Carlos Vives lanzó oficialmente su nueva producción discográfica titulada “El último disco Vol. 1”, un proyecto que rescata la sonoridad orgánica de las sesiones de estudio en vivo y que cuenta con la participación de figuras como Juan Luis Guerra, Sergio George y Niña Pastori.

El álbum, compuesto por 10 canciones, se presenta como una obra dividida en dos volúmenes en alusión a los formatos de vinilo tradicionales, integrando la última grabación realizada por el fallecido acordeonista Egidio Cuadrado, quien acompañó al cantante durante más de tres décadas.

A diferencia de lo que sugiere el título, el intérprete colombiano enfatizó que este trabajo no representa su retiro de los escenarios, sino que pretende volver a las raíces de la música, usando consolas reales y la reunión presencial de toda su banda.

“El último disco está hecho así, como esos primeros álbumes de aquellas bandas inolvidables. Fue grabado en vivo por maestros ingenieros y productores, en consolas de verdad”, afirmó el cantante.

El repertorio inicia con el sencillo “Te dedico” y explora diversos géneros que van desde el pop vallenato en “Tuyo y nada más” hasta la salsa brava en “Si yo volviera a nacer”.

Uno de los puntos más destacados es la colaboración con Juan Luis Guerra en el tema “Buscando el mar”, pieza inspirada en la obra de Gabriel García Márquez que fusiona ritmos caribeños con una carga nostálgica.

La producción cierra con el tema homónimo “El último disco”, un vallenato tradicional interpretado junto al acordeonista El Cocha Molina.

Tras este lanzamiento, Vives iniciará su gira internacional denominada “Tour al sol”, donde presentará tanto este nuevo material como los éxitos que han marcado su trayectoria profesional.

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El reconocido cantante Norberto Vélez llegará a Lima junto a su orquesta completa y original de Puerto Rico como artista principal de “Desde La Loma Fest”, evento que se realizará este 30 de mayo en el Centro de Convenciones Scencia.

La cita también contará con la participación internacional del gran exponente de la salsa Vitti Ruiz. Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Teleticket.

La organización confirmó oficialmente la destacada cartelera nacional que acompañará a Norberto Vélez en esta gran celebración musical, apostando por artistas peruanos que actualmente vienen marcando la escena salsera y tropical del país.

Entre los invitados destacan Barrio Fino, You Salsa, Zaperoko, Josimar y Angeli Boza, quienes serán parte de una jornada cargada de ritmo, fiesta y sabor latino.

La presencia de estas agrupaciones y artistas nacionales convierte a “Desde La Loma Fest” en uno de los encuentros musicales más importantes de la temporada, fusionando el legado de la salsa internacional con el enorme crecimiento de la escena peruana. Cada uno de los invitados llegará con sus mayores éxitos y propuestas musicales que han conectado masivamente con el público en los últimos años.

La cartelera nacional reúne a algunos de los artistas más representativos y vigentes de la salsa peruana actual. Zaperoko, considerada una de las agrupaciones más populares y convocantes del país, llegará con toda la fuerza y energía que la caracteriza; mientras que Josimar, una de las voces más reconocidas de la música tropical peruana, aportará su estilo romántico y su gran conexión con el público.

A ellos se suma You Salsa, agrupación que viene conquistando a las nuevas generaciones gracias a su propuesta fresca y moderna, además de Barrio Fino, que continúa consolidándose dentro de la escena tropical con una puesta en escena llena de sabor y fiesta.

Finalmente, la presencia de Angeli Boza reafirma el crecimiento de nuevas voces femeninas en la salsa peruana, aportando frescura y versatilidad a una noche que celebrará lo mejor del talento nacional e internacional. Uno de los momentos más esperados será la participación de Vitti Ruiz, quien llegará como invitado internacional para deslumbrar a los asistentes con la salsa romántica que tanto lo caracteriza.

Su presencia suma aún más emoción a un festival que promete convertirse en una experiencia inolvidable para los amantes del género.

Por su parte, Norberto Vélez, reconocido mundialmente por el exitoso formato musical Sesiones Desde La Loma, llega al Perú con su orquesta completa y original de Puerto Rico en uno de los mejores momentos de su carrera.

El artista boricua ha logrado conquistar a nuevas generaciones gracias a sus colaboraciones, sesiones en vivo y su capacidad de reunir grandes voces de la música latina en interpretaciones memorables que hoy acumulan millones de reproducciones.

El evento en el Centro de Convenciones Scencia promete una producción de primer nivel, sonido de alta calidad y un repertorio lleno de clásicos y éxitos contemporáneos que harán cantar y bailar al público durante toda la noche.

La combinación entre artistas internacionales y talento local convierte este festival en una verdadera celebración de la salsa y la música tropical.Las entradas para “Desde La Loma Fest” ya están disponibles en Teleticket y se espera una gran convocatoria para una noche que reunirá a figuras icónicas y nuevas generaciones en un mismo escenario.

“Empecé a escribir esta novela el fin de semana que dejé el alcohol y las drogas”. Elisa Tokeshi (Lima, 1998) habla por Zoom. De fondo está la habitación que sus seguidores en redes conocen como propia. Está el armario de madera, la pared con docenas de fotos, testigos de los videos donde canta y habla de su vida. Su primer libro tiene esta naturaleza confesional sin ser autobiográfico.

“Borderline sagrada” (Planeta, 2026) sigue a Julieta, adolescente con problemas de adicción, que se autolesiona y en consecuencia tiene dificultades para relacionarse con otras personas. Vive con trastorno límite de la personalidad (TLP), diagnóstico que comparte con la autora. En años pasados Tokeshi incluso se hizo llamar como la protagonista, Julieta Azul, alias que ya no la representa, pero que revive para el texto. “Siento que sería como cerrar el círculo”, dice.

“Si bien la novela es ficción, hay muchos aspectos en los que me inspiré en mi propia vida. Me inspiré en varias cosas para crear los personajes y luego hice lo que quería con todo”, explica la artista, quien además de cantar y escribir, también pinta. Una rama de púas que acaba en flor sale en la primera ilustración del libro; una mujer expulsa el apéndice por la boca, entre lágrimas. La misma rama la asfixiará en el siguiente dibujo.

“Primero empecé a escribir mi vida, un bloque de 350 páginas. Era como mi mármol. Luego fui sacando, eliminando, distorsionando y se convirtió en una cosa completamente distinta. Fui cambiando la naturaleza de todo lo que pasó y también inventándome un montón de cosas. Eso fue lo más divertido”. En un principio, para esta novela debut consideró contar todo lo que pasó, pero solo hasta darse cuenta que podía intervenir el material. “Ahí siento que realmente empezó la creatividad. No al escribirla, sino al momento de editarla”.

Reflexión

En entrevista con el diario El País, la novelista Fernanda Trías dijo que casi no se habla del alcoholismo femenino. Tokeshi concuerda. “Está tan romantizado en sus vidas [de los autores] que hayan sido drogadictos o alcohólicos, y creo que es más complicado cuando se trata de una mujer. No es tan común, sí es medio tabú”, explica. “Algunas personas que han leído la novela me han dicho, ‘es como un Bukowski femenino’ [risas]. No lo he leído, así que lo tomo como una observación, no como un halago. Pero sí entiendo que hay cierta oscuridad que lo caracteriza, que también es una oscuridad que tengo a mi manera”.

“Si hay algo que la novela no hace es romantizar el TLP, sino mostrarlo muy crudamente. Me quedo con la tranquilidad de que si alguien lee esta novela no va a decir, ‘qué chévere es tener TLP”. Entiendo que puedan decir, ‘qué valiente’ o chicas o chicos con TLP que dicen ‘me identifico’, pero no creo que ninguno diga “qué bacán, chic o aesthetic’ [risas], como dicen ahora. No es así”.

Mirada masculina

El libro también se enfoca en los vínculos que Julieta establece con los hombres. Relaciones marcadas por el cómo ella imagina que el género opuesto la ve a ella. “De hecho tengo una canción sobre eso que se llama ‘Hay un hombre en mi cabeza’, que trata un poco de ese tema. Algo que me he dado cuenta a lo largo de mi vida y de crecer siendo mujer en una sociedad que sigue siendo machista, es que a las mujeres se nos educa con un hombre en la cabeza. Quieras o no, no importa lo deconstruida que estés, siempre hay un bichito, esa consideración a la visión masculina”.

El tema ha sido tratado por autoras a lo largo de la historia. Una de ellas es la marroquí Salma El Moumni, en cuya novela “Adiós, Tánger” tiene que pensar como un hombre antes de salir a las calles. Considerar cómo la juzgarán por su sola existencia sea en su ciudad natal o en Lyon, a donde se muda. Sucede en personas precarizadas como el personaje de Mounmi, pero también entre los privilegiados, como se describe a sí misma la Julieta de Tokeshi.

“Creo que todas las mujeres sin excepción, de todas las clases sociales, en diferentes magnitudes, pueden llegar a identificarse con eso porque la sociedad está compuesta para que constantemente las mujeres piensen, ‘ya, pero ¿qué pensarían los hombres?’. Y los hombres, no sé, por lo menos yo creo que no están pensando ‘uy, si hago esto, ¿le gustaré a una mujer?’ O ‘¿qué pensará una mujer?’ Como que la consideración del hombre hacia la mujer es algo aprendido y en el caso de las mujeres, la desconsideración al hombre es algo aprendido [risas]. Es una deconstrucción”.

Cuando Mario Vargas Llosa dejó de escribir su tradicional columna en el diario “El País”, este periódico madrileño, que acaba de celebrar 50 años, decidió invitar a cuatro escritores para, con una frecuencia semanal, intentar ocupar el vacío dejado por el Nobel peruano: el escritor cubano Leonardo Padura, el colombiano Juan Gabriel Vásquez, la portuguesa Lídia Jorge y la española Irene Vallejo. Le pregunto por la responsabilidad que supone este encargo y Padura, Premio Princesa de Asturias 2015, quien pasó raudo por Lima para presentar su más reciente novela, “Morir en la arena” (Tusquets), afirma que reemplazar a MVLl es una tarea imposible. “‘Piedra de toque’ era un espacio medular en ‘El País’. Por momentos era irregular, pero generalmente eran artículos de un primerísimo nivel. Porque Mario era un tipo con una capacidad intelectual y un cerebro tan bien amueblado, que era capaz de oír una frase y a partir de ella armar una crónica en la que nos podía dar una lección sobre cualquier cosa. Muy polémico en la parte política, muy convincente en sus juicios sobre cultura. Sustituir a Vargas Llosa es imposible. Lo que ha ocurrido es que cada uno de nosotros, con su estilo, ha ido ocupando ese espacio, creo que con bastante dignidad”, afirma.

En su caso particular, Padura dice tener una enorme complicación. Muchas veces tiene temas listos para publicar, pero debe aplazarlos por tener que escribir sobre los problemas en Cuba. Problemas agravados, como enumera, por el desgaste y la ineficiencia de un modelo económico, la falta de visión del gobierno para hacer cambios políticos profundos y el peso indiscutible del bloqueo petrolero de Trump que tiene al país sin combustible. “Cada vez que escribo, pienso en qué diría un tipo como Vargas Llosa en esta clase de situaciones”, afirma.

—Tu más reciente novela, “Morir en la arena”, se inspira en un parricidio real. Conociste al parricida, al padre asesinado, al hermano… a toda la familia. Supongo que contar esta historia era un proyecto de toda una vida. ¿Qué necesitaste para escribirla por fin?

¡Es que nunca pensé escribir una novela como esta! Nunca pensé escribir algo sobre ese parricidio real que ocurrió en una familia muy cercana a la mía. Conocí a todos los involucrados, y con algunos de ellos mantengo estrechas relaciones, con familiares cercanos a la víctima y al victimario. Utilicé el parricidio porque la historia que quería contar sobre este fin de mi generación se me resistía. Y me di cuenta de que me faltaba un motor dramático. Y ahí fue donde apareció la idea de incorporar el parricidio. El proceso en que aparece una idea es muy misterioso. ¿Por qué se me ocurrió esa idea entre tantas otras? Ya después, por supuesto, te das cuenta de que el parricidio tiene una serie de componentes culturales, históricos, filosóficos que dan una dimensión más profunda a la novela.

—Mario Conde pasa fugazmente por esta novela, y usted lo presenta como alguien “cada vez más calvo y con más mala leche”. Calvos estamos todos, ¿cuánta mala leche sientes ahora?

Esta utilización de mis personajes en un contexto determinado tiene que ver con el paso del tiempo histórico, el tiempo real de Cuba y el sentido de crónica de la vida cubana contemporánea que yo trato que tengan mis novelas. También es un examen personal: si yo fuera argentino, a lo mejor lo resolvía con un psicoanalista. Pero como soy cubano y escritor, pues lo resuelvo escribiendo. Y con Mario Conde yo evacúo muchas preocupaciones, que van desde lo físico hasta lo político. Alguna gente me dice que esta novela es la más triste de todas, la más desencantada. Y yo digo que el problema es que la realidad cubana es cada vez más triste y desencantadora. Eso lo van reflejando los personajes y, sobre todo en el caso de Conde, lo asumo mucho. Ahora estoy empezando una novela en la que Conde regresa como protagonista y su mala leche está en un punto máximo. Tiene 70 años, vienen a buscarlo para que intente encontrar a una persona, y desde el principio está maldiciendo porque se siente muy cansado. Cansado de la realidad.

—Hablando de “mala leche” y de “evacuar”, creo que esta es la novela en que más veces repite la palabra “mierda”...

Desde muy al principio, los personajes reconocen que están viviendo en la mierda, que están viviendo unas vidas de mierda, y además que están en contacto con la mierda física. Es lo que ha estado ocurriendo con mi generación en Cuba. Están en el momento en que llegan a la edad de la jubilación, cuando deberían tener una cierta tranquilidad en sus vidas, y eso no ocurre. Se encuentran más vulnerables que nunca, más pobres, más dependientes de alguna donación, si tienen hijos en el extranjero. Y todo lo que han sacrificado, han trabajado, han estudiado, han obedecido a lo largo de sus vidas no tiene una recompensa. La aritmética ilustra mejor que cualquier comparación: En Cuba, una jubilación promedio son 3.000 pesos, y un paquete de 30 huevos vale 3.000 pesos. Mi madre, que tiene 98 años, recibe una jubilación de 1.500 pesos. Un paquete de un kilo de leche en Cuba vale 1.800 en el mercado privado.

—Te han dicho que “Morir en la arena” es una de las novelas más tristes que has escrito, pero yo he encontrado una hermosísima historia de amor entre Rodolfo y Nora, tus sexagenarios protagonistas. Siento que has logrado combinar “A sangre fría” con “El amor en los tiempos del cólera”...

Uno de los asuntos importantes de esta novela es el problema de la vejez, de la tercera edad. Para el mundo occidental, eso se ha convertido en un problema. Cada vez hay más viejos y cada vez están más marginados. En la novela, estos personajes han llegado a los sesenta y tantos años, y están en condiciones económicas muy complicadas. Les queda solo un pequeño espacio, el espacio existencial. En esta novela, ese espacio existencial se revela en el amor, la redención y la posibilidad del perdón. Son como ventanas que dejan entrar un poco de luz en medio de la oscuridad. Rodolfo y Nora, dos de los protagonistas de la novela, tendrán una relación íntima, descrita con bastante fuerza. Pero creo que más importante que la relación erótica es la comprensión que tienen los dos de tentar una vejez acompañada. Hoy, la gente vive menos porque vive una vejez solitaria. Y para ellos, el amor es una tabla de salvación. Es como llegar a la arena y encontrar un pedacito de costa que no se hunde.

—Si me permite el chiste, podría decirse que en Cuba no hay medicinas, pero no falta el Viagra.

Mira, el deporte nacional cubano es el sexo, sin duda ninguna. Y eso alivia mucho. Es gratis y no se gasta. Entonces, se practica mucho. Lo otro es el alcohol.

—Ese es otro gran tema de la novela, el alcoholismo en Cuba.

Últimamente han aparecido drogas químicas sobre todo entre los jóvenes, y eso es algo nuevo. Pero para mi generación, la droga fue el alcohol. Y cobró un alto precio a mucha gente.

—En tu novela hay dos narradores. El que cuenta la novela y otro, un escritor que escribe una novela dentro de tu novela. Es el escritor Fumero, mediocre y temeroso de escribir algo censurable por el gobierno. ¿Qué es Fumero para ti?

Fumero es la representación de buena parte de la literatura cubana, lamentablemente. Muchos lectores me preguntan si yo soy Fumero, y creo que es evidente que no lo soy, porque tuve la posibilidad de hacer una literatura diferente. No por talento ni capacidad, sino por una cuestión cronológica. Si hubiera empezado a escribir en los años setenta, posiblemente hubiera tenido que ser como él. Hay un caso que me sirvió de modelo para Fumero: el de dos jóvenes poetas cubanos, con mucho talento, que en el año 1972 fueron marginados como tantos otros artistas e intelectuales cubanos en los procesos de parametración de una política cultural de raigambre soviética que se empezó a aplicar en Cuba entonces. Y a mediados de esa década, decidieron escribir una novela que inventó el género cubano llamado “novela policial revolucionaria”. Tenía algo de policial, mucho de revolucionaria y muy poco de novela. Fue su forma de regresar a la vida cultural del país. Y eso es lo que hace Fumero. En un momento, él reconoce que teníamos miedo incluso sin saber que teníamos miedo. Era tan potente esa sensación que la habíamos integrado. Nos metieron el miedo en la sangre. Y la autocensura ha marcado el desarrollo de la literatura cubana. En un país donde todas las editoriales son institucionales, que pertenecen al partido, al Estado, solo se publica lo que ellos consideran que debe publicarse.

—¿Cómo pudiste vadear la institucionalidad editorial cubana?

Tuve la suerte de empezar a escribir un poco después. Y que mi primera novela de Conde se publicara en México. Después entré en la editorial Tusquets tras ganar el premio Café Gijón. Y esa fue mi ventana hacia la libertad. Me salvó de tener que lidiar con una censura que me hubiera afectado, sin duda.

—Como suele suceder, Fumero es dirigente de la Unión de Escritores. ¿Crees que la sindicalización de los artistas es un imán para los artistas mediocres?

Hay de todo. Ha habido momentos que, en muchas partes del mundo, gente de gran valor ha estado al frente de instituciones, de sindicatos, o de organizaciones. Pero en el caso cubano, estas han sido muchas veces como la sombrilla bajo la cual se ha escondido la mediocridad, sí.

—Gran salsero como eres, en la novela el narrador manifiesta su odio hacia el reguetón. ¿Qué está sucediendo con la música cubana?

A la vertiente cubana del reguetón se le llama “reparto”, porque surgió en los barrios. Tiene el mismo origen en todo el Caribe, incluso como el hip-hop en los Estados Unidos. Viene de los márgenes de la sociedad. Y es una música consecuencia de una situación social, de una educación sentimental fomentada por la desesperación. Se trata de decir todo lo que tú quieres decir de la peor manera, con una música muy elemental. Lo terrible de esto es que llegó para quedarse. Y otras músicas hechas en Cuba, sea la canción, el jazz o la salsa, se han visto desplazadas. Y es curioso que suceda en un país que tiene una tradición musical tan importante. Sin embargo, ahora estamos viviendo en el imperio del reparto.

—En tu novela dices que a Cuba no la salva ni Dios, y que la gente vive de milagros. A propósito, hoy (el pasado jueves) el Papa recibió a Marco Rubio, y es seguro que Cuba fue uno de los temas en la agenda. ¿Esperas algo de ese diálogo?

No tengo mucha confianza de que dos posiciones tan diferentes, dos lenguajes que no se comunican, que no se comprenden, puedan establecer un diálogo. Ojalá la solución sea dialogada y no sea una solución violenta para Cuba. Lo que sí te puedo decir es que yo estoy absolutamente convencido de que Cuba necesita cambios, y muchos. Y no porque el gobierno de Trump le ponga una pistola en la cabeza al gobierno cubano, sino porque los cubanos necesitamos que Cuba cambie para que las personas no vivan una vejez como la que ahora se está viviendo. Para que no haya gente recogiendo basura y viviendo en ella. Para que se recuperen los espacios de expresión, la transparencia económica y política. Cuba tiene que cambiar porque los cubanos necesitamos que cambie.

—¿Cree que se viene una salida al estilo Venezuela?

No lo sé, no lo sé. Todo esto depende de qué palanca se mueva. Trump ha demostrado que puede mover cualquier palanca, desde una operación “quirúrgica” como dicen ellos hasta una operación militar más abierta. No lo puedo predecir, pero creo que sobre la mesa están todos los escenarios. Desde la posibilidad militar, hasta cambios para no cambiar nada, como decía el personaje del Gatopardo.

Peacock, el servicio de streaming de NBCUniversal, está desarrollando oficialmente una serie basada en la franquicia cinematográfica ‘Fast & Furious’, con Vin Diesel como productor ejecutivo.

Diesel hizo el anuncio este lunes en una presentación de NBCUniversal celebrada en Nueva York, según información del medio especializado Deadline.

“La noticia que tengo hoy aquí es que Peacock va a estrenar cuatro series del universo de ‘Fast & Furious’”, aseguró Vin Diesel.

Fuentes detallaron a la misma publicación que hasta el momento solo una de las series de ‘Fast & Furious’ se está desarrollando en Peacock, mientras que otras se encuentran en diversas fases de desarrollo en Universal Television.

Mike Daniels (‘Sons of Anarchy’) y Wolfe Coleman (‘Shades of Blue’) son los showrunners y productores ejecutivos de la serie, y escribieron el episodio piloto, mientras que Diesel será productor ejecutivo junto con Sam Vincent a través de One Race.

Hasta el momento no se han compartido detalles de la trama.

La saga estadounidense de acción centrada en carreras callejeras tuvo una serie animada en Netflix llamada ‘Fast & Furious Spy Racers’, que contó con seis temporadas entre 2019 y 2021.

La franquicia ‘Fast & Furious’ cuenta con once películas, y está previsto que ‘Fast Forever’ se estrene en 2028.

El último deseo de la curadora Koyo Kouoh antes de morir fue que el arte menos visible llegara a la Bienal de Venecia. Y así fue. La edición 2026 se llamó “En claves menores” (“In Minor Keys”), una propuesta concebida por la primera mujer africana elegida para dirigir la exposición internacional más importante del arte contemporáneo. En ese proyecto se buscaba escuchar las voces que suelen quedar fuera del centro: comunidades indígenas, artistas desplazados, minorías étnicas, territorios atravesados por conflictos o memorias borradas por el relato oficial.

Tras su muerte, el proyecto quedó en manos del equipo que Koyo Kouoh había convocado: Gabe Beckhurst, Marie Hélène Pereira, Rasha Salti, Siddhartha Mitter y Rory Tsapayi. Ellos mantuvieron intacta la estructura curatorial concebida por la comisaria camerunesa y dieron forma a una Bienal desplegada entre el Arsenale, los Giardini y distintos espacios de Venecia. Participan 111 artistas —más del 90 % aún vivos, en contraste con ediciones pasadas—, quienes presentan instalaciones sonoras, videoarte, esculturas textiles y piezas inmersivas.

Desde la Amazonía peruana

En ese mapa de voces desplazadas aparece el Perú. El Pabellón Peruano presenta “Sara Flores. De otros mundos”, una muestra dedicada a la artista shipibo-konibo Sara Flores, instalada en el Arsenale, uno de los espacios centrales de la Bienal. La exposición reúne pinturas de gran formato sobre tocuyo pintado a mano, esculturas textiles inspiradas en mosquiteros amazónicos y fragmentos del videoarte “Non Nete (A Flag for the Shipibo Nation)”. Todo atravesado por el kené, sistema visual y espiritual del pueblo shipibo-konibo que aquí deja de ser leído como artesanía para entrar de lleno en el circuito del arte contemporáneo.

La propuesta, co-curada por Issela Ccoyllo y Matteo Norzi, trabaja el kené como una estructura de conocimiento. En él conviven memoria, territorio y una manera distinta de entender la relación con el entorno. Sara Flores, de 76 años, presenta además la obra más extensa de su trayectoria. El recorrido incorpora una dimensión sonora que acompaña al visitante y convierte el pabellón en una experiencia inmersiva antes que contemplativa.

“Por primera vez un arte que ha sido periférico en el propio Perú está hoy en el centro del mundo, en un lugar más que merecido”, señala Armando Andrade, comisario del Pabellón Peruano y director del Patronato Cultural del Perú, para quien la presencia de Sara Flores marca un cambio importante para el país. “La pregunta que el mundo tiene que hacerse —enfatiza Andrade— es qué pasó con la Amazonía y por qué no la vimos durante tantos años. Esta Bienal puede convertirse en un punto de inflexión para el arte peruano”.

Una Bienal complicada

Pero la edición de 2026 no tardó en quedar atravesada por el contexto global. La controversia comenzó incluso antes de la apertura oficial, cuando distintos sectores del circuito artístico cuestionaron la permanencia de Rusia e Israel entre los pabellones nacionales. La discusión creció durante meses y terminó explotando a finales de abril, cuando el jurado internacional decidió excluir a ambos países de cualquier posibilidad de premiación y luego presentó su renuncia colectiva a pocos días de inaugurarse la Bienal.

“El jurado debió tomar una definición muchísimo más temprana. Los países ya habían invertido recursos, trabajo y tiempo. Hacerlo a pocos días de abrir fue incorrecto y poco ético”, sostiene Marco Aveggio, presidente del Patronato Cultural del Perú, quien considera que la decisión llegó demasiado tarde. Para él, la contradicción en esta decisión se vuelve evidente: “Si la intención [de la Bienal] era visibilizar a quienes históricamente fueron invisibilizados, la renuncia de los jueces terminó haciendo exactamente lo contrario”.

La salida del jurado dejó sin efecto la entrega tradicional de los Leones de Oro y Plata. La organización decidió modificar el sistema de premiación y trasladar parte de la decisión al voto del público, algo que ha despertado críticas dentro del circuito artístico internacional. “La renuncia del jurado fue un disparo en el pie —afirma Aveggio—. Lo alarmante son las consecuencias: esto le quita seriedad a la Bienal y descontextualiza el esfuerzo de más de cien países”.

Mientras tanto, afuera de los pabellones crecieron las protestas. Colectivos vinculados a Femen y Pussy Riot realizaron intervenciones frente al espacio ruso, mientras grupos como Art Not Genocide Alliance impulsaron campañas contra la presencia israelí. Adentro, sin embargo, la Bienal continúa. Las colas avanzan, los pabellones permanecen abiertos y miles de visitantes recorren diariamente el Arsenale y los Giardini. “La normalidad es absoluta”, dice Aveggio desde Venecia. Y quizás ahí esté la paradoja de esta edición: afuera, el ruido político amenaza con devorarlo todo; adentro, las obras todavía intentan hablar en voz baja.

La premio Nobel Han Kang (Gwangju, 1970) ha escrito un crimen. Para hablar de ello, nos cita en una estación de tren en Londres, la de St Pancras, donde el ajetreo de las idas y venidas de pasajeros le permite pasar desapercibida. Mientras en los pasillos y andenes se cruzan miles de historias, la surcoreana desgrana las claves de su última novela traducida, “Tinta y sangre” (Random House), sobre una pintora que supuestamente fallece en un misterioso accidente de coche.

La novela, traducida al castellano por primera vez, fue escrita originalmente en el 2010, justo después de “La vegetariana”, su obra más famosa, en la que una mujer ansía convertirse en planta.

—Una vez más, nos encontramos ante personajes suyos dedicados a una actividad artística, en este caso, la pintura…

Siempre me siento muy cerca del arte. Me gusta visitar exposiciones, hay tantas fuentes de inspiración ahí… No pretendo nunca escribir sobre arte, pero sin darme cuenta acabo haciéndolo.

—¿Ha pintado alguna vez?

Yo dibujo, pero no pinto. Sí me he lanzado a realizar algunos videos artísticos.

—¿Y esa técnica con tinta y papel hanji existe como la describe en el libro? Compara el discurrir de la sangre por las venas con el de la tinta por esa modalidad tan específica de papel grueso.

Sí, sí. Un día, iba caminando por la calle en Seúl y vi un cartel con la obra de la artista Han Eun-seon. Parecía la explosión de una estrella en medio del universo oscuro. Sentí curiosidad, vi que la exposición ya había pasado… así que visité la galería y les pregunté por aquella imagen. Me dieron el correo electrónico de la artista, me puse en contacto con ella, visité su estudio y me contó el proceso, cómo trabajaba esas formas especiales de la explosión de las estrellas.

—¿Y de ahí surgió la novela?

Sí. A ella no le conté toda la historia del libro, pero me ayudó mucho. Yo le iba preguntando un montón de detalles técnicos, cómo conseguía que el agua coloreada fluyera a través del hanji.

—La pintora Seo Inju, su amiga Lee Cheonghee y el tío de la primera forman, en cierto modo, una especie de triángulo amoroso, ¿no?

Yo los veo más bien como una familia. El tío de Inju es una persona muy cariñosa, tiene una personalidad muy dulce y atenta. Están los tres unidos por esa calidez, esa comprensión y esa ternura que comparten.

—Hay un tema clásico: la relación entre maestro y discípulo...

Sí, pero quería mostrarla justamente al revés del cliché de la relación entre maestro y alumno, porque no hay jerarquía. El personaje del tío es afable y no impone ninguna norma, no es nada estricto... son iguales. Él no es un Pigmalión, en cierto modo la protege.

—La trama de la novela podría parecer una historia policíaca porque hay una mujer muerta… pero no es eso en absoluto, trata sobre el arte, el vacío existencial y otros temas. ¿Cómo utiliza elementos del género policíaco para este propósito diferente?

Cuando terminé “La vegetariana”, con esa escena final en la ambulancia, una especie de final abierto, porque la gente me dice que no sabe si Yeong-hye sobrevivirá o no... Me quedé con las ganas de describir a una persona que sobrevive claramente. Imaginé, para ello, una estructura de misterio o de novela negra, es una especie de historia policíaca extraña. Yo lo veo como dos libros que luchan entre sí. Asistí a clases de historia de la medicina, y un médico de urgencias me habló de los pacientes que no pueden respirar, a los que les ponen un tubo de respiración artificial y una máscara, esa máquina les suministra aire y luego se lo extrae. Pero llega un momento en que el paciente recupera el aliento y, de repente, vuelve a respirar por sí mismo. Si tiene suerte, adquiere el mismo ritmo de la máquina: cuando inspira, la máquina le da el aire también, y cuando espira, le extrae el aire. Esto resulta útil, pero a veces se produce una colisión, una contradicción entre los ritmos de la respiración artificial y la respiración natural del paciente, y puede ser muy peligroso. Y, mientras él me hablaba de esto, a mi cabeza acudió la imagen de una mujer tumbada en la ambulancia, en esa situación.

—Esa es una escena importante (y angustiante) del libro...

Sí, su aliento y el aliento de la máquina chocan, eso se convirtió en la imagen más vívida de esta novela. La lucha entre esos dos alientos, entre la verdad y la falsedad, entre dos libros posibles, entre dos personas, entre dos palabras, incluso la pugna entre dos estilos marcan toda la novela. Las frases chocan también. Me imagino el libro como un conjunto de todos esos choques.

—En cuanto a la voz narrativa, hay introspección psicológica, acción, testimonios de personas como en un reportaje... Es una novela con un fuerte sentido del ritmo.

Mucho ritmo, sí. Quería darle ritmo a cada frase, y muchas partes son incluso como poemas.

—Hay momentos en los que el lector se pregunta: ¿es fiable este narrador?

No quiero que quede demasiado claro, porque si algo es demasiado claro deja de ser interesante. Quería dejar las cosas algo confusas, como si el viento soplara en cada página, sacudiendo sus emociones y sus percepciones. Todas ellas se tambalean, vuelan.

—La dificultad para desplazarse, el frío, los viajes agotadores, todo eso recuerda a la nieve de “Imposible decir adiós”. La naturaleza suele ser un obstáculo para sus personajes.

No sé por qué últimamente me he dado cuenta de que he escrito sobre los inviernos un montón de veces. El invierno es algo en lo que siempre me pongo a pensar. Cuando era niña, a los 9 años, dejé mi ciudad natal en enero y nos mudamos a Seúl, mucho más al norte y más frío. Recuerdo que la sensación del frío estaba en mi corazón en ese viaje. Pensé: “Quizá esto sea la vida. Esta nueva vida es frío, algo con lo que tengo que lidiar”. Al llegar cada invierno, recuerdo esa sensación de sorpresa y la determinación de soportar ese frío.

—Aparecen varias pinturas, unas reales y otras ficticias basadas en cuadros reales. Háblenos de “Sueño de un viaje a la tierra de las flores de ciruelo”, de An Gyeon. Es difícil que el lector no lo busque en Google...

Es un cuadro coreano muy famoso, algo que todo el mundo conoce en mi país. Es del siglo XV. El príncipe Anpyeong, amante de las artes, tuvo un sueño en el que veía un paisaje muy hermoso con árboles en flor, se lo contó a este pintor de la corte, quien lo pintó sobre tela de seda. Muchos poetas escribieron versos sobre el cuadro y todos fueron asesinados, como el príncipe, por su hermano, que tomó violentamente el poder. Es una historia muy trágica.

—En el libro tenemos dos mundos muy poderosos, el del arte y el de la ciencia. Y las estrellas que actúan como un puente entre ambos, porque aparecen tanto en los cuadros como en los libros de ciencia.

Me apasioné por la astrofísica. Todo empezó porque me pareció que aquel cuadro de la pintora se parecía mucho a la explosión de las estrellas en el universo. Así que quise leer sobre el origen del universo, y sentí que todo aquello estaba estrechamente relacionado con la literatura y el arte, porque se planteaban las mismas preguntas fundamentales: ¿qué es la vida? ¿Qué es el mundo? ¿Qué es el universo? ¿Qué hacemos aquí? En la antigüedad, no había división entre la física y el arte.

—Los estadounidenses han vuelto a la Luna, un satélite muy presente en la novela. ¿No cree que los astronautas deberían haberse llevado su libro?

Aún no ha salido en inglés... A mí, leer astrofísica me condujo a los seres humanos. El término ‘grande’ no basta para definir el universo, que es casi infinito, y nosotros somos tan pequeños y frágiles... Me encanta la Luna, pero no siento ningún impulso de expandir nuestro territorio hacia allí, como esa expedición a la que se refiere. Simplemente, estudiar el universo me hace sentir humilde. Al mismo tiempo, me conmueve la imaginación humana y la capacidad para pensar en el origen y el fin del cosmos, todos los descubrimientos que hemos hecho a pesar de nuestras limitaciones.

—En todas sus novelas, el cuerpo desempeña un papel importante. Aquí, el lector siente el dolor en el pecho, en la espalda, en el tobillo. ¿El cuerpo es una carga?

Cuando escribo novelas, quiero sentir, y plasmar todas las sensaciones, incluso el dolor, en las frases. Y la protagonista está sufriendo, en su corazón y en su cuerpo. Y está viviendo su vida con su cuerpo, como todo el mundo. No quiero olvidar que tenemos un cuerpo, es imposible. De hecho, me lesioné el tobillo derecho unos años antes de escribir este libro.

—¿Y en qué trabaja ahora?

Estoy escribiendo una novela muy personal. Trata sobre mi madre. Quizá sea mi novela más personal.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: llegará una ayuda conveniente con colegas nuevos y todo se convertirá en éxito. Amor: las dudas en la pareja quedarán aclaradas y surgirá una dulce armonía.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: gente de confianza insistirá con cambios de estrategia y verá que tienen razón. Amor: cuidará pequeños detalles, una bella persona los nota y termina enamorándose.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: enfrentará una situación complicada pero resolverá con gran eficacia. Amor: una expareja rondará cerca de su entorno con la intención de revisar el pasado.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: con cierta mediación se acercarán posiciones opuestas y todos ganan. Amor: su encanto estará irresistible y será percibido especialmente por una persona.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: una polémica medida recibirá rechazo pero la analizará con calma y la entenderá. Amor: los gestos sutiles serán recibidos con calidez y el ambiente se armonizará.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: reunirá colegas expertos y las perspectivas comenzarán a ser prometedoras. Amor: con la persona que menos imagina, descubrirá que le une una gran afinidad.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: en una reunión se enterará sobre un negocio que genera beneficios rápidos. Amor: momento para una relación nueva que conocerá en un encuentro fortuito.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: se preocupará por una entrevista decisiva pero todo resultará favorable. Amor: su pareja le hablará sin rodeos sobre un tema y ello le alterará los nervios.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: una falla ocurrirá si exagera con el optimismo pero lo controlará. Amor: en la pareja le pedirán un cambio de actitud que permita destrabar la armonía.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: le llegarán noticias positivas sobre los proyectos. Sus ingresos crecen. Amor: alguien del pasado se enamorará de alguien de su entorno pero lo aceptará.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: una idea de otro tiempo se convertirá en éxito y hará crecer el negocio. Amor: cuando se controla el entusiasmo, puede ver a la persona en su totalidad.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: su intuición le guiará con acierto en una situación difícil y saldrá adelante. Amor: dirigirá su encanto a cierta persona y tendrá éxito, será su alma gemela.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: TRANQUILA Y PERSPICAZ. TIENE MUCHA PACIENCIA EN SITUACIONES IRRITANTES.

Comencemos con la niña Blanca Varela sentada en la gran mesa de la sala familiar, con un papel en blanco extendido frente a ella. Era el método que utilizaba para expresar por escrito aquello que no podía o no sabía comunicar oralmente a los demás, para poner en actas sus alegrías y sus malestares. La misma niña que, cierto domingo en el confesionario, le contó al sacerdote que entre sus lecturas estaba “Naná”, de Émile Zola. Este le respondió que ese era un libro pecaminoso y la conminó a quemar aquel libro si quería recibir la absolución. La niña decidió nunca más volver a una iglesia a partir de ese episodio.

Luego está la joven Blanca Varela, universitaria en San Marcos, quien un día se animó a compartirle a su buen amigo (“el mejor que he tenido en mi vida”) Sebastián Salazar Bondy que escribía ideas e imágenes en papelitos que guardaba sin saber muy bien para qué. “Esto es poesía”, sentenció él luego de leer esos apuntes desordenados. Así nació algo que Blanca calificó como una obsesión que la acompañaría, con momentos más fecundos que otros, a lo largo de su vida.

“Pienso en esa flor que se enciende en mi cuerpo. La hermosa, violenta flor del ridículo”, escribió la poeta Blanca Varela, cuando ya era una autora consagrada y reconocida no solo en nuestro país, sino en todo el ámbito de la lengua. La violenta flor del ridículo de la que siempre huyó: era una mujer serena, discreta, que prefería su refugio casero en Barranco, que temía las entrevistas por el miedo de decir algo que no fuera atinado o inteligente, que nunca renunció al silencio profundo, lleno de animales heridos y de escenarios perturbadores, que fue perfeccionando desde la infancia.

De eso están hechos sus libros de poemas, escasos, siempre breves, que aparecían después de dilatados silencios. Escribir nunca fue un placer para ella y, por otro lado, no le gustaba el proceso de publicar. “Luz de día” llegó a la imprenta porque Javier Sologuren descubrió que había quienes la consideraban una poeta mexicana en Brasil y quiso editar sus poemas en Lima para poner las cosas en orden. El esencial “Valses y otras falsas confesiones” salió de la imprenta gracias a la insistencia y amistad de Vargas Llosa; mientras que “Canto villano”, quizá su obra maestra, fue producto del interés de Guillermo Niño de Guzmán y Edgar O’Hara, quienes lanzaron el volumen en Arybalo, un sello artesanal. Blanca Varela nunca dejó de ser, en el fondo, la chica tímida que borroneaba papelitos. La fama y el ojo público nada tenían que ver con ese proceso introspectivo y repleto de pudor al que se entregaba en la privacidad de sus estancias.

Esta realidad mal cocida

No fue fácil ser Blanca Varela. El solo hecho de pretender ser poeta y mujer en el Perú en la época que vivió resultaba un desafío muchas veces irremontable. Pocas, muy pocas de las que lo intentaron conseguían abrirse paso entre el sistema patriarcal que cerraba puertas, restringía espacios, hacía de las voces femeninas una excentricidad dentro de los recitales y antologías. Ella logró darse su lugar desde sus primeros libros: en los años setenta era un nombre ineludible en nuestra tradición contemporánea y referente para los poetas jóvenes, sin importar su género. Si bien se declaraba progresista y simpatizante del movimiento de liberación feminista, en las escasas entrevistas que concedió declaraba su animadversión por ese punto de partida consistente en “soy mujer y voy a escribir un poema”. Creía que esa mirada le impedía desarrollar a plenitud sus indagaciones y volver fructíferas sus inquietudes. Porque Varela fue, ante todo, una humanista, una escritora pendiente de todos los aspectos, incluso los más cotidianos y mínimos, de una experiencia de vida tan personal y al mismo tiempo común con todos.

Lo que deslumbra de esta poesía es la cruda lucidez que la sostiene; en ella la condición fugaz del ser, su sufrimiento y exaltación, es revelada mediante un tono que jamás es trágico o dramático, pero no por ello menos apasionado. Cierta vez una poeta de su generación la acusó de ser una poeta cerebral. Eso no es cierto. Varela podía ser muy singularmente tierna, como se puede constatar en composiciones bellísimas en su laconismo como “Fútbol” o “Toy”. Lo que ocurre es que la suya no es la ternura de la efusividad o de la ingenuidad, sino la más difícil de todas: la que permanece tras haber soportado la carga visceral y angustiosa de nuestra condición, repartida entre la razón punzocortante y la animalidad insolente. Varela, por lo demás, era una poeta atemporal porque no creía en la historia de los hombres, sino en el instante definitorio. Ella nos enseñó que, al final, la gran poesía parte siempre de un instante definitorio.

Sin esa ternura habría sido imposible generar poemas como el conmovedor “Casa de cuervos”. La evidencia suprema de la enorme sensibilidad de Varela es este texto, dedicado al hijo que fallecería en un accidente de aviación en 1995. El padre, Szyszlo, dijo que toda muerte era un escándalo. Varela, menos grandilocuente, afirmó que Lorenzo ahora habitaba en el ámbito de su poesía. Fue así. Su obra posterior parece surgida de unas entrañas amargas, apartadas de lo civilizado y lo conciliatorio, donde el cieno y las sensaciones zoomórficas conquistan esa babel prometida en la primera etapa de su poesía. No es, pese a todo, un cierre pesimista. Donde no hay tiempo no puede haber esa clase de absolutos. Blanca Varela lo intuyó y tuvo razón en todo.

Luren Márquez lleva en el nombre una historia de fe. Su madre se lo puso por el Señor de Luren, a quien se encomendó en los días más difíciles de su embarazo, cuando los médicos le advirtieron que su hija quizá no nacería con vida. Hoy, aquella niña que llegó al mundo hace 27 años, desafiando todos los pronósticos, es Miss Perú Universo.

A los 15 años, Luren incursionó en el modelaje en Ica, la ciudad donde nació y creció, y poco tiempo después debutó en los certámenes de belleza con Miss Teen Universo. Allí quedó segunda finalista, obtuvo el título de Miss Teen Internacional 2018 y representó al Perú en el extranjero.

“Admiraba los concursos de belleza, pero no me imaginaba formando parte de una historia así de importante para mi país”, confiesa. “Me gustó mucho esa primera experiencia, me sirvió para poder empezar una carrera como modelo en Lima”, recuerda. Dos años más tarde fue coronada Reina Internacional del Festival Vendimia Perú 2020.

A la par de ese crecimiento en las pasarelas y los certámenes, Luren también apostó por su formación académica e inició estudios de Administración en la Universidad de Lima.

“Recuerdo esa etapa con mucho cariño. Muchos diseñadores me dieron trabajo y, gracias a eso, pude costear mis estudios. Siempre sentí una enorme gratitud por ellos y el deseo de, algún día, poder retribuirles ese apoyo”, señala.

Giro personal

Ese proceso de evolución, sin embargo, estuvo marcado por un episodio doloroso. La muerte de su padre adelantó una decisión que ya venía contemplando desde hacía bastante tiempo: irse a Estados Unidos. Así, en 2020 emigró en medio del duelo, la incertidumbre y la necesidad de abrir una nueva etapa en su vida.

“La muerte de mi papá, en tiempos de Covid, cambió todo. Quedamos mi mamá y yo, entonces decidí arriesgarme, crecer y buscar nuevas oportunidades lejos del Perú”, recuerda.

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En Estados Unidos, Luren llegó con una visa de estudiante que le permitió continuar su formación mientras buscaba oportunidades laborales. Con la intención de seguir vinculada al modelaje, primero ordenó su situación migratoria, estudió Comunicación Social en Florida International University (FIU) y trabajó al mismo tiempo, sentando así las bases de su carrera.

Su primer gran trabajo en medios fue como coordinadora de medios del Carnaval de Miami, organizado por Kiwanis of Little Havana, en Florida. A partir de esa experiencia, se desempeñó como presentadora de entretenimiento en Telemicro Internacional, en el programa “De extremo a extremo”; como comentarista en Telemundo, en espacios como “La Mesa Caliente” y “Hoy Día”; y como conductora de segmentos de moda.

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Paralelamente, impulsó labores de promoción cultural junto a las embajadas del Perú en Miami y Washington, y lideró Moda Perú USA, una plataforma creada para dar visibilidad a marcas y diseñadores peruanos en el mercado estadounidense, especialmente ante la falta de espacios de apoyo para talentos emergentes.

También desfiló en pasarelas como New York Fashion Week, Los Angeles Fashion Week y Swim Week, una etapa que consolidó su carrera internacional como modelo. En esos escenarios lució diseños de creadores como Agatha Ruiz de la Prada, Custo Barcelona, Michael Cinco, Oscar de la Renta, Giannina Azar, Anthony Rubio y Michael Cinco, experiencias que ampliaron su proyección y, al mismo tiempo, reforzaron su mirada sobre la moda como una plataforma para visibilizar el talento peruano. Esa experiencia fuera del país también fortaleció su vínculo con el Perú.

“Durante esa etapa afuera, se reafirmó mi orgullo por el Perú, por su cultura y por su gente trabajadora y creativa, y también mi sueño de convertirme en Miss Perú”, reconoce.

Con ese sueño ya más claro, en 2024 fue tras la corona y quedó como primera finalista. Aquella edición fue ganada por Tatiana Calmell del Solar.

Miss Perú 2026

Después de esa experiencia, el 28 de diciembre del año pasado, cuando cumplió 27 años, Luren pidió un deseo al soplar la vela: ser Miss Perú. Meses después, lo consiguió, aunque no de la manera que había imaginado. Este año no hubo certamen. En acuerdo con Miss Universe, la organización peruana presidida por Jessica Newton optó por una designación directa para contar con una candidata que pudiera prepararse durante más tiempo y recorrer distintas regiones del país antes de la competencia internacional.

“Cuando me acerqué a expresar mi intención de participar, me dijeron: ‘Queremos que seas nuestra Miss Perú; ya lo hemos conversado con Miss Universe’. Pero yo les respondí que quería ganar participando, concursando aquí, porque me sentía preparada y lista para hacerlo. Entonces me dijeron: ‘Demuéstralo en Puerto Rico’”.

La coronación se realizó en el renovado Teatro Municipal del Callao, un escenario que reunió a autoridades, exreinas de belleza y a Fátima Bosch, actual Miss Universo, quien llegó al Perú como parte de su gira internacional. Con la corona ya en sus manos, Luren puso desde entonces su enfoque en la preparación y en asumir el reto con disciplina.

En ese camino, dice, todavía persisten prejuicios sobre lo que significa ser una reina de belleza. “Aún existe la idea de que una reina tiene que ser perfecta por fuera: el mejor cuerpo, el rostro más bello, el cabello más lindo, como si fuera un maniquí”, señala. Pero, para Luren, la realidad es otra. Detrás de la imagen hay preparación, resistencia y mucho control emocional.

“Uno tiene que evolucionar, pero sin perder nunca la esencia, los valores ni los principios. Tenemos que tener claro qué queremos comunicar y mantener la calma incluso frente a ataques personales o hacia la familia”, refiere. “Nunca he sido una persona que fuerce las cosas; prefiero prepararme, crecer y trabajar para convertirme en mi mejor versión. Si una oportunidad llega, la asumo con gratitud; y si no, entiendo que quizá no era para mí. Con los años, este camino se ha ido fortaleciendo y también me ha preparado como mujer y como peruana. Por eso, hoy quiero representar de la mejor manera a la mujer peruana y a todo lo que somos como país”.

Hacia la corona internacional

La próxima gran parada de Luren será Puerto Rico, donde en noviembre se realizará el Miss Universo aunque todavía no hay una fecha exacta confirmada. Hasta entonces, dice, su meta no será solo prepararse, sino también convocar al país alrededor de una misma ilusión.

“Mi objetivo de aquí a Puerto Rico es generar unión en todo mi país, para que soñemos juntos con esta corona, porque finalmente esto no sería solo un logro para mí, sino para el Perú”, sostiene.

Más allá de la competencia, Luren quiere que su paso por la corona deje la imagen de una mujer fuerte, auténtica y orgullosa de sus raíces. “Quiero que se vea la fuerza que tenemos las mujeres peruanas. Y nuestra autenticidad. Y ganar, por supuesto”, subraya.

El regreso de The Strokes a Perú parece ser una realidad. Esta vez, la banda neoyorquina ha compartido una historia en su Instagram oficial, donde se confirmaría la fecha y lugar de su presentación en el país.

La agrupación estadounidense estaría llegando a nuestro país el 20 de noviembre, según se lee en la publicación de Live Nation. El recinto elegido para su presentación estaría programada en el Estadio San Marcos. Las especulaciones han aumentado tras ser la misma banda la que compartió la publicación en sus historias de su cuenta de Instagram.

Hasta la fecha no se tiene una confirmación oficial, pero las especulaciones de su posible llegada siguen aumentando.

Por otro lado, el grupo encabezado por Julián Casablancas ya tiene confirmadas algunas presentaciones en la región como parte de sus presentaciones en el circuito de festivales “Primavera”.

La banda tocará en el Fauna Primavera Fest en Santiago de Chile, en algunas de sus tres fechas: 26 al 28 de noviembre; continuará en el Primavera Sound de Buenos Aires el 28 y 29 de noviembre, y seguirá su paso por Sudamérica en el Primavera Sound de São Paulo el 5 y 6 de diciembre.

La gira sudamericana de The Strokes acompaña el lanzamiento de “Reality Awaits”, su nuevo álbum grabado en Costa Rica junto al productor Rick Rubin. Según el guitarrista Albert Hammond Jr., el disco presenta un sonido más relajado y surgió de un proceso creativo “mágico”.

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Por ahora, los fanáticos de la banda siguen a la espera de un anuncio oficial que confirme la fecha de su regreso al Perú con lo mejor de su repertorio.

La posibilidad de ver nuevamente a The Strokes en Lima volvió a instalarse entre los fanáticos peruanos. Aunque la banda aún no confirma una fecha oficial en el país, su nueva gira sudamericana y ciertos indicios en redes sociales han reactivado la expectativa de un posible regreso en 2026.

El grupo liderado por Julian Casablancas ya tiene confirmadas sus presentaciones en la región como parte del circuito de festivales “Primavera”. La banda tocará en el Fauna Primavera en Santiago de Chile en algunas de sus tres fechas: 26 al 28 de noviembre; continuará en el Primavera Sound de Buenos Aires el 28 y 29 de noviembre, y seguirá su paso por Sudamérica en el Primavera Sound de São Paulo el 5 y 6 de diciembre. En paralelo, Colombia todavía no cuenta con una fecha confirmada dentro de este recorrido, pese a rumores iniciales en redes.

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Las especulaciones crecieron luego de un comentario de Live Nation Perú en una publicación del festival Fauna Primavera. “¿Cuántos comentando desde Perú? El 20 de noviembre será increíble, guarden la fecha”, escribió la promotora, generando interpretaciones entre los seguidores que apuntan a un posible próximo anuncio.

El tour acompaña el lanzamiento de “Reality Awaits”, el nuevo álbum de la banda, grabado en Costa Rica junto al productor Rick Rubin y finalizado en distintas locaciones internacionales. El guitarrista Albert Hammond Jr. describió el proceso como “mágico” y señaló que el disco presenta un sonido más relajado en comparación con trabajos anteriores.

Por ahora, no existe confirmación oficial de un concierto en Perú. Sin embargo, el hecho de que la banda esté expandiendo su presencia en Sudamérica, sumado al antecedente de su presentación en Lima en 2019 durante el festival Vivo X el Rock, mantiene viva la expectativa. Los fanáticos peruanos, mientras tanto, siguen atentos a cualquier anuncio que pueda confirmar el retorno de una de las bandas más influyentes del rock contemporáneo.

La cantante británica Dua Lipa demandó a Samsung Electronics por 15 millones de dólares por supuestamente utilizar su imagen sin autorización en cajas de televisores que la firma comercializa desde el año pasado, según medios estadounidenses.

En la demanda, presentada según reportó el domingo la revista estadounidense Variety ante un tribunal de California, EE.UU., la artista acusa al fabricante surcoreano de haber utilizado su rostro en los empaques de cartón de televisores sin permiso ni compensación.

Por su parte, Samsung dijo a EFE este lunes que no puede comentar sobre litigios en curso. Según la demanda, interpuesta el 8 de mayo, la cantante pidió a Samsung que dejara de usar la imagen cuando tuvo conocimiento de su aparición en las cajas, pero la compañía rechazó la solicitud con una actitud “indiferente y desdeñosa”, informó Variety.

La demanda sostiene que Samsung obtuvo beneficios al crear la apariencia de que la cantante avalaba o promocionaba sus televisores, algo que ella no autorizó, y afirma que la artista es propietaria de los derechos de autor de la fotografía empleada, tomada en un festival estadounidense en 2024.

La demanda también cita comentarios publicados en la red social X por usuarios que sugerían que la imagen de la artista en la caja podía influir en su compra

Dua Lipa es una de las principales figuras del pop global, con unos 65,6 millones de oyentes mensuales en Spotify, además de tres premios Grammy en su carrera. La artista ha colaborado con firmas de lujo y como Yves Saint Laurent Beauty, Porsche y Chanel.

Daniela Darcourt parece estar siempre en movimiento. Canta, estudia, ensaya, graba, viaja, se reinventa. Como si la quietud no fuera del todo compatible con ella. A los 30 años, la artista peruana entiende mejor una frase que su madre le repetía cuando era adolescente: que quería estar en todo, hacerlo y probarlo todo. Entonces jugaba fútbol, entrenaba, bailaba ballet contemporáneo, llevaba clases de improvisación teatral, cantaba en casinos y estudiaba. Hoy, esa misma energía vuelve a empujarla hacia un nuevo escenario.

Esta vez no entra como la cantante que domina una tarima, sino como actriz de teatro musical. Daniela debuta en “La casa de las niñas peculiares”, obra escrita y dirigida por Rodrigo Falla Brousset. En la historia interpreta a Desdémona, una de las cinco hermanas que regresan a casa para celebrar el cumpleaños de su madre, sin imaginar que ese reencuentro abrirá heridas, secretos y viejos conflictos familiares.

“Estoy feliz. Siento que se cumple otro de los tantos sueños que tengo en mi lista. Estoy superemocionada”, dice.

Aunque reconoce que se trata de una experiencia retadora, Daniela siente que no está tan lejos de lo que ya hace en sus conciertos. Para ella, cantar nunca ha sido solo pararse frente a un micrófono. Su relación con el público es física, emocional y espontánea.

En el teatro, sin embargo, la dinámica cambia. A diferencia de sus conciertos, donde puede improvisar y jugar con el público, en la obra debe contenerse y mantenerse dentro del personaje para no romper la escena.

“Aquí tengo que mantener la postura; eso es lo más retador para mí en este momento. Además, por primera vez en mi vida voy a dar un beso actuando en escena”, aclara.

El personaje le calza más de lo que imaginaba. Desdémona ama los insectos, es intrépida, aventurera, intensa, curiosa, capaz de incomodar y proteger a la vez. Daniela se ríe al reconocer que, salvo por el gusto extremo por los insectos, no está tan lejos de ella. También tiene hermanas y sabe bromear con ellas y guardar secretos.

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Raíz intacta

Cuando mira lo conseguido, Daniela no habla de premios, rankings o escenarios. Lo que más la emociona es haber conservado su esencia. Dice que no ha sido fácil mantener los pies en la tierra cuando alrededor abundan los elogios, las expectativas y las frases que podrían inflar cualquier ego. Pero cree que justamente ahí está una de sus claves de éxito: no creerse nunca demasiado.

“Todo el tiempo me dicen: ‘Eres la mejor’, ‘qué linda’, ‘eres la representante’. Me lo dicen Tito (Nieves), Eva (Ayllón), Gian Marco y un montón de gente: ‘Oye, tú no te crees lo que eres, ¿no?’”, señala la ganadora de Disco del Año en los Premios Luces 2026 por su álbum “Soy”.

Plan materno

Y quizá por eso, porque no quiere quedarse atrapada solo en lo que ya logró, Daniela también mira hacia una dimensión más íntima de su vida. Hay un anhelo que hoy ocupa un lugar central.

“Ser mamá me falta; construir mi hogar, también. Después de eso no quiero nada más. Y si no aparece el buen papá, gracias a Dios tomé la decisión de congelar mis óvulos. Puedo hacerlo sola, con el apoyo de mi familia y de buenos amigos. Al final, la idea de familia cambió hace mucho tiempo y creo que no es necesario depositar los sueños personales en otra persona”, refiere.

También habla de los rumores que la vincularon con Juan Andrés Abarca, después de que él respondiera con una frase que dejó abierta la interpretación: “Lo que se ve no se pregunta”. Daniela no esquiva el tema, pero marca distancia y deja claro cuál es hoy su prioridad.

“Eso lo dijo hace como un mes. Juan Andrés es un hombre maravilloso, increíble y muy talentoso. Nos conocemos; él hace sus cosas y yo hago las mías. Estoy superbien, tranquila. En este momento no estoy buscando nada más que enfocarme en todo lo que estoy haciendo. Ni siquiera tengo tiempo al cien por ciento para mí, entonces no sería justo tener un vínculo si no cuento con el espacio necesario para eso”, aclara.

Foco personal

Su salida del podcast “Sin + que decir”, de María Pía Copello, también responde a ese momento de prioridades claras. Daniela explica que comenzaron a aparecer más compromisos laborales, viajes y proyectos, y que tuvo que ser honesta con el espacio que podía darle al programa.

“Lo dejé porque empezaron a salirme cosas de trabajo, tenía muchos más viajes y tuve que ser honesta. Además, el giro del programa ya no iba tanto con cómo yo me veía enfocada al inicio. Hasta ahí no más quedó. María Pía es una gran amiga, está creciendo con su proyecto y siempre le voy a desear lo mejor”, dice.

Durante su paso por el podcast, Daniela apareció más opinante, más directa y expuesta a titulares que muchas veces amplificaban sus frases. Ella, sin embargo, no cree que se haya mostrado una versión distinta de sí misma.

“Yo soy yo todo el tiempo. Quizás era una Daniela a la que no le cortaban ni editaban las cosas, una Daniela con el discurso más completo. Pero soy la misma de siempre. No tengo que ocultarme de nada ni de nadie; siempre he sido yo y nunca voy a dejar de serlo, obviamente sin hacerle daño a los demás”, afirma.

Después de años de exigencia, escenarios y planes, aprendió a vivir el presente. Por ahora, no sabe si su debut teatral abrirá una nueva ruta o quedará como una experiencia única. Podría continuar actuando o podría ser, como ella misma dice, “debut y despedida”. No se adelanta. Su prioridad seguirá siendo la música, ese lugar donde se siente “viva, fuerte y en casa”.

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Ana Torroja volvió a captar la atención de sus seguidores tras protagonizar un emotivo dúo junto a Laura Pausini durante el concierto de la italiana en la Arena Ciudad de México. El encuentro musical ocurrió pocos días antes de la llegada de la cantante española al Perú como parte de su gira internacional “Se ha acabado el show”.

Durante más de tres horas de espectáculo, Laura Pausini repasó algunos de los mayores éxitos de su carrera frente a miles de asistentes mexicanos. Sin embargo, uno de los momentos más celebrados de la noche fue la aparición sorpresa de Ana Torroja sobre el escenario.

Ambas artistas interpretaron el clásico “Hijo de la Luna”, tema inmortalizado por Mecano, generando una ovación inmediata del público. La presentación destacó por la conexión y complicidad entre las cantantes, quienes emocionaron a los asistentes con una interpretación cargada de nostalgia y sensibilidad.

Tras el concierto, Laura Pausini compartió un mensaje dedicado a Ana Torroja en sus redes sociales. “¡Qué gran emoción poder cantar ‘Hijo de la Luna’ contigo, mi adorada Ana Torroja!”, escribió la artista italiana, resaltando además la admiración y amistad que mantiene con la española.

La participación de Ana Torroja en México ocurre en medio de la gira promocional de su nuevo álbum y a pocos días de reencontrarse con el público peruano. La exintegrante de Mecano llegará a Lima este 3 de junio para ofrecer un concierto en el Auditorio del Colegio San Agustín, en San Isidro.

El espectáculo forma parte de su tour “Se ha acabado el show”, una propuesta renovada con la que la cantante recorre España y Latinoamérica. El repertorio incluirá nuevas canciones como “A veces” y “Problemas de conversación”, además de los éxitos más recordados de su etapa con Mecano.

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Las entradas para el concierto de Ana Torroja en Lima ya se encuentran disponibles a través de Ticketmaster. Los precios van desde los S/42 (zona Duele el amor con precio regular).

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: una calma inusual en las áreas de trabajo podría indicar el anuncio de cambios. Amor: sentimientos en pugna se debatirán en el corazón pero descubrirá algo positivo.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: un escenario cambiante será positivo para el negocio o un nuevo proyecto. Amor: se aclarará un asunto que ha creado confusión y finalmente la pareja estará aliviada.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: momento para hacer cambios postergados e imitar las historias exitosas. Amor: posible inicio de un romance; renovar votos en pareja o promover una reconciliación.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: resolverá dificultades que comprometían el éxito y logrará mejorías. Amor: disfrutará de gran disposición para liberar su encanto y generar una fuerte calidez.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: vencerá los argumentos pesimistas sobre un proyecto, dando a conocer las ventajas. Amor: concurrirá a dar cierta ayuda y se enamorará de la persona más bella.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: evaluarán su negocio o proyecto y el excelente resultado dará que hablar. Amor: expresará sentimientos en la relación y encenderá la calidez de los inicios.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: una serie de errores le obligarán a pedir mayor concentración a todos. Amor: se manejará con cierto mutismo pero tendrá que responder una pregunta.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: demostrará que un proyecto no se ajusta a lo pedido y será destacado. Amor: disipará temores en la pareja que no tienen existencia real y da optimismo.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: con buen humor favorece acuerdos y aprovecha oportunidades. Amor: querrá acercarse a alguien impactante y se enamorará en la primera charla.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: la comunicación mejorará y destraba los proyectos estancados. Amor: expresará los sentimientos guardados y la pareja renovará la calidez en armonía.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: su entorno le sorprenderá por la fuerte cooperación y las cosas crecerán. Amor: temas sentimentales serán confesados a un amigo quien le dará una buena idea.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajos y negocios: los negocios tendrán audacia y comienzan a dar los frutos que todos esperan. Amor: un encuentro agradable hará que un romance comience a ser algo tangible.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: SOCIABLE. LE GUSTA ESTAR ENTRE MULTITUDES PERO MÁS QUE NADA CON AMIGOS.

El actor Martin Short habló, por primera vez, sobre la muerte de su hija Katherine Short, quien falleció el pasado mes de febrero. Durante una entrevista para el programa CBS News Sunday Morning, el artista confesó el profundo dolor que vive su familia tras esta pérdida.

“Fue una pesadilla para la familia”, expresó el comediante de 76 años al recordar a su hija. Martin Short también reflexionó sobre la importancia de hablar abiertamente sobre temas como la salud mental y el cáncer, esto último en referencia al padecimiento que sufrió su esposa Nancy Dolman.

“Mi hija luchó durante mucho tiempo con graves problemas de salud mental, trastorno límite de la personalidad y otros cuadros; hizo lo que pudo hasta que ya no pudo más”, declaró el actor en la entrevista al citado medio.

Como se sabe, la oficina forense de Los Ángeles confirmó que Katherine se suicidó. Tras conocerse la noticia, la familia pidió respeto por su privacidad y aseguró que la joven será recordada “por la luz y alegría que trajo al mundo”.

Katherine Short desarrolló una carrera vinculada al cuidado de la salud mental. Estudió Psicología y Trabajo Social, y trabajó como terapeuta clínica y colaboradora en programas de apoyo comunitario en Los Ángeles.

Su partida reavivó el recuerdo de Nancy Dolman, esposa de Martin Short, quien falleció en 2010 debido a un cáncer de ovario. El actor señaló que ambas experiencias le enseñaron que ciertas enfermedades pueden ser “terminales”, independientemente de si son físicas o mentales.

Las declaraciones del reconocido comediante coinciden con el estreno del documental “Marty, Life Is Short”, producción de Netflix que repasará su trayectoria artística y algunos de los episodios más difíciles de su vida personal.

Los Globos de Oro anunciaron nuevas reglas sobre el uso de inteligencia artificial en cine y televisión, permitiendo herramientas de IA generativa siempre que predomine la creatividad humana, aunque vetaron las actuaciones creadas sustancialmente con esta tecnología en categorías interpretativas.

“El uso de inteligencia artificial (IA), incluida la IA generativa, no descalifica automáticamente una obra para ser considerada, siempre y cuando la dirección creativa humana, el juicio artístico y la autoría sigan siendo los elementos principales durante todo el proceso de producción”, se lee en el documento.

Las nuevas directrices establecen que las obras presentadas deberán incluir una declaración que describa “cualquier uso de la IA generativa, en cualquier etapa de la producción de la obra terminada, incluido si se realizó alguna alteración mediante IA a la apariencia o la voz de un intérprete acreditado”.

En el caso de las categorías interpretativas, los Globos de Oro especificaron que las actuaciones deberán derivar “principalmente del trabajo del intérprete acreditado” y que las candidaturas en las que una interpretación haya sido “generada o creada sustancialmente” mediante inteligencia artificial no serán elegibles.

No obstante, la organización de los premios precisó que sí podrá permitirse el uso de IA para mejoras técnicas o cosméticas, como rejuvenecimiento, envejecimiento o modificaciones visuales, siempre que la actuación original siga perteneciendo al actor acreditado y que la tecnología no altere de forma material su trabajo.

“Además, las candidaturas no pueden incluir actuaciones generadas mediante el uso no autorizado de la imagen digital de un intérprete, replicación de voz o datos biométricos, independientemente de si el intérprete recibe crédito o no”, apunta el escrito.

Las normas de los Globos de Oro llegan una semana después de que la Academia de Hollywood, responsable de los Oscar, anunciara nuevas reglas de elegibilidad que establecen que las actuaciones deberán ser “interpretadas de manera demostrable por personas con su consentimiento” y que los guiones “deben ser de autoría humana” para poder competir.

La 84ª edición anual de los Globos de Oro volverá a ser presentada por la comediante, escritora y actriz Nikki Glaser y tendrá lugar el domingo 10 de enero de 2027. La organización de los premios anunciará a los nominados el lunes 7 de diciembre.

BTS ha dejado huella en México en sus tres conciertos. Esta vez, durante su presentación del 10 de mayo en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México, los integrantes de la agrupación de K-Pop se sumaron a los saludos por el Día de la Madre y sorprendieron a sus fans con un emotivo mensaje.

La agrupación conformada por RM, Jin, SUGA, J-hope, Jimin, V y Jungkook se encuentra en México como parte de su gira “Arirang World Tour”, que marcó su esperado regreso a territorio mexicano después de varios años de ausencia.

En medio de su concierto, los integrantes de la banda surcoreana hicieron una pausa para dirigirse al público mexicano por Día de la Madre. “Feliz Día de las Madres”, expresaron algunos integrantes en español.

Uno de los momentos más comentados es cuándo V, integrante de la agrupación, dijo que aprendió un poco de español; además, envió un emotivo mensaje por Día de la Madre.

“Por cierto, hoy es Día de las Madres. ¿Ya las felicitaron?¡ Llámala ahora! ¡Video llamada! mamá María, mamá Teresa, mamá Lupe, mamá Coco. Gracias por habernos criado, ¡felicidades mamás!”, dijo despacio, mientras ponía a prueba su español.

Con este emotivo mensaje dedicado a las madres, BTS reafirmó el vínculo especial que mantiene con su fandom latinoamericano y ganó una gran aceptación de parte de las madres de sus fans.

– BTS congratulates MEXICAN moms on May 10 from the GNP Stadium.

1️⃣ During their performance, #V congratulated MEXICAN mothers on their day, expressing his gratitude for the opportunity to perform before thousands of fans.

2️⃣ BTS's latest concert in MÉXICO took place this Sun,… https://t.co/fdLIqgfW57 pic.twitter.com/zNZ0RTM2i2

— KTH HYPE (@kthhype_ttg8) May 11, 2026

La euforia por la llegada de BTS a México comenzó días antes de sus conciertos, cuando miles de seguidores se congregaron en el Zócalo capitalino para ver a la agrupación aparecer desde uno de los balcones de Palacio Nacional junto a la presidenta Claudia Sheinbaum.

La gira “Arirang World Tour” representa el regreso oficial de BTS a los escenarios tras concluir su servicio militar obligatorio en Corea del Sur. En Perú, la banda de K-pop se presentará los días 7, 9 y 10 de octubre en el Estadio San Marcos.

La tarde del miércoles, víspera del Día del Libro, en uno de los salones de lectura de la nueva Biblioteca Antonio Pinilla (nombre del fundador y primer rector de la Universidad de Lima), Mario Bellatin se presenta ante los estudiantes en una distendida charla. Durante el encuentro, recordó su paso por las mismas aulas, mencionando que en su época “leían el cine” a través de libros ante la dificultad de acceder a las películas. El escritor le pide a su joven auditorio alejarse de cualquier canon académico para proponer una visión de la literatura como una búsqueda personal, única y libre de fórmulas. Subraya que el acto de escribir es un ejercicio físico y vital, desmarcándose de la tradicional necesidad de “tener algo que decir” o de perseguir una “carrera” como escritor.

Y los alumnos escuchan entusiasmados cuando el autor de Poeta ciego les revela el gran secreto: que la escritura no se puede enseñar. Recuerda su experiencia con la Escuela Dinámica de Escritores, proyecto basado en la idea de que, en lugar de maestros fijos, el alumno tuviera contacto con todos los creadores posibles, de las más diversas disciplinas, para que construya su propio mundo. Ser una antena de su tiempo. No sacralizar otras novelas ni aferrarse a la idea de los géneros. Escuchar la propia voz mientras el texto fluye. Crear una obra autónoma. No buscar ni documentar hechos de forma literal, sino extraer ideas universales sobre el dolor y la conducta humana a través de las metáforas. O, por lo menos, no seguir los registros tradicionales que tanto les gustan a los grandes editores. Terminado el encuentro, le toca hablar con nosotros.

― ¿Qué significa para ti la experiencia de apadrinar el lanzamiento de la nueva biblioteca y encontrarte con estudiantes de hoy?

Verme reflejado en un espejo. Y viéndome yo en un futuro posible, mejorado obviamente, porque el nivel de los jóvenes ahora es impresionante. Yo estuve en la inauguración de la biblioteca anterior, tradicional, silenciosa, donde ibas solamente para comprar separatas. Entonces vivíamos momentos violentos en los que lo primero que caía era la cultura. No había librerías ni editores. No había importación de libros. La única manera de leer era pasando por las fotocopias. Ahora estoy muy impresionado por esta inauguración. De alguna manera, fuimos los pioneros en la Universidad de Lima haciendo los talleres de arte en unas casetitas, como el desván de la universidad, levantadas en un sitio escondido, recóndito. E imagínate ahora esta construcción tan moderna e impresionante, pensada ya bajo otros criterios de lo que es una biblioteca.

― Me gustó mucho escucharte animar a los alumnos a que desmonten la idea preconcebida que se tiene de la literatura. Salir del canon, inventar nuevas definiciones para lo literario. Pero vivimos tiempos en que los libros de ficción parecen cada vez más homogeneizados y el concepto de “novela literaria” parece en declive. ¿Nos estamos acercando a una homogeneización preocupante del texto literario?

Parte de esa estandarización, creo yo, está en su acercamiento, cada vez más, a los estudios culturales. La literatura se hace políticamente correcta, se le busca una utilidad, se le buscan públicos que puedan consumir algo muy concreto. Esa tendencia viene de la academia norteamericana en los años noventa. Yo iba mucho a las universidades norteamericanas, a las residencias de escritores, y para mí era insólito ver cómo cada minoría tenía, obligatoriamente, que hablar de su minoría. Y yo venía con la idea de que la literatura era el espacio de la libertad. Había cierta carga social, sí, cierta idea de responsabilidad, pero no era una carga excesiva. Y además la podías escamotear un poco. Pero en Estados Unidos los negros escribían sobre negros, el escritor gay sobre los gais, el judío sobre los judíos. Y ocurre luego un fenómeno: la academia gringa se abre a Latinoamérica y empiezan a exportar su discurso a través de los estudiantes. Llegó un momento, a inicios del 2000, en que, ya graduado en cualquier universidad del Perú, tenías casi un pase automático para hacer una maestría en Estados Unidos. Era masivo. Y cuando regresaron a sus países, contagiaron todo ese espíritu. Empiezan a abrir aquí las escuelas de escritura creativa. Ahí yo creo que empieza el peligro.

― ¿Ves que haya ahora alguna reacción frente a ese discurso, que cuestione la corrección política en la literatura?

Se abre una gran interrogante. Por un lado, me encantaría que en esta biblioteca los talleres de creación pasen a otro grado, algo mucho más orgánico. Pero si ya forma parte de una carrera académica, entonces tiene que obedecer a los mismos motivos por los cuales existe la ingeniería o la medicina. Y allí hay una trampa, en el sentido de que, si yo estudio en una universidad escritura creativa, debería exigir que mi producto tenga un buen final: publicar en una editorial, y mientras más transnacional, mejor. Al momento en que entra el proceso de creación en la academia, esta debería garantizar que tu libro vaya a entrar en un mercado. Y entonces ahí se establece una especie de matrimonio enfermo entre editoriales que venden y cursos que se dan para que, justamente, emboques con ellas. Eso que funciona impecable en todas las disciplinas, cuando hablamos de literatura, hace que aparezca el problema. Pero tampoco es tan fácil la respuesta, porque todos queremos que exista ese espacio de discusión creativa.

― ¿Cómo hacerlo?

Esa fue la pregunta en la que yo caí al principio del 2000 cuando hice la Escuela Dinámica de Escritores en México. Había 90 profesores para 20 estudiantes. Los profesores eran los responsables de las grandes editoriales, los autores que pasaban por México, artistas de diferentes disciplinas que durante nueve horas les enseñaban sus propias cosas para que ellos supieran ganar tiempo. Porque al momento en que yo intervengo y digo: “Oye, mejor quítale de aquí, ponle acá”, consciente o inconscientemente —y más si soy parte de una academia—, voy a empujar al estudiante a publicar esos libros horribles de los que estamos hablando. Horribles en el sentido de estandarizados. Libros que van a tener muchos lectores, por supuesto. Voy a poner un ejemplo extremo: El alquimista del brasileño Paulo Coelho. Ese sería un producto perfecto. Sale de una universidad y vende un millón de libros, y entonces su escuela de escritura creativa es un éxito. No digo que sea un horror, sino que deberíamos pensar cómo quebrar esa relación tan directa, porque está pasando eso. No creo que sea casual que ocurra lo que está ocurriendo.

― Y a ello se suma la entrada de la inteligencia artificial como “herramienta” para los escritores. ¿Crees que hay que permitirle a la máquina participar del proceso creativo?

Yo planteé esa polémica en Argentina, me acuerdo, y no me hicieron mucho caso. Es algo que hace 20 años sucedió con la imagen digital. Al principio apareció como la prima pobre, con una resolución malísima, hasta que en pocos años, con los megapíxeles, se llegó a alcanzar el nivel de un negativo de película. ¿Puedes diferenciar una analógica de una digital? No, no se puede. Pero lo que no es igual es el acto de tomarla. Y, justamente, lo único que le importa a un fotógrafo es cómo toma su foto, no si la foto tiene 50 mil “likes”. Pero todo esto que hablamos está visto desde la perspectiva del que mira, no del que hace. En el caso de la literatura, hay gente que quiere ser escritor y se coloca en el papel del que mira: quiere ser famoso, tener la cola más larga de lectores en la feria del libro, ser invitado a más ferias o ganar el premio Alfaguara. Eso es mirar desde la lógica del espectador. Creo que hemos cambiado la perspectiva desde el que crea al que lee. Hoy el que manda no es el que crea, sino el que lee. Así como se lo quitaron al fotógrafo, el reinado ya no lo tiene el creador. Y el que lee ni se va a dar cuenta (aparte ni le importa) si un texto está hecho con inteligencia artificial. El espectador sigue viendo lo mismo y no le importa. El escritor está siendo minimizado de tal manera que ya se le puede reemplazar con una inteligencia artificial. Da lo mismo, porque el que tiene el reinado es el consumidor. Por ahí va el asunto.

― ¿Y qué le queda al escritor entonces?

Un escritor debe escribir, creo yo. Todo lo demás es parafernalia, y depende de hasta qué punto eres capaz de prostituirte. Ojalá que siga existiendo ese tipo de lector que no se deja llevar por esos fuegos artificiales; eso es lo que te blinda.

― Y en esta incertidumbre, ¿cuál crees que es la función de una nueva biblioteca?

El hecho de estar juntos. De manera gozosa, de manera lúdica, descubriendo cultura también. El hecho de que sea un lugar de convivencia. Todo el mundo habla de las redes sociales ahora; la gente está viviendo de manera excéntrica, pegada a su pantallita, como si el resto del mundo no existiera. Pero la biblioteca te invita a estar juntos físicamente, discutir y, por un momento, escapar del tiempo y el espacio cotidiano. Es como aprender a vivir juntos de nuevo tras la pandemia. Esa función es importantísima.

― Esta experiencia de volver a tu universidad, de encontrarte con los estudiantes, es muy coherente con tu actual proyecto literario titulado Matanza, basado en reescribir tus libros previos para ofrecerlos de nuevo. ¿Podría ser la metáfora de volver a la semilla?

Sí, es interesante. Y tiene que ver con el COVID, con la gran peste que estaba ya escrita en Salón de belleza. La idea no es reescribir, sino recordar, remembrar. Tiene que ver con todo ese pasado en cuanto a escritura publicada y también en lo vivido, como es volver a la Universidad de Lima y verme a mí mismo en sus estudiantes. Mientras haya alguien que quiera publicar algo mío y alguien que lo lea, quiere decir que no ha sido en vano. Es ahí donde se cierra el ciclo, como verse en un juego de espejos. Es lo que queda sellado en el mundo de las ideas.

David Bisbal vuelve a apostar por la nostalgia y la elegancia con Eternos, el nuevo álbum que acaba de anunciar oficialmente a través de sus redes sociales. El artista reveló el título del disco, su portada y la fecha de lanzamiento, programada para el 2 de octubre, generando expectativa entre sus seguidores y la industria musical.

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Con Eternos, Bisbal explora una estética inspirada en el universo crooner contemporáneo, una línea artística que ya había adelantado con el lanzamiento del sencillo “Vivir Así es Morir de Amor”. La portada del álbum refuerza esta nueva etapa visual y sonora, presentando al cantante en una faceta más sofisticada y clásica, sin perder el sello romántico que ha marcado su trayectoria.

El disco estará disponible en plataformas digitales y formatos físicos habituales, y servirá como eje central de su próxima gira internacional, Tour Eternos 2026, con la que recorrerá diversas ciudades de Estados Unidos y Latinoamérica.

Entre las fechas confirmadas destaca su regreso al Perú. El intérprete español se presentará el próximo 9 de octubre en el Coliseo Eduardo Dibós, donde ofrecerá un espectáculo completamente renovado, acompañado de una producción audiovisual de gran formato.

El repertorio incluirá las canciones de Eternos, además de los éxitos que consolidaron su carrera internacional, como “Mi Princesa”, “Ave María” y “Dígale”. Con esta nueva gira, Bisbal busca reencontrarse con el público latinoamericano que lo ha acompañado durante más de dos décadas de carrera.

El furor por BTS en México sigue creciendo. Luego de cerrar con éxito tres conciertos en la Ciudad de México como parte de su gira “Arirang World Tour”, con un último show el domingo 10 de mayo, Suga sorprendió al público al revelar que la agrupación podría regresar al país en 2027 y presentarse en un estadio de mayor capacidad, lo que apuntaría al Estadio Banorte (antes Estadio Azteca).

Durante uno de los mensajes finales del concierto, Suga dejo ver que la agrupación sabía que había fans fuera del recinto sin boletos. “Tengo entendido que así como llenaron este estadio, tenemos muchas personas afuera”, dijo.

Además, el artista lanzó una frase que emocionó a sus seguidores mexicanos: “Por casualidad, ¿hay algún estadio aún más grande aquí en México? Entonces, la próxima vez que vengamos, ¡tenemos que presentarnos en ese lugar!”, comentó el rapero ante miles de fans.

#SUGA's speech on the last day in Mexico 🥹💜#BTS_WORLDTOUR_ARIRANG#BTS_WORLDTOUR_ARIRANG_MEXICOCITY pic.twitter.com/cl5NL2bdi1

— BTS Charts News (@btschartsxdaily) May 11, 2026

La declaración ocurrió tras las tres fechas agotadas de BTS en el Estadio GNP Seguros, donde el grupo reunió a más de 180 mil personas entre el 7 y el 10 de mayo. La alta demanda dejó fuera a miles de seguidores y generó largas filas virtuales durante la venta de entradas, consolidando nuevamente a México como uno de los mercados más importantes para el K-pop en Latinoamérica.

La noticia toma aún más fuerza luego de la visita de la agrupación a la presidenta Claudia Sheinbaum en Palacio Nacional, quien de igual forma aseguró que los idols regresarían a México en el 2027. “Tienen las puertas abiertas para presentarse en el lugar que elijan”, dijo la mandataria.

Aunque el grupo no confirmó oficialmente una fecha ni un recinto específico, medios y fanáticos comenzaron a señalar al Estadio Azteca, actualmente denominado Estadio Banorte, como la opción más viable para recibir a la banda en 2027 debido a su capacidad superior a las 80 mil personas.

La gira “Arirang World Tour” representa el regreso oficial de BTS a los escenarios tras concluir su servicio militar obligatorio en Corea del Sur. En Perú, la banda de K-pop se presentará los días 7, 9 y 10 de octubre en el Estadio San Marcos.

La actriz y activista de ascendencia peruana Q’orianka Kilcher ocupó los titulares extranjeros esta semana por presentar una demanda contra el director de “Avatar”, James Cameron, Lightstorm Entertainment y The Walt Disney Company. Ella los acusa de haber utilizado sus rasgos faciales sin consentimiento como base para diseñar a Neytiri, uno de los personajes centrales de la saga de nativos alienígenas. La denuncia, presentada en el Tribunal de Distrito de Estados Unidos para el Distrito Central de California, sostiene que Cameron identificó su rostro cuando ella tenía apenas 14 años, tras verla como Pocahontas en la película “The New World” (2005), y que esa imagen fue incorporada a un proceso de diseño industrial sin autorización ni compensación.

“Avatar” siempre se ha presentado como una ficción muy ligada a la defensa ambiental y a la reivindicación de los pueblos que luchan por proteger su territorio. Por su parte, la actriz indígena peruana cuestiona a una de las franquicias más rentables de la historia del cine, premiada con múltiples Oscar por su innovación en efectos especiales, y una saga que precisamente construyó parte de su discurso en torno a la defensa de pueblos originarios.

Quién es Q’orianka Kilcher y cuántas veces ha venido al Perú

Q’orianka Kilcher no descubrió el Perú como una postal lejana, sino como una raíz pendiente de abrazo. Nacida el 11 de febrero de 1990 en Schweigmatt, Alemania, con nacionalidad estadounidense, la actriz lleva en su historia un cruce de territorios y memorias. Su padre es peruano, originario de la Amazonía, y su madre tiene ascendencia suiza e indígena de Alaska. Su nombre, “Q’orianka”, significa “águila dorada” en quechua, una definición poderosa para alguien cuya carrera siempre ha oscilado entre la visibilidad artística y la defensa de las comunidades indígenas en el mundo.

Fue descubierta como artista de adolescente, mientras cantaba y tocaba guitarra en las calles de Santa Mónica, California. Poco después, Terrence Malick la eligió para interpretar a Pocahontas, papel que cambiaría su vida.

Su primera visita oficial al Perú ocurrió el 27 de junio de 2006, cuando tenía 16 años. Se quedó más de una semana en el país y viajó a la selva peruana. Según el registro de Diario El Comercio, la actriz llegó por primera vez al país de su padre para participar en el estreno nacional de “El nuevo mundo”. Apenas aterrizó, viajó directamente al Cusco junto a su madre, Saskia Kilcher, también su mánager, y allí comenzó una reconexión íntima con su historia familiar. Recorrió sitios arqueológicos, convivió con familiares paternos y se reencuentró con su abuela paterna, Cirila, una mujer quechuahablante de Chumbivilcas.

Pero ese primer viaje no terminó entre alfombras rojas. Días después, Q’orianka partió hacia Iquitos y, luego, se internó en la cuenca del río Corrientes, en Loreto, donde permaneció más de una semana documentando las condiciones de vida de comunidades afectadas por la contaminación petrolera. Allí registró denuncias sobre altos niveles de plomo y cadmio en sangre en poblaciones achuares, urarinos y quichuas. Mientras Hollywood empezaba a abrirle puertas, ella decidió mirar hacia territorios marcados por desigualdad ambiental y esa elección anticipó algo que, luego, definiría buena parte de su figura pública.

En noviembre de 2011 regresó al Perú, esta vez al Cusco, como presidenta del jurado del VII Festival Internacional de Cortometrajes del Cusco (Fenaco). Era una Qorianka más madura. En entrevistas previas confesó su entusiasmo por volver a ver a su abuela Cirila, de quien había estado separada durante años, y también por reencontrarse con sabores peruanos, como el cebiche. Más allá del tono anecdótico, ese retorno consolidó una relación persistente con el país, pues Q’orianka aparecía como visitante ocasional de un país del que es parte.

En paralelo a las visitas al Perú, desarrolló proyectos como su productora Q Films y la plataforma On-Q, enfocada en derechos humanos, medioambiente y juventudes indígenas.

Quién es Q’orianka Kilcher en Hollywood

Hollywood conoció a Q’orianka Kilcher cuando tenía apenas 14 años y fue elegida por Malick para estar en “The New World” (2005), donde la actriz compartió pantalla con Colin Farrell y Christian Bale. Su actuación resaltó por la intensidad emocional con la que Kilcher asumió un personaje atravesado por colonialismo, espiritualidad y despojo. Para una adolescente debutante, era una entrada importante que venía de la mano de un director que ya había pasado por Berlín, Cannes y el Oscar con “La delgada línea roja” (1998) y, más tarde, volvería a sorprender con “El árbol de la vida” (2011), su película más popular.

Pero específicamente la película de 2006 convirtió a Kilcher en una figura asociada a personajes indígenas, históricos o políticamente cargados. Más adelante, la actriz protagonizó “Princess Kaiulani” y continuó trabajando en cine y televisión, incluyendo su participación en la exitosa serie “Yellowstone” (2018-2024), donde interpretó a Angela Blue Thunder.

Aunque la carrera de la actriz peruana no siguió el molde convencional de estrella pop adolescente, sí consolidó una presencia singular. En su papel de activista social y ambiental, ha hablado también sobre el peligro de “perder el alma” en Hollywood, una frase que resume bien su relación con la industria. En entrevistas tempranas reconocía el riesgo de quedar atrapada en elogios, superficialidad o desconexión cultural. Esa conciencia, alimentada por su madre y por su herencia espiritual, moldeó una trayectoria menos enfocada en la celebridad fácil y más en proyectos con sentido personal.

En marzo de 2010, meses después del estreno de “Avatar” y tras coincidir con James Cameron en un evento benéfico ambiental, Q’orianka asegura que el director la invitó personalmente a visitar su oficina, porque tenía “algo” para ella. Según la demanda, cuando la actriz acudió junto a su madre una semana después, Cameron no estaba presente, pero un miembro de su equipo le entregó un boceto enmarcado de Neytiri acompañado por una nota manuscrita firmada por el cineasta: “Tu belleza fue mi inspiración inicial para Neytiri. Lástima que estuvieras rodando otra película. La próxima vez”.

En ese momento, ella lo vio como un cumplido. Sin embargo, después, descubrió que no fue solo “inspiración”, sino una “extracción biométrica” sistemática de sus rasgos faciales, específicamente de una foto de cuando tenía 14 años en la película de Malik, para crear el modelo digital de Neytiri sin su consentimiento.

Según la denuncia presentada por Q’orianka Kilcher, fue recién a finales de 2025 cuando comprendió la dimensión real de lo ocurrido. Todo cambió cuando comenzó a circular en redes sociales una entrevista en video donde James Cameron, frente a un boceto original de Neytiri, reconocía públicamente el origen visual del personaje.

De acuerdo con el documento judicial, ese registro fue clave porque confirmó de forma explícita que la actriz había sido utilizada como referencia concreta en el proceso creativo. La demanda también sostiene que los acusados habrían infringido una ley recientemente aprobada en California vinculada al uso no autorizado de imagen y tecnologías asociadas a deepfakes. En ese contexto, Cameron declaró: “La verdadera fuente para esto fue una foto en el L.A. Times de una joven actriz llamada Q’orianka Kilcher. En realidad, esta es ella… la parte inferior de su rostro. Tenía un rostro muy interesante”.

Tras conocer esa declaración, Kilcher expresó: “Es profundamente perturbador descubrir que mi rostro, cuando era una niña de 14 años, fue tomado y utilizado sin mi conocimiento ni consentimiento para ayudar a crear un activo comercial que ha generado un enorme valor para Disney y Cameron”.

Hoy, mientras el nombre de la actriz vuelve a circular por una batalla legal de alto perfil, Q’orianka Kilcher parece encarnar una discusión más compleja que la de una simple demanda, donde está en juego su rostro, y en consecuencia, sus raíces.

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