emmanuel Macron, expresó sus “sentidas condolencias” a la familia de Marjane Satrapi y rindió homenaje a “una artista inmensa que convirtió una infancia iraní en una fábula universal”.

“Marjane era una artista extraordinaria y una mujer entrañable que encarnaba la alegría de la creación y la tristeza del exilio y de los recuerdos dolorosos. Hoy la lloramos”, reaccionó Thierry Frémaux, delegado general del Festival de Cannes, en una declaración a la AFP.

Férrea opositora de las autoridades de Teherán, en 2023 coordinó el libro “Femme, vie, liberté” (“Mujer, vida, libertad”) en el que un grupo de artistas ilustraron las revueltas producidas en Irán a partir del asesinato en 2022 de la joven kurda iraní Mahsa Amini, fallecida bajo custodia policial tras ser detenida por llevar el velo mal colocado.

En 2024, Satrapi, autora también de “Bordados” (2003) o “Pollo con ciruelas” (2004) ambas inspiradas en su país natal, fue galardonada en España con el premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades por ser “una voz esencial para la defensa de los derechos humanos y la libertad”.

Un año después, Satrapi rechazó la Legión de Honor francesa para denunciar “la actitud hipócrita de Francia respecto a Irán”, donde se producía de nuevo una fuerte represión.

La artista creó en febrero de este año la Fundación para el cine Mattias y Marjane Ripa-Satrapi, en el seno de la Academia de Bellas Artes francesa, de donde era miembro, con la misión de “apoyar a estudiantes extranjeros en su proyecto de venir a estudiar cine a París”.

Su cuenta de Instagram mostraba las huellas del dolor causado por la pérdida de su marido en 2025. En varias publicaciones, un mensaje proclamaba: “I Lost the love of my life” (“Perdí el amor de mi vida”).

Uno de nuestros más destacados fotógrafos e investigadores, Herman Schwarz, recuerda la primera vez que el pintor Víctor Humareda mencionó a Marilyn Monroe. Lo hizo en una entrevista en 1974, donde afirmaba: “Lima, a pesar de lo que se dice, está llena de color. El color lo encuentras en los trapos de las gitanas, en las vitrinas. En todo sitio. También hay muchos rostros en las ropas usadas. Te contaré que yo he encontrado a Marilyn Monroe en medio de ropas usadas. Ha venido hasta el Mercado de San Ildefonso para que yo la pinte”.

Schwarz, quien trabó una estrecha amistad con el pintor puneño, destaca la timidez de Humareda y su capacidad para inventar historias al enfrentar a los periodistas. Así, la carismática Monroe pasó de ser su ideal de belleza femenina a ser su enamorada y hasta su esposa.

“Incluso declaraba a los medios que Marilyn se personificaba en la Cri-Cri, Elizabeth o Celeste, las prostitutas que solía frecuentar”, recuerda. Sin embargo, en su fuero interno, a sabiendas de su trágica existencia, el fotógrafo advertía que en el pintor había una real devoción hacia la rubia platinada: “En más de una ocasión, Humareda decía que Marilyn era tan bella que no podría pintarla, aunque eso no le impidió dibujarla: bocetearla, tornearla, acariciarla con esos trazos cortos y reinventarla con el grafito en el momento que quisiera. Ese era su poder, su maestría, su magia: hacerla suya platónicamente”, afirma. Y como un regalo de aniversario, Schwarz comparte con nosotros el texto “El ascensor”, una “tragedia en un acto” escrita por Víctor Humareda, una tarde en el Cordano, el 5 de febrero de 1984:

“Encuentro con Marilyn dentro del ascensor. Está radiante de belleza no hay diálogo, tiene un cuerpo bellísimo pero no puedo tocarla, puedo mirarla, también me mira y me doy cuenta que su boca es en forma de corazón y sus ojos son lánguidos. Está provocativa pero no nos hablamos. Fin”.

A continuación, invitamos a artistas y críticos de arte a sumarse a la celebración por Marilyn Monroe.

Mi primer encuentro con Marilyn fue en “Niagara”, un noir de Henry Hathaway; desde entonces he hurgado en su pasado y en lo que vendría después. Me encandiló cuando le cantó “My Heart Belongs to Daddy” a Yves Montand, o aquel célebre “Happy Birthday” dedicado a Kennedy. Sólo la odié cuando seducía a Laurence Olivier en “El príncipe y la corista”. De toda su filmografía me quedo con “Some Like It Hot”, de Billy Wilder, y con una película maldita de John Huston: “The Misfits”. Fue, de algún modo, un verdadero funeral para sus tres grandes protagonistas: Monroe, Gable y Clift.

Marilyn fue una comediante extraordinaria y su mejor actuación fue en la vida diaria, donde se esforzaba por aparentar el mismo candor que irradiaba en sus películas. La amé porque todo en ella era ficción. Fue un ícono pop, pero Andy Warhol la trató como a una lata de sopa Campbell’s. Su mejor retrato, en términos ideológicos, lo hizo Barbara Kruger con una frase brutal: “Not stupid enough”. El año pasado empecé “Los seductores”, de James Ellroy, donde se detalla la miseria que rodeaba a Monroe y a los Kennedy. A pesar del morbo y el puñetazo narrativo, terminé dejándolo. Prefiero a la Marilyn que siempre tendrá 36 años y todavía viene a visitarme algunas noches, en mis sueños de vejez.

Recién con 11 o 12 años supe de la existencia de Marilyn gracias a que la banda chilena Los Prisioneros había publicado en su primer disco, editado a finales de 1984, una canción titulada “Quién mató a Marilyn?”. Pero, en ese momento y en años posteriores, no me acerqué a su filmografía porque, para mí, era estricto material de filmoteca.

No recuerdo, o quizás no me enteré, si algún canal de televisión local proyectó alguna de sus películas. Sin embargo, ya como incipiente estudiante de arte, el primer gran encuentro visual con Marilyn no fueron sus fotos -que se habían publicado décadas atrás en la revista Playboy- sino las diversas serigrafías que hizo Andy Warhol. La primera, el “Díptico de Marilyn”, creada a las pocas semanas de la muerte de la estrella. Con esas obras -realizadas entre 1962 y finales de la década de los 70- el principal referente del Pop Art inmortalizó definitivamente al icono de Hollywood y supo aunar algunos aspectos que yo considero vitales para entender culturalmente el siglo XX en Occidente: el cine, el concepto de celebridad, los mass media, la cultura popular. Pero también la sociedad de consumo de la que Marilyn fue víctima: muchas veces malinterpretada o, sencillamente, subestimada.

Marilyn Monroe, acaso la más emblemática de las primeras figuras convertidas en iconos globales, inmortalizada para la historia del arte moderno por Andy Warhol en la estela de su fallecimiento, emerge en el arte peruano como ausencia. Cuando Warhol producía su célebre “Marilyn Monroe Portfolio” (1967), Emilio Hernández Saavedra pintaba, en vez, a la modelo y actriz británica Twiggy, paradigma de la belleza de los 1960. Siendo ideal de belleza de los 1950, Monroe fue musa de artistas mayores, como Víctor Humareda. Para el pintor puneño, ella encarnaba un ideal de belleza que, por inalcanzable, se negaba a pintar (a excepción de un dibujo de 1984). Vía Warhol, Marilyn sería el fantasma detrás de la imagen de “Sarita Colonia” (1980) del grupo Huayco EPS, hecha con 12,000 latas de leche colocadas en un cerro a la altura del km 56 de la Panamericana Sur. Asimismo, Norma Jean es apenas una quimera tras “La Pachacuti (Like a Virgen)” (1998) de Alfredo Márquez, cuyos ecos se pierden en la lontananza frente a la atrevida vedette rubia y de labios rojos, de piel azul y alas de ángel, sobre el fondo de un textil precolombino.

Y en Miguel Aguirre, que buena parte de su obra de los 1990 y 2000 alude al cine (desde el cine mudo, pasando por el film noir y hasta films recientes), Marilyn no se proyecta ni como sombra chinesca. Es recién en los 2000 que ella emerge, no como figura anecdótica (como en algunos cuadros con su efigie), sino como dispositivo político. La “Marilyn-Amauta” de Javi Vargas (parte de su serie “Las Tupac”, 2009), transmogrifica la Marilyn warholiana, basada en la fotografía publicitaria del film “Niagara” (1953), en la figura de Tupac Amaru II, haciendo colisionar dos mundos, pero fusionando dos dramas, también.

No hay en el arte peruviano una imagen establecida de Marilyn Monroe. Pero sí un imaginario, tanto más provocador por ser fugaz, esporádico. Incluso espectral. Como aquel Gato de Chesire, que asomaba intermitente en los relatos de Lewis Carroll para luego paulatinamente desaparecer, dejándonos apenas su sonrisa. Incitante. Enigmática. Etérea. La Diosa Rubia impacta la mirada local no tanto por su corporalidad explícita sino por las insinuaciones de sus labios. De sus pintalabios.

El carmín, el rouge, el rojo encendido de tantas perdiciones nuestras. Sexuales, sociales, políticas, poéticas. Incluso desde los Estados Unidos: atención al fetichismo bermejo en la atención prestada por Alberto Vargas a los labios (y a las uñas…) de Marilyn, hacia 1953. Y atención también al desplazamiento pop de todo ello en la voluptuosidad abierta de la boca —de la lengua— de cierta Twiggy ilusionada desde Lima por Emilio Hernández en 1967.

Tránsitos de una sonrisa que alcanza su manifestación más ominosa en las transfiguraciones del cosmopolita Mao de Warhol ensayadas veinte años después por el taller NN. Con inquietadas citas a la teatralidad mortífera de Sendero Luminoso: “Maorilyn” es cómo entonces rebauticé aquel ambivalente signo de nuestros perturbados tiempos.

La turbación podía también ser íntima. Casi al mismo tiempo, en 1990, Ángel Valdez pintaba una efigie-calendario de Norma Jean desnuda sobre un colchón maniatado y sucio, con una maleta de sugestivos pliegues abierta a sus pies. El título —Cama adentro— remitía a abusos domésticos, pero su sentido se completa en otra obra —Bolero— que es su pendant: otro lecho, ahora carcelario, con un traje presidiario sin cuerpo —el del propio artífice— sobre el que levita la estampa de Sarita Colonia: nuestra santa popular, de sexo borrado…

En efecto, la huella escarlata (Lipstick traces, Greil Marcus) de Marilyn en nuestra libido artística también sabe ser tanática. Así lo evidencia un cuadro adicional, lúgubre, del mismo Valdez, cuyo título (MM…, MM…, MM…) connota tanto deseo como impotencia: las cremalleras reales allí adheridas a los muslos de la diva no admiten ser abiertas. Y su figura se prodiga en tres representaciones, pero todas algo grotescas. Luctuosas. Siniestras.

Sin necesariamente saberlo, Valdez reactualizaba en esa imagen tenebrosa una muy anterior (1962), de Jorge Eduardo Eielson, precisamente denominada Réquiem para Marily Monroe. El correlato visual de otra obra suya —experimental, magnetofónica— sólo conocida por declaraciones esquivas del autor.

Referencias acaso de fantasía, sin duda fantasmagóricas. Y por ello mismo tanto más inquietantes. Levitantes. Otra vez, el gato de Chesire. Su sonrisa espectral.

Para mí, la presencia de Marilyn Monroe en la plástica nace después de Andy Warhol. Es Warhol quien convierte a Marilyn en una imagen; ya no solamente en una estrella de cine, sino en un ícono visual reproducible y casi infinito. A partir de ahí, muchos artistas comienzan a mirarla desde la pintura. Siempre digo que “todo el mundo tiene su Marilyn”, porque su rostro terminó convirtiéndose en un motivo recurrente dentro del arte contemporáneo y también dentro de la cultura visual popular.

Pero Marilyn no pertenece únicamente al cine. Su imagen atraviesa disciplinas: pasa de Hollywood a la pintura. Su rostro funciona como un símbolo de la modernidad mediática y en ella convergen el glamour, el erotismo y también cierta idea de la tragedia del espectáculo. Por eso sigue apareciendo una y otra vez en la pintura contemporánea, porque ya representa mucho más que una actriz.

En el Perú, uno de los primeros en aproximarse a esta iconografía fue Víctor Humareda, aunque desde una sensibilidad distinta al pop norteamericano. Después vendrían otras reinterpretaciones desde la pintura comercial, así como propuestas más críticas o conceptuales.

En ese sentido, Marilyn termina funcionando dentro de la plástica como un espejo cultural. Algunos artistas trabajan la celebridad, otros el deseo, otros la decadencia o el mito cinematográfico. Y quizá allí radica su permanencia: sigue siendo una imagen abierta, capaz de ser reinterpretada constantemente desde el arte, el cine y distintas formas de representación contemporánea.

Marilyn Monroe, para mí, fue un amor a primera sonrisa. Más allá de sus curvas y sensualidad innata, lo que más admiro en ella fue su increíble capacidad para expresar emociones a través de ese largo bagaje de expresiones faciales entre la sensualidad y la inocencia. Fue una gran actriz que sabía modular el timbre de su voz como el paso de su voluptuoso y saludable cuerpo sobre el escenario; fue todo ello lo que la convirtió en ese ser mítico eterno y pop.

Detrás de bambalinas, Marilyn era una mujer inteligente y determinada, como una activista apasionada por la justicia social y racial, que en su lucha por la igualdad salarial terminó siendo la segunda mujer en el medio en crear su propia compañía de producción, Monroe Producciones, para liberarse del control abusivo de la 20th Century Fox y tomar control de su carrera como de su vida personal, donde la literatura, en especial la poesía, la filosofía, la terapia y el psicoanálisis, como su autoeducación, fueron siempre una prioridad.

Norma Jeane Mortenson no tenía un pelo de rubia boba; era además castaña y luchó toda su vida por ser feliz y libre. ¿Cómo no amarla?

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: superará los obstáculos que se interponen ante sus metas y las cosas mejoran. Amor: su encanto se percibirá irresistible para alguien muy especial del entorno.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: generará un inteligente cambio de que resolverá problemas de vieja data. Amor: una persona le sorprenderá por su encanto y querrá tener la oportunidad de conocerla.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: se alejará el riesgo de pérdidas y las cosas comenzarán a equilibrarse. Amor: su temperamento divertido hará que su encanto se sienta irresistible en un encuentro.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: de acuerdo con su entorno, comprobará que las metas son alcanzables. Amor: superará una situación difícil en la pareja y recuperará los momentos de calidez.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: se cumplirán las condiciones como para pedir mejoras en salarios o beneficios. Amor: un encuentro fortuito le dará la oportunidad de conocer a alguien de gran encanto.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: en una reunión mostrará su buena idea y el entorno quedará maravillado. Amor: habrá críticas en la pareja porque parecerá que no expresa los sentimientos.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: en lo que hace a los asuntos legales, podría haber cambios favorables. Amor: tendrá el ánimo fuerte y seguro si se trata de terminar o iniciar una relación.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: un proyecto con poco avance se convertirá en un éxito sorprendente. Amor: dejará de lado actitudes obstinadas en la relación y ya no se lo cuestionarán.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: si se ocupa de los pequeños detalles, logrará ventajas y beneficios. Amor: se sentirá con agradable disposición para tratar en la pareja los temas difíciles.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: comprobará que una exigencia ya no trabará negocios o proyectos. Amor: una discusión podría opacar momentos de calidez pero la pareja lo superará.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: un exceso de atención a los detalles podría arriesgar un proyecto delicado. Amor: se avecina un romance inesperado con una persona conocida del pasado.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: terminará con los asuntos pendientes y los proyectos fluirán con éxito. Amor: un temperamento cambiante no ayudará a dejar atrás los momentos de indecisión.

__________________________________________________________________

SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: INTELECTUAL Y ESPECULATIVA PERO A LA VEZ DE GRAN CORAZÓN Y COMPROMISO.

Había algo especialmente absurdo (y por eso mismo inolvidable) en ver a Ghostface tropezarse, perseguir a Cindy Campbell entre gritos exagerados o convertir una escena de asesinato en un sketch ridículo. Cuando “Scary Movie” llegó a los cines en 2000, tomó el suspenso adolescente que películas como “Scream” habían convertido en un fenómeno y decidió reírse de él sin ningún tipo de vergüenza. El resultado fue inmediato: una película que transformó el terror en una comedia particular y que terminó definiendo buena parte del humor irreverente de los primeros años de la década.

La cinta, dirigida por Keenen Wayans y escrita por los hermanos Marlon y Shawn Wayans, apareció en pleno auge del cine de horror juvenil. “Scream”, “Sé lo que hicieron el verano pasado” y “El proyecto de la bruja de Blair” dominaban la conversación cultural y habían convertido al miedo en entretenimiento adolescente. “Scary Movie” entendió perfectamente ese fenómeno y decidió exagerarlo hasta el absurdo. La famosa escena inicial inspirada en Drew Barrymore, las llamadas telefónicas interminables o los asesinos torpes funcionaban porque el público reconocía inmediatamente las referencias.

Con el tiempo, la saga amplió su universo y comenzó a parodiar distintas etapas del terror contemporáneo. “El aro”, “Saw”, “Actividad paranormal” y hasta películas de ciencia ficción o dramas sobrenaturales encontraron espacio dentro de un universo donde nada parecía demasiado serio. Cada nueva entrega se convirtió, en cierta forma, en una cápsula cultural de los productos cinematográficos de su época.

Pero “Scary Movie” no solo fue importante por las películas que imitaba. También lo fue por el tipo de humor que proponía. Los hermanos Wayans llevaron a la pantalla una mezcla de sátira, referencias pop, comedia física y humor incómodo que ya habían explorado en programas como “In Living Color”. El suyo era un estilo exagerado y completamente consciente de sí mismo. No buscaba elegancia: buscaba hacer reír incluso desde lo absurdo.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Scary Movie (@scarymovie)

Las dos primeras películas conservaron claramente esa identidad. Sin embargo, tras la salida de los Wayans, la franquicia cambió de rumbo. Las siguientes entregas apostaron por un humor más cercano al gag rápido y a la acumulación de guiños, manteniendo el éxito comercial, pero perdiendo parte de la voz irreverente que había convertido a las primeras cintas en clásicos de videoclub y televisión por cable.

Veinticinco años después del estreno original, la saga prepara ahora su regreso con “Scary Movie 6”, una nueva entrega que apuesta directamente por la nostalgia de quienes crecieron viendo a Cindy Campbell escapar (probablemente sin demasiado éxito) de asesinos, fantasmas y criaturas sobrenaturales.

El regreso del cuarteto original

Dirigida por Michael Tiddes, “Scary Movie 6” apostará por recuperar el espíritu irreverente que convirtió a la saga en un fenómeno de los 2000. Veintiséis años después de escapar de un asesino enmascarado sospechosamente parecido a Ghostface, Cindy Campbell, Brenda Meeks, Ray y Shorty volverán a encontrarse en medio de asesinatos, fenómenos paranormales y situaciones absurdas donde ninguna franquicia de terror estará realmente a salvo.

La película marcará el regreso de Anna Faris, Regina Hall, Marlon Wayans y Shawn Wayans, protagonistas de las primeras entregas y responsables de algunos de los momentos más recordados de toda la saga. Esta vez, la historia buscará burlarse no solo de las películas de terror contemporáneas, sino también de la obsesión actual de Hollywood por los ‘reboots’, ‘remakes’, secuelas, precuelas, ‘spin-offs’ y las llamadas “películas legado”.

Entre las producciones y tendencias que serían parodiadas aparecen referencias a “M3GAN”, “Get Out”, “Longlegs” y “La sustancia”. La nueva entrega también jugará con el exceso de franquicias y las supuestas “últimas películas” que terminan teniendo continuaciones inesperadas.

El retorno creativo de los hermanos Wayans ha despertado expectativa entre los seguidores más fieles de “Scary Movie”, especialmente porque las primeras películas son recordadas por ese tono absurdo y provocador que nunca tuvo miedo de incomodar o cruzar cualquier límite con tal de convertir el terror en comedia.

La historia de He-Man comenzó con un fracaso. A comienzos de los años ochenta, la juguetera Mattel evaluó producir figuras inspiradas en Conan el Bárbaro, impulsada por el éxito de la película protagonizada por Arnold Schwarzenegger. Cuando el proyecto no prosperó, los diseñadores reciclaron varias ideas y conceptos visuales para crear un héroe propio. Así nació He-Man, un personaje que terminaría superando en popularidad a la inspiración que ayudó a darle forma.

Hoy, más de cuatro décadas después, el hombre más poderoso del universo vuelve a blandir la espada de Grayskull. La nueva película de “Masters of the Universe” llega a los cines con Nicholas Galitzine en el papel del príncipe Adam y Jared Leto como Skeletor, bajo la dirección de Travis Knight. El reparto se completa con Camila Mendes como Teela, Alison Brie como Evil-Lyn e Idris Elba como Man-At-Arms.

El proyecto pasó más de quince años atrapado en distintos estudios y representa la apuesta más ambiciosa que ha tenido la franquicia desde su creación. Respaldada por Amazon MGM Studios y Mattel Studios, la película contó con un presupuesto estimado entre 170 y 200 millones de dólares y fue filmada durante varios meses en Inglaterra bajo la dirección de Knight, responsable de “Bumblebee” y “Kubo and the Two Strings”.

El estreno funciona así como un nuevo intento de llevar con éxito a la pantalla grande una franquicia que ha tenido una relación accidentada con el cine. La producción busca acercar Eternia a una nueva generación sin renunciar a los ingredientes que la convirtieron en un fenómeno global: espadas mágicas, castillos ancestrales, criaturas fantásticas, tecnología futurista y una lucha permanente entre el bien y el mal. En el centro de la historia vuelve a estar Adam, un joven que regresa a un reino dominado por Skeletor y debe asumir el legado de Grayskull para convertirse en el héroe que puede cambiar el destino de Eternia.

El poder del universo

Lo más llamativo de He-Man es que nunca se conformó con ser una historia de fantasía. Eternia era un lugar donde convivían castillos medievales, vehículos futuristas, armas láser, dragones, robots y magos. Su creador visual, Mark Taylor, imaginó un mundo donde la espada y la ciencia ficción compartían el mismo espacio. Por eso Skeletor podía lanzar hechizos mientras viajaba en máquinas imposibles, y por eso Castle Grayskull parecía al mismo tiempo una fortaleza antigua y una puerta hacia tecnologías desconocidas.

La primera colección de “Masters of the Universe” llegó a las tiendas en 1982 con personajes como He-Man, Skeletor, Teela, Man-At-Arms, Beast Man y Mer-Man. Cada figura incluía un minicímic que ampliaba la historia de Eternia y permitía a los niños construir sus propias aventuras. El gran símbolo de aquella línea fue el Castillo Grayskull, uno de los playsets más exitosos de la década y una pieza que todavía hoy es objeto de colección.

El éxito comercial impulsó la creación de “He-Man and the Masters of the Universe”, la serie animada producida por Filmation entre 1983 y 1985. Sus 130 episodios definieron la mitología que el público recuerda hasta hoy: el príncipe Adam, la transformación mediante la espada de poder, el mago Orko, Battle Cat y la batalla permanente contra Skeletor. La serie fue también pionera en incluir mensajes educativos al final de cada capítulo, una estrategia para responder a quienes la acusaban de ser únicamente un escaparate para vender juguetes.

La expansión continuó en 1985 con “She-Ra: Princess of Power”. La revelación de que Adora era la hermana gemela de Adam permitió ampliar la historia más allá de Eternia y convirtió a She-Ra en uno de los personajes femeninos más importantes de la animación de los años ochenta. Su serie alcanzó 93 episodios y dio origen a nuevos juguetes, cómics y especiales televisivos, incluido el recordado cruce navideño entre ambos héroes.

Aunque la popularidad disminuyó a finales de la década, la franquicia siguió reinventándose. En 1990 apareció “The New Adventures of He-Man”, que trasladó la acción al espacio; en 2002 llegó un reinicio animado que profundizó en los orígenes de Skeletor y el Castillo Grayskull; y entre 2021 y 2024 Netflix apostó por nuevas versiones con “Masters of the Universe: Revelation” y “Masters of the Universe: Revolution”. Entre una producción y otra, Mattel mantuvo vivo el interés mediante reediciones de figuras clásicas y líneas de colección dirigidas a los fanáticos que crecieron con el personaje.

La derrota y regreso de He-Man

Cuando Hollywood decidió llevar a He-Man al cine, parecía imposible que algo saliera mal. En 1987, la franquicia era una de las más reconocibles del entretenimiento infantil y Cannon Films apostó fuerte por una adaptación de acción real dirigida por Gary Goddard. Dolph Lundgren, que acababa de alcanzar fama internacional como Ivan Drago en “Rocky IV”, fue elegido para interpretar al héroe, mientras que Frank Langella asumió el papel de Skeletor. El reparto incluía además a una entonces desconocida Courteney Cox, años antes de convertirse en estrella de “Friends”.

Sin embargo, el proyecto nació condicionado por los costos. Con un presupuesto estimado en 22 millones de dólares, una cifra considerable para la época, la producción optó por trasladar gran parte de la historia a la Tierra para evitar recrear por completo el mundo de Eternia. Personajes populares como Orko o Battle Cat quedaron fuera de la película y fueron reemplazados por nuevas creaciones diseñadas específicamente para el filme.

El resultado dividió a los seguidores. Aunque la interpretación de Langella como Skeletor recibió elogios y con los años la película ganó cierto estatus de culto, la taquilla fue implacable. “Masters of the Universe” recaudó poco más de 17 millones de dólares en todo el mundo, una cifra inferior a su presupuesto de producción. La película se estrenó cuando el fenómeno He-Man ya había comenzado a perder fuerza y abandonó rápidamente las salas de cine.

El fracaso tuvo consecuencias más allá de Eternia. Cannon Films planeaba una secuela e incluso había iniciado trabajos preliminares, pero los problemas financieros del estudio terminaron enterrando el proyecto. Parte de los decorados y conceptos desarrollados para aquella continuación serían reutilizados posteriormente en otras producciones, mientras que He-Man desapareció del cine durante casi cuatro décadas.

Por eso la nueva película llega con una responsabilidad particular. No se trata únicamente de actualizar una marca nostálgica, sino de demostrar que un héroe nacido de un proyecto descartado todavía puede encontrar su lugar en el siglo XXI. Después de todo, pocas franquicias han recorrido un camino tan improbable: pasar de ser el plan B de una juguetera a convertirse en uno de los universos fantásticos más reconocibles de las últimas cuatro décadas.

La artista francoiraní Marjane Satrapi, autora de “Persépolis2 y fallecida hoy en París a los 56 años, era reconocida como uno de los nombres más destacados del cómic internacional.

La artista, cineasta, historietista, dibujante y pintora, se dio a conocer en el año 2000 con su cómic autobiográfico “Persépolis”, llevado después al cine y que optó al Óscar 2008 a mejor película de animación.

Ejemplo de tolerancia y libertad por los derechos de la mujer, en 2024 fue reconocida con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades por su “audacia y producción” y ser “una de las personas más influyentes en el diálogo entre culturas y generaciones”.

Marjane Satrapi nació el 22 de noviembre de 1969 en Rasht (Irán).

Perteneciente a una familia acomodada y progresista, pudo estudiar en el Liceo Francés de Teherán, hasta que en 1979 con la revolución islámica fueron suprimidos los colegios bilingües.

A causa de la situación política tras la revolución iraní de 1979, Satrapi se trasladó a Viena a finalizar sus estudios secundarios y regresó a Irán para estudiar Bellas Artes en la Universidad de Teherán, así como un máster en Comunicación Visual.

En 1994 se trasladó a Francia, residiendo primero en Estrasburgo, donde estudia Artes Decorativas, y luego en París, lugar donde se afincó.

Decidió dedicarse a la ilustración de cuentos infantiles a partir de 1997, como “Adjar2, sobre la responsabilidad de los hombres en la tierra, o ”Los monstruos tienen miedo de la luna", sobre los miedos infantiles a la oscuridad.

Con motivo del fallecimiento de Marjane Satrapi, Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2024, recordamos el discurso que pronunció en la ceremonia de ese año.

Discurso completo: https://t.co/Cp4rhNbyEN

©️ FPA pic.twitter.com/SRol8sbeXt

— Fundación Princesa de Asturias (@fpa) June 4, 2026

Después de conocer al dibujante y guionista Christophe Blain, comenzó a colaborar con el colectivo L’Association, que le propuso hacer un cómic sobre sus recuerdos de infancia y adolescencia en Irán.

De ahí nacería en 2000 el primer tomo de “Persépolis”, contando la revolución iraní de 1979 desde la perspectiva de una adolescente. Obtuvo el premio “Coup de coeur” al mejor autor revelación del Festival de Angoulême.

Un año después, se publicó el segundo tomo, que recibió el premio al mejor guion, de nuevo en Angoulême.

Seguirían dos tomos más, y ya el nombre de Marjane Satrapi era conocido internacionalmente. En España, “Persépolis” ganó en 2003 el primer Premio de la Paz Fernando Buesa Blanco.

Para muchos, “Persépolis” está considerada una de las mejores novelas gráficas jamás publicadas.

Otras obras de Satrapi de entonces fueron “Bordados” (2003), “El suspiro” (2004) o “Pollo con ciruelas” (2004), que fue premio al mejor álbum del Salón de Angoulême en 2005 y que de nuevo recordaba su país a través de un hombre que ha perdido la ilusión de vivir.

En 2007 adaptó al cine “Persépolis”, junto al también dibujante de cómics Vincent Paronnaud. La cinta ganó el premio de la crítica en Cannes 2007 y el premio César 2008 al mejor guion adaptado, y estuvo nominada al Oscar 2008 a mejor película de animación.

Después rodaría las películas “Pollo con ciruelas” (2011), de nuevo con Vincent Paronnaud; “La Bande des Jota” (2013) y “Las voces” (2014).

Además realizó del largometraje “Radioactive. Madame Curie” (2020), la célebre científica a la que la propia Marjane se quería parecer cuando era pequeña.

Por otra parte, coordinó en 2023 el cómic “Mujer, vida, libertad”, una obra coral de no ficción en la que participaron una veintena de historietistas, entre ellos los españoles Paco Roca y Patricia Bolaños.

En él se recordaba a Mahsa Amini, la joven que murió por los golpes propinados por la policía de la moral por no llevar bien el velo, y al resto de protagonistas de la conocida como “Revolución del velo”.

Estrenó en 2024 “Paradis Paris”, una comedia negra ambientada en París, con Monica Bellucci en la piel de una narcisista cantante de ópera italiana y un reparto que cuenta también con Rossy De Palma y Eduardo Noriega.

Satrapi ha fallecido en París tras no superar “la tristeza” después del fallecimiento, un años antes, de su esposo, Mattias Ripa, productor, actor y guionista, según el comunicado de familiares.

Lo más difícil no fue hacer flotar el escenario, sino lograr que su geometría acompañara un concepto. El primer escenario del Muyuna Fest fue rectangular y recordaba a las casas palafíticas de Belén; el segundo tomó forma circular, inspirado en los remolinos del agua y la cosmovisión cucama que evoca el nombre mismo del festival. Este año, en cambio, la estructura apareció como una enorme equis flotante rodeada por un bosque de troncos desnudos, concebida para evocar las cicatrices que dejó el genocidio del caucho y, al mismo tiempo, convertirse en un punto de encuentro para las comunidades amazónicas.

“El escenario ya cobró otro sentido; es un símbolo que supera todo diseño que intenta representarlo”, explica la arquitecta y miembro del colectivo Espacio Común, Paula Villar Pastor. La estructura ocupó aproximadamente 22 metros cuadrados y exigió levantar una compleja grilla ortogonal sobre el agua. Vista desde arriba, la forma de la equis se vuelve evidente; desde abajo, el escenario parece un bosque suspendido que deja pasar la luz y el viento entre las aberturas de una pared de hojas ubicada bajo la plataforma. La propuesta de los arquitectos fue elaborada junto a artistas, trabajadores sociales y vecinos de Belén, quienes trabajaron únicamente con materiales locales: topas flotantes, madera rolliza, alambre hecho con la planta tamishi y restos recogidos de aserraderos y chacras.

“Lo que intentamos plantear fue un bosque de palos que representara el vacío que dejó este periodo tan violento en la Amazonía. Pero, al mismo tiempo, queríamos que, desde ese bosque, se apreciaran la unión y la alegría en el barrio de Belén”, señala el arquitecto Daniel Canchan Zúñiga, quien, junto al equipo detrás del diseño del escenario, consiguió renombre internacional. El escenario del año pasado ganó el premio de Arquitectura Sin Fronteras, fue elegido Obra del Año por ArchDaily en español y quedó finalista en la Casa de la Arquitectura de España. Sin embargo, en Belén el verdadero valor de estas estructuras aparece después de las proyecciones, cuando las plataformas terminan convertidas en aulas abiertas, plazas flotantes o puentes improvisados para atravesar el barro cuando el río retrocede.

Veterano en acción

Aunque sus manos fueron adiestradas para el fusil, el excabo de la infantería de Marina, Segundo Salinas Torres, hoy prefiere usarlas para construir las bases del Muyuna Fest. Por unos meses de cada año, Salinas es más pez que hombre y menos pescador que constructor. Durante la primera edición empezó con seis colegas que acabaron siendo cuatro. Para la segunda, la experiencia permitió conseguir un trabajo más preciso y detallado. En esta nueva edición, una de las más desafiantes de su carrera, contó con andamios de madera sumergida —también llamados “aquamios”— que aliviaron el trabajo de amarrar la topa con soguilla para luego colocar encima las maderas de la plataforma central. “¿Quién dice que perro viejo no aprende truco nuevo?”, dice mirando al río.

Esta vez fueron once los constructores que trabajaron diez días seguidos para levantar, sobre el agua de Belén, un escenario en forma de equis rodeado por un bosque hecho de madera de tipichirina. Segundo Salinas Torres, que aprendió a construir casas a los catorce años, asegura que usó técnicas anteriores a la llegada del clavo, donde solo bastaban soguillas y fuerza para levantar estructuras, pues en Belén se aprecia más el trabajo con materiales locales que ese puente distante hecho de cemento y fierro.

Así levantaron las plataformas: clavando palos dos metros bajo el agua, tensando sogas desde botes que no dejaban de moverse y amarrando topas sobre las que luego descansaría el entablado. Este año, además, por primera vez dos mujeres, Dorliza y Marlene Gonzales López, ingresaron al grupo de constructores. Entre todos fueron armando, pieza por pieza, aquella estructura improbable que durante unos días convirtió el agua en plaza y al barrio entero en un cine flotante.

Una nueva edición

Al caer la noche, las canoas comenzaron a llegar frente al escenario flotante de Belén. Algunas trasladaban familias enteras y otras funcionaban como pequeños puestos ambulantes desde donde se vendían canchita, bebidas y hasta la cena completa. La nueva edición del Muyuna Fest abrió con números de canto y danza y, este año, sumó la colaboración internacional de ClimateCulture, organización británica especializada en cine climático.

La programación reunió a representantes indígenas, artistas y realizadores de distintos países amazónicos, entre ellos Ecuador, Brasil y Perú, quienes participaron en conversatorios, proyecciones y encuentros públicos sobre memoria, territorio y defensa ambiental. También se realizaron talleres comunitarios y actividades formativas para niños y jóvenes, una de las líneas de trabajo que el festival mantiene desde sus primeras ediciones. El cierre volvió a tener como protagonistas a Los Wemblers, que ofrecieron un concierto para concluir las proyecciones, aunque no el trabajo del Muyuna. Cuando el festival termine y el nivel del agua empiece a descender, la estructura será desmontada para convertirse en un parque comunitario a finales de agosto. Así, el escenario dejará de ser una instalación temporal para integrarse de manera permanente a la vida cotidiana de Belén.

La productora cinematográfica Valori Films presentó el primer avance de la película peruana “El Club de la seducción”, una producción de comedia, romance y acción dirigida por Rodrigo Viaggio y Jorge E. Velarde que se estrenará en octubre de 2026.

Producida por Karol de la Borda, la historia se centra en dos hombres con personalidades totalmente opuestas cuyas vidas se cruzan de forma imprevista, lo que da inicio a una serie de situaciones caóticas que incluyen fiestas, deudas absurdas, romances de riesgo y decisiones impulsivas.

El reparto está conformado por los actores Franco Pennano, Marcelo Oxenford, Claudia Bérninzon, Connie Chaparro, Nico Ponce, Junior Silva y otros artistas. La cinta tiene programado estrenarse en octubre de este año.

VIDEO RECOMENDADO:

El pasado martes, el rodaje de “Coquito”, película inspirada en la vida del maestro Everardo Zapata Santillana, creador del emblemático libro infantil, finalizó tras varias semanas de trabajo en Arequipa.

Actores y equipo técnico desarrollaron las escenas que recrean la historia detrás de este método educativo en el marco del centenario del nacimiento de su autor.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de Coquito (@librocoquito)

La dirección del largometraje estuvo a cargo del cineasta Eduardo Guillot, quien lideró un rodaje que abarcó escenarios como la Biblioteca Mario Vargas Llosa, el Puente Bolognesi, la Plaza San Francisco, el centro histórico de Arequipa y la localidad de Punta de Bombón.

El argumento de la película se centra en la labor pedagógica de Zapata Santillana, quien en 1955, mientras se desempeñaba como docente en una escuela rural, diseñó un sistema de aprendizaje simplificado ante la complejidad de las dinámicas de enseñanza de la época.

El reparto principal cuenta con el actor Luis José Ocampo en el papel del educador arequipeño, Elisa Costa en el rol de Lucía y el menor Lucas Mamani, de nueve años, quien interpreta al personaje de ‘Coquito’ tras ser seleccionado mediante una convocatoria en redes sociales.

La obra literaria original, cuyos derechos y primer ejemplar de 1955 son custodiados por los familiares del autor, fue reconocida previamente como Patrimonio Cultural de la Nación debido a su impacto en la instrucción de múltiples generaciones en el Perú y Latinoamérica.

El estreno de la adaptación cinematográfica, que cuenta con el apoyo de instituciones locales y empresas privadas, tiene programado estrenarse a finales de año.

VIDEO RECOMENDADO:

El músico argentino Fito Páez presentó su nuevo álbum de estudio titulado “Shine”, una producción compuesta por 13 canciones inéditas inspiradas en los géneros del rock, el r&b y el soul que busca revalorizar las relaciones humanas.

El lanzamiento, que ya se encuentra disponible tanto en plataformas digitales como en los formatos físicos de CD y vinilo (LP), marca el regreso del compositor rosarino a la actividad artística luego de un extenso periodo de recuperación médica.

Este proyecto representa una nueva etapa en el artista, quien a inicios de septiembre de 2025 sufrió un accidente doméstico que le provocó la fractura de nueve costillas, situación que lo obligó a someterse a una intervención quirúrgica y a cancelar sus conciertos programados.

De acuerdo con el entorno del músico, el proceso de creación y la finalización de este material funcionaron como un catalizador para superar los meses de reposo absoluto, resignificando el valor de su labor artística.

Con 'Shine’, el compositor reafirma su mirada crítica y su arraigo en la música popular a través de 13 exploraciones musicales, según su comunicado de prensa.

VIDEO RECOMENDADO:

El cantante peruano Raúl Romero se sumó al elenco de artistas que formarán parte de la primera edición del festival internacional “Rock en Lima 2026”, próxima a realizarse el domingo 28 de junio en el Estadio San Marcos.

Para esta ocasión, el músico prepara un repertorio que recopila los principales éxitos de su carrera como “Magdalena”, “Sin calzoncito”, “Ballena azul”, “Mamá mamá mamá no te robes mi Yamaha” y “Sinfonía de amor”.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de La Boveda Peru (@labovedaperu)

Además de la presencia de Romero, la organización del festival confirmó la participación de Los Auténticos Decadentes y Vilma Palma e Vampiros, junto al grupo neoyorquino Proyecto Uno. Asimismo, las agrupaciones Los Primos y Agi-Tc formarán parte del espectáculo local.

Durante el desarrollo de este mega concierto, se realizará un homenaje especial a la emblemática banda de rock latinoamericano Enanitos Verdes, en memoria de sus fallecidos integrantes Felipe Staiti y Marciano Cantero.

Las entradas para asistir al evento se encuentran disponibles en Joinnus, con un precio que va desde los S/ 85.00. Los usuarios que adquieran sus boletos con tarjetas del banco BBVA podrán acceder a un descuento del 15%.

VIDEO RECOMENDADO:

En el colegio, los amigos de Gardenia Reynoso se burlaban de su amor por la música coreana. “Es la rarita que escucha a sus chinitos”, le decían, según recuerda con ternura la cantante y bailarina peruana. Amante de la ola musical k-pop, ella empezó haciendo coreografías de BTS y otros grupos asiáticos, y participaba en competencias de baile. El tiempo ha pasado y, si bien sigue llevando su nombre y apellido con honor, en el plano artístico los cambió por Qorianka, que en quechua significa “águila de oro”. Su historia es de lucha y de un vínculo con el continente oriental que nadie de su familia anticipó. Hoy firma canciones de fusión peruana con pop internacional –en las que mezcla quechua, español, coreano e inglés–, como es el caso “Tayta”, su más reciente sencillo.

“Empecé grabando covers con un productor musical, amigo de la familia, que trabajaba con Max Castro”, recuerda la artista de 25 años. Su padre es Carlos Reynoso, guitarrista y compositor del Dúo Romances, famoso grupo de Andahuaylas. Él la llevaba de niña a los conciertos donde sonaban temas como “Amor de arena” y “Mi tierna flor”. Su abuela soprano Marina Echevarría y sus tíos quechuahablantes le dieron el oído y la voz para ser diestra en el idioma que hoy incorpora en sus letras.

Qorianka nació en Lima, pero su brújula interior apunta a la sierra: por parte de padre, andahuaylina; por el lado materno, ayacuchana. De niña vivió un tiempo en Apurímac antes de volver a la capital para estudiar el colegio y la universidad.

Qorianka siempre intenta vincular la cultura peruana en sus videoclips y lo hace de muchas maneras. En el de “Tayta” la observamos menearse con un traje de polleras y un crop top fluorescente, adoptando los enérgicos pasos de baile del k-pop. La canción habla de fortaleza interior, fe y esperanza. De acuerdo a la traducción de su título, invoca a ese “padre” espiritual que la sostuvo cuando todo parecía desbordarse en su vida.

Con su propuesta, Qorianka se integra a la movida de artistas locales que mezclan quechua con pop, rap o electrónica, como ya lo hacen Renata Flores, Lenin o Kayfex. Una comunidad que reivindica el idioma como lengua viva, capaz de habitar pistas bailables o hacer convivir el charango con los sintetizadores.

Encuentro de dos mundos

Qorianka estudiaba Relaciones Internacionales en Lima cuando obtuvo una beca para estudiar Comercio Exterior en la Universidad de Incheon, en Corea del Sur. Allá, además de estudiar, se sostenía vendiendo productos y compartiendo en redes sociales su experiencia como estudiante latina en Asia. Pero la fascinación por Seúl tuvo un reverso áspero. La presión por las notas perfectas, los estándares de belleza y la soledad en plena pandemia la llevaron a la depresión.

“Lo que me salvó y alentó a seguir adelante, primero, fue Dios, y después los sueños que siempre he tenido. Dedicarle mi vida a la música, a la danza y al arte en general”, dice.

Este año, Qorianka también marcó China en su mapa. Fue invitada a un proyecto cultural en Shanghái que reunió a otras figuras de la música peruana como Amanda Portales, Pelo D’Ambrosio y Marco Romero. Juntos grabaron el videoclip “De Chancay a Shanghai”, iniciativa del canal Shanghai Media Group (SMG). La pieza celebra el encuentro entre culturas y acompaña simbólicamente la construcción del puerto de Chancay como puente entre ambos países. “Aprendí de ellos que, a pesar de todo, incluso tiritando en el frío en el que grabamos, un artista siempre tiene que estar dispuesto a cantar”, cuenta.

“En vez de Justin Bieber, que era la voz de mi adolescencia, ahora la moda es BTS. Ver con mis propios ojos cómo el k-pop hace un cambio es increíble. Pasó de ser algo de minorías a algo que gusta a las masas”, expresa.

Antes de escuchar su nombre como ganador de “Yo Soy: Grandes Batallas”, Josué Rivaldo Quispe esperaba el resultado abrazado al imitador de Pedro Infante. La euforia todavía no lo alcanzaba. En su cabeza, más bien, se repetía la posibilidad de una vieja escena: otra final, el mismo rival al lado, el mismo nudo en la garganta y la sensación de que el segundo lugar podía esperarlo otra vez. Pero esta vez ganó. Y mientras el set estallaba en aplausos, él solo quería ver a sus padres. Los buscó con la mirada en la tribuna y los vio llorando de felicidad. “No imaginé que podía ganar”, admite.

Su victoria no fue un golpe de suerte. Llegó después de un proceso absorbente, agotador y emocionalmente duro. El programa, cuenta, le arrebató horas enteras con su hijo Bastian, de apenas dos años y medio.

“Perdí cosas muy valiosas por estar en el concurso, como acompañar a mi hijo en una etapa tan importante, justo ahora que va al nido. Pero sé que, cuando crezca, va a sentirse muy orgulloso. Y también es por él que hago todo esto”, reflexiona.

Ese esfuerzo no fue solo emocional. También le pasó factura al cuerpo. En la recta final llegó a cantar estando enfermo. En el programa pensaron que se había sobreexigido la garganta, pero no era eso.

“En realidad, estoy delicado de salud”, explica. “Mi hijito se contagió de tos y gripe en el nido y terminó contagiándome. Estos días he tenido fiebre, estoy completamente mal. Pero, como siempre digo, el público en sus casas no tiene por qué saberlo. La función debe continuar”, señala.

La presión no vino solo del cuerpo. También llegó desde el jurado, desde las críticas y desde esa sensación persistente de no estar siendo del todo comprendido. Le dijeron que su imitación a Raphael parecía una parodia, que resultaba exagerado, histriónico, que se sobreactuaba y se desbordaba en el escenario. Y aunque hoy reconoce que esos comentarios terminaron ayudándolo a mejorar, hubo momentos en que lo quebraron. Más de una vez pensó en retirarse. Incluso llegó a hablar con producción para no volver a “Grandes Batallas”.

“Sí, pensé en retirarme varias veces. Yo llegué con una expectativa muy alta y quería sentir que lo estaba haciendo bien, que el jurado lo notaba. Pero sus comentarios siempre fueron muy estrictos conmigo y eso me afectaba bastante. En su momento me frustraba, porque yo sentía que estaba dando todo y no entendía por qué no alcanzaba. Después comprendí que, aunque me dolieron, también me ayudaron a crecer”, recuerda.

Origen musical

Su historia con la música empezó mucho antes de los reflectores. De niño cantaba música criolla, cumbia y salsa en el colegio. Después llegaron las primeras imitaciones a Nino Bravo, Camilo Sesto y José José, esa música que él llama “de recuerdo”.

“Mis padres me decían que hiciera música más comercial, más bailable, pero yo no quería. Y mira, quién diría que terminaría ganándome la vida con lo que realmente me gusta”, comenta sonriente.

Su primer paso por “Yo Soy” fue como José José. A Raphael llegó después, por intuición, pero también por terquedad. Cuando estalló la pandemia, los shows se cayeron y la vida se volvió incierta. Tiempo después, cuando surgió la posibilidad de volver al programa de Latina, ya tenía a su hijo y una carga mayor sobre los hombros. Pero había algo que sí tenía claro: quería regresar. Lo que todavía no sabía era con qué personaje. Entonces envió su video como Raphael. Lo rechazaron dos veces. Insistió. Fue al casting presencial. “No tengo nada que perder”, pensó. Y esa vez sí lo aceptaron.

Interpretar a Raphael no era una elección cómoda. Era, quizá, una de las más difíciles. No solo por la voz, sino por el peso del personaje, la historia, los gestos y la desmesura controlada de un artista que parece existir entero sobre el escenario.

Josué no solo tuvo que estudiarlo, tuvo que meterse en su piel. Se preparó durante medio año con absoluta disciplina, durmió poco y pulió con obsesión cada detalle: las manos, la mirada, el dejo español y esa forma tan única de habitar cada canción.

“Lo más difícil fue cargar con el peso de un artista como Raphael”, explica. “Su música, como la de José José o la de esos grandes cantantes de antes, va a perdurar en todas las generaciones. Y lograr esa trascendencia lo consiguen muy pocos. Raphael, al ser uno de ellos, es de los artistas más complicados que me ha tocado interpretar”, asegura.

No se trataba solo de alcanzar su registro vocal. El verdadero reto, dice, estaba en su intensidad. “Más allá de su calidad vocal, que nadie discute, Raphael es un monstruo en el mejor sentido de la palabra. Está su interpretación, su histrionismo, esas locuras que maneja en escena. En muchas entrevistas él mismo dice que no actúa, que él es así. Y eso fue lo que más me costó: yo actuaba como él, pero todavía no lo interpretaba desde un lugar más mío, más cercano a lo que haría Josué”.

Vínculo real

Ese trabajo minucioso no solo le dio un personaje sólido sobre el escenario. También le dio un público propio. Hoy Josué ya no canta solo para convencer a un jurado o sostener una gala. Tiene una pequeña comunidad que lo sigue, lo defiende y celebra cada paso suyo. Se llaman Las Loquillas, un club de fans que nació en su primera temporada en “Yo Soy”, cuando un grupo de chicas empezó a rastrear con entusiasmo casi detectivesco cada dato suyo.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por JosuéRivaldoFanClub (@josuerivaldofanclub)

“Sacaban mi fecha y lugar de nacimiento, mi partida… tipo FBI”, recuerda entre risas. El nombre apareció una noche, en un en vivo de TikTok. Una de ellas soltó la frase y él la hizo suya. Desde entonces, el grupo no ha dejado de crecer. Hoy suma unas 600 personas.

Ese cariño también alimenta otro sueño, uno más íntimo y antiguo: conocer a Raphael. Nunca ha ido a uno de sus conciertos, pero eso podría cambiar pronto. El renombrado cantante español volverá a Lima el próximo 3 de octubre, en el Parque de la Exposición, y Josué ya imagina ese momento.

“Me gustaría verlo, saludarlo, agradecerle, decirle que sin su música no habría podido construir nada de lo que hoy vivo. Y si pudiese cantar con él, en el escenario, sería un lujo, demasiado bonito, un sueño cumplido”, confiesa.

Mientras ese día llega, la vida sigue moviéndose a toda velocidad. Además del trofeo, Josué recibió 20 mil soles como premio por su triunfo, pero no piensa tocarlos todavía. Prefiere dejarlos quietos, como una reserva silenciosa, mientras se concentra en lo que de verdad disfruta: el reencuentro con el público. Ahí, dice, se relaja. Ahí siente de verdad el termómetro del cariño.

“El público te aplaude, te dice: ‘Raphael, qué bonitas canciones’, y eso me ayuda bastante también a desestresarme”, cuenta.

Pero más allá de la imitación, Josué ya empieza a mirar hacia otro horizonte. Seguirá presentándose junto a Pedro Infante, con quien ya tenía varios shows pactados incluso antes de “Grandes Batallas”. Ahora quiere aprovechar al máximo este triunfo, disfrutarlo y dejar que madure. Y luego sí, mostrar al cantante detrás del personaje. “También se viene Josué Rivaldo como solista”, subraya con emoción.

Marasmo, una de las voces más singulares y misteriosas del nuevo pop español, marca hoy un punto de inflexión en su carrera con el lanzamiento de ‘Yo Contra Mí 10/20’. Este recopilatorio funciona como la “Cara A” de su ambicioso proyecto conceptual que culminará en 2027 con un álbum de 20 canciones.

Este lanzamiento supone el cierre de su etapa animada. Hasta ahora, el artista —oculto tras su icónica máscara para combatir el miedo escénico— había dado vida a sus temas a través de personajes de animación.

Con este recopilatorio, que incluye sus primeros 10 temas y el exitoso remix de “Espinita” junto a Beret, Marasmo inicia una transición hacia una fase más cruda donde, por primera vez, se mostrará en videoclips reales, aunque manteniendo siempre el enigma de su rostro.

Un fenómeno imparable: De TikTok a los grandes escenarios

El ascenso de Marasmo ha sido meteórico, respaldado por una comunidad que ya supera los 215,000 oyentes mensuales en Spotify. Gran parte de este éxito se debe a su reciente single “Reírme Sin Ti” junto a 3AM, una pieza de pop con tintes urbanos que ha demostrado un potencial viral absoluto, consolidándose como una de las propuestas más frescas de la escena actual.

Este impacto ha traspasado las fronteras digitales, llevando al artista a su primera gran incursión internacional. En los próximos meses, Marasmo acompañará a Beret en su gira por Latinoamérica, con paradas confirmadas en Chile, Argentina y Perú. En estos directos, ambos artistas interpretarán su colaboración “Espinita (Remix)”, que ya acumula más de 3 millones de reproducciones.

El camino hacia “Yo Contra Mí”: Próximo single el 5 de junio

La maquinaria no se detiene. Tras el lanzamiento de la primera mitad del álbum el 22 de mayo, Marasmo ya tiene la vista puesta en el verano. El próximo 5 de junio verá la luz su nuevo single, “Tus Fotos”, la canción número 11 en esta cuenta atrás hacia el álbum completo.

Conoces bien esos momentos íntimos, altamente inflamables, de fogosidad encendida y apasionada, también llamados comidas de domingo. A veces, en esas sobremesas familiares estallan discusiones largas, virulentas y resbaladizas. La trifulca se alborota y, de pronto, en medio de una frase exaltada, te visita una certeza repentina: has empezado a exagerar tu indignación, lo que dices no es lo que piensas, estás deformando tus propias ideas. La obsesión por acomodar la realidad a la estrechez de nuestros intereses se denomina “síndrome de Procusto” en honor a una leyenda griega. Se cuenta que el héroe Teseo llegó una noche a un tenebroso motel en las colinas, estilo Psicosis, regentado por Procusto, un bandido que ofrecía posada al viajero confiado y solitario. Aquel temprano Norman Bates acompañaba amablemente a su huésped a una cama de hierro donde, una vez dormido, lo ataba y amordazaba. Si era alto y sobresalía, le cortaba los pies; si era de baja estatura, lo descoyuntaba a martillazos hasta alargarlo. El asesino en serie, cuyo nombre en griego significaba “el estirador”, prolongó su reinado del terror hasta que Teseo lo mató aplicándole el mismo tormento.

Procusto simboliza a quienes fuerzan los hechos hasta que se ajustan a sus expectativas, como los ideólogos, políticos y opinadores que distorsionan los datos para apuntalar sus hipótesis. Pero no son los únicos. Nuestros cerebros, como los lechos de la posada del crimen, padecen el sesgo de confirmación, es decir, la tendencia a creer los indicios que afianzan nuestra visión del mundo, y desdeñar cualquier información que la contradiga. Aprendices de bandido, nos gusta que los acontecimientos encajen en nuestras ideas previas y nos devuelvan el brillo artificial de los deseos cumplidos.

En casos extremos, las personas con tendencia a estirar la talla de las cosas terminan por habitar una realidad paralela. Billy Wilder retrató en “Sunset Boulevard” la fábrica de los sueños como una factoría de delirios. La protagonista, Norma Desmond, es una olvidada estrella de cine mudo parapetada en su mansión, al frente de un séquito fantasmal de criados, como si el mundo aún obedeciera a su voluntad. Al reconocerla, William Holden exclama: “Era usted grande”, y ella replica con una fabulosa frase procustea: “Soy grande. Es el cine el que se ha hecho pequeño”. La voz en off compara a Norma con la señorita Havisham, personaje de “Grandes Esperanzas”, de Dickens, una mujer abandonada por carta instantes antes de la boda, en un anticipo de las rupturas por wasap. Desde entonces vive sola en su ruinoso palacio, sin quitarse nunca su vestido de novia, con la tarta nupcial sobre la mesa y los relojes parados a la hora exacta en la que llegó la noticia insoportable.

Esta actitud es inherente al ser humano y aparece incluso sin mala intención. Como explica Will Storr en “La ciencia de contar historias”, nuestro cerebro es un órgano narrativo y tiende a someter la información que recibe a la trama de nuestro relato interior. Dedicamos grandes esfuerzos a construirnos una visión del mundo y somos reacios a dejarla desmoronarse cuando una evidencia la resquebraja. A veces ese intento de amordazar los acontecimientos esconde un trasfondo de angustia y naufragio, como ocurre al conmovedor protagonista de “Los adioses”, de Juan Carlos Onetti. Un desconocido llega a un pueblo para ingresar en un sanatorio pero, en lugar de obedecer a los médicos, se hospeda en un hotel, atrincherado en la negación: “empecinado, ignorando los remolinos del tiempo; defendiéndose con las ropas, el sombrero y los polvorientos zapatos de la aceptación de estar enfermo y separado; aplicado con una dulce y vieja tenacidad a persuadir y sobornar lo que estaba mirando”.

Solemos creer que quienes piensan distinto adaptan lo evidente al molde de sus prejuicios: Procustos solo son los demás. Sin embargo, esta es una tendencia arraigada; todos nos negamos a que las evidencias arruinen una buena certeza. Quizá lo más sensato sea abrirnos a modular o demoler ciertas convicciones, si no queremos vivir siempre cautivos de nuestras normas –como Norman y Norma– en una realidad basada en hechos ficticios.

Hay una escena de “Fuego contra fuego”, película de Michael Mann, que Jason Day no se puede sacar de la cabeza. Cierra los ojos y ve a Robert De Niro y Al Pacino sentados frente a frente en una cafetería. Dos depredadores cansados. Dos actores gigantes cruzando palabras con una mirada de tensión. “Esa secuencia es la confrontación entre dos personajes extraordinarios, pero también de dos titanes de la interpretación”, dice Jason desde Bogotá. La devoción por el cine se evidencia en su mirada, incluso virtualmente. Días antes estuvo en el rodaje de “La Reina del Sur 4”, por eso recuerda esa tremenda película de acción.

Esa escena le sirvió como brújula para ser un villano del narcotráfico en “El Inmortal”, serie española de Movistar Plus que marcó su ingreso a la televisión europea y que este mes lanza su temporada final. Hoy vive un rodaje incluso de mayor intensidad por “La Reina del Sur 4” (Telemundo), con jornadas de doce horas de lunes a sábado. Pero el esfuerzo lo vale. “No puedo hablar mucho de esto. Estamos cuidando la información, porque ‘La Reina…’ es una serie con una audiencia de más de 300 millones de personas alrededor del mundo. Es quizás la franquicia más importante de habla hispana”, sostiene.

Dos décadas de carrera

La película peruana “Máncora” (2008) lo instaló en el cine de prestigio y la crítica vio en Jason un actor de jerga limeña y protagónicos sin filtros. En ese tiempo, Jaime Bayly comentó que el actor peruano parecía salido de una película, debido a su aspecto apuesto y a su nombre que parece digno de una estrella, pero entonces todavía no existía la carrera internacional del actor. Vendría “a punta de castings” con producciones en Colombia, México, España y Estados Unidos. Sin embargo, en una revisión breve de su oficio, el cambio radical llegó con “Jugar con fuego” (Telemundo, 2019) y años después con “La Huésped” (2025, Netflix).

En la escala de éxitos de televisión, la cuarta temporada de “La Reina del Sur”, protagonizada por Kate del Castillo, significa un nuevo escalón a sus 40 años, en un momento en el que siente que tiene “muchas más horas de vuelo viajando como artista” y “cierta madurez” para enfrentarse a una maquinaria de esa escala. “Me da una sensación de mucha libertad poder existir en distintos formatos, latitudes, idiomas y acentos”, cuenta este peruano que ha decidido no anclarse a un territorio.

La serie mexicana también representa una reconexión con la cadena que apostó por él en su primer salto internacional con un papel protagónico, “Jugar con fuego”, donde fue el galán de Gaby Espino. “Esto es como una especie de reencuentro muy bonito con Telemundo”, cuenta.

Quizá la verdadera liberación de Jason Day no pasa por los contratos, sino por la relación que tiene con su propia imagen. Sabe que hubo un momento en que estuvo muy expuesto, discutido y etiquetado en el debate público peruano; hoy parece haber tomado distancia de esa etapa. “Estamos en la era de la sobreexposición y del etiquetado y son características opuestas a mi oficio como actor, donde no se juzga a los personajes. La etiqueta, la simplificación, es quizás el mayor enemigo de mi oficio”, dice.

Prefiere mantenerse lejos de la lógica de la selfie eterna. No hay imágenes en sus historias de Instagram de su desayuno y protege su vida privada sea en el país que esté. “En un set de rodaje me encuentro completamente vulnerable, porque no estoy sometido a una imagen pública con una serie de demandas para cumplir expectativas. Lo hice por algún tiempo porque creí que eso era lo que debía hacer, pero ya no. No le debo nada a nadie más que a mis directores en el set de rodaje y eso es muy liberador para mí”, confiesa.

A pesar de la distancia, Perú sigue orbitando alrededor suyo. “Mi creatividad viene del Perú. Mi manera de entender la vida, en su origen, viene del Perú”. En 2023 volvió al cine nacional con “Soltera codiciada 2”, a pedido de la directora Joanna Lombardi, y asegura que sigue leyendo proyectos peruanos que llegan a su escritorio. Pero si algo le produce ilusión entre vuelos y rodajes internacionales es seguir esperando la precuela, secuela o lo que sea de “Esta sociedad”, la serie peruana que marcó la adolescencia de muchos. “Si quieren hacer una versión musical, yo estoy interesado”, sonríe.

VIDEO RECOMENDADO

Desde el estreno de la primera “Scary Movie” (2000), Cindy Campbell consolidó la imagen de Anna Faris como una joven despistada e ingenua, pero capaz de sobrevivir a fantasmas, asesinos y alienígenas sin entender del todo qué sucedía a su costado. La paradoja es que interpretar a mujeres que parecen tontas exigía, en realidad, una inteligencia cómica que Hollywood tardó en reconocer.

En una entrevista con The New York Times ofrecida hace 17 años, la actriz recordó el día de la premiere de la cinta. Acompañada de sus padres, Faris estaba nerviosa; la verían en un personaje no solo desentendido de la realidad, sino también muy sexual. A partir de aquí empezó su éxito como actriz de comedia. Seguirían historias como “Fumada y peligrosa”, “Este cuerpo no es mío”, “La casa de las conejitas”, etc.

“En el mundo de la comedia te ves obligada a hacer el ridículo constantemente. Es la única manera de hacer comedia: con sinceridad. Me ha liberado en mi identidad como mujer”, cuenta la actriz a Forbes.

Pero ninguna de las comedias antes mencionadas ha tenido el impacto de la saga de los hermanos Shawn y Marlon Wayans. Allí es Cindy, el arquetipo de principios de los 2000: rubia, vulnerable y descaradamente corporal en escena. Faris supo explotar su atractivo como herramienta satírica. De estar en películas con estética indie y rodajes de bajo presupuesto, pasó a proyectos masivos y la búsqueda de una identidad como mujer más allá de su cuerpo.

“Es difícil para una mujer ser aceptada como alguien graciosa si su sexualidad está involucrada. Porque la sexualidad no es tan humorística (risas). Lo siento como lo más primitivo del ser humano”, dijo en 2008 a The New York Times.

Parte de su transformación vino de su matrimonio y ruptura con Chris Pratt, actor de “Avengers” y “Parks & Recreation”. Un vínculo que duró ocho años y del que nació un hijo, Jack. En los medios, Faris admitió tener miedo al publicar la decisión del divorcio, pero decidió seguir adelante con la promoción de sus películas pese a ello.

“Scary Movie 6” reaparece como una operación de memoria y negocio, con los Wayans reunidos, así como Faris y Regina Hall retomando a Cindy y Brenda. En las cintas anteriores, hicieron humor con películas como “El aro”, “Scream” o “The Matrix”, sin filtros sobre temas raciales, diversidades o drogas. La saga que ha recaudado más de 900 millones de dólares en todo el mundo reaparece en otro contexto social y aquí cabe la pregunta: ¿Se adapta a sensibilidades actuales sin traicionar su espíritu irreverente?

@themomentlab WASSUP?! 😝 Scary Movie 6 took guerrilla marketing to a whole new level, turning New York City’s Times Square into a giant hotbox to promote the film. @Anna Faris, @Marlon Wayans, Shawn Wayans, and more gathered inside the glass-box activation, where they watched the original movie while embracing the haze. Ghostface even phoned in from outside the living-room-inspired setup, recreating the legendary “Wassup!” scene that helped make the franchise iconic 📞😶‍🌫️ @Scary Movie slashes its way into theatres on June 5 🎬🍿 🎥 @Mick Micky #scarymovie #scarymovie6 #wassup #guerrillamarketing #wayansbros ♬ original sound - The Moment Lab

Una imagen que dejó la promoción de la película aconteció en Times Square, Nueva York. Allí el elenco se dejó ver dentro de un cubo transparente, todos ellos “en personaje”, para recrear una escena de la saga que pasó a la historia, donde el asesino enmascarado conversa con los personajes por teléfono. Los actores dicen algo y el público, conocedor del chiste, responde y ríe. Entenderlo requiere haber visto la cinta, algo que los millennials no encontrarán retador. Faris, rodeada por la multitud, parece estar en lo suyo.

VIDEO RECOMENDADO

Marilyn Monroe era un sueño. Era un sueño de Sylvia Plath. En el diario de la poeta pelirroja se apunta un encuentro onírico, ocurrido en octubre de 1959, en el que Marilyn le hace la manicura, le promete una nueva vida floreciente y la invita a pasar Navidad con ella: tal era el influjo que a Plath le causaba su figura (fascinación compartida por su genial esposo Ted Hugues).

Pero también era una figura desdichada, inocente en medio de predadores y paraísos artificiales, denunciados por el poeta nicaragüense Ernesto Cardenal en su extraordinaria “Oración para Marilyn Monroe” (1965), donde se niega a canonizarla porque es más necesario absolverla. “Ella tenía hambre de amor y le ofrecimos tranquilizantes”, escribió Cardenal, imprecando contra el capitalismo convertido en espectáculo antropófago, contra esa 20th Century Fox “que ha convertido tu casa de oración en una cueva de ladrones”. El gran mérito del poema es que sabe despojar a la diva de todos sus oropeles, de sus abalorios frívolos, para humanizarla por medio de trazos breves y definitorios, hasta presentarla ante el Señor “sola como un astronauta frente a la noche espacial”.

Jorge Eduardo Eielson también le guardó fervor: la menciona en “Habitación en Roma” (1952), en su novela “Primera muerte de María” (1988), y le dedicó un réquiem y un homenaje plástico en 1962, año de su fallecimiento. Frank O’Hara la nombró en un poema que alude “a la industria del cine en crisis”, evocándola con sus tacones altos, bailando por las cataratas del Niágara. Norman Mailer, siempre tan tosco, escribió un ensayo biográfico en 1973 que finalizaba con una teoría audaz: que Marilyn había sido asesinada por la CIA como represalia a su presunta relación con Bob Kennedy. La crítica se ensañó con él y Mailer terminó reconociendo que su hipótesis fue formulada con la intención de promover las ventas del libro. Arthur Miller, exesposo de la estrella, jamás se lo perdonó.

Inacabable resurrección

De la multitud de títulos que se han escrito sobre ella, tal vez ninguno tan conmovedor y poderoso como “Blonde”, de Joyce Carol Oates, novela biográfica de aplomo impresionista y comprometida empatía por su objeto de estudio. Oates, quien en su obra maestra “Them” (1969) mostraba una profunda comprensión por los seres desamparados, examina con enorme respeto el vía crucis existencial de Monroe, las humillaciones y abusos que padeció, la explotación a la que fue sometida. Al igual que tantos otros escritores, se acercó prudentemente a Marilyn para caer rendida ante su influencia. “Blonde” estaba proyectada como una novela corta de 200 páginas que acabó como un macizo tomo de 800, en el que se atestigua una labor denodada por entender la vulnerable y al mismo tiempo magnífica figura de aquella muchacha nacida como Norma Jeane Mortenson. Años después, Andrew Dominik se encargaría de una versión cinematográfica espantosa que parece solazarse con las sevicias que sufre Marilyn, volviendo su vida un martirologio insoportable que termina por intoxicar al espectador más predispuesto.

En cambio, el impertérrito James Ellroy no tiene miramientos con desacralizar su figura en “Los seductores” (2023), otra novela monumental y de entramado complejo (como la mayoría de las que firma este autor). No tiene empacho en cuestionar, mediante el cínico investigador Freddy Otash, el atractivo sexual de Marilyn e incluso sus dotes como actriz. La Monroe aquí presentada es un espectro de ultratumba que persigue a los manes del poder, especialmente a los Kennedy, acosados sin compasión por el lente quemante del escritor de “Mis rincones oscuros”.

Mucho más sutil es el enfoque del galo Michel Schneider en “Últimas sesiones con Marilyn”, quien mediante el hibridaje de géneros desentraña la estrecha relación entre Monroe y su psiquiatra, Ralph Greenson. Tan estrecha era que George Cukor decía que para contactar a Marilyn no había que llamar a su agente, sino a Greenson, quien se reconocía un verdadero fanático del universo hollywoodense, donde era festejado y buscado por diversas luminarias. El libro de Schneider resulta irregular –por momentos el personaje de Monroe es demasiado inabarcable para sus pretensiones–, pero no se puede dejar de leer por la innegable capacidad para desgranar historias menores pero adictivas (algunas, sin duda, con bastante dosis de ficción) que contribuyen a nutrir el lado oculto de un ícono mundial que a la vez era una mujer acorazada en sí misma.

El que también la amó y reverenció fue Guillermo Cabrera Infante, quien rindió tributo a su pasión por el cine en libros como “Arcadia todas las noches”. Escribió de ella cosas tan bellas como la siguiente: “Cada verano, Marilyn Monroe resucita de entre los muertos. Ella es un fuego fatuo o tal vez una luciérnaga fugaz, pero con luz propia. Es, de hecho, un cometa Halley frecuente”. Terenci Moix, otro de sus admiradores insobornables, aseguraba que ella fue la víctima mortal de “demasiado amor”. “Arrastro a Marilyn Monroe conmigo como a un albatros”, dijo Norma Jean de sí misma alguna vez. Tal vez demasiado amor le impidió emprender vuelo.

La estrella estadounidense Taylor Swift formará parte de la banda sonora de ‘Toy Story 5’, la próxima entrega de la franquicia de Disney y Pixar, con un nuevo tema original titulado ‘I Knew It, I Knew You’.

El tema, escrito y producido por Swift y Jack Antonoff, “se lanzará en todas las plataformas de música en plataforma de contenidos en línea (‘streaming’) y compra el viernes 5 de junio”, anunció este lunes Disney en un comunicado.

‘I Knew It, I Knew You’ formará parte de la banda sonora de la película, que se estrenará en la gran pantalla el próximo 19 de junio.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de Pixar (@pixar)

La canción marcará el regreso de Swift a las raíces country, “mezclando estilos que han definido su exitosa carrera como compositora e intérprete”, agregó el escrito.

La intérprete estadounidense cuenta con una trayectoria en la composición para la gran pantalla con canciones originales para bandas sonoras en producciones principales como la que interpretó para ‘The Hunger Games’ (‘Los Juegos del Hambre’), titulada ‘Safe & Sound’ (2012).

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de Disney (@disney)

También aportó el tema ‘Carolina’ (2022) para el largometraje ‘Where the Crawdads Sing’ (‘La chica salvaje’), que le valió nominaciones a los Globos de Oro y a los Critics’ Choice Awards.

VIDEO RECOMENDADO:

Lo de tratar de ‘rubias tontas’ a la mayoría de sus personajes es un equívoco que merece revisarse: ni la seductora que finge candidez en “Cómo pescar un millonario” (1953), ni la vecina pícara de “La comezón del séptimo año” (1955) tienen un pelo platinado de bobas. Menos aún la cantante con pasado de “Nunca fui santa” (1956), la despierta muchacha en la corte del presumido Laurence Olivier de “El príncipe y la corista” (1957) o la irresistible intérprete de ukelele de “Una Eva y dos Adanes” (1959). Además de su explosiva belleza, del brillo que irradiaba su pálida piel en las fotos y en la pantalla, y su andar cimbreante, Marilyn Monroe (1926-1962) fue una gran actriz. Un detalle que no suele mencionarse en innumerables crónicas enfocadas en sus amores dentro o fuera del matrimonio o las teorías conspirativas sobre sus últimos momentos.

¿Por qué queremos tanto a Marilyn? Para el crítico Ricardo Bedoya, quizá tenga que ver por el atractivo de una figura atravesada por contrastes. “Es tan arrasadora pero tan frágil; tan seductora pero tan esquiva; tan decidida pero tan desamparada. Quebró el estereotipo de la rubia espectacular. No lanzaba los guiños cínicos de sus admiradas Jean Harlow y Mae West, ni llevaba el artificio hasta el límite de la caricatura pop como Jayne Mansfield. Su presencia y sensibilidad puso en cuestión el goce del puro glamur, pero sin liquidarlo”, explica.

El erotismo desamparado

Su colega Isaac León Frías coincide en el diagnóstico, y acuña un concepto para definir su irresistible seducción, según el estudioso, Marilyn Monroe nunca fue la hembra dominante ni la femme fatale, sino a menudo la indefensa y frágil, detrás de su apariencia voluptuosa o exuberante: “El erotismo desamparado”. “Marilyn fue un vendaval que sacudió los todavía pacatos años 50. No exhibió su anatomía desnuda, pues eso no lo hubiese permitido el código Hays de censura vigente en Estados Unidos. Bastaba el traje ceñido como en “Niágara” o la falda al aire como en “La comezón del séptimo año”. Y ni siquiera eso, pues la sola presencia de Marilyn era un imán para cualquier mirada. Recuerden la escena de Love Happy en la que Marilyn ingresa apurada a un salón diciendo “unos hombres me persiguen” y Groucho Marx mirándola de pies a cabeza le responde: ‘No puedo comprender por qué’”, señala.

Para la crítica María Alejandra Bernedo, la vulnerabilidad que Monroe canalizaba en sus interpretaciones fue por muchos malentendida como una estrategia de seducción al espectador consumidor de su belleza. “Lo que el marketing hizo con su imagen no se corresponde con la inmensa entrega que Marilyn tuvo por la actuación, a la que ella consideraba su religión, la razón de su vida. En su búsqueda de lo genuino, Marilyn no falseaba las emociones con despliegues corporales mecánicos, sino que abrazaba la fragilidad, que es lo más real y puro del ser humano”, añade.

El centenario del nacimiento de Marilyn es un buen motivo para volver a ver o ver por primera vez sus películas, recomienda León Frías, incluyendo aquellas de la primera parte de su carrera en la que no era la atracción central. Y en efecto, pantallas no faltan esta semana para reencontrarnos con la diva.

Recopilamos algunos opiniones de especialistas sobre Marilyn Monroe.

• Ricardo Bedoya

“Hay que ver a Marilyn Monroe en las secuencias de piano en “La comezón del séptimo año”, en los finales de “Bus Stop” y de “Los inadaptados”, en su aparición en “Una Eva y dos adanes”, o en su caminata con el vestido rojo en “Niágara”. Con ella, reímos y nos emocionamos sin dejar de admirar su belleza, la precisión de sus movimientos corporales, su caminar bamboleante, su voz, sus pausas, su mirada triste aun en la comedia. Y esa impresión de espontaneidad ante la cámara que era su fortaleza, pero que la hacía sentirse insegura como actriz. Te equivocabas, querida Marilyn: el ser tú misma, más allá de cualquier método, hace que sigas tan vigente como en los días de estreno de tus mejores películas”.

• Isaac León Frías

“Marilyn no sólo fue la encarnación (o una de ellas) del deseo voyeurista, sino que a la vez se reveló como una actriz dotada, pese a que la idea de una intérprete sin otros atributos que los de su anatomía se generalizó en su tiempo y después. No fue una figura femenina del peso escénico de otras, sin que por eso dejara de mostrar un desempeño satisfactorio, gracias, entre otras cosas, a que le tocó ser dirigida por realizadores del talento de Howard Hawks, Billy Wilder, John Huston, George Cukor o Joshua Logan. A diferencia de los personajes a cargo de muchas buenas actrices, que no solían ser débiles o sumisas, Marilyn expuso un lado vulnerable y desamparado que caracterizó una buena parte de sus roles protagónicos”.

• María Alejandra Bernedo

“La insistencia de Marilyn por no ser un ‘typecasting’ fácil —cliché en el que ella podría haberse mantenido por comodidad — hizo que su carisma y el envolvente sentido del timing en “Los caballeros las prefieren rubias” (1953) se transformara en la profundidad incontestable de su mirada en “Los inadaptados” (1961). En nombre del sueño de ser una actriz respetada, se rodeó de mentores exigentes y exploró hasta el núcleo de sus dolores más íntimos y viscerales. Entregó su corporalidad, su instrumento mismo, en cada performance. No habrá mejor forma de honrar su vida que liberarla de las etiquetas que se le impusieron, y admirar verdaderamente la pasión de alguien que se supo capaz de estar hoy en el panteón junto a Greta Garbo, Vivien Leigh y su admirada Jean Harlow, iluminando la pantalla por la eternidad”.

Conmemorando el centenario del nacimiento de Marilyn Monroe, el Instituto Cultural Peruano Norteamericano ofrecerá desde el 4 hasta el 20 de junio de este año un ciclo de once películas protagonizadas por la mítica actriz. Esta es la programación del ciclo de cine.

• Cartelera: Jueves 4 de junio

“Gentlemen Prefer Blondes” (1953)

Director: Howard Hawks. Reparto: Marilyn Monroe, Jane Russell, Charles Coburn y Elliott Reid. Conversatorio luego de la proyección.

(Este título también puede verse en Disney plus)

• Cartelera: Viernes 5 de junio

“All about Eve” (1950)

Director: Joseph Mankiewicz. Reparto: Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders y Celeste Holm.

• Cartelera: Sábado 6 de junio

Don’t bother to knock (1952)

Director: Roy Ward Baker. Reparto: Richard Widmark, Marilyn Monroe, Anne Bancroft y Donna Corcoran.

• Cartelera: Miércoles 10 de junio

Niagara (1953)

Director: Henry Hathaway. Reparto: Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters y Richard Allan.

(Este título también puede verse en Disney plus)

• Cartelera: Jueves 11 de junio

How to Marry a Millionaire (1953)

Director: Jean Negulesco. Reparto: Lauren Bacall, Marilyn Monroe, Betty Grable y William Powell.

• Cartelera: Viernes 12 de junio

River of no return (1954)

Director: Otto Preminger. Reparto: Marilyn Monroe, Robert Mitchum, Rory Calhoun y Tommy Rettig.

• Cartelera: Sábado 13 de junio

The Seven Year Itch (1955)

Director: Billy Wilder. Reparto: Marilyn Monroe, Tom Ewell, Evelyn Keyes y Sonny Tufts.

• Cartelera: Miércoles 17 de junio

Bus stop (1956)

Director: Joshua Logan. Reparto: Marilyn Monroe, Don Murray, Arthur O’Connell y Betty Field.

• Cartelera: Jueves 18 de junio

Some like it hot (1959)

Director: Billy Wilder. Reparto: Marilyn Monroe, Jack Lemmon, Tony Curtis y George Raft.

(También puede verse en Apple TV)

• Cartelera: Viernes 19 de junio

Let’s make love (1960)

Director: George Cukor. Reparto: Marilyn Monroe, Yves Montand, Tony Randall y Frankie Vaughan.

• Cartelera: Sábado 20 de junio

The misfits (1961)

Director: John Huston. Reparto: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift y Thelma Ritter.

(También puede verse en Apple TV)

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: habrá señales que indicarán que es momento para pedir mejoras sobre el trabajo. Amor: será buena idea dejar lado las actitudes indiferentes y la calidez aumentará.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: será favorable hacer esos cambios tan postergados y logrará un balance positivo. Amor: se producirá un encuentro en el que sus expectativas serán bien satisfechas.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: una interesante propuesta será potenciada por el aporte de su propio proyecto. Amor: la relación podría entrar en un escenario negativo si insiste con las críticas.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: con habilidad negociadora logrará que se concreten compras postergadas. Amor: superará la timidez si toma iniciativas audaces y con o sin pareja, estará feliz.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: algún trámite atrasado se resolverá a su favor y lo que está trabado, avanzará. Amor: se darán las circunstancias ideales paras iniciar una relación que será inolvidable.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: vencerá un obstáculo y resultará ser el primer paso para el éxito. Amor: superará una crisis entre la ternura y la rigidez de las acciones pero las equilibrará.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: alguna idea obsoleta será apartada y las cosas comenzarán a fluir. Amor: la calidez inundará la relación con un simple cambio de hábitos y surgirá nuevo comienzo.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: resolverá errores que perjudican el negocio o proyecto y crecerán. Amor: en un encuentro fortuito hallará a la persona que cree podría ser su alma gemela.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: evitará que un colega tome una decisión que genera pérdidas. Amor: todos los sentimientos en la relación serán respetados, aún esos que parecen tontos.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: uno de sus proyectos tendrá una excelente evaluación. Amor: tendrá cuidado en evitar las actitudes destructivas porque la pareja lo merece.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: tal vez, sería inteligente postergar algún pedido de mejores beneficios. Amor: momento especial para reconciliarse o pasar de un amigo a enamorado.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: un plan está por fallar, debería revisar para evitar problemas y hacer cambios. Amor: alguna habladuría no afectará la armonía de la pareja, pero no la olvidará.

__________________________________________________________________

SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: DEFENSORA DE LOS CAMBIOS QUE MEJORAN LA CALIDAD DE VIDA DE LAS PERSONAS.

A sus 67 años, Madonna ha vuelto a colocarse en el centro de la conversación global. La artista estadounidense generó una ola de reacciones tras publicar un video con motivo del inicio del Mes del Orgullo LGBTQIA+, una pieza que posteriormente fue editada por ella misma para adecuarse a las políticas de contenido de Instagram.

La publicación, acompañada por la frase “Nada como el amor de una madre”, mostraba a la cantante en una puesta en escena cuidadosamente elaborada, luciendo prendas de seda, joyas y largos guantes. Sin embargo, algunas imágenes exhibían más de lo previsto, lo que llevó a la propia artista a modificar el contenido difundido en la red social.

En cuestión de horas, el video acumuló miles de reacciones y comentarios. Como ha ocurrido a lo largo de gran parte de su trayectoria, la publicación fue celebrada por sus seguidores y cuestionada por quienes consideran que la provocación continúa siendo una de sus principales estrategias de exposición pública.

No obstante, la repercusión del episodio va más allá de una simple controversia en redes sociales. La nueva aparición de Madonna reabrió el debate sobre los estándares que enfrenta la industria del entretenimiento en relación con la edad, la sexualidad y la representación femenina.

Desde el inicio de su carrera en la década de 1980, la cantante ha construido una imagen pública basada en desafiar convenciones sociales, religiosas y culturales. Su activismo en favor de la diversidad sexual, su defensa de la libertad femenina y su disposición a cuestionar normas establecidas la convirtieron en una de las figuras más influyentes de la música pop contemporánea.

En esta ocasión, la discusión también se trasladó a la manera en que la industria percibe el envejecimiento de las artistas mujeres. Mientras numerosos intérpretes masculinos continúan proyectando una imagen seductora en edades avanzadas sin recibir mayores cuestionamientos, las mujeres suelen enfrentar un escrutinio más severo. Madonna ha hecho de esa diferencia uno de los temas recurrentes de sus intervenciones públicas.

La publicación llega además en un momento clave para la cantante. Tras superar una grave crisis de salud en 2023 y completar con éxito la gira mundial “The Celebration Tour”, la artista se encuentra preparando el lanzamiento de “Confessions II”, secuela del exitoso álbum “Confessions on a Dance Floor”, publicado en 2005.

El proyecto representa su regreso al mercado discográfico con material inédito después de varios años y ha despertado una gran expectativa entre sus seguidores. En ese contexto, cada una de sus apariciones públicas adquiere una relevancia especial.

La capacidad de Madonna para dominar la conversación pública sigue siendo uno de los rasgos distintivos de su carrera. En una época marcada por algoritmos, tendencias efímeras y una intensa competencia por la atención del público, la cantante continúa demostrando una notable habilidad para convertir cada publicación en un acontecimiento mediático.

Más allá del contenido específico del video o de la posterior edición realizada para cumplir con las normas de Instagram, el episodio confirma que Madonna mantiene intacta su influencia cultural. Cuatro décadas después de revolucionar el pop, la artista sigue generando debate global y reafirmando su condición de una de las figuras más influyentes y controvertidas de la industria del entretenimiento.

VIDEO RECOMENDADO

La reconocida escritora argentina Mariana Enriquez, curadora de las ediciones de Tinta Club del Libro, participa de esta innovadora propuesta de suscripción mensual que transforma la lectura en América Latina. En esta entrevista, Enríquez repasa sus primeras lecturas de quiosco, sus particulares hábitos con el papel y el peso de la ficción, mientras analiza con lucidez el reto de entusiasmar a los jóvenes frente al elitismo cultural latinoamericano.

Al final de este diálogo, descubra los detalles de un proyecto que ofrece ediciones exclusivas, cajas temáticas y un 10% de descuento para los miembros del Club El Comercio.

― ¿Cuáles son esos recuerdos que tienes de tu infancia y de los libros en ella? ¿Hay colores, olores o sabores que acompañen esos recuerdos?

Mi mamá es médica mi papá era ingeniero. Eran personas formadas, pero no en literatura, les gustaba leer y compraban por recomendación. En ese momento había una colección que se llamaba Club Bruguera, me acuerdo. Se vendía en quioscos y tenía cierta curaduría. No sé si compraron por la editorial o por los títulos, solo sé que vendían en los quioscos, venían hay veces con otros libros. Lo que quiero decir es que no eran libros comprados en librerías, era otra forma más popular, una colección inmensa y muy ecléctica. A mí de chica me gustaba sobre todo porque los libros eran de diferentes colores, mirá que tontería, todavía me acuerdo. El primero era Sangre fría de Truman Capote que era rojo. El segundo era una antología de cuentos de Borges que era amarillo. Te estoy hablando de 7 o 6 años, me los acuerdo. Estaba El americano impasible de Graham Greene, de un color lavanda, precioso. Yo no entendía nada de ese libro. Creo que del primero que logré entender algo fue de Narraciones Extraordinarias de Edgar Allan Poe, que lo empecé bastante tarde porque era marrón y el color no me gustaba. Era una niña, elegía con ese sentido. Esa fue mi primera colección de libros. Te hacías de una literatura universal importante con leer esta colección. Me acuerdo de que Poe fue el primero que me gustó, por alguna razón ya me gustaban las cosas siniestras, y el segundo que fue para mí un descubrimiento impactante Cumbres Borrascosas de Emily Brontë, era de color naranja. Al mismo tiempo, mi tío estaba inscrito en un club del libro, y me regalaba los que no le gustaban. Ahí me regaló La historia interminable de Michael Ende, un escritor de fantasía encasillado en lo infantil, pero yo diría que es más como Bradbury, es decir, no infantil pero más que todo de la imaginación, muy tierno, pero no necesariamente para niños. Las emociones que maneja son muy adultas. Bueno, me regaló ese libro y me impresionó mucho, era un libro muy meta. Se trata de un niño que lee y la novela, son las dos cosas, el niño que lee y la novela que el niño está leyendo. En un momento logra meterse físicamente dentro de la historia para poder colaborar y me impactó muchísimo, es una metáfora de lectura impresionante. Por supuesto, en ese momento no lo leí de esa manera, sino como la posibilidad de entrar a un cuento y convertirte en el héroe. Es un libro hermosísimo. Y las primeras lecturas me llegaron así, no de bibliotecas públicas, no de librerías, no de recomendaciones de gente relacionada con la literatura, sino de esta forma más popular, de libros baratos, a partir de una curaduría en quioscos de revistas o a través del club de lectura gracias al que me llegaban los descartes de mi tío.

― ¿Cuáles son tus hábitos de lectura? ¿Lees en alguna hora específica, subrayas los libros, lees en papel?

Los subrayo con lápiz, nunca con esfero, los guardo cuidadosamente. Siempre tengo el libro y un cuadernito porque siempre tengo que anotar. Todos mis libros tienen huella, anotaciones. En general leo antes de dormir, por las noches. Antes escribía en la noche y fue un hábito que cambié, ahora escribo en la mañana y leo en la noche. Si tengo tiempo, me gusta mucho leer por la tarde, a la hora de la siesta y entrando en el café de la tarde. Me parece una hora hermosa para leer y después salir, una parte en el medio de la tarde, una lectura placentera. Me gusta mucho en la cama, antes de dormir. No me da sueño y si me da sueño, no importa, me parece una buena despedida del día. Soy muy acumuladora de libros, tengo muchísimos libros; me cuesta bastante tirar libros, y vender libros, aunque lo hago con frecuencia porque si no en mi casa no se puede caminar. Además, hay muchos libros que guardo que no me interesan especialmente, pero lo hago de completista. Es lo único que acumulo porque para todo lo demás soy bastante desprendida. Cada vez es un problema mayor, las mudanzas son dramáticas y trabajar de periodista, de crítica, te mandan muchos libros y son muchos los que guardo para después. Tengo una relación bastante enfermiza. Para viajar uso el e-book pues me gusta viajar ligera, pero prefiero el papel porque como dispositivo es genial, uno lo puede doblar, dejar, no se pierde, no se apaga, lo puedes subrayar, anota y una edición linda con tapa, es imbatible. De hecho, si me leo uno en digital que me gusta, lo compro en impreso. Y no me gusta escuchar leer, no me gustan los podcasts. Hay algo de escuchar que me desconcentra, admiro a quien puede sostener la atención siete horas. Mi mamá no me leía cuando era chica, no me gustaba. Terminó leyéndome poesía la pobre mujer porque no me gustaba. Es una cuestión personal.

― ¿Piensas en tus lectores(as) cuando escribes? ¿Tienes un tipo de lector(a) ideal?

Tengo pocos lectores porque siento que en el momento de los primeros borradores soy muy influenciable, vulnerable. No tengo estándares súper altos en cuanto a me leen y a escuchar lo que me dicen, cosa que me parece bien, por un lado, pero si lo que pasa es que, si se lo muestro a muchos y me dicen todos cosas diferentes, todas me parecen razonables. Entonces, se lo muestro a poca gente cuando ya está más formado, para que la cantidad de opiniones me resulte manejable. Mi mejor amigo lee todo, no es una persona con la que coincidamos totalmente en los gustos, pero es un lector que me interesa mucho como lee, es muy obsesivo, entonces él ve cosas que yo no y va cambiando según el texto. Tengo un par de amigos cercanos, alguno es escritor. Me leen lectores, más que escritores y mi agente a quien le tengo muchísima confianza. No tengo un lector ideal, todos me parecen relevantes. Entonces tengo que encontrar lo mío y al final quiero una lectura crítica más fina, como: esto es aburrido, esto es una repetición y así. Cuando voy a talleres siento que están descuartizando el texto y luego no lo puedo volver a armar, es un momento muy intuitivo; hay lectores que son muy racionales y a mí me arruinan por completo. Cuando voy a buscar a mi amigo Ariel, que es un lector muy racional, lo busco cuando necesito eso. Ya está el libro terminado y necesito que me diga si están bien las fechas, cosas así. Un lector que pueda leer como si el libro fuese un motor y lo estuviera arreglando; pero no tengo tantos lectores ni tanta confianza, lo muestro al final.

― ¿Tienes alguna anécdota memorable de un encuentro con un lector(a)?

Hay uno bastante raro y viene al caso porque estamos con Colombia. En Nuestra parte de noche, en la novela, hay un momento en el que mis personajes en los años 80 ven por televisión la muerte de Omayra, la tragedia de Armero. Yo la vi y por eso quise incluir la muerte de la niña después de un desplazamiento a causa de la erupción de un volcán. Yo la vi en vivo, por 3 días atrapada entre el lodo. Lo pasaban como si fuera “el gran hermano”. Es un recuerdo de infancia para mí traumático, pero no traumático personal pero sí de algo que vi que era muy difícil de entender. Yo no era tan chica, pero sí demasiada chica para ver morir a una persona y más a una criatura más o menos de mi edad. Como que yo no tenía tan claro que se moría la gente, mejor dicho, la gente grande sí, los viejos, pero los chicos no, y menos de esa manera. Bueno, lo incluí en la novela como una especie de anuncio ominoso, a mis protagonistas que son niños también le pasan cosas terribles, ellos se pasan días viendo esto. Y claro, yo lo describo. Algunos lectores son más jóvenes, otros porque pasó en otro país y no en Argentina, etc., pensaban que era un invento. Luego lo googleaban y enseguida lo encontraban en YouTube, toda la imagen, está todo. Y sobre todo la imagen final que es muy impresionante, hay una fotografía de ella con las manitos de ella, enormes, con hipotermia, muy azules, y los ojos todos negros porque están llenos de sangre. Es como una imagen de una película de terror, esto dicho con el mayor respeto, pero es así. Una vez, un lector, me trajo esta imagen, pintada al óleo, enorme, en un cuadro enorme, hiperrealista, además. Yo no diría que me marcó, pero sí me impresionó mucho. No sabía qué tipo de conversación tener con él. Una cosa es que vos le dibujes al autor uno de sus personajes, lo es, pero no funciona como un personaje. Es una niña real. Y en esa conversación, él no era consciente que me estaba regalando para que yo cuelgue o guarde en mi pared la imagen de una niña agonizando. Horrible. Y a l mismo tiempo, me dio una especie de superstición espantosa. Y lo tengo todavía, aunque no me gusta. No es que no me guste estéticamente, está lindo, bien hecho; y lo tengo porque no lo quiero tirar. Es como si se hubiera convertido en un objeto con una carga energética horrible. Eso fue de las cosas más raras que me pasaron porque no tiene que ver con cosas macabras que vos escribiste de la imaginación, sino que es la reproducción de la foto de una criatura muriendo. Y él con la mayor tranquilidad, sin darse cuenta de que era demasiado psicótico.

― ¿Algún escritor de la historia del que te gustaría ser amiga?

De Rimbaud porque estoy enamorada de él desde que soy adolescente. Además, para preguntarle por qué no quiso escribir más, qué pasó, por qué decidió hacer de traficante de armas en África. Me parece el misterio literario más impactante, más allá de que sea escritor, de él posiblemente. Los escritores son difíciles. Probablemente tal vez también lo sería, por eso lo elijo en plan estrella de rock, no tanto como escritor para ser amigo, porque en general cuando los conocés, son bastante raros. A mí no me decepciona la gente en cómo es, sino que es gente de la que tal vez no quisiera ser amiga. Pero de él, sí.

― Si pudieras escribir un libro con otro(a) escritor(a), ¿con quién lo harías?

Con Carson McCullers. Ella tiene algo que es un entendimiento tan profundo de los personajes que sí lo haría, porque me maravilla. Probablemente haya sido bastante insoportable ella en ese sentido, porque hay algo muy riguroso en la escritura, aunque parece absolutamente libre cuando una la lee, pero no es. Para mí son de los personajes más tridimensionales que yo leí, de todos los escritores. Hasta el que aparece en dos renglones son todos complejos; eso es algo tan difícil de hacer, que eso hace que me interese escribir algo juntas. Y, con una escritora contemporánea que me gustaría escribir algo, posiblemente sería con Samanta Schweblin. Porque somos tan distintas, pero al mismo tiempo tenemos la misma edad. Me parece que siempre que tenemos conversaciones literarias, que no siempre es el caso porque somos amigas y hablamos de cualquier cosa; son conversaciones muy entusiastas. Mirá, ¡descubrí a este tipo! Cuando descubrimos un buen cuento, como si estuviéramos hablando de deporte. Me gustaría ver cómo funciona esa complicidad y ese entusiasmo en algo más. Ella está viva y lo veo muy difícil por nuestras dos personalidades y cómo escribimos, pero sería lindo que se diera porque es prácticamente imposible.

― Eres fan de muchas cosas… ¿qué has aprendido de ser fan y cómo aplicarlo a la lectura?

Es cada vez más difícil por las condiciones culturales. La gente está probablemente más letrada que nunca; pero la lectura que hace la mayoría no tiene que ver con lecturas literaria; por una cuestión audiovisual y por lo mucho que se lee en pantallas. Es muy difícil sacar a la gente de esto y me incluyo. Creo que lo que más competencia tiene para sacarme tiempo de lectura a mí es scrolear en redes sociales. Me parece bien que un escritor lo diga, nos pasa a todos, es así. Se abrió esta dimensión, es infinita y es una dimensión de lectura también. Soy docente, ahora estoy en sabático, pero lo fui de periodismo en academia y periodismo narrativo, con lo cual teníamos que leer mucho. Tanía los chicos de primer año, 18, 19 años. Muchos con una enorme dificultar a sostener la atención. Y ya tienen 18 años y estudian en una universidad pública de buen nivel académico en Argentina. Creo que solo se soluciona con entusiasmo y ahí está el problema. Hace falta una intervención institucional para que la gente se entusiasme. Yo lo pensé mucho y llegué a la conclusión de que es así. Por medio del mercado no va a leer la gente, salvo que te guste. Si tenés Netflix, nadie va a ir a la biblioteca pública. Es más, es más posible que empiecen a escribir antes de leer… lo podés ver en fanfiction. Escriben un final alternativo a la serie antes de leer. Para mí, una experiencia interesante, pensando desde el mercado, es lo que se hace con la literatura de jóvenes adultos, que no me interesa mucho en contenidos ni en estilo, pero que ha logrado desde Harry Potter para acá, hacer que haya una fracción de jóvenes que lean mucho. Puede que no sea la literatura más interesante, pero es leer, es un entrenamiento. Leer todos los tomos de Harry Potter es un montón. Todavía hoy hay chicos que empiezan a leer con esto. Pero el apoyo que después requiere eso, es difícil de dar. Desde el mercado es imposible, en las casas es difícil y desde el sistema educativo en las condiciones en las que se está trabajando es complicado. El reto entonces es entusiasmar a los chicos y luego a la gente más grande con programas de acceso a la lectura que tienen que darse desde las instituciones. Pero éstas están desfinanciadas, porque la cultura en nuestros países cada día parece importar menos y sobre todo si se le compara... En un país donde la gente tiene problemas de violencia, de acceso a la vivienda, a la alimentación… para mí una cosa no quita la otra. Wilfred Owen era un poeta que iba a la trinchera en la Primera Guerra Mundial y escribía poesía. Lo mataron ahí… Entonces, no tengo una respuesta romántica, tengo una respuesta política: estas formas de lectura con las que yo empecé, por ejemplo, a pesar de que fuera popular, tenía que ver con una idea, sobre todo en ese momento en la Argentina, de que el libro fuera muy accesible y barato, que estuviera en lugares donde la gente no necesariamente fuera a buscar libros. Después me enteré que muchas de estas colecciones tenían subsidios estatales, y entonces llegaban más baratos, y en programas de lectura que no eran enunciados como tal pues a veces la gente es reactiva con eso y está bien. Entonces, era un interés. El Estado ponía dinero en eso porque le interesaba que mi papá fuese y comprara el libro en el quiosco, porque mi papá no iba a ir a una librería, o no tenía tiempo por el trabajo; pero, cuando se bajaba del bus, tenía un quisco al lado. Es todo bien completo, ¿no? Pero luego, el entusiasmo viene solo, porque, cuando te enamorás de la lectura, eso ya después, para mí, sale todo. El problema es cómo llegas. Se necesita una ayuda muy determinada, y este poder solo lo tiene el Estado, y no encuentro ni uno en América Latina que tenga un interés claro sobre esto. Hay una idea muy perniciosa de que la cultura no es necesaria, como que no es de primera necesidad, y yo creo que sí lo es.

― ¿Cómo te fue de profesora con los jóvenes? ¿Son fáciles de entusiasmar?

Sí. Comparando conmigo, que iba a las clases de la universidad fumando, cuestionando todo lo que decían los profesores, muy rebelde; creo que los jóvenes hoy son más amables, pero sí, dicho con todo respeto pues en general los jóvenes me caen bien, por la hiper-oferta que tienen, entre esa la cultural, hace que les resulte bastante difícil estar perceptivos a la oferta del pasado. Lo que a mí me cuesta darles A Sangre fría, es de locos. Te dicen: ah, pero es un crimen, de seis personas, en Kansas, en los años cincuenta, ¿cómo puede esto estar cerca de mí? Y cuando trato de explicarles que sí está cerca, que es muy erótico, que se cuestiona la pena de muerte, que se cuestiona el rol moral del autor (Truman Capote esperó años a que mataran a esta gente para poder terminar el libro), todo eso lo ven muy lejos, creo. Y me parece que es por la hiper-oferta. Yo misma soy una melómana obsesiva, hay momentos que me abrumo con la cantidad de bandas que puedo escuchar. Entonces, me bajo toda la discografía de un artista que nadie conoce. Richmond Fontaine, tiene ocho discos, es un músico fabuloso. Ya me da hasta ansiedad saber que he escuchado dos discos solos, me faltan seis y ya sacó otro. Cuando sos jóvenes éste es tu mundo, no tuvieron otro. Entonces, me parece que es difícil por estas condiciones culturales, y la literatura en estas condiciones es lenta, maneja temas lentos, amplios, y ante esa inmediatez es muy difícil competir. Con la realidad también es muy difícil. Recuerdo siendo maestra de una maestría, en crónica latinoamericana, dos de los textos que debían leer era: La noche de Tlatelolco de Elena Poniatowska; y Operación Masacre de Rodolfo Walsh. Con ambos, teníamos el mismo problema. Que los chicos que tenían 18, 19 años, les parecía, como decirlo con elegancia… Que se había muerto poca gente. Y era cierto. Pero de lo que se trata es de ver, en La noche de Tlatelolco, cómo se hace una narración coral, de denuncia, pero a la vez tiene forma literaria; y en ver Operación Masacre cómo se usan los elementos de la literatura de ficción para armar un retrato periodístico siendo muy fiel a los hechos, y después la parte de investigación. Tenía alumnos de todo América Latina y un mexicano me escribe que en esa masacre solo murieron cinco y hace poco, a la vuelta de su casa, murieron veinte. Y sí, es verdad… Entonces, hay algo de no entender la literatura que no es la realidad, es el lenguaje; formas en el lenguaje de contar la realidad que creo se les complica por la cantidad enorme de lenguajes que tienen que descodificar. Hay veces que se vuelve difícil y te enojás con ellos. Pero no es su culpa, uno pertenece a otra cultura y cambió la cultura muy rápido, entonces los dos estamos viviendo en un mismo momento histórico con dos diferentes culturas y no sé si eso pasó antes tanto. Por ejemplo, los jóvenes en los sesenta, estaban viviendo en otra cultura, pero el cambio no era tan profundo quiero decir, básicamente era lo mismo, distinto el pelo, distinta música a la de sus padres en los cuarenta. Ninguno había nacido con un teléfono y el otro sí. Son más cyborg que yo... Y, así y todo, tengo muchos lectores muy jóvenes. Me doy cuenta que, cuando se penetra ahí, la literatura es imbatible, el tema es la penetración.

― La literatura es percibida como elitista en Latinoamérica. Creo que ha alejado a muchas personas de los libros. ¿Cómo motivar para disfrutar la experiencia literaria?

Creo que en Argentina pasa en menor medida por una cuestión social. La universidad pública y la cantidad de escritores de clase media y baja, que son canónicos, Roberto Arlt, hay un montón. Es decir, tenés escritores aristocráticos como Silvina Ocampo o Bioy Casares; escritores de clase media como Borges y Cortázar un poco más arriba, pero ninguno de los dos millonarios. La mayoría de los contemporáneos como yo venimos de clase media, media baja con muy pocas excepciones; y no solo de Buenos Aires sino de las provincias. Y es una condición muy particular de la Argentina, dentro de América Latina. Porque fue un país, ahora es muy desigual, pero no lo fue por mucho tiempo, y tiene que ver ahí la educación pública, en todos los niveles. Pero sí, es cierto el elitismo de los escritores en otro sentido. Me acuerdo cuando publiqué mi primera novela, mi editor que era Juan Forn, era amoroso y era el tipo de escritor que a mí me gusta, un entusiasta que me decía “tenés que leer esto, tenés que leer lo otro, te va a gustar esto”. Y él que en ese momento era muy amigo de Fresán, después se pelearon, los dos eran mis dealers de libros, dentro de ese mundo. Pero cuando me llevaron a conocer otros escritores, me acuerdo de una cena con un “señor escritor argentino”. El señor me pregunta si me leí El idiota de Dostoyevski, yo tenía veinte años y no lo había leído. Por la personalidad que tengo, le respondí: “No leí El idiota, pero leí Los hermanos Karamazov, ¿te sirve?” Pero porque siempre he sido muy desafiante y de chica, ingobernable. Pero, con el tiempo, he pensado, que otra chica en esta circunstancia en los años noventa con un señor premiado, Premio Nacional de Literatura, que te esté tomando un examen en una cena, y que ella no haya leído un libro… ¿Cuántas otras en vez de desafiarlo porque no tienen mi personalidad, o porque no se habían tomado todos los vinos que me había tomado esa noche, se asustan y dicen mejor no? Estamos hablando entre escritores, gente leída, publicada. Lo que quiero decir es que asustan escritores, no solo la gente común. Hay una cuestión de clase que en Argentina quizá esté un poco más enmascarada, pero que hay escritores con cierta competencia, una especia de torre de marfil y hay escritores que se ponen en ese lugar en el que, hablar de series es pecado, hablar de cine un poco más, pero si es Kurosawa… y claro que eso espanta mucho a la gente, porque todo el consumo cultural elitista es un consumo privilegiado, porque cómo haces para ver a Kurosawa. Te tocaría verla en Filmin que es una plataforma europea y que en América Latina no se puede acceder. También me acuerdo que estaba en Perú, en una charla de Vargas Llosa y muchos en la posición de “va a hablar el maestro” y cerraron las puertas porque había gente hablando afuera. Hubo muchos que no pudieron entrar, amigos míos y Vargas Llosa estaba hablando pavadas con sus amigos, estaban contando anécdotas. No era ningún momento solemne. No culpo a Vargas Llosa, es al sistema. Al año siguiente, se muda a España y empieza a salir con Isabel Preysler, más frívolo imposible. Al mismo tiempo, si le hubieran dejado ver a la gente, ver esa imagen del señor, riéndose con su amigo, y después dejando a su esposa, haciendo un desastre y yéndose con la ex de Julio Iglesias… Uno diría ¿es una vergüenza? No, es una persona. Entonces al decir son personas, no son más inteligentes. Saben hacer esto y da prestigio y todo lo demás. Pero en un continente tan desigual, tan racializado es una marca, si vos mirás, todos los escritores y escritoras canónicas de América Latina, son blancos. Esto no es menor pues no es que no los haya negros. Incluso en Brasil. Un escritor como Jorge Amado, fue muy, muy popular y no se le pone o se lee con el mismo respeto que a Clarice Lispector. Ella, estaba mucho más loca que Jorge Amado, era mucho más desorganizada y me arriesgo a decir que Jorge era mejor escritor como tal. Uno un escritor popular y la otra una rara. Esto pasa todo el tiempo. Por supuesto, la mejor manera es que aparezcan otros escritores de otros orígenes y clases sociales para demostrar que esto es así. Y volvemos aquí a la política otra vez. Es muy complejo desarticular el racismo. Yo veo a escritores y los pongo con los europeos y son iguales. También me pasó con un escritor con quien tengo buena onda, muy buen poeta, muy moreno, con un look muy particular, muy cool. Fuimos a una fiesta y en la entrada, le señalaron que debía entrar por la puerta de servicio. Fue una de las cosas más impresionantes que he vivido. Porque, además, por cómo se viste, por la onda que tiene, jamás se te hubiera ocurrido, es como mandar a Jimi Hendrix a lavar los platos. Sin embargo no vieron eso, vieron su color, vieron su pelo. Y bueno, él tiene más libros que ello. Pero ves, en el fondo, es eso.

La fantasía: los lugares de la imaginación

― Autores como Borges o Bioy Casares afirman que lo fantástico es coetáneo a la literatura, parece ser un rasgo mismo de la literatura, ¿cierto?

Bueno, sí, es toda inventada. Incluso el realismo e incluso el periodismo narrativo, yo que hago eso, porque la forma, el punto de vista en el que contás una historia hace que no se parezca a la realidad, es lenguaje y cuando pasa al lenguaje se convierte en otro artefacto. Por eso, negativamente, también es tan fácil que te creas algo. Porque estás tan acostumbrado a la narrativa como una mentira creíble, que cuando te lo cuentan en el periodismo uno duda mucho en si es real o no. Ese límite, ese juego con la realidad de la literatura hace que toda sí sea fantástica.

― Dice Todorov que lo fantástico implica no sólo la existencia de un acontecimiento extraño, que provoca una vacilación en el lector, sino también una manera de leer. ¿Cómo puede ser esta manera de leer?

Como lectora de fantástico compulsiva, creo que lo que tenés que tener es una especie de suspensión del verosímil casi incorporado. Tenés que entregarte a ese juego y se acabó. El señor del anillo, hay tierra media, joven, hay un anillo de poder y punto, comprás ese pacto. El pacto de lectura del fantástico es muy alto, te pide mucho. Por eso mismo te da tanto. El lector de fantástico y la forma de lectura, es muy creativa. Tienes que hacer un ejercicio consciente de aceptar lo increíble como creíble y una vez que lo puedes hacer ahí tenés las mismas emociones, incluso más. Por eso todo es tan popular: El señor de los anillos, La guerra de las galaxias, Harry Potter. Porque ese esfuerzo que vos haces de quebrar con la realidad, también te pone en el lugar a vos de la fantasía y de lo fantástico. Cuando estás allí, un poco solo, a la intemperie, sin nada en lo que apoyarte, las emociones son más intensas; un poco como el amor, es un territorio sin marcas, donde no sabes bien qué va a venir. Yo siempre interpreté lo que dice Todorov como una lectura muy activa. Tienes que obligarte a vos mismo, hasta que lo incorporás de una manera inconsciente; luego no te das cuenta que lo hacés. Es un proceso interpretativo muy completo. Porque podés estar leyendo sobre esto sin ningún tipo de contradicción, sin confusión. Si lo despojás como algo del cotidiano, es muy raro.

― El ojo de Goliat ¿Cuándo leíste el libro por primera vez? ¿Cómo llegó a tus manos?

El libro llegó porque Diego es un escritor que, aunque todavía no tiene una proyección internacional digamos, a mí me gusta mucho, espero lo que hace. Publicó dos libros antes que me gustan mucho; un libro de cuentos y libro que son tres nouvells que se llama Las esferas invisibles y cuando salió este libro lo fui a buscar inmediatamente, lo leí apenas salió. Y me sorprendió bastante, me gustó más de lo que me suele gustar. Me gusta muchísimo, pero creo que en este libro encontró lo que venía buscando, encontró el tono preciso.

― Los faros evocan misticismo, misterio; invitan a la serenidad, a la reflexión, a la paz interior. ¿Por qué crees que Diego hizo del faro el eje central del libro?

Creo que por muchos motivos. Es una novela de la post-guerra europea y del trauma de guerra, pero creo que encontró esta conexión con el mar del sur en la Argentina que, en esa época, históricamente, aunque es inventado, es algo posible. El extremo sur era un lugar sumamente visitado por Europa y en esa época también brutalmente visitado y explotado. Creo además que es una novela muy masculina, en el sentido que habla muchísimo de masculinidades, y muchas de estas rotas en este caso por la guerra. Pero, aunque la novela es muy histórica también me parece muy metafórico. El tema del varón y de la masculinidad a veces es frívolamente vapuleado, y creo que él está tomando un género absolutamente masculino, citando a Stevenson, citando a otro marino aficionado a pesar de su salud, escritor de novelas, sobre todo La isla del tesoro. Pero en general, cuando Stevenson se muda a vivir en las islas de los mares del sur, es lo mismo. Tiene esa conexión. Y creo también que hay algo de fálico en el faro. Me parece muy fuerte ir tan en contra de todos los mandatos sobre qué escribir y eso me gusta muchísimo, es una novela súper libre, él está escribiendo sobre lo que le obsesiona, sobre lo que le gusta. Sin embargo, es un varón escribiendo hoy y tomando un género súper masculino, no por nada elige eso, en vez de elegir un barco, un campamento en el sur, una isla, una estación de investigación en la Antártida. Un faro tan cerca de la palabra falo. Y pone a este señor que ya viene absolutamente trastornado y lo pone en una situación colonial, un escoces que viene a supervisar unos faros en un territorio que no es suyo, y ahí enloquece, no contemos mucho. A mí me resonaba mucho la película de Robert Eggers que también se llama Faro. Con Willem Dafoe y Robert Pattinson. Es un poco eso, en este caso dos hombres en un faro. Yo nunca pienso en faros, pero cuando leí esto, mi sensación es el total aislamiento y el terror de estar ahí abandonado, cosa que es muy posible. Conozco uno que le dicen el faro del fin del mundo, en el que el mar es muy bravo, con elefantes marinos que tienen un olor horrible. En una foto es súper pintoresco, pero uy, no, no me dejen acá, me muero.

― Hay un juego ahí con los narradores y qué creer de lo que nos cuentan…

Claro, es verdad. Es un detalle súper importante. Los dos son narradores en los que no se pueden confiar. Los dos usan dispositivos en los que no se pueden confiar: uno es el diario –que no sé por qué entró tanto en ese tipo de narrativas porque no hay cosa más mentirosa que un diario, uno se inventa un personaje de sí mismo, el acto puede ser muy íntimo, pero es para que alguien lo lea–, y la ciencia es otro discurso que dice “esto es verdad, me tenés que creer”. Pero ambos, son narradores que no pueden garantizar que lo que están diciendo esté de este lado de la realidad y no del otro lado del velo de la realidad. Los dos están dañados. La novela tiene muchas lecturas, y es breve.

Martin Scorsese se convirtió en asesor de la empresa de inteligencia artificial Black Forest Labs y reveló que ya utiliza esta tecnología en sus procesos creativos, especialmente para la elaboración de storyboards o guiones gráficos durante la etapa de preproducción de sus proyectos cinematográficos.

El reconocido director estadounidense aseguró que la inteligencia artificial le ha permitido plasmar de manera más rápida y precisa las imágenes que imagina para sus películas, facilitando la comunicación con actores y miembros de su equipo técnico.

“Durante 70 años, he creado mis propios storyboards. Siempre ha existido el problema de cómo comunicar lo que uno ve en su cabeza al elenco y al equipo. Hay cosas que uno tiene que ver y sentir”, señaló el realizador de “The Wolf of Wall Street” en un comunicado difundido por la compañía este martes.

Scorsese explicó que utilizó FLUX, la línea de modelos de inteligencia artificial de código abierto desarrollada por Black Forest Labs para generar imágenes a partir de texto, y destacó las ventajas que ofrece durante el proceso creativo.

“La capacidad de visualizar y compartir el storyboard de inmediato es una liberación creativa”, afirmó el cineasta, quien además sostuvo que esta herramienta les permitió avanzar con mayor rapidez durante la preproducción “sin sacrificar la calidad ni la técnica”.

El anuncio estuvo acompañado por un video en el que se observa al director describiendo detalladamente una escena que imagina, mientras otra persona transcribe sus palabras para que el sistema de inteligencia artificial genere una representación visual en tiempo real.

En la grabación, Scorsese sostiene que este tipo de tecnología puede contribuir significativamente a optimizar los tiempos de trabajo en una producción audiovisual.

“Si dispones de una herramienta como esta, podrías resolverlo mucho más rápido, ahorrar tiempo de producción y, además, reducir el desgaste del equipo”, comentó.

Con esta decisión, Scorsese se suma a un grupo cada vez más amplio de figuras de Hollywood que han manifestado públicamente su respaldo al uso de la inteligencia artificial dentro de la industria cinematográfica. Entre ellos figura el director James Cameron, quien el año pasado se incorporó a la junta directiva de la empresa Stability AI.

No obstante, el avance de estas herramientas continúa generando debate en el sector. Mientras algunos cineastas consideran que la IA puede convertirse en un aliado para agilizar procesos creativos y técnicos, otros mantienen una postura crítica. Uno de los opositores más conocidos es Guillermo del Toro, quien en diversas oportunidades ha expresado su rechazo al uso de inteligencia artificial para la creación cinematográfica.

La incorporación de Scorsese a Black Forest Labs evidencia cómo la discusión sobre el papel de la inteligencia artificial en el cine sigue ganando protagonismo en Hollywood, una industria que busca equilibrar innovación tecnológica y creatividad artística.

VIDEO RECOMENDADO