ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: aunque no parezca, alguien traerá propuesta que conviene escuchar e implementar. Amor: descubrirá en un encuentro que hay más afinidades; posible romance.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: le criticarán porque hace un control de gastos, pero les demostrará sus motivos. Amor: la creciente afinidad con cierta persona renovará su expectativa romántica.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: momento para actuar con celeridad y resolver los problemas pendientes. Amor: su encanto dará paso a la seducción en un encuentro fortuito; posible romance.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: querrá hacer avanzar un negocio o proyecto pero cierta gente pondrá trabas. Amor: dejará de lado la timidez y una persona descubrirá su rasgo más amable.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: surgirá una dificultad económica inesperada pero con carácter la revertirá. Amor: la pareja vivirá la disyuntiva de optar por lo seguro o con audacia, pasar a otra etapa.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: al principio, sus críticas incomodarán pero los hechos le dan la razón. Amor: los sentimientos negativos serán disipados con iniciativas de gran ternura.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: los compromisos se suman y pondrá en riesgo el cumplimiento de un plazo. Amor: cundirá el desconcierto en la pareja por discusiones sin fin; habrá que dialogar.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: vendrán personas capacitadas para concretar un plan audaz. Amor: deseará concretar un encuentro con una persona que idealiza para conocerla tal como es.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: cierta iniciativa no resultará pero dejará las bases para mejorar. Amor: un desacuerdo en la relación podría causar alejamiento pero aislarse no será bueno.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: una tarea en especial requerirá de toda su creatividad. Amor: un viaje planeado en el pasado, será la clave para que la calidez se renueve la pareja.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: detectará las fallas que afectan los proyectos y arriesgan el esfuerzo. Amor: alguien le sorprenderá con una expresión de sentimientos y se sentirá de maravilla.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: la situación económica mejorará con sentido común, sin complicarse. Amor: recuerdos compartidos en pareja le acercará a los lugares y momentos gratos.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: MUY ACTIVA PERO A VECES MUESTRA ACTITUDES CERCANAS A LO TEMERARIO.

Hubo una época en que nadie asociaba al héroe submarino con la imagen de Jason Momoa. Más bien, el perfil era muy diferente: rubio y pálido, de sonrisa permanente, traje naranja y pantis verdes. Una sutil textura en el traje daba la idea de escamas. Era el Aquaman que los mayores de 40 años recuerdan como parte del equipo de los Super Amigos, el dibujo animado que significó un éxito para Hanna-Barbera desde su estreno en 1973. Era entonces un héroe opacado incluso por un Batman sin superpoderes. Capaz solo de vivir bajo el agua y comunicarse con criaturas marinas. Ya nadie recordaba sus inicios, peleando contra submarinos nazis. Se trataba de un mediocre entre dioses, tan bien parodiado en la figura de The Deep, el héroe con menospreciadas agallas interpretado por el actor estadounidense Chace Crawford en la serie “The Boys”.

“I don’t want to be Aquaman. He sucks. He sucks underwater. He sucks fish pee” (“No quiero ser Aquaman. Es un asco. Es un asco bajo el agua. Es un asco con la orina de pescado”), lamenta Rajesh Koothrappali, el tímido astrónomo en el episodio de la serie “The Big Bang Theory” titulado “La recombinación de la Liga de la Justicia”, en el episodio 11 de su cuarta temporada, a fines del 2010. Y si bien muchos estuvieron de acuerdo, la frase despertó la furia del escritor y guionista estadounidense Peter David, el hombre responsable entonces de la serie de Aquaman en DC Comics, además de socorrido autor de episodios para “Star Trek”. Minutos después de ver el episodio, en su blog escribió una carta abierta dirigida al actor británico-indio Kunal Nayyar, donde le decía que su personaje no tenía idea de lo que hablaba.

Invitado por la embajada estadounidense, en el 2012, David visitó Lima como invitado de la Feria del Libro. Allí nos concedió una entrevista, en la que reconfirmó su desdén por Koothrappali y salió en defensa de un héroe creado por Mort Weisinger y Paul Norris, al que quería como una criatura propia. David culpaba a la serie “Los Superamigos” de la crisis de popularidad del príncipe de Atlantis. “¡Nadie sabía qué hacer con él! ¡Superman lo mandaba a hablar con los peces!”. Sin embargo, la verdad es que Aquaman operaba en las tres cuartas partes de este planeta, afirmaba el guionista fallecido en mayo del 2025. Impulsado por la afrenta, llegó a escribir una historia en que Aquaman se enfrenta con el mismo Superman, a quien vence utilizando la fuerza oceánica del planeta, que no es poco.

Tras su primera aparición en More Fun Comics #73 en noviembre de 1941, los 80 años de Aquaman fueron conmemorados formalmente por DC Comics con el especial “Aquaman 80th Anniversary” de 100 páginas. El volumen da cuenta de una de las evoluciones más fascinantes, reivindicativas y curiosas de la historia de un superhéroe. De ser solo un hombre que habla con los peces, al rey de la taquilla (la primera película de Aquaman, filmada en el 2018, recaudó 1.148 millones de dólares). Y, sin embargo, toda una generación extraña a ese superhéroe de segunda. Había en él una sobria resignación a ser el segundón, una autoconfianza de quien sabía que, al fondo del mar la vida era más sabrosa y que, siendo el rey de los mares, centraba su poder en conversarle al oído a una ballena, aunque al resto de nosotros le pareciera ridículo.

Criaturas del deseo, amanecemos cada día obsesionadas por un mensaje que no llega; por un encuentro anhelado o temido; por la impaciencia burbujeante del viernes, antesala soñada del fin de semana. Presas en la hojarasca de ocupaciones y preocupaciones, no reparamos en la rotunda maravilla de despertar en un cuerpo saludable. Únicamente al perderlo se descubre ese placer prodigioso, cuando nos asalta el taladro de un dolor, el lento peregrinaje de las pruebas médicas, la angustia. Walt Whitman celebró esa insólita alegría corporal: “Gozaré como loco del vaho de mi aliento, mi lento respirar, el latir de mis entrañas, sangre y aire que inundan mis pulmones, el sentir que estoy sano bajo la luna llena”.

Nos cuesta amar nuestro físico así como es, oscilamos entre los extremos de modelarlo para adorarlo o descuidarlo por desdeñarlo: fetiche o fachada. Nuestros antepasados acusaron al cuerpo de ser lastre, infección, crisálida impura, castigo. Platón lo describió, con lenguaje penitenciario, como una prisión donde el alma cumple condena por sus faltas. En otros pasajes usó el juego de palabras griego sôma séma, “cuerpo tumba”.

En ese paisaje, el filósofo Epicuro nadó contra corriente, colocando el cuidado corporal en el centro de sus teorías. Y así se convirtió en uno de los personajes más tergiversados de la historia. Como escribe Emilio Lledó en “Fidelidad a Grecia”: “El hecho de que su pensamiento fuese casi barrido de la historia, y de que solo quedase de él la caricatura que descubrimos en escritores posteriores, demuestra que algo revolucionario y conmovedor había en su mensaje».

Hace más de veinte siglos, Epicuro compró una casa con un extenso jardín a las afueras de Atenas, donde fundó una singular escuela. A diferencia de la Academia platónica, no pretendía formar a futuros líderes políticos, sino que abría sus puertas a esclavos, mujeres, niños y ancianos. Allí, el dinero de los más ricos se repartía entre los más pobres para satisfacer las necesidades de la comunidad. Por entonces Grecia atravesaba un momento de dura crisis y las cartas de Epicuro dibujan un nítido trasfondo de indigencias, miserias y dificultades. El filósofo del buen vivir aspiraba a un sueño colectivo modesto pero ambiciosísimo: “La voz de la carne pide no tener hambre, ni sed, ni frío”. Tan fácil, tan irrenunciable.

Este ideal le granjeó calumnias y caricaturas. Los antiguos se burlaban de sus seguidores con el mote: “cerdos de la piara de Epicuro”. En nuestro lenguaje actual, un epicúreo es un amante del lujo, un exquisito manirroto, aunque el maestro era lo opuesto a un sibarita derrochador: vestía ropa sencilla y se alimentaba a base de pan, queso y olivas. Al mismo tiempo era crítico con la hipocresía de los poderosos que, encumbrados en sus lujos, predicaban resignación y austeridad solo para pobres y esclavos. El epicureísmo es más actual que nunca por su demanda de placer para todos los cuerpos, pero también por su denuncia de la avidez.

Aquellos inquilinos del jardín sabían que gozar requiere pensar: el poder intenta controlarnos modelando nuestros deseos y nuestros miedos. Epicuro cuestionó la codicia que deja atrás tierra esquilmada. El filósofo sugería cultivar una libertad inteligente, compartida, consentida y sin compulsiones: placeres generosos y nunca posesivos. El triunfo es compartir, no acumular; el único seguro, haber ayudado a otros. Frente al ideal posesivo, Epicuro buscaba un vivir más sabio cuanto más hospitalario, atento a no agredir al disfrute de los demás y de quienes vendrán. Cubiertos los mínimos vitales para todos, crecemos en colaboración, conversación y amistad, porque la alegría pide compañeros. Esa teoría se tergiversó para desacreditar su mirada revolucionaria. La filosofía del cuerpo sigue denunciando las dos fallas que coexisten en nuestro mundo: el exceso de miseria y las miserias del exceso.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Amor: viejos y nuevos conflictos se resolverán y la calidez volverá a generar la armonía faltante. Salud: se relaja y descansa mejor. Sorpresa: deseo cumplido.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Amor: ciertas actitudes mejorarán y alguien se acercará. Posible romance o reconciliación. Salud: administrará bien el esfuerzo. Sorpresa: viaje postergado.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Amor: el manejo del dinero creará tensiones en la pareja, pero se resolverán si establece reglas. Salud: una dolencia se aliviará. Sorpresa: alguien será bienvenido.

CANCER (junio 22-julio 22)

Amor: comprenderá un error cometido por el otro y aceptará disculpas; la calidez se reforzará. Salud: una dieta sana ayudará. Sorpresa: cambio inesperado.

LEO (julio 23-agosto 22)

Amor: alguna actitud egoísta provocará discusiones en la pareja y la relación dejará de ser armoniosa. Salud: un control será oportuno. Sorpresa: momento conmovedor.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Amor: un asunto de la pareja le desvela pero al amanecer, se resolverá cuando menos lo espere. Salud: una molestia se disipará. Sorpresa: cruzará un límite.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Amor: la armonía se afectará si las discusiones ocupan el tiempo de la pareja; atención. Salud: el gimnasio renovará la energía. Sorpresa: lección aprendida.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Amor: tendrá el carácter para desactivar las habladurías y vivir el cálido romance. Salud: molestias por alergia se disipan. Sorpresa: visita inesperada.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Amor: habrá un encuentro en el que alguien le impactará y será algo inolvidable. Salud: comenzará con otro deporte. Sorpresa: recuperará algo perdido.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Amor: parecerá difícil pero logrará recomponer las cosas y la calidez se renovará. Salud: un dolor ya no molestará. Sorpresa: alguien será audaz.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Amor: un malentendido alterará la fluidez en la pareja, pero al aclararlo la armonía volverá. Salud: un chequeo será oportuno. Sorpresa: un plan cambiará sobre la marcha.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Amor: la solidez de la pareja será reforzada por iniciativas audaces y encuentros divertidos. Salud: sentirá una gran mejora. Sorpresa: elogio inesperado.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: INVESTIGADORA Y SAGAZ PERO A VECES SE DETIENE EN LOS PEQUEÑOS DETALLES.

Tras casi tres décadas de carrera, Campo de Almas anuncia que dejará de tocar en escenarios. La decisión no surge del conflicto, sino desde la distancia, una física. Desde enero del próximo año, uno de los integrantes se mudará al extranjero, haciendo inviable la rutina de conciertos en pubs que sostuvo al grupo durante años. A ello se le suma cierto “cansancio por repetir el mismo formato”. Para darle fin a ese ciclo dentro de su trayectoria, la banda de rock ofrecerá tres conciertos más: el 24 de octubre en Yield Bar, el 14 de noviembre en Sala Osma y el 20 de noviembre en Rock House, en Cusco.

“Campo de Almas ya no será lo que fue, algunos verán también enfoques más personales -explica Esteban Gayoso, guitarrista de la banda- Pero todavía nos mantendremos juntos bajo este nombre y más adelante, si es que se da la oportunidad, nos juntaremos para tocar en alguna fecha, pero es un hecho que ya no estaremos en los escenarios, solo de forma digital por el momento”

La música, en cambio, seguirá. La banda termina la preproducción de un nuevo disco que planea grabar en las próximas semanas y publicar a mediados o fines de 2027. Aún no definen si lo grabarán a distancia, en un estudio fuera de Lima o en varios lugares. Además, preparan una serie de lanzamientos con rarezas inéditas, canciones que quedaron fuera de otros álbumes y registros de conciertos.

En lo sonoro, el disco continuará la senda de “Viaje en espiral” (2024), y en lo personal, será su forma de evitar una disolución. “Pudimos haber sido más conocidos de haber sonado en la rado o tener más difusión, pero el amor al grupo viene por ese caracter de banda de culto, que tiene también su encanto”, menciona Luis Benjamín Gayoso, bajista de Campo de Almas

Una decisión conocida

No es la primera vez que Campo de Almas enfrenta este dilema. En 2011, su baterista, Álvaro, decidió vivir en otro país por razones personales. El grupo se negó entonces a continuar con músicos de reemplazo y anunció su separación con un concierto en un local de Barranco. La demanda fue tal que ofrecieron una despedida adicional, totalmente gratuita, “para no lucrar con el adiós”, sostiene Esteban Gayoso. Pocos meses después, sin embargo, los fundadores sintieron que no era el momento de terminar. Retomaron la actividad en 2012 con músicos invitados y, en 2013, Álvaro volvió a la banda tras unos seis meses de ausencia.

“Es por eso que esta vez no nos separamos, porque sabemos que luego querremos regresar a ser una banda -enfatiza Esteban Gayoso- Aquella primera decisión tan radical que tomamos en ese momento nos ha enseñado a no dar cierres de ese tipo porque no sabemos del futuro”.

Hasta diciembre, el grupo seguirá aceptando presentaciones, siempre que ocurran antes de 2027. Para los músicos, el momento mezcla orgullo y agotamiento. Campo de Almas fue siempre su proyecto principal, al que adaptaron sus vidas en un país donde mantener una banda exige hacer de todo. Más de 32 años de trayectoria, admiten, también cansan.

“Es difícil mantener una situación de rutina especialmente cuando todos estamos en una etapa en nuestras vidas donde hay que priorizar otras cosas. Ya sea familia, negocios o proyectos personales, hay razones que impiden que Campo de Almas se mantenga tocando juntos”, menciona Luis Benjamín Gayoso.

El plan es mantener viva la banda hasta donde los esfuerzos individuales consiga sostener la unidad. Los tres conciertos finales evitarán tener como eje una despedida dramática. En su lugar, tocarán su repertorio e incluso temas más recientes, como cualquier otra noche de pub. Para una banda que ya probó una vez cómo suena el silencio, esta vez prefieren dejar el amplificador encendido.

Especialista franco-argentino en educación en medios de comunicación y ciudadanía, Serge Barbet es director del Centro para la Educación en Medios de Comunicación e Información (CLEMI), creado bajo la tutela del Ministerio de Educación Nacional, Juventud y Deportes francés, gracias a la iniciativa de académicos, docentes y periodistas convencidos de que el espíritu crítico debía enseñarse al interior de las escuelas.

Invitado por la Embajada de Francia al Hay Festival de Arequipa, este periodista de la prensa escrita expondrá sobre la necesidad de que los alumnos se defiendan de la desinformación, los discursos de odio y los sesgos algorítmicos que hoy amenazan a las democracias.

— El CLEMI nació en 1983 con el propósito de desarrollar el pensamiento crítico en la escuela a partir del trabajo con la prensa escrita. ¿Más de cuatro décadas después, cuánto ha cambiado su propósito original?

El funcionamiento del Clemi es algo muy útil para acompañar a los docentes en la evolución de las tecnologías de la información. Hace 40 años, nuestra relación con los medios de masas era muy distinta. Y ahora, vivimos una revolución digital con la emergencia de la IA y las redes sociales. El Clemi nació con la idea de poner a trabajar juntos a los actores de la educación con los representantes de los medios de información. Y este trabajo colectivo sigue siendo algo muy útil ahora. El paisaje de la información ha cambiado muchísimo, pero la reflexión sobre las pedagogías a desarrollar al interior de la escuela resulta fundamental.

— Hace 40 años, los periodistas enseñábamos a los jóvenes cómo circula la información. Hoy en día, son ellos los que nos enseñan a manejar las nuevas plataformas…

En efecto, los nuevos medios parecen más modernos, más interactivos. Pero la realidad es muy distinta. Hay una parte muy pasiva en la manera de usar las redes sociales, hechas por empresas comerciales diseñadas para captar nuestra atención, con resultados muy peligrosos para el desarrollo del pensamiento de los jóvenes. Hay una parte de ellos que pueden usar los medios digitales con mucha agilidad, pero hay otra, muy importante, que vive en una cárcel digital, encerrados en un uso del que no pueden ser responsables. El tema de la interacción es muy interesante, pues la industria digital es tanto parte del problema como de la solución. Así que nuestro trabajo debe ser educar a los jóvenes y acompañar a los docentes. Es un desafío para los sistemas educativos de todo el mundo, porque todos vivimos el mismo fenómeno de la relación sana o insana con las pantallas.

— Vivimos tiempos en los que un discurso apocalíptico advierte que la IA tiene el potencial de destruir el mundo. Puede sonar exagerado, pero para tu institución, lo cierto es que sí existe una amenaza a las instituciones democráticas…

El fundador de CLEMI, Jacques Gonet, hablaba de aprender la democracia en la escuela. Vemos ahora, con los movimientos estudiantiles en Francia, la angustia de que la IA en el futuro genere un progreso o más bien una regresión. Así, la alfabetización mediática permite que los usuarios de la IA no se vean dominados por esta. Eso me parece muy importante: trabajar junto con la sociedad civil para desarrollar el espíritu crítico. Analizar con cabeza fría los desafíos y las decisiones que debemos tomar para que el progreso tecnológico se ponga al servicio del ser humano.

—Has acuñado la idea de la “infobesidad” como un peligro en nuestra forma de informarnos. ¿Puedes desarrollar el concepto?

Sucede como con la comida. Hay comidas sanas y maneras de comer responsables, y hay maneras de consumir irresponsables y poco sanas. Como la comida, las noticias son muy importantes, pero debemos aprender una higiene informacional.

—¿Por ejemplo?

En muchas partes del mundo tenemos canales de televisión que propalan información las 24 horas. Estos medios no están hechos para ser consumidos tres o cuatro horas al día. Son para consumir los minutos necesarios para informarse de lo que pasa, sea por la mañana, o a la tarde o en la noche. Sin embargo, tenemos un público que mira esos canales todo el día, y terminan pensando que el mundo allá afuera es muy peligroso. Y con los medios digitales y el algoritmo, el fenómeno se complica. Así, la infobesidad habla de la persona que no sabe consumir información. Es algo muy peligroso para el futuro de las democracias por una razón simple: la información no es un producto de consumo como cualquier otro: es una parte clave para la convivencia, nos permite debatir juntos alrededor de hechos. Esa es la base de nuestra democracia. Hoy en las escuelas hablamos y trabajamos con los jóvenes en talleres para reflexionar sobre cómo conseguimos una información, cómo verificamos que sea fiable. Los jóvenes de hoy se informan de maneras muy interesantes: lo mismo ven la televisión con los parientes por la tarde como la buscan en línea.

—¿Y cómo se le enseña a un joven a discernir entre un artículo periodístico confiable y el contenido no verificado?

Nuestro trabajo es dar a los docentes los medios necesarios para esta formación. Con ellos trabajamos las culturas mediáticas digitales más complejas. Lo fundamental es enseñarles a los jóvenes a producir noticias. Tenemos, por ejemplo, concursos de periodismo escolar, sea en web, radio, diarios, videos, todo tipo de contenidos. Aprender haciendo es muy importante para la alfabetización mediática. Tenemos también recursos digitales como juegos educativos que permiten a los jóvenes trabajar como periodistas de investigación. Organizamos cada año la Semana de la prensa en la escuela, que convoca a 220.000 profesores y millones de alumnos. Es actualmente la más importante acción educativa en el sistema escolar francés.

—¿Cómo ves la relación de los jóvenes con los medios impresos?

El papel, claramente, es parte del mundo de ayer. Pero es un mundo que todavía existe. En Francia tenemos 69 millones de habitantes, y el diario que lidera las ventas es el deportivo L’Equipe, con 50.000 ejemplares por día. Después tienes Le Monde, con menos de 20.000 ejemplares diarios. La realidad es que en ninguna parte se puede organizar una empresa periodística únicamente desde el papel. En nuestro trabajo seguimos con el papel, pero la semana de la prensa en la escuela está adaptada también a la realidad digital.

—¿Qué tan replicable ves el trabajo del CLEMI en contextos de América Latina y en el Perú?

No conozco suficiente el caso peruano para responder. Pero tenemos algunos ejemplos de cooperación educativa con el Brasil. Observamos allí que hay una necesidad por parte de los Estados de seguir el camino de la alfabetización mediática. La situación actual es la de un planeta con dos imperios digitales: China y Estados Unidos. Y para los Estados que creemos en los Derechos Humanos y la diversidad cultural tenemos que estar pendientes de nuestra condición de la libertad para todos. Y es una responsabilidad de los sistemas educativos garantizar el desarrollo de la alfabetización mediática para todos. Es una necesidad.

—¿Cuál crees que es el primer paso para un profesor que desee integrar la alfabetización mediática en sus aulas?

Tener convicción en su trabajo. Ser consciente de que la vocación fundamental de docente hoy es la de transmitir conocimientos, pero también la de educar, velar por el pensamiento crítico y la conciencia ciudadana del estudiante.

Jamás había visto algo así: una tienda dedicada a las orquídeas, flores de formas y colores extraordinarios. Lo escuchó hablar al dueño con sus clientas y clientes, luego ambos charlaron y ella ya no pudo evitar volver. Vidia Narine advertía que la clientela era muy privilegiada, burguesa, procedente de los ámbitos de la política, el espectáculo o la moda. Le dijo que le gustaría escribir sus historias en una novela y el florista se mostró entusiasmado. Concertaron una cita y ella lo escuchó por horas.

Ella tomó nota de las historias detrás de aquella belleza: cómo una orquídea podía mantenerse durante tres o cuatro meses sin marchitarse; cómo podía asumir un rostro humano, un animal o un insecto dependiendo del polinizador que buscara atraer. Todas esas estrategias de supervivencia de una especie que existe hace cien millones de años le parecieron fascinantes y perturbadoras. Al escucharlo, entendió también que aquella historia estaba estrechamente ligada a la historia del extractivismo colonial. Y entonces esa flor multiplicada en supermercados, restaurantes o salones de estética se convirtió para ella en metáfora para hablar de quinientos años de explotación de la naturaleza.

Orquideísta, el libro que trae a esta escritora francesa al Hay Festival de Arequipa, es una historia sobre la belleza y el colonialismo, sobre la cultura contemporánea y la masificadora agresión de mercado. Todo ello desplegado en una espléndida investigación botánica y la atrapante historia de Sylvain, un florista especializado en estas plantas, y que regenta un pequeño local en el centro de París.

— ¿Cuán masificado es el negocio de las flores en Europa?

Partiendo de las flores de esa tienda, al hablar con el orquideólogo comprendí cómo se abastecía de ellas. Investigué en sus proveedores y descubrí enormes invernaderos en Alemania y en Holanda donde se producen las flores para los grandes almacenes, las que luego se distribuyen por toda Europa. Es un sistema económico impulsado por inversores desde los años 80 (aunque ya había ocurrido antes con los tulipanes) quienes decidieron que la orquídea era un mercado en el que se podía producir de forma masiva. A veces, las flores incluso terminan regresando a América Latina habiendo sido empacadas en Europa, lo cual revela lo absurdo del sistema. Funciona igual que las start-ups en la costa oeste de Estados Unidos, donde se invierte mucho dinero, se hacen rondas de financiación y luego se obliga a revender barato y a producir en masa. Y estamos hablando de una flor con una historia de cien millones de años, presente en casi todas las mitologías del mundo, vinculada siempre a historias de vida y muerte, y que hoy sirve para fabricar productos de belleza. Ese gran contraste entre la historia de la flor, sus propiedades y la economía actual en la que está atrapada me pareció fascinante.

— Desde el siglo XVI se extraen orquídeas de la Amazonía para adornar los salones europeos. ¿Cómo dialoga el pasado colonial de América Latina con ese masivo consumo estético europeo?

La historia de Cristóbal Colón llegando al territorio que se convertiría en América Latina nos la han enseñado en la escuela aureolada por la idea de progreso y de conquista. Sin embargo, pienso que las generaciones más jóvenes ya no piensan así en absoluto. El libro trata precisamente de eso: de cómo deshacerse de ese imaginario para llegar a imaginar otra forma de convivencia. Es difícil, pero podemos inspirarnos en muchas cosas que ya existen. La idea de progreso me interesaba a través de la propia forma de la novela: la novela occidental europea actual tiene como herencia la novela francesa del siglo XIX fundada por Flaubert, en la que la mirada burguesa está en el centro del relato, mientras que el resto del mundo y la naturaleza sirven meramente de decorado. Además, está la idea de progreso que impregna la forma narrativa, donde hay un héroe que parte de un punto A para llegar a un punto B, superando toda clase de pruebas, progresando así hacia otro estado. Mi libro, en cambio, termina siendo una especie de antiprogreso: al orquideólogo de mi novela las cosas no salen como estaba previsto, termina en un lugar donde él puede inventar otra relación con la naturaleza. El desajuste climático genera toda su reflexión.

— Diriges una revista literaria llamada Sève (Savia). ¿Propones en ella un nuevo tipo de narrativa? ¿Cómo piensas que puede escribirse una novela contemporánea fuera del modelo decimonónico?

Ya hay mucha gente haciéndolo fuera de los senderos que ofrece el mercado. Incluso lo veo en los carteles de los manifestantes en Francia, en los que la creatividad es extraordinaria: los mensajes, la información, hay poesía y humor. Es literatura circulando por ahí. Creé la revista Sève porque quería un espacio donde poder intercambiar y descubrir textos, y a la vez explorar ideas inherentes a la ecología. No solo la ecología entendida como la relación con la naturaleza, sino la relación entre nosotros, con nuestros muertos, con nuestras mitologías. Todo eso forma una ecología nueva que puede nutrir la creación y nuestras relaciones. Con ella descubrí a gente joven y no tanto, que escribe cosas muy interesantes con la idea de salir de esta historia de progreso, de todo lo que nos conforma como sociedad. Creo que deberíamos llegar a escribir libros de manera colectiva, saliendo de la idea del autor tocado por la gracia de la creación, el autor que porta una visión única. En realidad, uno nunca escribe solo: escribe con todos los libros que ha leído, con los otros autores con quienes habla, con otras obras de arte, con la vida cotidiana. Si fuéramos honestos, la idea de competencia, conquista y progreso suele ir unida a la figura de un héroe. Pero si somos honestos, cuando escribimos no somos héroes; intentamos hacerlo lo mejor posible con lo que hay a nuestro alrededor y dentro de nosotros. No sé exactamente a dónde nos llevaría esto, pero me lo digo muy a menudo últimamente: nos sacaría de bastantes problemas, incluso en nuestra relación con la inteligencia artificial.

— En tu novela propones la idea de la orquídea como metáfora de lo híbrido. ¿Hay espacio para lo híbrido hoy en día en nuestras sociedades cada vez más polarizadas?

La hibridación es un espacio que me interesa muchísimo. Yo misma soy mestiza. Soy muy sensible a la idea de mestizaje, un espacio que nos salva en gran medida de la violencia. Me interesan mucho esos espacios nacidos de la destrucción, esos espacios mestizos nos aportan muchísima energía e imaginación. En Francia lo vemos claramente con la música: tenemos muchísimos músicos con raíces en Martinica, en el Congo y en muchos otros lugares más allá de la Francia metropolitana. Eso aporta una energía, una riqueza extraordinaria y una posibilidad real de convivir.

— Cuando escribías la novela, trabajabas también en el negocio de la moda, una de las industrias más contaminantes. ¿Te identificaste con la frustración del orquideólogo a través de tu propia experiencia?

Hubo dos identificaciones. La primera es con el personaje masculino. Curiosamente, para las escritoras mujeres es bastante natural proyectarse en personajes masculinos porque el 80% de los libros que hemos leído tienen héroes masculinos. Es algo divertido y natural. Y, por supuesto, al crear un personaje, una pone algo de sí misma en él. Y en cuanto a la economía de la moda, las reflexiones por las que atraviesa el personaje son exactamente las mismas que me atravesaron a mí cuando trabajaba en la moda y me preguntaba cómo posicionarme para participar lo menos posible en esa economía contaminante, sabiendo al mismo tiempo que representa millones de empleos y que la moda dice algo fundamental sobre nuestras culturas e historia. No es algo que se pueda simplemente descartar sin más. Las reflexiones que cruzan al orquideólogo son un poco las mías. Al final, son cuestionamientos que todos nos hacemos en nuestro lugar: cómo encontrar un lugar en el mundo que sea lo menos nocivo posible.

— ¿Sigues trabajando en la moda?

No, ya no. Escribí un poco como freelance para marcas —de perfumes, de prêt-à-porter— para ganar dinero mientras escribía mis libros. Dejé de hacer eso y ahora mismo estoy cursando un máster en dirección de proyectos culturales en el Conservatorio Nacional de Artes y Oficios en París, con la idea de trabajar en proyectos culturales. Quiero volcar mi energía en la cultura porque es un ámbito muy atacado hoy en día en Francia: se recortan muchos presupuestos, y es complicado para las regiones y ciudades financiar proyectos para los artistas. Ahí es donde quiero orientar mi energía.

— ¿Piensas que la literatura puede actuar como un espacio de sanación de nuestra relación con la naturaleza?

Me parece capital. Y no se trata solo de ecología ligada a las plantas, sino también a un sistema basado en la extracción y explotación, que invade incluso los ámbitos artísticos, sea la literatura, el cine o las artes plásticas.

Si para Vidya Narine la visita a una tienda de orquídeas disparó la idea de su novela, el caso de Sophie Demange (1983, Rouen, Francia) resulta parecido, aunque el rubro del negocio resulta completamente distinto: una carnicería. En efecto, nos cuenta que en el mercado conoció a una joven carnicera de 20 años y le sorprendió porque era la primera vez que veía a una mujer atinándole al bife con el cuchillo de desollar. En Francia, las mujeres se encargan solo de la venta de la carne, pero preparar los cortes es una actividad especialmente masculina. Y le pareció interesante como el cuerpo femenino podía implicarse en ese trabajo, llevándola a la reflexión sobre el machismo en el oficio y la violencia hacia las mujeres. Un tema que ella, con una larga trayectoria de trabajo con asociaciones humanitarias que atienden a personas sin hogar y trabajadoras sexuales, conoce bien.

Demange visita Arequipa con motivo de su participación en el Hay Festival, trayendo con ella Las carniceras, novela que ha sido un éxito en Francia y que ha generado un intenso debate por su carga simbólica y su violencia deliberadamente exagerada: Anne decide hacerse cargo del negocio familiar en la ciudad de Ruán. Para ello recluta a su compañera de escuela Stacey y a la guineana Michèle, formando un trío de profesionales del despiece cárnico especialmente seductor. Unidas por el oficio, sus heridas y sus pasados, ellas han decidido ejercer la justicia desde una carnicería en un barrio de clase media de Ruan, por su propia mano y con sus cuchillos. En este adictivo thriller feminista hay sororidad, violencia latente y emociones afiladas. La novela negra no es un simple mecanismo de intriga, sino una forma de mirar aquello que la sociedad francesa prefiere no mirar.

— Tu novela es una denuncia muy fuerte del machismo en Francia. El tuyo es un país especialmente machista?

Una pregunta difícil. Creo que Francia es más machista de lo que piensa. La violencia es fuerte y detrás de su imagen de país civilizado, limpio y muy educado, se esconden cosas muy sucias, muy hipócritas. Y eso lo quería decir en la novela. He visto también cosas muy fuertes en la India y en América Latina, de hecho, una amiga mía fue asesinada en México, quemaron su cuerpo. Y eso es algo que está muy presente en mi memoria. Como también lo está en mi trabajo en Francia, en centros de protección de niñas y niños, donde veo cosas terribles. Es un tema universal en todo el mundo y sociedades. Pasa en todos los países, la verdad.

— Hay en tu novela mucha sangre y violencia, y, sin embargo, haces hincapié en que las vitrinas de la carnicería, que construyes casi como un escenario teatral, deben estar impecables e higiénicas. ¿Esa limpieza es una metáfora de la hipocresía frente al tema?

Tienes razón. La violencia no toca solamente las clases pobres, sino también las clases más educadas, aunque aparenten no tener que ver con la violencia hacia las mujeres. En cualquier clase social, las mujeres pueden ser víctimas de la violencia.

— Está claro que en tu libro la rabia es un detonante literario. ¿Crees que, culturalmente, se sigue educando a las mujeres para reprimir su enojo, su furia?

Sí. De hecho creo que la rabia me viene por una parte de América Latina. Creo que en América Latina la asumen mucho más. En Francia la rabia es cosa de hombres. Las mujeres tienen que ser dulces, suaves y lindas. En cambio, en América Latina, las mujeres están mucho más conectadas a ese sentimiento. La rabia puede salir, puede expresarse. Y eso me gusta. Es un derecho de las mujeres poder estar enojadas. Como lo es el derecho a la legítima defensa, algo olvidado la mayor parte del tiempo. En mi novela, mis protagonistas están en peligro de muerte, y su reacción de defenderse es legítima. Luego experimentan el deseo de vengarse, y eso era algo que me parecía interesante explorar. Era su manera de sacar su rabia y de hacer justicia. Porque en Francia tenemos un problema con la justicia.

— A propósito, no puedo evitar preguntarte por la violencia desatada en Francia la noche del 17 de octubre. ¿Cómo explicas ese clima de inseguridad y crispación que hoy se vive en el país?

Desde mi trabajo observamos cómo la violencia aumenta muy fuerte entre los jóvenes que no se sienten reconocidos, escuchados ni estimados. Creo también que las desigualdades en Francia están aumentando muy visiblemente. La calidad de vida resulta mucho más precaria de como la recordamos. Hemos realmente perdido en nivel de vida. Mucha gente comparte el sentimiento generalizado de sentirse despreciada por el gobierno y por el poder político. Pienso que la violencia machista que denuncio en mi novela y la violencia que vemos en las calles tiene el mismo origen: un profundo sentimiento de injusticia y de desprecio hacia la gente.

— ¿Hasta qué punto tu labor en centros de acogida para menores se refleja en los personajes en tu novela? ¿Cómo los traumas que adviertes en tu trabajo humanitario alimentan tu trabajo literario?

Tanto en esta novela como en la próxima que estoy terminando, la conexión es muy fuerte. Mi protagonista está muy inspirada en niñas que he cuidado en el centro. De hecho, conocí a una carnicera que había sido víctima de incesto. Por supuesto, de mi experiencia con muchas personas sale un personaje.

— Sé que tu siguiente libro tiene que ver con la explotación sexual de menores.

Tiene que ver con lo que es ser un trabajador social. Y el sentimiento de impotencia que se produce. También aborda la explotación sexual, y la hipocresía social que mira a otro lado sabiendo lo que pasa con las niñas más vulnerables, cómo son vendidas a hombres de poder, o clientes que pueden ser policías, abogados, médicos, lo mismo da. Para mí eso es impresionante. Pareciera que estas niñas no valieran nada. Son como la basura de la sociedad. Hablo de eso: de la impotencia del trabajador social y de cómo una niña que sufre esta tragedia puede ser fuerte y tener capacidad de manejar su vida.

— En los años 70 se pusieron de moda las películas en que los ciudadanos tomaban en sus manos la justicia, como las que protagonizó Charles Bronson en la saga del Vengador Anónimo, lo que motivo debatir si el fin justificaba los medios. Más allá de su éxito, ese debate ha vuelto a surgir en Francia con tu novela.

Me han preguntado mucho sobre la moral en mi novela. Pero es un tema del que no me hago cargo. La ficción está para liberarse de eso. Muchas lectoras me escribieron para contarme que leer la novela les resultó un placer, porque en su vida real no se sienten autorizadas a tener un sentimiento como el de la venganza. Ojo que no hablo de actuar, sino solo de pensar en ella. Somos libres para pensar en coger nuestros cuchillos metafóricos.

— Ante el auge de los discursos de odio, la xenofobia y el machismo en Europa, ¿la literatura debería tener un propósito de resistencia?

No lo creo. Pero yo lo necesito para mí. No sé si lo voy a hacer siempre, pero actualmente lo necesito para escribir. Es lo que me enciende. Pero para el arte en general o la literatura, no tiene por qué serlo.

— A pesar de la dureza de los temas que desarrollas en tu novela, hay un humor negro muy presente. ¿La ironía es lo que te permite escribir sobre la violencia?

Para mí, la ironía es un arma genial y necesaria. Y también te permite alejarse. Me hace más tolerable la vida.

— Has mencionado en alguna entrevista que mientras las mujeres mayores de 40 años han conectado con la novela, lectoras más jóvenes adoptan posturas más moralistas, ¿Por qué crees que hay este choque de perspectivas?

Eso me ha sorprendido. No sé si representa a todas las lectoras, porque lo que te dicen algunos lectores siempre resulta parcial. Pero lo cierto es que son las jóvenes las que me hacen preguntas sobre la moral de la novela, mientras que las mujeres mayores asumen sin problemas este humor y esta ironía. Quizás estamos frente a una sociedad más moralizada, quizás un poco más hipócrita también.

— ¿Alguna lectora te ha comentado si la lectura de tu novela, el dejarse llevar por tu ficción, le resultó una forma de expiar el dolor personal?

Eso sí. Me lo han dicho varias veces. Que les permitió una catarsis. Como a mí al escribirla. También hay mujeres que me han dicho que han leído la novela con su esposo en la cama ¡y que les daba algo de pudor leerla con él a su lado!

Ulises Verón (Ricardo Darín) es un reputado psicoanalista que está a puertas de recibir un premio a su trayectoria. El auditorio está lleno, el público lo recibe con aplausos, él se para en el estrado y saca de su bolsillo la hoja donde lleva escrito un discurso. Pero, para sorpresa de los asistentes, Verón afirma que en Argentina hay un exceso de psicoanalistas y que él considera que no están haciendo lo suficiente por su profesión. En ese tono autocrítico, decide no aceptar la condecoración y deja el trofeo sobre el podio.

Así comienza “Lo dejamos acá”, película argentina dirigida por Hernán Goldfrid para Netflix. Desde su arranque podríamos adivinar que se trata de una producción de esa plataforma: hay una musicalización bastante simplona para preparar el terreno del suspenso, una iluminación que intenta ser sofisticada, y una dirección de arte demasiado prefabricada, como si cualquier espacio o escenario tuviera que tener el orden de un catálogo. Solo ese inicio nos atrapa en una artificiosidad incómoda.

Lo que sigue es una mezcla de thriller y comedia, centrado en los métodos de Verón: frente a la ya mencionada frustración por su oficio, él se las ingeniará para romper cualquier límite ético con tal de “solucionarles” las vidas a sus pacientes. El principal problema irrumpirá cuando llegue hasta su consultorio Martín Bouchard (Diego Peretti), un renombrado escritor afectado por un bloqueo mental (y por el alcoholismo también). Su vínculo comenzará como una rutinaria conversación de diván, pero irá complejizándose hasta convertirse en el conflicto central de la trama.

El problema de origen de la cinta de Goldfrid es que se estanca en la superficialidad del discurso inicial de Verón: nos queda claro que lo frustra la incapacidad del psicoanálisis para solucionar los asuntos de una sociedad, pero nunca terminamos de comprender con claridad las motivaciones del protagonista, sus tribulaciones y traumas. Vistas así, sus obsesiones y actos retorcidos parecen gratuitos, no muestran la profundidad psíquica que uno podría esperar de ellas.

No es su única deficiencia, por cierto: y es que al margen de la dupla principal que conforman el terapeuta y el escritor, todos los demás personajes lucen acartonados, anecdóticos, flotantes, sin ninguna injerencia real en el relato, sin la espesura mínima que ayude a justificar sus presencias. Y ni qué decir de los crasos problemas de continuidad del filme, un detalle aparte, pero que denota apresuramiento y escaso rigor de producción.

Si algo salva a “Lo dejamos acá” del completo fiasco es el papel de Darín, un actor siempre eficiente, adaptable y carismástico. Por lo demás, se trata de una cinta apenas entretenida, con algunos chispazos de humor, pero fundamentalmente olvidable.

El público se puso de pie para aplaudirlo. Andrés Dulude, la voz de Frágil, volvió a emocionarse sobre un escenario. Pero esta vez fue diferente. Tras más de cuatro décadas dedicadas a la música, recibió el cariño de quienes crecieron con sus canciones y de nuevas generaciones que descubrieron en “Av. Larco” un himno del rock peruano. Aquella ovación parecía devolverle, por unos instantes, todo lo que había entregado a la música a lo largo de su vida.

“Me parece increíble que después de 45 años esta canción siga provocando tanta emoción”, confiesa el músico al recordar el homenaje que recibió el 15 de octubre durante una función de “Av. Larco, el musical”.

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La alegría de aquel reencuentro contrasta con el difícil momento que atraviesa. Dulude enfrenta un cáncer de vejiga cuyas secuelas del tratamiento han afectado su movilidad. A ello se suman las dificultades económicas que, por ahora, le impiden continuar con sus controles médicos.

De la calle al himno

“Av. Larco” nació de las noches que Dulude y sus compañeros de Frágil compartían después de los ensayos. La banda practicaba en un estudio vinculado al propietario de Radio Miraflores, donde se producían jingles para radio y televisión. Al terminar, caminaban por la avenida Larco, doblaban por Shell y llegaban hasta la zona que años después sería conocida como la calle de las Pizzas.

Entre casonas, jóvenes reunidos, música y tragos, el cantante encontró la inspiración para escribir la canción que años después se convertiría en un himno del rock peruano.

“Eso era lo que pasaba: la música, el trago, las chicas, tal como dice la canción. Eso fue lo que me inspiró a escribirla”, asegura.

Curiosamente, “Av. Larco” fue la última canción en incorporarse al disco y sus integrantes la consideraban el patito feo del álbum. Originalmente se titulaba “La Dolce Vita”, pero los productores decidieron cambiarle el nombre y convertirla en el tema principal de la producción.

“Tuvieron buen ojo”, reconoce Dulude, sin ocultar su sorpresa por la dimensión que alcanzó aquella decisión.

Más de cuatro décadas después, “Av. Larco” sigue emocionando a distintas generaciones. Dulude recuerda conmovido los conciertos en los que abuelos, padres e hijos compartían su pasión por Frágil.

“Han ido abuelos con hijos y nietos, todos con su camiseta de Frágil. Eso es bien emotivo. ¿Qué puede ser más grande que seguir presente en la memoria de tanta gente después de tantos años?”, reflexiona.

La música antes que el dinero

Su relación con los escenarios comenzó mucho antes de Frágil. De niño imitaba a Nat King Cole en reuniones familiares. Su padrino lo animaba a cantar y su madre le regalaba discos de Raphael, The Beatles y The Beach Boys, que escuchaba una y otra vez hasta aprenderse las canciones.

A los 18 años se vinculó con músicos de su barrio y empezó trabajando como técnico, reparando amplificadores y cambiando fusibles. Más adelante cantó coros en Sono Radio, participó en festivales y pasó por distintas orquestas.

Con Frágil encontró una manera distinta de hacer música, aunque eso significara renunciar a oportunidades económicamente más atractivas.

“Muchos colegas se dedicaban a tocar en fiestas sociales, a la publicidad o a acompañar a otros artistas. Ganaban mucho dinero. Nosotros nos dedicamos a escribir canciones y tocar en conciertos. No teníamos la misma respuesta económica”, explica.

No se arrepiente. Para él, la recompensa llegó con el reconocimiento que hoy recibe su música.

“Nosotros nos dedicamos a la parte espiritual de la música. Y ahí nos mantenemos”, afirma.

Las dificultades

Como técnico de sonido, Dulude trabajó en eventos con figuras internacionales como Celia Cruz, Rubén Blades, Héctor Lavoe, Raphael y Óscar D’León. Esa experiencia también le permitió conocer de cerca las desigualdades de la industria musical, especialmente las diferencias en las condiciones técnicas que recibían los artistas extranjeros y las bandas peruanas.

Una de esas experiencias ocurrió cuando Frágil fue convocado para abrir un concierto de The Rolling Stones. Según cuenta Dulude, les prometieron ciertos recursos técnicos, pero al llegar encontraron varias restricciones.

“Los Rolling Stones eran los Rolling Stones. Ellos podían utilizar todo el estadio: luces, sonido, pantallas, pasarelas. A nosotros nos limitaron a un espacio. No es una queja, pero sí una desventaja”, sostiene.

El músico asegura que vivió situaciones similares con otras agrupaciones internacionales y cuestiona la falta de apoyo al rock peruano. “Al rock no le falta nada. Lo que le falta es a la gente que trabaja en el ambiente del rock”, afirma.

Recuerda, además, que algunos programadores radiales les insinuaban pedidos materiales a cambio de difundir sus canciones, mientras los artistas extranjeros contaban con el respaldo de grandes compañías. Aunque reconoce que las redes sociales han abierto nuevas oportunidades, considera que el talento sigue necesitando una industria que lo respalde.

La lucha continúa

El presente de Andrés Dulude está marcado por una batalla mucho más difícil que cualquiera de las que libró en la música.

El cantante enfrenta un cáncer de vejiga y una polineuropatía axonal severa que, según cuenta, desarrolló tras recibir un tratamiento de inmunoterapia. Esta complicación ha reducido la sensibilidad en sus extremidades, limitado su movilidad y hecho que necesite ayuda para realizar diversas actividades cotidianas.

“Pasé por un proceso muy fuerte que me ha restado sensibilidad en los nervios. No puedo estar parado mucho tiempo. Parte de las extremidades no las siento”, explica.

A las dificultades físicas se suma una situación económica que le impide continuar con la atención médica que necesita.

“Mi tratamiento está detenido mientras esperamos una respuesta de la aseguradora, que lleva más de seis meses sin pronunciarse”, detalla.

Dulude asegura que no ha podido realizarse los controles que le permitirían conocer la evolución de su enfermedad. Según cuenta, desde marzo no le practican una tomografía y desconoce su situación médica actual.

“No sé si tengo tumores, si han crecido o desaparecido. No sé nada. Estoy como un barco a la deriva”, expresa.

El músico también cuestiona la información recibida durante su atención médica y señala que sus abogados realizan gestiones ante SUSALUD, el INS (Instituto Nacional de Salud) el Colegio Médico, mientras la entidad responsable de su cobertura no resuelve su caso.

“He recorrido este camino con mucha fortaleza, pero la realidad ha sido dura: he enfrentado silencio, respuestas incompletas y un abandono que nunca debió ocurrir. Lo que busco es simple: que la verdad sobre mi tratamiento quede clara y se respete mi derecho a información clínica veraz y transparente. Confío en que las autoridades harán lo correcto, porque nadie debe quedar sin respuestas cuando está en juego su salud”, detalla.

Mientras tanto, busca alternativas para obtener ingresos. Entre ellas, vende polos relacionados con su trayectoria musical, una actividad que le permite cubrir parte de sus necesidades.

“Necesito ayuda económica para continuar mi tratamiento. Es muy caro”, afirma.

Y resume su realidad con una frase que contrasta dolorosamente con los aplausos que todavía recibe.

“No puedo pagar una factura con palabras. Tampoco puedo ir a que me hagan una radiografía y decirles que estoy muy agradecido. No puedo”, lamenta.

“Más allá de “Av. Larco”

A pesar de las dificultades, Dulude no ha dejado de escribir. Continúa componiendo, mantiene contacto con antiguos compañeros y trabaja junto a su esposa, Anita Purizaga, en un libro que llevará por título “Más allá de la Av. Larco”.

La publicación, prevista para el próximo año, recuperará las historias detrás de unas 40 canciones de su autoría y contará con ilustraciones de José Carlos Vargas, artista plástico escultor y dibujante , y fan del grupo Frágil.

El proyecto nació de una anécdota relacionada con “Pastas, pepas y otros postres”. Un día, mientras se encontraba en una farmacia, un hombre aparentemente bajo los efectos de drogas se le acercó para felicitarlo por aquella canción. La experiencia lo llevó a pensar que muchas de sus composiciones habían sido escuchadas sin que el público conociera sus verdaderas historias.

“Mi esposa propuso el título ‘Más allá de la Avenida Larco’, porque ‘Av. Larco’ no es lo único que he escrito. Tengo un montón de canciones”, explica.

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Es su proyecto más cercano y también una manera de preservar los recuerdos de una vida dedicada a la música.

Hoy, lejos de los escenarios y en medio de una difícil lucha contra el cáncer, Andrés Dulude sigue encontrando refugio en la música. Aquella ovación le recordó que, después de 45 años, su voz continúa emocionando a generaciones. Ahora, el hombre que tanto le entregó al rock peruano necesita también el apoyo de quienes crecieron con sus canciones.

La cantautora peruana Nicole Favre estrenará el próximo 11 de noviembre su nuevo álbum titulado “1998”, que presentará en vivo el 3 de diciembre en el Centro de Convenciones Leguía, en Lima.

El disco debe su nombre al año de nacimiento de la intérprete y reúne 17 canciones escritas por ella, entre las que figuran composiciones como “Mi Fan”, “Fake It” y el sencillo promocional “223”.

Tras residir durante un periodo en México, la artista retoma su propuesta dentro del género pop con este proyecto de estudio.

En su trayectoria, la cantante ha realizado colaboraciones con figuras como Joey Montana, Moderatto, Morat, Danna Paola, Kya, Antonio José y Olivia Wald.

Por otro lado, para el espectáculo del 3 de diciembre, interpretará los temas de su nueva producción junto a las canciones más destacadas de su repertorio.

Las entradas ya se encuentran a la venta en Teleticket.

La primera y la segunda llamada del teatro les da igual a los niños. Ellos rompen el silencio, ríen con descontrol y hablan con los actores, incluso sentados lejos del escenario. Son, en realidad, los pequeños del ‘hoy’ ultraestimulado mundo, diferentes a quienes llegaban a ver la obra “Saltimbanquis”, décadas atrás, cuando un joven Carlos Alcántara hacía del burro bueno de la obra. En ese entonces, dirigía Piero Solari, padre de Gloria María Solari, animadora de televisión que dejó la pantalla por las tablas.

La actriz y productora teatral retoma el legado de su padre con una nueva versión del musical infantil. En su origen, parte del clásico cuento “Los músicos de Bremen”, de los lingüistas alemanes Jacob y Wilhelm Grimm (o ‘hermanos Grimm’), y toma como referencia “Saltimbanquis”, adaptación italiana del letrista Sergio Bardotti con música del compositor Luis Enríquez Bacalov.

“Yo compuse las canciones de mi adaptación, en la que participan mis alumnos de 6 a 15 años”, dice Solari a El Comercio. Así “Saltimbanquis” regresa a Lima tras temporadas anteriores en 2012 y 2018, pero con una nueva versión que mira hacia otro tiempo. Una era donde la infancia convive con TikTok, YouTube y una exposición digital que, para Solari, puede hacer que los niños crezcan demasiado rápido.

“Me llama mucho que sea una obra clásica, con una participación infantil en escena muy limpia, inocente, sana. Es importante, en este momento, mostrar a la niñez en escenario siendo sanos y libres”, dice Solari.

Pocos saben que la actriz Zelma Gálvez, de 66 años y recurrente en programas humorísticos de público adulto, goza de los aplausos del público infantil mil veces más estridentes allí, sobre un escenario donde está vestida de gallina. En “Saltimbanquis”, comparte elenco con Piero Rodríguez, quien interpreta al burro; Marco Andrés Peña, como el perro; Gloria María Solari, como la gatita; y Oriana Cicconi, como la villana Doña Rabieta. Desde el humor y la fantasía, la didáctica del libreto busca atrapar a los niños y enseñarles, con la historia de un grupo de animales que sufren rechazo y violencia, un mensaje sobre el respeto y la libertad.

“A los animales, hay que protegerlos, respetarlos, cuidarlos”, sostiene Solari, quien además de profesora y productora infantil, es activista animalista y embajadora de una fundación por la protección de la Amazonía. “Creo que hay que tener un montón de cuidado con lo que ven nuestros niños”, agrega.

Para esta puesta en escena, Solari compuso las 11 canciones de la obra, entre ellas “Juntos somos fuertes”, que se escucha tres veces: al inicio, durante el intermedio y al final. En paralelo, para su otro musical en temporada, “Amazonía”, la productora infantil contó con el apoyo de su hijo Franjo Antich, productor musical que trabaja con artistas jóvenes como Lucianeka y Milena Wharton.

Competir con TikTok y YouTube

Gloria María Solari tiene álbumes musicales completos en TikTok, YouTube y Spotify, donde reúne un promedio mayor a 170 mil oyentes. Desde su perspectiva, el teatro se aísla de las plataformas digitales, pero el desafío está en convivir con ese ecosistema sin perder de vista qué contenidos llegan a los niños.

Para Solari, una infancia “sana” pasa por tocar la tierra y observar la naturaleza, inventar disfraces y equivocarse sin miedo. “Me da mucha pena cuando veo niños que han estudiado conmigo en su infancia quemando etapas en la televisión u otras obras de teatro. Es muy triste, porque nadie nos regresa la etapa perdida”, dice.

“A un niño sano, le parece natural jugar en un jardín sin temor ni molestias. Entiendo que existen niños con habilidades especiales, pero hablo de su fascinación. Que los padres les hagan ver la diversidad inmensa de la naturaleza, como conocer flores, las constelaciones de estrellas o el ciclo del agua. Conectarse con el mundo. Que invente sus disfraces y que entienda que todas las propuestas siempre serán buenas. Creatividad sin miedo a equivocarse. Esa es la libertad del juego y de autoconocerse”, dice Solari.

En las plataformas digitales, las nuevas generaciones conviven a diario con contenidos que también pueden exponerlas a la presión por conseguir contratos con marcas y a la crítica de usuarios desconocidos. Solari no cuestiona propuestas infantiles como “ChikiToonz”, pero sí le preocupa el nivel de exposición al que están sometidos los más pequeños.

“Hoy en día se ve al niño muy revestido. Estoy preocupada, porque se ve mucho a los niños muy esforzados para cantar y bailar en programas juveniles y familiares. A veces, parecen tener más edad de lo que debe parecer. Y yo considero que la infancia es demasiado corta. Pero si los niños se acostumbran a ver propuestas más relacionadas al cuento para niños, naturales e inocentes, sería positivo para nuestra sociedad”, comenta.

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Una novela gana un premio internacional, recibe elogios de un jurado integrado por escritoras reconocidas y se prepara para circular en varios países. Después, una herramienta de detección de inteligencia artificial le atribuye un resultado que amenaza con convertir la celebración en escándalo: el 99% de sus aproximadamente 26.000 palabras habría sido generado por una máquina. Es lo que ha ocurrido con “Donde el agua trabaja”, del escritor peruano David Silva Rojas, ganadora del Premio Internacional de Novela Breve Almadía Ventosa-Arrufat. El autor niega haber utilizado inteligencia artificial; la editorial Almadía suspendió las presentaciones previstas en España y anunció una investigación.

El caso no solo pone en cuestión la autoría de una novela, sino también los mecanismos con los que la industria editorial intenta reconocerla y protegerla. ¿Cómo se distingue una herramienta de escritura de una que reemplaza al escritor? ¿Qué responsabilidad tienen los editores? ¿Hasta dónde puede confiarse en un detector? Y, acaso la pregunta más incómoda: ¿qué ocurre cuando la discusión sobre la autenticidad de una obra desplaza otra pregunta fundamental, la de su calidad literaria?

Para el editor peruano Yhon Chinchilla, el dilema ya forma parte de la rutina de quienes reciben manuscritos. Para el escritor español Hernán Migoya, que leyó la novela antes de que estallara la polémica, el problema empieza mucho antes de la aparición de la inteligencia artificial.

Un premio bajo sospecha

Convocado por la editorial mexicana Almadía y la fundación española Ventosa-Arrufat, el certamen recibió 2.204 manuscritos procedentes de 22 países. El premio, dotado con 20.000 euros, contemplaba también la publicación de la obra en México, España, Argentina, Colombia y Perú. El jurado estuvo integrado por Cristina Rivera Garza, Selva Almada y Mónica Ojeda, quienes eligieron por unanimidad “Donde el agua trabaja”.

Ambientada en una hacienda vinícola de Ica, la novela aborda la explotación laboral en el sector agrícola y sigue a una joven que abandona su comunidad para trabajar temporalmente en una finca. La obra recibió elogios por su prosa de frases breves, sus silencios y la representación de un cuerpo sometido a condiciones laborales desiguales. Las bases del concurso, sin embargo, establecían expresamente que las obras no podían haber sido escritas, total ni parcialmente, mediante inteligencia artificial.

La investigación publicada este viernes 23 de octubre por el diario español “El País” señala que el detector Pangram, en su versión 4.1, atribuyó a la IA el 99% del contenido de la novela. La herramienta también identificó como generado por inteligencia artificial el 97% de las respuestas del autor en una entrevista publicada en la revista “Ulrica” y el 80% de un ensayo en el que explicaba el origen de su obra. La coincidencia de resultados en textos de distinta naturaleza alimenta las sospechas, pero no demuestra por sí sola cómo se escribió el libro ni quién produjo cada pasaje.

La distinción importa. Los detectores identifican patrones lingüísticos y estadísticos asociados con textos generados por modelos de IA; no reconstruyen automáticamente el proceso creativo. Un resultado elevado constituye un indicio que debe examinarse junto con otras pruebas. En este caso, el autor niega haber empleado la tecnología y la editorial ha optado por investigar antes de emitir una conclusión definitiva.

La tecnología puede señalar una anomalía estadística; no puede, por sí sola, reconstruir la historia de un manuscrito ni convertir una sospecha en una sentencia.

La IA en la mesa del editor

Chinchilla conoce el problema desde el otro lado del escritorio. En los últimos años, explica, las conversaciones sobre inteligencia artificial en el sector editorial han cambiado de naturaleza. Si antes predominaban las discusiones sobre quién debía considerarse autor de un texto producido a partir de instrucciones humanas, ahora el debate se concentra en cómo incorporar estas herramientas al trabajo sin borrar la intervención de quien escribe.

“En nuestro caso, lo que está pasando es que sí hemos identificado propuestas de autores que tienen sus textos bien corregidos, bien escritos, en todos los géneros”, cuenta. Recuerda incluso la recepción de un poemario que estaba formalmente bien resuelto, pero cuya escritura despertó sospechas.

En otra ocasión, una editorial recibió una narración cuyo autor negó inicialmente haber utilizado inteligencia artificial. Al someterla a uno de los detectores gratuitos disponibles en internet, el resultado indicó aproximadamente un 90% de contenido generado por IA. La editorial consideró que el texto tenía una temática interesante, pero sugirió al escritor conservar esa materia narrativa y encontrar una personalidad propia en la escritura.

El dilema editorial ya no consiste únicamente en detectar un texto generado por una máquina, sino en decidir qué hacer cuando existen sospechas y no hay herramientas concluyentes para resolverlas.

La experiencia ilustra una dificultad práctica: no todas las editoriales tienen acceso a herramientas especializadas ni cuentan con protocolos uniformes para examinar los manuscritos. En el caso de la literatura, Chinchilla señala que todavía existe una considerable dependencia de la confianza depositada en los autores. Una de las medidas a las que han recurrido es solicitar una declaración jurada que certifique la originalidad de la propuesta y que el texto pertenece a quien lo presenta.

“En la literatura todavía sigue siendo complicado este asunto”, reconoce. Por eso, su editorial trabaja en un protocolo que permita establecer con mayor claridad qué usos de la IA son admisibles y cómo deben declararse.

La declaración de un autor puede establecer un compromiso, pero no resuelve por sí sola cómo comprobarlo ni qué procedimiento debe seguirse cuando aparecen indicios de un incumplimiento.

No se trata, sin embargo, de rechazar toda aplicación de la tecnología. Chinchilla explica que la inteligencia artificial ha permitido reducir considerablemente el tiempo dedicado a tareas editoriales. Durante el rescate de una novela de los años sesenta, por ejemplo, la transcripción del material habría requerido alrededor de un mes de trabajo; con estas herramientas, el proceso se completó en aproximadamente cuatro días. También facilitan la transcripción de entrevistas y la revisión de referencias bibliográficas en publicaciones académicas.

“Lo entendemos más como una herramienta”, precisa. La diferencia aparece cuando su función deja de ser auxiliar y se convierte en sustitución. “Lo que sí definitivamente notamos nosotros es cuando se usa de manera generativa, o sea creativa, cuando reemplaza a la autoría”.

El problema, entonces, no es que una máquina ayude a corregir un texto, ordenar referencias o transcribir una entrevista. Es que termine ocupando el lugar de quien debe tomar las decisiones narrativas y responder por ellas.

Para Chinchilla, el reto está en aprovechar la eficiencia de la IA sin renunciar al criterio humano que da sentido al trabajo editorial.

Hernán Migoya: el problema también es la calidad

El escritor español Hernán Migoya introduce una objeción distinta, menos interesada en la eficacia de los detectores que en el valor de la literatura premiada. Mientras preparaba un reportaje sobre nuevos autores peruanos con presencia en España para “El Mundo”, recibió la sugerencia de leer “Donde el agua trabaja”. Solicitó el libro, lo leyó y decidió no entrevistar a Silva Rojas ni incluirlo entre las obras recomendadas.

Según explica, no percibió entonces que la novela pudiera haber sido escrita con inteligencia artificial. Simplemente le pareció una obra fallida. En sus palabras, le faltaban sensibilidad y sinceridad; además, cuestionaba la manera en que la narración apelaba a la gravedad de la realidad social que representaba.

La objeción de Migoya es anterior al escándalo: no sospechó que la novela estuviera escrita con IA; consideró que no merecía figurar entre las obras que quería recomendar.

Migoya describe esa estrategia como “pornomiseria”: el recurso a una realidad terrible para convertirla en argumento de autoridad moral, sin que necesariamente exista una elaboración literaria que la trascienda. Su crítica apunta a lo que considera una tendencia a confundir el compromiso temático con la calidad estética, como si denunciar una injusticia garantizara por sí mismo el valor de una novela.

En su reportaje sobre autores peruanos, el escritor ya había contrapuesto esa tendencia con “Las nerviosas”, de Rosa Chávez Yacila, una obra que, a su juicio, incorpora la ironía, la crudeza y el cuestionamiento personal en lugar de limitarse a presentar una tragedia como garantía de relevancia. La comparación revela que sus reparos a “Donde el agua trabaja” antecedían a la denuncia sobre la inteligencia artificial.

“Me da igual que estén escritos por IA o por Rita la Bailaora”, sostiene Migoya. Su indignación, explica, no se debe principalmente a la posibilidad de que una máquina haya producido el libro, sino a que una obra que considera deficiente haya recibido un premio de semejante importancia económica y simbólica.

Su crítica se extiende a los certámenes literarios en español, que, en su opinión, llevan décadas premiando obras sentimentales y denuncias sociales que parecen responder mejor a una determinada expectativa moral que a una exigencia estética. Para Migoya, el caso revela un problema anterior a la inteligencia artificial: la predisposición de algunos jurados a valorar el tema, el discurso y la imagen pública del autor por encima de la escritura.

En su lectura, la inteligencia artificial no habría creado el problema de los premios literarios: habría añadido una nueva dimensión a una discusión sobre los criterios con los que se consagra una obra.

Se trata de una opinión polémica y deliberadamente severa, no de una demostración de que el jurado de este concurso haya actuado de manera irregular. Las tres escritoras que eligieron la novela lo hicieron por unanimidad, y no hay información pública que permita afirmar que conocían una posible intervención de IA. Pero la crítica de Migoya abre una discusión legítima: qué criterios deben orientar un premio literario y cómo se distingue la importancia de un asunto de la calidad con que ha sido narrado.

¿Quién escribe cuando escribe una máquina?

La controversia obliga a separar tres cuestiones que suelen mezclarse: la calidad de una obra, la autenticidad de su autoría y el cumplimiento de las reglas de un concurso. Una novela puede ser mala y haber sido escrita íntegramente por una persona; puede ser excelente y haber sido generada por una máquina; o puede combinar trabajo humano e inteligencia artificial de maneras difíciles de determinar. Ninguna de esas posibilidades resuelve automáticamente las otras.

La calidad literaria no demuestra quién escribió un libro, del mismo modo que la sospecha de uso de IA no demuestra que el libro sea malo. Son preguntas diferentes, aunque en esta controversia hayan terminado entrelazadas.

En el caso de Silva Rojas, la condición del premio era explícita: no se permitía utilizar IA, ni total ni parcialmente, en la escritura. Si una investigación demostrara que se incumplió esa regla, habría una cuestión reglamentaria que resolver, independientemente de los méritos literarios del manuscrito.

También será necesario establecer qué evidencia puede sostener una conclusión. Los resultados de un detector, incluso cuando son elevados y coinciden en distintos textos, no sustituyen una revisión independiente. Los borradores, las versiones sucesivas del manuscrito, las notas y los materiales de trabajo podrían ayudar a reconstruir el proceso creativo. La transparencia del autor y la respuesta de la editorial serán fundamentales para determinar los siguientes pasos.

La credibilidad de un concurso no depende solo de elegir una buena novela, sino también de garantizar que las obras participantes cumplan las reglas que aceptaron sus autores.

Mientras tanto, el testimonio de Chinchilla muestra que el sector editorial necesita criterios más precisos para distinguir los usos auxiliares de los generativos. El de Migoya recuerda que la discusión sobre la tecnología no debería servir para eludir una pregunta esencial sobre la literatura: qué hace que una obra merezca ser leída y reconocida.

La inteligencia artificial puede producir páginas correctas, imitar estilos y organizar relatos. Pero los concursos no premian solamente la capacidad de ensamblar palabras: también consagran una autoría, una trayectoria posible y una determinada idea de lo que la literatura puede hacer con la experiencia humana.

El caso de “Donde el agua trabaja” sigue abierto. El 99% atribuido por Pangram ha encendido las alarmas, el autor niega haber utilizado IA y la editorial ha suspendido las presentaciones mientras examina la controversia. Falta establecer qué ocurrió realmente durante la escritura de la novela.

Quizá la discusión más importante no consista en decidir si una máquina puede escribir un libro, sino en saber qué debe declarar quien lo firma, qué está dispuesto a exigir quien lo publica y qué criterios utiliza quien lo premia. Porque, antes de que la inteligencia artificial pusiera en cuestión la autoría, el mundo literario ya tenía una tarea pendiente: explicar por qué unos libros merecen reconocimiento y otros no.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: tendrá iniciativas que llenarán de entusiasmo al entorno y afianzarán la confianza. Amor: circunstancias fortuitas facilitarán un encuentro que derivará en romance.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: tomará las riendas en un negocio o proyecto que parece estancado y todo cambiará. Amor: si no reitera errores, habrá hermosos momentos y un feliz desenlace.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: el camino del éxito podría verse empañado por descuidos y poca cooperación. Amor: su encanto se destacará entre mucha gente y alguien se acercará con una propuesta.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: logrará dirigir el esfuerzo con inteligencia y los resultados no se harán esperar. Amor: alguna actitud impulsiva generará discusiones que evitará resolviendo las cosas.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: su capacidad para encarar proyectos audaces será elogiada por gente influyente. Amor: una relación del pasado insistirá por un encuentro reparador pero ya será tarde.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: un pequeño proyecto se convertirá en la clave para una actividad exitosa. Amor: verá las cosas con optimismo y querrá salir a divertirse; posible romance.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: momento para mostrar su habilidad y resolver una situación complicada. Amor: su fuerte encanto estará muy activo y no será pasado por alto por cierta persona.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: hallará los colegas o socios perfectos para un proyecto con potencial. Amor: crecerá la afinidad con la persona menos imaginada y un romance se concretará.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: los gastos en exceso podrían afectar el esfuerzo invertido. Amor: un asunto poco agradable no llegará a afectar a la pareja por su carácter optimista.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: una iniciativa no resultará como se espera pero tendrá algo positivo. Amor: una situación confusa en la pareja le pondrá en alerta, pero todo se aclarará.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: con creatividad, logrará que un proyecto estancado muestre sólido avance. Amor: la vida en común mejorará y permitirá pensar en planes que pertenecen al futuro.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: una reunión será el punto de partida para iniciar un anunciado proyecto. Amor: en la pareja se resolverán esos temas incómodos que impiden que fluya la calidez.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: SUPERIOR AL PROMEDIO EN CAPACIDAD DE LIDERAZGO Y CONCRECIÓN DE METAS.

El cantautor ayacuchano Diosdado Gaitán Castro ofrecerá el concierto “Barranqueando a nuestro modo” este viernes 20 de noviembre en el Centro de Convenciones Bianca, ubicado en Barranco.

La presentación contempla un recorrido por el repertorio de la música andina peruana, que incluirá géneros como el huayno, los carnavales y los caporales.

Durante el espectáculo, el músico estará acompañado en el escenario por el Dúo Ayacucho y el Grupo Ocobamba.

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“Queremos regalarle al público una velada cálida y llena de identidad. ‘Barranqueando a nuestro modo’ nace del deseo de compartir nuestra música tradicional en un espacio íntimo pero festivo, donde cada huayno y cada carnaval nos conecte con nuestras raíces”, declaró Gaitán Castro.

Las entradas para asistir al evento del próximo 20 de noviembre se encuentran a la venta en Joinnus.

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El director estadounidense Woody Allen ha elegido las calles de Madrid, que aspira a convertirse en un polo cinematográfico mundial, como escenario de su nueva película, la número 51 de su carrera, cuyo rodaje comenzó este mes.

El miércoles, decenas de curiosos se agolpaban para intentar ver al veterano de 90 años en las calles del bullicioso centro de la ciudad, cerradas para la ocasión.

El maestro de la comedia y la sátira social casi no rueda ya en su país natal, desde que prácticamente toda la industria le dio la espalda tras las acusaciones de agresión sexual formuladas por Dylan Farrow, a quien adoptó de niña junto con su exesposa Mia Farrow, si bien no ha sido procesado por la justicia.

El director, casado desde 1997 con Soon-Yi Previn, otra hija adoptiva de Mia Farrow, vive desde hace varios años en los márgenes del séptimo arte.

“Siempre he considerado Madrid una ciudad muy elegante y muy hermosa, perfectamente adaptada a la atmósfera diplomática que quería para la historia”, celebró en rueda de prensa a comienzos de octubre el creador de “Annie Hall” (1977), “Manhattan” (1979) y “Midnight in Paris” (2011).

Woody Allen with his wife FILM HIS NEW #MOVIE IN #MADRID today filming location: an auction house #Ansorena called de barquillo Madrid . https://t.co/bLdOkWz7Xu

— Pan (@antony67) October 20, 2026

Ganador de cuatro Óscar en sus seis décadas de carrera, Allen explicó que las ciudades europeas le parecen “exóticas”, con sus “grandes bulevares abiertos, sus calles arboladas” y su arquitectura antigua, en contraste con las ciudades estadounidenses donde se han rodado muchas de sus grandes obras, especialmente Nueva York.

Para Madrid, que en los últimos años se ha consolidado como un destino de primer nivel para los grandes eventos culturales y deportivos, acoger al cineasta es una apuesta para atraer aún más turistas e inversiones.

La conclusión de Woody Allen tras su visita al Museo del Prado: "No hay nada como el Prado, nunca he visto nada igual" https://t.co/4mwB4FifYR

— Museo del Prado (@museodelprado) October 19, 2026

Según el Ayuntamiento, que participa junto con el gobierno de la región de Madrid en la financiación, el largometraje, cuyo título deberá incluir obligatoriamente la palabra “Madrid”, generará cerca de 1.200 empleos directos y unos 2.300 indirectos.

La industria audiovisual representa el 2,2% del PIB de la región de Madrid, donde en 2025 se llevaron a cabo 2.100 rodajes, según las autoridades.

A comienzos de este año, Madrid acogió un Gran Premio de Fórmula 1 por primera vez en décadas y acogió una serie de conciertos muy esperados de estrellas como Shakira o Bad Bunny.

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