La cantante y compositora estadounidense Dolly Parton, una de las figuras más importantes de la música country y autora de éxitos como “Jolene” e “I Will Always Love You”, falleció este martes a los 80 años, informó su sobrino Bryan Seaver en Instagram.

A través de un video compartido en las redes sociales de la artista, su sobrino Bryan Seaver dejó un mensaje por parte de la familia de Dolly Parton. “Hola a todos, mi nombre es Bryan Seaver, hijo de Cassie Parton, y hoy estoy representando a la familia Parton y Owens, anunciando el fallecimiento de mi tía Dolly Rebecca Parton Dean”, dijo su familiar.

“Dolly me llamó y me dijo que quiere descansar en una hermosa cama de peluche de algodón, porque después de una vida llevando pedrería pesada, finalmente merece estar cómoda y tener algo de descanso. Descansa en paz, tía Dolly”, agregó.

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El fallecimiento de Dolly Parton pone fin a una trayectoria artística de más de seis décadas, durante las cuales se convirtió en una de las cantantes y compositoras más reconocidas de Estados Unidos. Su nombre quedó asociado a canciones que trascendieron generaciones, entre ellas “Jolene”, “9 to 5” e “I Will Always Love You”, esta última popularizada mundialmente por Whitney Houston.

La cantante había atravesado problemas de salud durante los últimos meses. Poco antes de su fallecimiento había hablado públicamente sobre sus dificultades físicas y había explicado que estaba recuperándose mientras continuaba trabajando en distintos proyectos.

Hasta el momento, los reportes publicados no indican una causa oficial de su muerte. La información disponible señala que Parton había enfrentado diversos problemas de salud, aunque mantuvo durante sus últimos meses una actitud activa frente a su carrera y sus proyectos personales.

Su legado también trasciende la música. A través de la Dollywood Foundation y su programa Imagination Library, Parton impulsó durante décadas iniciativas destinadas a fomentar la lectura y facilitar el acceso de los niños a los libros.

La muerte de Parton ocurre poco más de un año después del fallecimiento de su esposo, Carl Dean, con quien estuvo casada durante casi seis décadas. Dean murió en marzo de 2025 a los 82 años, una pérdida que la cantante había reconocido como especialmente difícil.

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El reguetonero puertorriqueño Wisin reveló que lanzará el 4 de septiembre su nuevo álbum “Universidad del Perreo”, que formará parte de un amplio proyecto con “cursos y experiencias relacionadas” con la insólita institución académica que desató furor en las redes sociales y cuenta con más de dos millones de alumnos inscritos.

“‘ Universidad del Perreo’ es el nuevo álbum de Wisin, que llegará el próximo 4 de septiembre y ya se encuentra disponible en preventa. Sin embargo, el álbum es solo el comienzo”, anunció en un comunicado el artista conocido como ‘El Sobreviviente’.

Juan Luis Morera, nombre de pila del cantante, remarcó que continúa abierta la matrícula para los cursos de la “Universidad del Perreo” y las primeras ciudades confirmadas donde se impartirán las clases son San Juan, Puerto Rico; Miami, Florida; Bogotá, Colombia; y Ciudad de México, México.

Asimismo, el intérprete de éxitos como ‘Pegao’, ‘Rakata’, ‘Pam Pam’, ‘Paleta’, ‘Sexy Movimiento’ o ‘Mírala Bien’ explicó que el concepto continuará desarrollándose a través de nuevos proyectos, cursos y experiencias relacionadas con la “Universidad del Perreo”.

“Hoy como decano anuncio oficialmente que el material de estudio definitivo ya está listo. A partir de las 19:00 hora local, estará disponible el Pre-Save del álbum oficial”, subrayó Wisin en su cuenta de Instagram.

A través de una plataforma los estudiantes podrán participar en distintas actividades, obtener certificados oficiales y tener acceso a experiencias reservadas exclusivamente para quienes formen parte de esta comunidad.

La institución educativa todavía no ha publicado las materias que impartirá, aunque en las historias del Instagram del cantante se mencionó que la universidad contará con Cátedras de ritmo aplicado, Historia del reguetón y Epistemología del flow, entre otras asignaturas.

“Este es solo el inicio de todo lo que nuestra institución tiene preparado para honrar la música y la evolución del perreo. Completen su pre-save oficial y repasen las bases. Las clases apenas comienzan”, concluyó el artista.

Asimismo, el productor Hyde El Quimico, los miembros de la banda Jumbo El Que Produce Solo, el artista puertorriqueño Jowell y los miembros del dúo Los Legendarios, confirmaron en sus perfiles que están dentro de la iniciativa que está viral en redes sociales.

“Siento la responsabilidad personal de enaltecer nuestra cultura y proteger el legado de un movimiento que cambió la industria para siempre. Es por esto que hoy, con mucho orgullo y compromiso, anuncio oficialmente la creación de una nueva institución dedicada al estudio, la preservación y la difusión de nuestra historia: UNIVERSIDAD DEL PERREO (UDP)”, expresó Wisin la semana pasada.

Wisin indicó que la misión es darle al reguetón “el rigor y el lugar de respeto que se merece” y ampliará más información próximamente.

El reguetón pasó de ser un género censurado en Puerto Rico en sus inicios desde finales de los años ochenta, a dominar la música mundial gracias a colaboraciones entre destacados artistas y fusiones con otros géneros.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: los negocios o proyectos entrarán en una etapa de gran creatividad y se lucirá. Amor: cree que cierta persona no notará su presencia pero ya verá que no es así.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: una tarea demorada comenzará a regularizarse y el resultado será óptimo. Amor: las actitudes obstinadas se convertirán en obstáculo para avanzar en la relación.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: las trabas a su tarea serán resueltas y las cosas comienzan a mejorar. Amor: no ayudará en nada exagerar su papel en la relación, le pedirán que se equilibre.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: surgirá una evaluación sorpresiva y el resultado será muy favorable. Amor: sentirá cierto entusiasmo por el acercamiento de una persona con fuerte encanto.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: desarmará trabas e iniciará un proyecto con avance que le conducirá al éxito. Amor: demostrará interés por el bienestar de la relación tomando iniciativas divertidas.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: los indicadores mostrarán un fuerte progreso en negocios o proyectos. Amor: la pareja favorecerá el acercamiento de amigos que han tomado distancia.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: un trabajo de precisión bien hecho recibirá fuertes elogios del entorno. Amor: necesitará tener buen ánimo para resolver un conflicto que cree resuelto.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: el proyecto más ignorado será el apropiado para un negocio. Amor: tendrá actitudes que llamarán la atención en la pareja y sus motivos sorprenderán.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: verá señales que indicarán que va por el camino hacia el éxito. Amor: aparecerá alguien del pasado que insiste con temas que ya han quedado en el olvido.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: mostrará al entorno que si aplica sus ideas todo resultará bien. Amor: a pesar de algunas diferencias, la armonía no será afectada y el entusiasmo crecerá.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: momento para probar suerte en una actividad diferente y será positivo. Amor: la relación pasará por cierto estancamiento pero tomará iniciativas originales.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: resolverá errores e introduce novedades y las cosas comenzarán a mejorar. Amor: dejará atrás relaciones del pasado y hallará a alguien para un romance estable.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: CAPAZ DE PERCIBIR LOS SENTIMIENTOS MÁS SUTILES DE LAS PERSONAS QUE LE RODEAN.

“Soy Luna Tour, El último show” no será solo la despedida de una serie que marcó a toda una generación. Para Karol Sevilla también significará cerrar la puerta de un personaje que la acompañó durante una década, la hizo crecer frente a millones de espectadores y terminó mezclándose, inevitablemente, con su propia historia. Luna se despide sobre los patines; Karol, en cambio, sigue avanzando. Y sus sueños ahora apuntan más lejos: quiere conquistar la música, el cine y algún día tener entre las manos un Grammy y un Oscar.

Esta vez, asegura, la despedida parece definitiva, aunque la historia ya le enseñó a no confiar demasiado en esa palabra.

“Sí, la verdad es que sí. A veces digo que ya es el final y no, pero esta vez sí”, reconoce sonriente. “Tengo muchas cosas para mi futuro y para mi carrera, pero ahora estamos concentrados en podernos despedir bien y, sobre todo, despedirme de este personaje que me dio tantas cosas”.

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Vuelta final

“Soy Luna Tour: El Último Show” reunirá nuevamente a parte del elenco original y tendrá una parada el próximo 20 de noviembre de 2026 en Arena 1 Park, en la Costa Verde de San Miguel. Junto a Sevilla estarán Michael Ronda, Ruggero Pasquarelli, Malena Ratner y Gastón Vietto.

El reencuentro ocurre además en un momento especial para la franquicia. En julio se estrenó en Disney+ “Soy Luna: Volver a Rodar”, la cuarta temporada de la producción, que recuperó una historia que parecía haber terminado años atrás y volvió a colocar a sus protagonistas frente a una audiencia que también creció con ellos.

“Yo crecí al mismo tiempo que Luna. Las dos llegamos con 15 años y vivíamos situaciones parecidas: llegar a un nuevo país, estudiar en una nueva escuela. Siento que crecimos juntas”, dice.

Una década después, volver a interpretarla significó reencontrarse con aquella adolescente desde la mujer en la que se convirtió.

“Volver a interpretarla fue reencontrarme con su esencia, que en realidad nunca se fue: esa niña juguetona, soñadora y entusiasta frente a cada reto. Pero esta vez también estaba la Karol adulta”, explica. “Cuando Luna tenía que enfrentar problemas más maduros, ahí ponía un poco de mí. Aunque, la verdad, sigo siendo muy Luna”, reconoce.

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Crecer rápido

“Soy Luna” le dio fama internacional cuando apenas empezaba a descubrir quién quería ser. Llegaron las grabaciones, las giras, los escenarios llenos y también una responsabilidad enorme para una adolescente de 16 años.

“Era una niña, estaba creciendo y aprendiendo. Al mismo tiempo, era el ejemplo a seguir de muchas chicas de mi edad. Crecimos juntas. Era una mochila de responsabilidad que muy pocas personas pueden llevar sin desviarse”, reconoce.

Con los años, aquella experiencia adquirió otro significado. A los 26, Karol prefiere mirar hacia atrás sin castigarse por sus errores y asumirlos como parte de su crecimiento.

“Esta vez no quiero perder los pies de la tierra. Quiero disfrutar y agradecer esta nueva oportunidad de recorrer el mundo con un proyecto y un personaje que me dieron tanto. Aprender de los errores, de los aciertos y, si vuelvo a equivocarme, aprender otra vez”, señala.

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Volver a encontrarse

Hubo un momento en que Karol Sevilla sintió la necesidad de reencontrarse con el escenario y con el amor por su oficio. Parte de ese proceso ocurrió en el Perú.

Su participación en El Circo de la Chola Chabuca (2023), junto a Ernesto Pimentel, la acercó nuevamente a un mundo que conocía desde niña, pero que esta vez pudo vivir desde dentro.

“Si ya admiraba a los artistas de circo, hoy los admiro muchísimo más. Pude conocer de cerca su día a día, las funciones constantes y todo el trabajo que hay detrás. Es enorme, pero también hay un equipo hermoso, una familia”, sostiene.

Las conversaciones con Pimentel también llegaron en un momento clave de su vida.

“Llegó cuando necesitaba reencontrarme conmigo y recuperar el amor por mi arte, por cantar y subir al escenario. Ernesto fue un punto de quiebre muy importante. Me llevo muchos de sus consejos y recuerdos maravillosos. Cada vez que puedo volver al Perú, me doy una escapada porque me encanta”, reconoce.

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Identidad propia

Hoy asegura tener más claro quién es y la mujer que quiere ser.

“Hoy sé mejor quién soy y me siento feliz de haber encontrado una versión de mí con la que me siento plenamente cómoda”.

Sueños intactos

Hay algo, sin embargo, que permanece intacto con el paso de los años. Desde muy joven, Karol Sevilla hablaba de dos grandes sueños: ganar un Grammy por su música y un Oscar como actriz. Lejos de diluirse, esas metas hoy tienen para ella una dirección más concreta.

“Cien por ciento. Siguen siendo mis metas y mis sueños, solo que hoy se han hecho mucho más grandes. Tengo más claro mi camino, sé hacia dónde quiero ir y cuál es mi objetivo. Se viene mi música. Estoy preparando mi propio estilo, mi propio sonido y mis propias letras”, concluye.

Todos tenemos nuestra historia con Cecil B. DeMille (1881-1959). Para la mayoría, nos trae recuerdos de “Los 10 mandamientos”, épica superproducción de enorme éxito que se convirtió en sinónimo de la grandeza de Hollywood como fábrica de sueños y de cuyo estreno se cumplen este año 70 años. El crítico de cine Alberto Servat recuerda la historia propia, que sucedió una tarde cuando su madre fue a recogerlo del colegio. No regresaron a casa, sino que lo llevó a ver el reestreno del filme protagonizado por Charlton Heston como Moisés. “Cuando volvimos, no volví a ser la misma persona. Mi vida cambió para siempre”, recuerda. “Ya entonces me gustaba el cine, pero nunca había visto algo de esas dimensiones. Tanto que, cuando vi unos años después Star Wars, me pareció misia”.

Servat, director cultural del ICPNA, organiza actualmente la retrospectiva “Cecil B. DeMille: American Master”, y edita un volumen homónimo en el que recupera toda la producción del fundador de la Meca del Cine filmada entre 1914 y 1959, desde sus comedias conyugales y sus westerns hasta sus dramas de cáustica crítica social. Para este crítico, hablamos de un genio incomprendido.

—¿Por qué la historia oficial del cine ha castigado la memoria de Cecil B. DeMille?

No sucede solo con la obra de DeMille, sino con casi toda la de los otros cineastas que también hicieron la transición al sonido y de los que hoy solo se recuerdan sus películas sonoras. El cine mudo, con algunas excepciones, es absolutamente desconocido para el gran público. Muchísimo está perdido y es hoy irrecuperable, sea por incendios o porque no se hicieron copias. En el caso de DeMille estamos frente a un caso raro: se trata de una de las carreras más longevas, pues comienza en 1914 y termina en 1959. Al final de su carrera era un hombre muy poderoso que representaba a la institución y era contra quien había que pelear. Y él nunca dio su brazo a torcer. Siguió siendo un republicano y no cambió su estilo de dirección. Prácticamente, para él no existía la evolución del cine; probablemente ya solo veía determinadas películas. Era obvio que se le condenara.

—El típico caso en que los jóvenes cineastas debían matar al padre...

Así es. Él representa el gran patriarcado de Hollywood.

—A DeMille se le vinculó con el ala más conservadora de Hollywood. Pero tu investigación muestra cómo en su cine aparecen mujeres independientes e inconformistas, dueñas de su sexualidad. ¿Qué te sugiere esta contradicción?

Hay varias cosas. DeMille podía ser un hombre de convicciones religiosas muy fuertes, pero también era un vendedor, un hombre formado en Broadway, un hombre que sabía que había que mostrar piernas y desnudos para llamar la atención. Y él lo hacía desde su lugar como esteta. Su formación venía del arte clásico, que debió haber sido su gran inspiración. En sus películas religiosas, él quería mostrar la Biblia como los grandes pintores del pasado, como Doré, Rubens o David.

—En 1913 Cecil B. DeMille viajó a Arizona para filmar su primera película, un western titulado “The Squaw Man”. Pero ni el clima ni el paisaje lo convencieron de quedarse allí y siguió el rumbo del tren hasta llegar a Los Ángeles. Parece la búsqueda de una tierra prometida, una historia de “Los diez mandamientos”...

Bueno, DeMille era un gran fabulista y él pudo inventarse esa historia en su autobiografía. ¡Todo el mundo la da por cierta, aunque nadie la ha comprobado al 100%!

—Pareciera que DeMille tuviera una visión de sí mismo mesiánica, como su Moisés.

Él se ve como el gran patriarca. Además, él se fotografiaba a sí mismo, aparecía en los tráilers de sus películas, invitaba a la gente a verlas. En “Los diez mandamientos”, su última película, él hace una introducción al comienzo del filme que no aparece en las copias para televisión. Pero en el cine aparece ante la cámara presentando la película y dejándote bien en claro que es su interpretación de lo que es un mundo dominado por el poder absoluto y cómo la gente libre se puede rebelar contra eso. Él está hablando de la Guerra Fría.

—DeMille podría ser un ejemplo de patriarcado, pero también es un hombre que le da muchísimo espacio a las mujeres con las que trabaja. Incluso su guionista lo acompañará a lo largo de toda su carrera. ¿Cuán importante es la perspectiva femenina en su trabajo?

Él tuvo una madre muy independiente, que cuando murió su marido se encargó inmediatamente de su familia, primero dirigiendo un colegio de niñas y luego como agente de actores teatrales en Broadway. Se casa con otra mujer fuerte —a la que relega al papel de ama de casa—, pero deposita su confianza en sus secretarias y en su guionista. Ahí puedes ver ese punto de vista de mujeres independientes, personajes que no son ni vírgenes ni pecadoras. Son mujeres que pueden equivocarse, pero son siempre responsables de sus actos. Una visión de la mujer diferente a la de otros directores. Para DeMille prácticamente no existen las mujeres débiles. Esto lo ves en todas sus películas, unas más, unas menos, incluso en “Los diez mandamientos”, su última película: Moisés está rodeado de mujeres; tiene dos madres, una esposa y una princesa como Nefertiti capaz de dar la vida por él. Es indiscutible que DeMille ve a la mujer como un personaje importantísimo dentro de la sociedad y del desarrollo de la historia.

—¿Qué buscaba o exigía DeMille a sus actrices en sus películas?

Cuando DeMille entró a trabajar con Mary Pickford, ella era la mujer más poderosa de su tiempo, una productora que tuvo el control de su carrera desde muy joven. Y no se llevaron bien, aunque tampoco mal. Colaboran en dos películas y luego cada uno sigue su carrera. Se llevará mejor con Geraldine Farrar, una soprano que llegó a Hollywood sin saber nada de cine y a quien él instruye en todo, siendo ella muy receptiva. Pero cuando encuentra a Gloria Swanson, ella será su Galatea. Crea un personaje tan grande que se le escapa. Swanson reinó en el cine mudo y comenzó bien en el cine sonoro, hasta que se dio cuenta de que sus días en el cine estaban contados y se mudó a Broadway. Luego tuvo una serie de negocios que la hicieron muy famosa en el tema de la salud, recordándosele como una de las primeras vegetarianas; era la Jane Fonda de su tiempo. DeMille lo que buscaba de las mujeres no era sumisión, sino que captaran la visión que él tenía de lo que ellas debían ser como estrellas y actrices.

—Hijo de un padre religioso al que le gustaba el teatro y de una actriz devenida en agente teatral. En el caso de DeMille, es notable la coherencia entre sus influencias tempranas y su trabajo cinematográfico...

Coherente para un hombre de convicciones religiosas muy fuertes que es a la vez un gran empresario que no está dispuesto a perder.

—Citas al crítico francés Jean François Rauger que lo llama “el puritano libertino”...

Claro, eso es él. Creo que es la mejor descripción que he encontrado de Cecil B. DeMille. Los franceses siempre han sabido descubrir antes que nadie a estos grandes artistas del cine. Lo hicieron con John Ford, Raoul Walsh, Alfred Hitchcock, directores muy identificados con un género. DeMille, salvo lo espectacular, como dice Isaac León, es difícil de clasificar. Sus westerns no son westerns; son películas medio históricas y de aventuras, con personajes que parecieran no querer estar en la película. Steven Spielberg le hizo un lindo homenaje en Los Fabelman, cuando va al cine para ver El espectáculo más grande del mundo y reproduce este filme en su vida y en sus juegos.

—¿Crees que Spielberg es el único cineasta comparable con Cecil B. DeMille?

Como señala el crítico español Jaime Iglesias, hoy Spielberg, como lo fue DeMille, es el gran dueño de la tradición, el patriarca. Lo que pasa es que Spielberg pertenece a otra época y tuvo la sensibilidad para ir transformando su obra. Su condición de judío que filmó La lista de Schindler le ganó una aceptación. Por el contrario, DeMille no se supo transformar.

—Hablamos de un cineasta que intentó cuestionar una sociedad en medio de la crisis por la Gran Depresión…

Lo que hace DeMille es reflejar los cambios que suceden en la época: cómo la gente se vuelve cínica, cómo se habla de sexo y dinero. En “Dinamita”, por ejemplo, hay unos diálogos tremendos, que van más allá del cinismo, donde la protagonista pretende pagar para que se divorcie y el exmarido se pueda casar con ella. La otra mujer acepta y negocian como si estuvieran comprando carteras. Eso tiene que haber disgustado a alguna gente de la época y haber divertido a muchos otros. DeMille no busca la reflexión intelectual; lo que hace es reflejar lo que sucedía, juntando en sus guiones muchas historias que sacaba de los periódicos.

—¿Cómo supo DeMille adaptarse al cine sonoro y a la llegada del color?

Desde el comienzo de su carrera, DeMille no le tiene miedo a los cambios técnicos, a la tecnología. Y por eso sobrevive al sonido y al color. Cuando descubre el color, nunca más lo volvió a soltar. Y cuando aparece la pantalla ancha, el VistaVision, la utiliza. Una de las maneras de sobrevivir en la industria es vivir sin temor a los avances tecnológicos. Y si tuvo algún miedo, no lo evidenció.

—Solo un director que supo leer tan bien su época pudo haber aceptado participar en una película como Sunset Boulevard, haciendo casi de sí mismo y reencontrándose con Gloria Swanson. Es una especie de tributo al cine de los grandes estudios que él creó y que entonces desaparecía...

Cuando DeMille acepta interpretar su papel en Sunset Boulevard, un filme que habla de la decadencia de las grandes estrellas del pasado incapaces de adaptarse al presente, él aparece incólume, perfecto, dueño de sí mismo. En la película, él aparece con una enorme dignidad, en pleno uso de sus facultades, dueño de su rodaje. Seguía exactamente igual que cuando Gloria Swanson era joven. Y es ella la que interpreta a la diva enloquecida. Él debió haber aceptado el papel porque el guion era muy complaciente con él, mostrándolo como el gran director que era. Me imagino que él debió haberse dado cuenta del inminente declive de los estudios, pero murió justo cuando esto estaba a punto de suceder.

Tras una carrera que la llevó de América Televisión a Telemundo, Azteca y Sony, y de producciones como “Buscando a Frida” y “La Reina del Sur” a nuevos proyectos para plataformas, Ximena Cantuarias mira nuevamente hacia el país donde comenzó todo. Después de más de tres décadas de trayectoria, tiene un propósito distinto: ayudar a que el Perú se convierta en un polo de producción audiovisual en Latinoamérica.

“Lo mucho o lo poco que tenía que hacer, siento que ya lo hice. He tenido grandes oportunidades y experiencias increíbles a lo largo de mi carrera. Ahora quiero compartir parte de lo aprendido, apoyar a las nuevas generaciones y aportar también a mi país”, asegura la productora.

Primeros pasos

Cuando trabajaba en América Televisión, Cantuarias era la mano derecha de Marisol Crousillat. Por esos años, “Laura en América” comenzó a venderse a Telemundo y ella acompañaba a Laura Bozzo en sus viajes promocionales. Fue así como los ejecutivos de la cadena estadounidense empezaron a conocerla.

“Laura tiene un carácter muy explosivo, pero logré tener con ella una relación de mucho respeto y cariño. Empecé a viajar mucho con ella y entonces los ejecutivos de Telemundo me conocieron”, recuerda.

A finales del 2000, cuando Telemundo adquirió los derechos del programa, llegó una propuesta que cambiaría el rumbo de su carrera.

“Me dijeron: ‘Tú conoces mejor que nadie a Laura y entiendes de gerencia. Encárgate de la compañía que queremos crear en Perú para producir el programa’”.

Cantuarias se convirtió así en pieza clave de Telemundo en el país. Le tocó levantar la operación desde cero: montar la empresa, contratar personal y reunir a un equipo numeroso.

“Creamos la compañía, implementamos todo y nos trajimos a más de cien personas de América TV”, cuenta.

Un año después, la situación cambió por completo. En julio de 2002, Laura Bozzo quedó bajo arresto domiciliario y la producción entró en una etapa marcada por la incertidumbre. “Fueron tres años muy duros, muy complicados”, señala.

Paradójicamente, aquella crisis terminó preparándola para el siguiente desafío. Cuando Telemundo comenzó a desarrollar sus estudios de ficción en Miami, le propusieron trasladarse para ayudar a estructurar los equipos y procesos de producción.

Cantuarias decidió prepararse para asumir este nuevo reto. Hizo un diplomado, pasó por Telemundo y NBC en Los Ángeles para conocer sus procesos y luego se instaló en Miami, donde trabajó en la organización de los nuevos estudios.

Poco después apareció otro destino: México. En 2007 se mudó para participar en la apertura de los estudios de producción de Telemundo. Dos años después, la crisis económica en Estados Unidos llevó a la compañía a cerrar la operación mexicana y pedirle que regresara a Miami. Pero ella decidió quedarse.

“Renuncié a Telemundo, negocié mi salida y me salí a producir”, recuerda.

Nuevos caminos

En esa nueva etapa se cruzó con Gian Marco, a quien conocía desde sus primeros años en la industria musical. El cantante preparaba su primer concierto en vivo en el Lunario del Auditorio Nacional de México y se quedó durante más de un mes en casa de Cantuarias.

Ella, junto a un director que era también su socio y amigo, grabó el espectáculo. El mánager de Gian Marco se encargó del audio y el proyecto se convirtió en “Gian Marco en vivo desde el Lunario”.

“Ese año fuimos nominados al Grammy”, recuerda sonriente.

Después vendrían cinco años en TV Azteca, donde produjo telenovelas y unitarios como “Lo que callamos las mujeres” y “Cada quien su santo”. En 2015 dejó la televisora y recibió una propuesta de Sony.

Primero llegó como productora ejecutiva de “Blue Demon”, la serie inspirada en el célebre luchador mexicano. Luego produjo la primera temporada de “Rosario Tijeras”, con Bárbara de Regil, y terminó siendo nombrada directora de Producción de Sony.

En 2017, Telemundo volvió a tocar su puerta. “Me ofrecieron regresar con una vicepresidencia y regresé”, rememora.

Vendrían Jugar con fuego”, con Jason Day y Margarita Rosa de Francisco, “Enemigo íntimo” y “El Barón”, entre otras producciones.

Y entonces llegó la pandemia. En marzo de 2020, uno de los proyectos que preparaban quedó detenido. Meses después, la preocupación ya no era únicamente cuándo podrían volver a grabar. Decenas de técnicos y trabajadores independientes se habían quedado sin ingresos.

“Mi jefe me dijo: ‘La gente está muy preocupada. Los freelancers, todo el equipo técnico, no están recibiendo un solo centavo’”.

Esa situación los llevó a retomar el trabajo, y entre julio y diciembre de ese año produjeron “Buscando a Frida” bajo las restricciones que imponía la emergencia sanitaria. La serie terminaría ganando un Emmy Internacional.

“Fue un reto increíble. Es uno de los proyectos que más quiero porque fue como hacer una familia. Fue muy duro, pero muy satisfactorio”, recuerda.

Perú en pantalla

Poco después ocurrió uno de los episodios que explican por qué, tantos años después de haber salido del país, Cantuarias vuelve a mirar hacia el Perú.

A fines de 2020 viajó a Lima para visitar a sus padres. Estando aquí recibió noticias de la tercera temporada de “La reina del sur”. Cuando Marcos Santana, entonces presidente de Telemundo Global Studios, le mostró en un PowerPoint las locaciones contempladas para la historia, reparó inmediatamente en una ausencia.

“Cuando vi que Perú no estaba, pregunté por qué. Me dijeron que no habían podido grabar en Machu Picchu y respondí: ‘A ti no te dejaron; déjame a mí’. Entonces me dijeron: ‘Si consigues Machu Picchu, ponemos Perú en el radar’”.

Ximena hizo las gestiones y lo consiguió. Después del scouting en Cusco llegó una segunda sorpresa.

“Pasamos por Lima y mi jefe me dijo: ‘Vamos a incluir Lima en los guiones’. Así fue como entró Lima”.

El equipo grabó cinco días en Cusco y Machu Picchu y cuatro en Lima. Nueve días de rodaje en territorio peruano terminaron convirtiéndose en material para alrededor de veinte capítulos. Los interiores se recrearon después en Colombia, adonde también viajaron actores peruanos.

Pero la mayor satisfacción para Cantuarias no fue únicamente conseguir que Machu Picchu y Lima aparecieran en una producción internacional. Fue comprobar la respuesta de los profesionales peruanos.

“Cuando hicimos el casting estaban muy impresionados con el nivel actoral que teníamos aquí”, recuerda orgullosa.

La misma impresión produjo el equipo técnico y de producción contratado durante el rodaje.

“Mi jefe me decía que, de todos los países, el que más le había llamado la atención por su personal técnico y de producción había sido Perú. El nivel de profesionalismo, las ganas y el entusiasmo por aprender eran impresionantes. Desde ahí me quedé con las ganas de hacer algo en Perú”, confiesa.

Otra etapa

En octubre de 2024 decidió cerrar su ciclo en Telemundo. Era vicepresidenta senior de Producción y llevaba años viviendo entre aeropuertos, hoteles y sets. La maternidad también había cambiado su manera de mirar la carrera.

“Viajaba prácticamente una semana sí y una semana no y era muy pesado. Me propusieron volver a Miami, pero dije que no: mi vida estaba en México, con mi familia. Yo hice todo al revés; primero crecí profesionalmente y después decidí ser mamá” , detalla.

Cambio de prioridades

Pero dejar Telemundo no significó dejar de producir. Se asoció con Valeria Martino, quien había sido su mano derecha, y fundaron South Way Productions, una compañía dedicada al desarrollo, producción y distribución de contenido de ficción para audiencias globales. También continúa desarrollando proyectos junto al productor Rafa Uriarte. Uno de sus trabajos recientes fue el servicio de producción en México para la nueva temporada de “Soy Luna”.

Compartir experiencia

En esta nueva etapa también impulsa laboratorios audiovisuales de actuación, cinematografía, dirección y producción ejecutiva. La intención es compartir aquello que aprendió durante décadas dentro de grandes compañías y demostrar que hoy la tecnología permite producir con herramientas que antes parecían impensables.

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“Un iPhone te graba en 4K, 8K sin ningún problema. El problema no es la calidad, el problema es la creatividad. Si tú tienes un buen guion, con lo que lo grabes puede ser un gran éxito”.

Después de años de trabajo en México y Colombia, Cantuarias ha identificado qué hace atractivo a un país para las grandes producciones: incentivos, profesionales capacitados, infraestructura y una industria preparada para crecer.

“Después de 30 años de carrera y 20 años fuera de mi país, siento que tengo la necesidad y el deseo de empujar, apoyar y fomentar que el Perú pueda estar al nivel de otros países de Latinoamérica”, afirma.

No idealiza el escenario. Reconoce que aún faltan inversión, incentivos y una visión de largo plazo. También cuestiona la idea, instalada durante años en el país, de que la ficción no es rentable y advierte que muchos contenidos han quedado demasiado sujetos a códigos locales.

Como ejemplo menciona “Al fondo hay sitio”, una serie que conoce de cerca: durante su paso por Sony recibió sus guiones cuando se evaluaba una posible adaptación. Para Cantuarias, su premisa —el choque entre ricos y pobres— es universal, aunque el humor y muchas de sus referencias están profundamente ligados a códigos muy peruanos.

“No es que no sea exitosísimo, nadie se lo quita”, aclara. Pero considera que, tal como está concebido, está pensado esencialmente para un público que conoce esos códigos.

Sueño pendiente

Cantuarias espera seguir trabajando otros quince o veinte años. Pero ya no quiere hacerlo con el mismo vértigo de antes, saltando durante meses entre seis países y viviendo permanentemente con “la adrenalina a un millón”. Quiere mirar la producción desde otro lugar. Y, si puede elegir, hacerlo desde Perú.

Aquí siguen viviendo sus padres, de 90 y casi 88 años. Aquí empezó su carrera. Y aquí quisiera que comenzara también una nueva etapa.

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Pantalla grande

Tiene incluso una película pendiente desde hace ocho años. Está basada en “Segundo tiempo”, un libro de su exesposo peruano que cuenta el divorcio de unos padres desde la mirada de un niño. Nunca ha producido cine y sueña con que esa sea su primera película. Y que se haga aquí.

Pero cuando se le pregunta qué sueño le falta cumplir, su respuesta ya no gira alrededor de una película, un cargo o una gran plataforma.

“Mi sueño es volver a mi país para crear producción, impulsar la industria y poner al Perú en el mapa audiovisual de Latinoamérica. Tenemos que unirnos para convertirlo en un hub de producción”, subraya.

La descripción más conocida y sintética que tenemos de Robin Hood se resume en aquella frase de que “robaba a los ricos para dar a los pobres”. También en su imagen de diestro arquero, de luchador por la justicia social, de rebelde sin causa que se enfrentó a los poderosos. Pero su origen en viejas leyendas medievales sería mucho menos romántico que ese estereotipo: teniendo en cuenta el contexto de la época y volviendo a las fuentes originales (baladas y tradiciones orales), es más probable que el personaje haya sido un forajido violento y sanguinario, que acumulaba víctimas como flechas en el carcaj.

La versión que nos muestra la película “La muerte de Robin Hood” se acerca más a dicha idea. Los primeros minutos de la cinta ya son suficientemente salvajes y brutales para entender que no veremos a un héroe prototípico. Aquí hay masacres, asesinatos sin clemencia, escenas sádicas y destrucción por doquier. Pero pronto la película cambia su tono para centrarse en un Robin avejentado y decadente. El australiano Hugh Jackman –con desordenada cabellera y barba cana– es el encargado de interpretar a esta figura en sus últimos días de vida. Aquí no hay ‘spoilers’, el título lo dice todo.

Héroe golpeado

Dirige la película el estadounidense Michael Sarnoski (“Pig”, “Un lugar en silencio: día uno”), quien en conversación con Somos explicó las razones para elegir a Jackman como protagonista: “Creo que todos hemos visto a Hugh en ‘Logan’ y sabemos que tiene ese lado muy agresivo y violento”, dice en referencia a la cinta donde interpreta a Wolverine, el mutante de “X-Men” también en el ocaso de su existencia. “Pero creo que lo que lo hace realmente especial es su personalidad afilada, inteligente, y que posea una bondad y una calidez muy profundas. Puede ser duro, pero posee una luz que brilla desde muy dentro de él”, agrega el cineasta.

En “La muerte de Robin Hood”, Jackman encarna al héroe en el momento en que, muy golpeado y menoscabado tras una vida agitada, se interna en una suerte de convento dirigido por la hermana Brígida (Jodie Comer). Este último personaje es particularmente importante para darle equilibrio a la historia. “Me inspiré ligeramente en Hildegarda de Bingen, una monja alemana del siglo XII que fue también doctora, compositora, teóloga. Sabía que ese personaje femenino debía ser una contraparte a la amargura y brutalidad de Robin”, señala Sarnoski.

De Disney al cine de autor

Las representaciones de Robin Hood en el cine son múltiples y muy variadas (ver la imagen superior a este párrafo). Pero cuando le consultamos a Sarnoski si alguna película fue especialmente inspiradora para su retrato oscuro y desolador, su respuesta fue la menos esperada. “La primera película que vi junto a todo el equipo de la película fue la versión animada de Disney”, dice en referencia al clásico de 1973 con el astuto zorrito como Robin. “Quizá suene un poco tonto, pero creo que es mi principal referencia formativa y me resultó muy útil. Es una película que contribuyó mucho a nuestro entendimiento cultural del personaje. Desde niños la vemos sin cuestionarnos muchas cosas, y eso me hizo querer regresar a ella”.

Sarnoski cuenta también que, hasta la fecha, no ha querido ver la cinta con Sean Connery y Audrey Hepburn “Robin y Marian” –“sé que explora temas similares a mi película así que no quería verme influenciado”, confiesa–; pero sí menciona algunas otras películas que le han servido de inspiración, entre ellas “El manantial de la doncella” (1960) de Ingmar Bergman o “Valhalla Rising” (2009) de Nicolas Winding Refn. “También me gusta decir que ‘La muerte de Robin Hood’ es una película que comienza como ‘The Revenant’ y termina como ‘El hilo fantasma’”, agrega con ironía.

Más allá de su temática, este nuevo acercamiento a Robin Hood destaca por el estilo y la puesta en escena. Filmada en locaciones al norte de Irlanda, resalta su fotografía de grandes paisajes abiertos, de una naturaleza que se cierne implacable sobre sus habitantes. “Aprovechamos mucho las áreas montañosas y los escenarios costeros para que reflejaran la propia transición emocional del personaje. Tratamos de no restringirnos demasiado a lo que marcaba el guion y más bien dejarnos llevar por lo que nos decía el paisaje”, agrega Sarnoski.

Una película de verdad

Tras grabar en 2024 “Un lugar en silencio: día uno” con un gran estudio como Paramount, la apuesta de Sarnoski con “La muerte de Robin Hood” (de la casa independiente A24) es más bien la de un proyecto de autor. “Quería hacer una película en una escala que se sintiera más responsable –admite el director–. Veo en muchas grandes películas demasiado gasto y desperdicio, y estaba seguro de que, si éramos más inteligentes, podíamos hacer mucho y con menos dinero. Así que aposté por reunir a un equipo en el que confío, a productores con los que tengo buena relación, y construir así una familia alrededor de la película. Sentí mucha más libertad”.

Una ética de trabajo que se percibe claramente en “La muerte de Robin Hood”: película alejada de los clichés, con ritmo propio, que parece una respuesta directa al avasallamiento contemporáneo del cine de superhéroes. Y que confirma las virtudes de un cineasta que seguramente seguirá dando que hablar. No hay que perderlo de vista. //

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: no tendrá dudas respecto de cómo alcanzar sus metas y encarar otros desafíos. Amor: cierta actitud de terceros llevará a la pareja a confusiones o malentendidos.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: un cambio sobre la marcha provocará tensiones pero habrá beneficios. Amor: momento para hacer las cosas sin apuro, reflexionando paso a paso y escuchar.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: momento favorable para emprender una actividad independiente. Amor: detectará señales o gestos de alguien agradable pero no sabrá interpretarlas.

CANCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: surgirán un proyecto que no comenzará bien pero en actividad crecerá. Amor: los conflictos que aquejan a la pareja se disiparán y la calidez que se ha ido, volverá.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: momento para iniciar reparaciones o cambios de diseño. Resultados positivos. Amor: su encanto estará irresistible y generará sentimientos que agradarán a una persona.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: un nuevo proyecto exigirá de todo su talento o habilidad especial. Amor: olvidará una fecha importante para la pareja pero lo compensará de un modo ingenioso.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: buen momento para ocuparse de los pequeños detalles que importan. Amor: llegará la ocasión para expresar todo ese afecto que guarda en el corazón.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: el rumbo se mantiene firme y comienzan a llegar los beneficios. Amor: la buena comunicación disolverá la distancia y renovará la calidez de la pareja.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: tomará una brillante iniciativa que creará novedades. Amor: aunque aparezcan dudas, la relación estará firme y dejará atrás la inseguridad.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: las dificultades estimularán su talento para alcanzar metas. Amor: se instalará en la relación un clima de calidez y armonía que disipará los rencores.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: un pequeño cambio será la clave para avanzar hacia metas más altas. Amor: se reunirá con alguien de gran atractivo pero tendrá un rasgo que no le resulta claro.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: se terminará trámites o gestiones engorrosas y las cosas avanzarán. Amor: la dulce expresión del afecto renovará los lazos, calidez y armonía en la pareja.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: POCO CRÉDULA DE LO QUE DICE Y SIENTE LA GENTE. SUFRE MUCHO LOS DESENCANTOS.

El dúo mexicano Ha*Ash volverá a Lima para reencontrarse con sus seguidores en un concierto cargado de romanticismo, nostalgia y sus principales éxitos. Hanna y Ashley se presentarán el 5 de marzo de 2027 en Costa 21, como parte de su gira internacional “No Me Hablen de Amor”. La venta de entradas será a través de Teleticket.

El espectáculo contará con una producción renovada, pero conservará la esencia que ha acompañado la carrera del dúo: canciones sobre el amor, el desamor y las distintas etapas de las relaciones. Entre los temas que forman parte de su repertorio destacan “Lo aprendí de ti”, “Perdón, perdón”, “Te dejo en libertad” y “100 años”.

La presentación en Lima forma parte de una extensa gira por Latinoamérica. Las hermanas mexicanas también llevarán su espectáculo a países como Nicaragua, Costa Rica, Honduras, El Salvador, Guatemala, Ecuador, Argentina y Uruguay.

Ha pasado poco más de un año desde la última visita de Ha*Ash al Perú. Ahora, Hanna y Ashley volverán a encontrarse con un público que ha acompañado su trayectoria y que, de acuerdo con el anuncio del concierto, ocupa un lugar especial para las artistas.

La expectativa también llega en un momento de nuevos lanzamientos para el dúo. Su canción “Te apuesto” ha superado los 60 millones de reproducciones en YouTube, una cifra que confirma la vigencia de su propuesta musical y su conexión con nuevas generaciones de seguidores.

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Con una combinación de sus canciones más conocidas y material reciente, Ha*Ash prepara así su regreso a Lima. La cita será el 5 de marzo de 2027 en Costa 21, mientras que la preventa estará disponible este 27 y 28 de agosto en Teleticket, con hasta 15% de descuento pagando con tarjetas Interbank.

Kit Harington, reconocido mundialmente por interpretar a ‘Jon Snow’ en “Game of Thrones”, fue elegido para dar vida a ‘Gilderoy Lockhart’ en la segunda temporada de “Harry Potter”, en reemplazo de Nicholas Hoult, quien había sido anunciado recientemente para el mismo personaje.

La salida de Nicholas Hoult estaría relacionada con problemas de agenda. El actor tiene otros compromisos profesionales, entre ellos su regreso como ‘Lex Luthor’ en “Superman: Man of Tomorrow”, prevista para 2027, lo que habría obligado a reorganizar sus proyectos y su disponibilidad para el rodaje.

La incorporación de Harington se producirá en una etapa posterior de la historia, ya que la segunda temporada de “Harry Potter” estará basada en “Harry Potter y la cámara de los secretos”, el segundo libro de la saga escrita por J.K. Rowling. En esa entrega, ‘Gilderoy Lockhart’ llega a Hogwarts para ocupar el puesto de profesor de Defensa Contra las Artes Oscuras.

Para Kit Harington, esta no será la primera vez que interprete a ‘Gilderoy Lockhart’. A finales de 2025, el actor prestó su voz al personaje para los audiolibros de “Harry Potter” producidos por Audible, una experiencia que ahora le permitirá retomar el papel frente a las cámaras en la adaptación televisiva de HBO.

En una entrevista concedida a Variety, Harington contó que conocía los libros de “Harry Potter” desde su infancia y explicó por qué aceptó interpretar a Lockhart. “Fue un sí rotundo, porque me encanta el personaje. En cuanto a cameos en una serie, no hay muchos personajes más entretenidos y divertidos de interpretar que Gilderoy Lockhart. Fue una decisión obvia”, afirmó el actor.

La nueva versión televisiva del personaje tendrá como antecedente la interpretación de Kenneth Branagh, quien encarnó a ‘Gilderoy Lockhart’ en la película “Harry Potter y la cámara secreta”, estrenada en 2002. La serie de HBO buscará desarrollar con mayor amplitud los acontecimientos de los libros a lo largo de varias temporadas.

La segunda temporada de Harry Potter comenzará su producción este otoño. Antes de su llegada, HBO y HBO Max estrenarán la primera temporada el 25 de diciembre de 2025. “Nuestro objetivo es no tener un gran intervalo, especialmente porque los niños están creciendo. No será anual; el programa es demasiado grande y demasiado masivo, pero… ya están escribiendo la segunda temporada”, dijo el CEO de la cadena, Casey Bloys, durante una entrevista con The Times of London.

Cabe recordar que el 25 de marzo, HBO lanzó el primer tráiler oficial de la serie, un día después de revelar la primera fotografía de Dominic McLaughlin interpretando a ‘Harry Potter’ con su túnica de Quidditch de Gryffindor.

La productora de teatro La Patriota se complace en anunciar la temporada de la comedia contemporánea “Una muerte light”, dirigida por Carlos La Rosa y Javier Guerrero. La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Roni Ramírez, Daniel Cano, Brian Cano y Valquiria Che-Piú, quienes darán vida a un frenético enredo de oficina por tres únicas funciones.

“Una muerte light” convierte la crisis corporativa en un espectáculo cargado de humor negro y suspenso. La historia arranca con un hecho insólito y trágico a la vez: un viejo empleado fallece misteriosamente en el baño de la oficina, exactamente el mismo día en que la compañía es absorbida y se desata un despido masivo.

Entre sospechas, pánico y divertidos diálogos, dos oficinistas al borde del colapso, un guardia de seguridad intrigante y una implacable gerenta general intentarán ocultar y descifrar la verdad detrás del incidente. Así, la obra revelará temas tan actuales como necesarios: el estrés desmedido, la ansiedad y la absurda presión de la vida laboral moderna.

Cabe destacar que la propuesta ha sido reconocida por su calidad artística y académica, siendo ganadora del Concurso Anual de Creación CAP 2025 y del Apoyo a la Creación Docente DARES 2026 de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP).

Para cualquier persona que supere los 30 años, asomarse hoy a la sección de comentarios de TikTok, Instagram o X puede sentirse como intentar descifrar un idioma extranjero sin traductor a mano. Lo que a primera vista parece una secuencia aleatoria de palabras o chistes sin sentido, en realidad, es un ecosistema lingüístico y social perfectamente codificado por la Generación Z, un grupo que representa más del 30% de la población mundial, según estudios de Bloomberg y Kearney, respaldados por proyecciones de la ONU, y que se caracteriza por un consumo de información acelerado e hiperpersonalizado donde el humor irónico es lo más importante.

La velocidad de sus fenómenos es tal que instituciones centenarias han tomado nota, el prestigioso Oxford English Dictionary e iniciativas de la Fundación del Español Urgente (FundéuRAE) rastrean e incorporan este lexicón digital en sus radares. A diferencia de jergas pasadas, estas palabras nacen en una noche, se globalizan en días y mutan constantemente. La brecha generacional ya no se mide en gustos musicales, sino en la capacidad de interpretar el algoritmo.

¿Qué es Farmear aura?

Uno de los conceptos más extendidos en la conversación juvenil estas últimas semans es el de “farmear aura”. El término proviene directamente de la cultura del gaming, donde farmear describe la acción repetitiva para acumular recursos o experiencia dentro de un videojuego.

Llevado a la vida cotidiana, “farmear aura” implica realizar acciones, adoptar actitudes o mantener una compostura imperturbable ante situaciones complejas para acumular reputación o carisma (los llamados “puntos de aura”). Si alguien resuelve un problema con elegancia sin perder la calma, está farmeando aura. Por el contrario, tropezar en público o intentar impresionar sin éxito resta puntos.

El fenómeno escaló a tal nivel que trascendió la pantalla para convertirse en un espectáculo en vivo: tras masivas convocatorias en Argentina y Brasil, el concepto dio el salto a Europa con eventos como las primeras “Batallas de Aura”, donde cientos de jóvenes se reúnen en plazas públicas para batirse en duelos visuales, demostraciones de estilo y posturas imponentes frente a jurados improvisados. Perú no ha sido la excepción, y las redes sociales estallan en clips de escenas de reconocidos personas que “farmeaban aura” sin saberlo, en cuanto a las convocatorias, las primeras se han realizado en el Parque Kennedy (Miraflores).

Además, hace unos días el Museo Metropolitano de Lima fue escenario del concurso “farmear aura”, una actividad que reunió a jóvenes de varios distritos, el evento generó curiosidad entre los asistentes y llamó la atención por el uso de este término, popularizado en redes sociales.

Es preciso mencionar que hay canciones específicas para acompañar los videos de farmear aura como Metamorphosis de INTERWORLD, After Dark de Mr.Kitty, Aura de Ogryzek y Polozhenie.

@kember6420 Yo gane pz #viral #fyp #batalladeaura #farmeandoaura #viral ♬ Original Sound - TikTok Advertiser

La era de los “concursos de clones” y eventos masivos

Aunque gran parte de estos códigos nacen en la virtualidad, la Generación Z demostró una capacidad inédita para trasladar el absurdo digital al mundo físico mediante los Lookalike Contests o “concursos de clones”.

Lo que comenzó en Nueva York como una convocatoria informal para buscar al doble del actor Timothée Chalamet se transformó en una tendencia global replicada en capitales de todo el mundo. De pronto, cientos de jóvenes se convocan en parques públicos para premiar al mejor parecido de celebridades. Un claro ejemplo de esta apropiación territorial ocurrió en Bogotá, donde los usuarios armaron una convocatoria viral para encontrar al “doble” de la versión juvenil del ex candidato presidencial Iván Cepeda tras viralizarse fotos de su juventud. Estos encuentros no buscan la precisión; el verdadero incentivo es la convivencia presencial, la ironía compartida y el valor de formar parte de la creación de un meme en vivo.

@inkomodas_ SE VIENE REPORTAJE COMPLETO #elecciones2026 #ivancepeda #mujeres #colombia #melajuegoporlavida ♬ Get Ready - Steve Aoki Vocal Radio Edit - 2 Unlimited

¿Qué es el movimiento ‘Therian’?

Dentro de esta vasta red de subculturas emergentes, el movimiento Therian (o teriantropía) captó la atención de sociólogos y antropólogos urbanos. Se trata de jóvenes que afirman sentir una conexión profunda, espiritual o psicológica con animales no humanos.

A través de plataformas como TikTok, los therians comparten videos luciendo máscaras artesanales, colas sintéticas y practicando quadrobics, una disciplina deportiva no oficial que consiste en imitar los desplazamientos, saltos y trotes atléticos de felinos o cánidos a cuatro patas. Más allá de las miradas de desconcierto de los transeúntes en los parques, para la Generación Z este fenómeno representa una forma de exploración identitaria, sentido de pertenencia y expresión artística en una era sobreexpuesta a la norma social.

¿Y el ‘Six Seven’ que llegó hasta el Vaticano?

La velocidad de estas tendencias es tal que las estructuras de poder tradicional intentan subirse a la ola para no perder relevancia como la viralización de muletillas absurdas como ‘Six Seven’, una frase rítmica y sin significado conceptual directo que inundó las redes sociales como un chiste de repetición e identificación colectiva.

El fenómeno alcanzó un punto insólito cuando creadores de contenido, marcas multinacionales e incluso estrategias de comunicación institucional, comenzaron a hacer alusión a esta muletilla, tal como lo hizo el Papa León XIV durante su visita a España. Este cruce entre la solemnidad institucional y el humor absurdo de internet refleja una verdad ineludible: para conectar con las audiencias menores de 25 años, el poder debe aprender a hablar su mismo idioma, aunque no lo comprenda del todo.

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En ese sentido y luego de revisar todas las tendencias, entender a la Generación Z no requiere memorizar cada término antes de que caduque en el algoritmo, sino comprender el cambio de paradigma. Frente al estrés financiero, la sobreinformación y la incertidumbre del mundo moderno, los jóvenes responden con ironía, humor absurdo y una constante búsqueda de microcomunidades, no se trata de una falta de sentido, sino de una nueva forma de construir sentido colectivo en la era digital.

La cantante Karol G se sumó este domingo al concierto benéfico “Voces por la Vida”, celebrado en Bogotá para ayudar a las miles de personas afectadas por el terremoto de magnitud 7,4 que sacudió el país el pasado 10 de agosto y donó un millón de dólares a la causa a través de su fundación Con Cora.

La artista paisa se presentó vía ‘streaming’ desde Los Ángeles (EE.UU.) sobre un escenario dispuesto en varios niveles y con una escenografía que evocaba grandes formaciones rocosas, la acompañaba una banda de músicos e inició su participación interpretando su canción “Coleccionando heridas”.

Karol G hizo una pausa en la presentación para dirigirse a los cerca de 40.000 asistentes que llegaron al escenario del Vive Claro y a los espectadores que siguieron el concierto por televisión y plataformas digitales.

“Desde lejos pero mi corazón con ustedes, vinimos a cantar un ratico y a compartir este espacio todos juntos”, dijo la artista, quien invitó a los colombianos a mantener las donaciones para ayudar a los damnificados del terremoto, que deja 329 muertos, 4.592 heridos y 234 desaparecidos.

“No olvides por qué lo estamos haciendo (...) Lo estamos haciendo para seguir ayudando a los otros”, manifestó.

Karol G cerró su presentación con “Milagros”, no sin antes hacer un llamado a convertir la solidaridad expresada durante el concierto en acciones cotidianas de apoyo a quienes atraviesan el proceso de recuperación tras la tragedia.

“Quisiera que no se quedara aquí, quisiera que fuera en la calle, en un gesto de generosidad con alguien, en algo que podamos hacer todos los días por alguien más, por nuestra comunidad”, afirmó.

Entonces Karol ha estado desde el día uno para construcción de viviendas,escuelas y de espacios comunitarios.
Además de eso durante su presentación se sumaron 100MIL dólares y para terminar
Karol G con su fundación hace una donación de 1.2M de dólares 🇨🇴#ColombiaVocesPorLaVida pic.twitter.com/hMEN3RXpHS

— KAROL G COLOMBIA (@ColombiaKarolG) August 24, 2026

La cantante aseguró que el país apenas comienza un proceso de “recuperarse, de reconstruir, de reintegrarse de tantas formas” y expresó su afecto por Colombia, tanto por quienes viven en el país como por los colombianos que están lejos.

“Te amo mucho Colombia, te amo con todo mi corazón, me dueles demasiado”, dijo antes de dedicar “Milagros” a su país, a su gente, a su valentía y a su trabajo inagotable.

Una ciudad también puede contarse desde un cuerpo que baila, desde la memoria de un líder campesino, desde la voz de una mujer que se adelantó a su tiempo o desde la cámara de un adolescente que decide retratar el barrio en el que creció. Durante cuatro días, esas miradas distintas coincidirán en un mismo lugar.

Del 27 al 30 de agosto, el Museo de Arte de Lima (MALI) será escenario de la segunda edición de Escape, festival organizado por el Vicerrectorado de Investigación de la PUCP en alianza con el museo. La propuesta reúne danza contemporánea, teatro, cine, talleres y conversatorios que abordan temas como la memoria, el territorio, la identidad y las tensiones de una ciudad diversa.

Pero detrás de la programación existe también una preocupación concreta: ¿qué ocurre con una obra después de haber sido creada si no encuentra un lugar donde mostrarse?

Para Félix Lossio, jefe de la Oficina de Creación de la PUCP, esa pregunta estuvo en el origen del festival.

“Había mucho contenido desarrollado por los docentes, en algunos casos con otros cocreadores, en algunos casos incorporando estudiantes, pero había pocos espacios de circulación”, explica. El problema, advierte, trasciende a la universidad: “Los espacios de circulación de la cultura son a veces restringidos o inaccesibles”.

Escape nació precisamente para abrir una puerta.

“Lo que queríamos era, por un lado, que los docentes pudieran tener otros espacios de circulación fuera del campus y, por otro, que cualquier persona de nuestra ciudad o del país pueda acceder a estos contenidos”, señala Lossio. De allí también la decisión de ofrecer actividades gratuitas.

Ciudad en movimiento

El primer encuentro será el jueves 27 de agosto, a las 7:30 p.m., con “BABELima”, una obra de danza contemporánea dirigida por Marlon Cabello que observa Lima desde sus contradicciones.

“Investiga y trata sobre la ciudad, sobre Lima, sobre sus tensiones, sobre sus riquezas”, resume Lossio.

La obra cruza tradiciones andinas con lenguajes contemporáneos a través de escenas como La Yunza, Cóndor-Toro y Yawar. Celebración y conflicto, identidad y diversidad conviven sobre el escenario como conviven también, no siempre en armonía, en la propia capital.

La experiencia se ampliará con un taller de movimiento que permitirá al público aproximarse al proceso corporal y creativo que existe detrás de la puesta.

Escape participará además, el viernes 28 de agosto, en la programación de la Noche MALI, con propuestas como la lectura dramatizada Voces que retumban: De regreso al radioteatro de María Jesús Alvarado y la presentación de la Latin Perú Big Band de la PUCP.

Voz recuperada

Más de un siglo después de haber defendido ideas que incomodaban a su época, María Jesús Alvarado volverá a ser escuchada.

La actriz y directora Ana Correa, integrante de Yuyachkani, recupera parte de la obra de la escritora, educadora y precursora del feminismo peruano a través de “Voces que retumban: De regreso al radioteatro de María Jesús Alvarado”.

“Es una escritora que se conoce poco, pionera del feminismo peruano”, señala Lossio. Correa, explica, recuperó sus obras y las trasladó al formato de radionovela para devolverlas al presente mediante una lectura dramatizada.

La puesta está basada en Amor y Gloria, el romance de Manuela Sáenz y el Libertador Simón Bolívar, una de las novelas históricas de Alvarado, y se presentará el sábado 29 de agosto, a las 3 p.m., en el Auditorio del MALI.

Ese mismo día, a las 5 p.m., el cine llevará al público del museo hacia otra memoria: la de Saturnino Huillca, Satuko, histórico dirigente campesino quechuahablante que luchó por el derecho a la tierra y la dignidad de las comunidades andinas.

El documental sigue el viaje de su nieto, Porfirio Quispe Huillca, en la reconstrucción de una historia que comienza en el ámbito familiar y termina recuperando una figura clave del movimiento campesino peruano.

El barrio contado por quienes lo viven

El domingo 30, las cámaras cambiarán nuevamente de manos.

En “Miradas de mi Barrio”, adolescentes de Barrios Altos dejan de ser personajes observados desde fuera para convertirse en autores de sus propias historias.

“Cada chico o chica está desarrollando un cortometraje de su vida, de su vida en el barrio, de su vida colectiva”, destaca Lossio sobre un proyecto que califica como “bien bonito”.

El resultado son cuatro cortometrajes —Devuélvanme mi plaza, La Huerta, La Quinta del terror y El turista— que transitan por el documental, la animación e incluso el terror.

No hay una sola manera de contar Barrios Altos porque tampoco existe una única forma de vivirlo.

La función será a las 3 p.m. en el Auditorio del MALI y estará acompañada por un conversatorio sobre arte y educación.

Mirar desde el lugar del otro

Dos horas después, a las 5 p.m., el festival dejará las salas para ocupar el frontis del museo.

“Artilugios de la mirada” convertirá el espacio público en escenario y propondrá al espectador algo aparentemente sencillo: moverse.

La intervención permite observar una misma coreografía desde tres lugares diferentes. Al cambiar de posición, cambia también lo que se percibe. La obra parte así de la pregunta: ¿cuánto determina nuestra mirada el lugar desde donde observamos a los demás?

“Es en un espacio más público porque la idea es interactuar con quienes estén por allí caminando. Es un poco más interactivo”, explica Lossio.

Arte y conocimiento

Las obras reunidas en Escape nacieron de distintas disciplinas y procesos de investigación impulsados desde la universidad. Para Lossio, allí existe otra idea que el festival intenta colocar en discusión: el arte no es únicamente entretenimiento; también es una manera de producir conocimiento.

“Nos interesa difundir la idea de que desde la universidad también se producen saberes a partir de las artes y de la creación”, afirma.

“La universidad produce, por supuesto, conocimiento científico, conocimiento de las ciencias sociales, de diversas disciplinas, pero también produce saberes, produce ideas y moviliza sensibilidades desde las artes”, añade.

El desafío está en conseguir que ese conocimiento salga del campus y llegue a otros públicos.

Y allí aparece uno de los mayores obstáculos.

Lossio considera que Lima todavía no cuenta con una infraestructura cultural suficiente para la cantidad y diversidad de propuestas que se generan.

“Nuestra ciudad no es que abunde en espacios culturales como teatros, galerías, museos o salas de cine no necesariamente comerciales que puedan acoger una producción cultural más alternativa, independiente o de un corte no tan comercial”, sostiene.

A ello se suman las distancias. “La infraestructura cultural todavía es insuficiente o está muy concentrada en ciertos distritos. Y la vida en nuestra ciudad sabemos que es complicada: las distancias, el transporte. Eso también dificulta la participación de la ciudadanía en cultura”, explica.

Sin embargo, Lossio no cree que el problema sea la falta de interés del público.

“Motivación de las personas, yo creo que no [falta]. Creo que mucha gente, si supiera que existe esto, que es ingreso libre, estaría interesada”, asegura.

Por eso Escape quiere permanecer y crecer. La PUCP y el MALI incluso han invitado a colegios vinculados al museo para acercar el festival al público escolar.

“Queremos que este sea un espacio que se sostenga en el tiempo y, sobre todo, que la ciudadanía, las familias, los jóvenes puedan disfrutar de eventos de calidad, bien producidos, de ingreso libre”, señala Lossio.

Y resume el propósito con una frase sencilla: “Que ocupen la galería, el teatro, el museo”. Esa es, finalmente, la apuesta de Escape: abrir espacios para que el arte salga al encuentro de la ciudad y encuentre nuevas miradas.

Era el hombre más hermoso del mundo. Y también mal actor, pero no importaba. Conoció como muy pocos artistas el halago del fervor público y los ganó a todos en la captación del alma femenina. A todos impuso sus maneras de actor aristocrático y señaló para la estética del arte mudo una maquillada y arrogante teoría de interpretación. Mimado por cientos de miles de adorables flappers, halagado por los empresarios de la época, ebrio de triunfos y de millones, Rodolfo Valentino murió un día como hoy, hace exactamente un siglo.

Más allá de las románticas crónicas de época, la de Valentino fue una vida lujuriosa y trágica. Rodolfo Alfonso Rafaello Pierre Filiberto Guglielmi di Valentino d’Antonguello (Rodolfo Guglielmi, a secas) nació en Castellaneta, al sur de Italia, el 6 de mayo de 1895. Hijo de un capitán veterinario de la caballería del ejército italiano y de una mujer francesa de clase media, fue un mal alumno y un adolescente esquivo al trabajo rural propio de su lugar de origen. Al morir su padre, con el poco dinero que le dejó, a los 11 años entró como cadete en la escuela militar, en la que estuvo dos años.

Su deseo de conocer el mundo lo llevó, con el dinero que le dio su madre, a conocer los salones de baile del París de la Belle Époque, previa al estallido de la Gran Guerra, donde aprendió el arte del tango y se desempeñó como profesor de baile y acompañante de mujeres opulentas dispuestas a pagar por su compañía, belleza y una personalidad magnética. De allí pasó a Monte Carlo, de donde partió a Estados Unidos, llegando en diciembre de 1913. Tras meses durmiendo en las bancas de Central Park, consiguió ingresar al Maxim’s, restaurante y cabaret donde se convirtió en lo que los habitués llamaban un “pirata del tango”: uno de esos jóvenes desinhibidos que pasaban largas horas en la pista bailando con mujeres ricas. Tras un incidente confuso con la esposa de un empresario, decidió abandonar Nueva York y cruzar a la otra costa para buscar suerte en Hollywood.

El legendario tango de Valentino.

Allá, al inicio seguirá ganándose la vida como gigoló, pero meses después consigue pequeños papeles de reparto en algunas películas. Guglielmi solía llegar al estudio manejando los lujosos automóviles que sus “amigas” le prestaban, lo que no tardó en llamar la atención de productores, agentes de casting y, por supuesto, actrices. El joven actor comienza a frecuentar el círculo de la excéntrica actriz rusa Alla Nazimova, famosa por organizar fastuosas fiestas que convocaba la aristocracia del Hollywood silente. Allí conocería a su primera mujer, la actriz Jean Acker, con quien se casó en 1919. Un matrimonio condenado a ser efímero, pues Acker estaba involucrada en una relación paralela con otra actriz, Grace Darmond. En 1921 se casó con Natacha Rambova (nacida Winifred Hudnut), actriz y escenógrafa, quien le facilitará su ascenso al estrellato, enseñándole cómo acomodar su imagen a los requerimientos de la industria y proporcionándole los contactos necesarios. Ese año colaboró también en su carrera la guionista June Mathis, quien lo adoptó profesionalmente y replanteó su imagen, imponiéndolo ante los jefes de la Metro para el papel principal de Los cuatro jinetes del Apocalipsis. Ese año Guglielmi desaparece para dar sitio a Valentino. Contratado primero por la casa Metro, pasó luego a la famosa Lasky, que produce sus mejores películas. Tiene un ruidoso pleito con la compañía y se aleja del cine durante dos años, en los que vuelve a trabajar por cuenta de la Ritz-Carlton.

Tras ese primer éxito, protagoniza El Sheik, filme que confirma su mito del latin lover gracias a su masculinidad sofisticada, nunca antes registrada en pantalla. La virilidad anglosajona de Douglas Fairbanks, su único competidor en generar suspiros, no es rival para el encanto europeo, atildado y romántico del joven italiano.

Desde entonces, su vida se transforma en un vodevil extravagante propio del babilónico Hollywood de la época. En 1925 se divorció de Rambova para anunciar en marzo del año siguiente su compromiso matrimonial con la avasalladora actriz Pola Negri. Y mientras las mujeres lo adoran, no faltan hombres que lo envidien: algunos diarios sugieren dudas sobre su masculinidad, lo que saca de sus casillas a Valentino, quien llega a desafiar a un duelo de boxeo a un periodista del Chicago Tribune que lo culpó de “afeminar al hombre estadounidense”. La pelea nunca se realizó y los rumores no llegaron a despejarse del todo.

Valentino también tenía pretensiones poéticas. Meses antes había publicado un libro de versos titulado Day Dreams (Ensueños). Si tomamos el poemario al azar, citamos unos versos que dicen, casi en tono vallejiano: “No me curo del oro ganado fácilmente, porque se acaba pronto... Yo lo sé...”.

Legado en silencio

En el verano de 1926, Valentino está en Nueva York para promocionar El hijo del Sheik. Seis semanas antes el actor empezó a quejarse de dolores en el estómago, a los que este no atribuyó importancia. Sin embargo, en la tarde del 15 de agosto empezó a sentirse mal en la habitación de su hotel. Lo que al principio fue diagnosticado como una apendicitis, pronto devino en una peritonitis fulminante. Fueron ocho días de agonía. El certificado de defunción establece que la causa de la muerte ha sido la ruptura de una úlcera gástrica complicada con peritonitis general, neumonía séptica y endocarditis séptica.

Tenía apenas 31 años de edad y una fama resentida por sus conflictos con los estudios. Temeroso de una bancarrota, inició giras de baile, permitió la venta de sus fotografías desnudo e incluso lanzó productos cosméticos con su nombre, algo demasiado audaz para la época.

En la edición del lunes 23 de agosto de 1926, en la portada, El Comercio titula escueto: “Ha muerto Rodolfo Valentino” y comparte el despacho telegráfico que señala: “Tras una penosa enfermedad bastante corta, desaparece una rutilante estrella de Hollywood”. En su necrológica, el redactor de El Comercio no reprime el prejuicio: “Si bien es verdad que tenía algún amaneramiento en sus actos, tenía también y sobre todo el afán inmenso de llegar a ser un gran artista de la expresión”.

En su edición del día siguiente, el diario añade a la información detalles de los momentos previos a su muerte: “Junto al lecho en que expiró Valentino se encontraba el padre Leonardo, quien recibió la confesión postrera del famoso actor y le absolvió. Los últimos sacramentos le fueron administrados a las 10 de la mañana por el padre José Cangedo, originario del mismo pueblo de Valentino”.

El 24 de agosto, Frank E. Campbell, gerente de la casa funeraria Campbell en Broadway, recibe el encargo de organizar el sepelio de Valentino. Fue un megaevento, precursor de los funerales mediáticos de las futuras estrellas pop que le seguirían. Junto con George Ullman, representante del actor, monta una puesta en escena que terminará incluyendo suicidios de mujeres enloquecidas de amor en las cercanías del lugar, “camisas negras” fascistas custodiando el féretro y una catarata de desmayos y crisis psicóticas entre las ochenta mil personas que se acercaron para despedirse del gran amante latino. Aunque luego se sabría que muchas de esas extravagancias fueron orquestadas por ambos socios valiéndose de actores y actrices contratados, lo cierto es que el velatorio se extendió por cuatro días en Nueva York. Algo más modestos, los funerales se repitieron en Los Ángeles, donde finalmente su cuerpo fue inhumado en el Hollywood Memorial Park.

La angustia cerrada y la desesperación profunda alcanzaron también a sus admiradoras peruanas. En Lima, los empresarios del cine San Martín convocaron a la acongojada platea frente al ecran silencioso e insinuante, apurando la importación de sus tres últimas películas. En las páginas de El Comercio se anuncia el estreno de la superproducción de la Paramount Monsieur Beaucaire, El barbero del rey (21 de septiembre), El hijo del Sheik (12 de octubre) y El diablo santificado (23 de noviembre). Aquella histeria masiva generó un fenómeno local de taquilla sin precedentes. Fue tal el éxito que, además de las cintas, se proyectó en la misma sala, a inicios de octubre, Los funerales de Rodolfo Valentino, un cortometraje que registraba los detalles de la ceremonia en la iglesia de San Malaquías (conocida popularmente como la Capilla de los Actores), así como de los miles de admiradores congregados en las calles de Manhattan y la policía interviniendo para librar a los asfixiados. También había escenas de la ceremonia en Los Ángeles, en la que se mostraba inconsolable a la actriz Pola Negri siguiendo el ataúd de su prometido.

Por su parte, la revista Mundial despliega en fotografías a toda página la demostración de duelo que en Nueva York se produjo a raíz de su muerte. En una de ellas, la estrella de cine Eva Miller reza delante del cadáver de su colega y amigo. En la segunda aparece doblegada por el dolor Jean Acker, su primera esposa, que acudió a la capilla ardiente para mostrar su pesar y angustia, con el rostro hacia el suelo para concentrarse mejor en su pena mientras los fotógrafos disparan. Asimismo, da cuenta de los centenares de cartas de muchachas que todos los días llegaban a su regia mansión llamada Guarida de Halcón, en lo más alto de Beverly Hills, construida a la manera de un castillo medieval, donde le enviaban en cuatro líneas los jirones de sus almas enfermas de amor. El mito creció tanto que devoró al actor, hoy muy poco recordado. En su lugar, solo queda lo accesorio: la mirada seductora, los labios negrísimos y las cejas delineadas como una figura cerúlea. Lo que sí sobreviviría por muchas décadas más fue el arquetipo del amante latino, una especie felizmente ya extinguida tras décadas de repetición del cliché exótico y apropiaciones culturales.

La agrupación surcoreana Enhypen continúa compartiendo momentos icónicos luego de su visita por Perú. El país no solo fue escenario para la grabación de su nuevo sencillo “Bloody Paradise”, sino también eligieron espacios peculiares para grabar videos cortos que ahora han publicado en sus redes sociales.

La sorpresiva aparición de algunos espacios de Barranco en el videoclip de “Bloddy Paradise” de Enhypen puso en foco lo atractivo que es Perú. Sin embargo, eso no fue todo, esta vez Jake, uno de los integrantes de la banda, decidió grabar un video en un lugar muy característico de la ciudad.

El video rápidamente llamó la atención de miles de “Engene” (título para los fans de la agrupación) en el país, ya que el fondo fue reconocido de manera inmediata: paredes sin tarrajear y el letrero de SS.HH. (Servicios Higiénicos).

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Por su parte, Sunghoon también grabó un video similar, pero esta vez lo que llamó la atención fue el techo de calaminas que se apreciaba de fondo.

Ambos videos tuvieron miles de reacciones y comentarios por parte de sus fans. “El fondo SSHH jaja mi país”, “Sin decir nada. Ya me dijo que es Perú”, “El fondo tan peruano”, “Sunghoon cuidado se va volando tu calamina”, “Perú es clave”, fueron algunos comentarios que se lee en las publicaciones.

La aparición de algunos espacios de Lima en videos de la banda continúa poniendo en boca de todo el mundo a Perú. De esta manera, las tradiciones y la cultura peruana no solo se quedan aquí, se comparte y se difunde en el mundo entero.

Cabe recordar que el rodaje de “Bloody Paradise” se realizó en julio de 2026 en distintos puntos de Lima, con el apoyo de PROMPERÚ. El videoclip muestra reconocidos espacios de Barranco, como el mercado El Capullo, el mirador Bresciani, el pasaje Génova y el puente Bajada de Baños. Estos escenarios acompañan la propuesta visual del nuevo lanzamiento de Enhypen, que ya acumula más de 23 millones de vistas en YouTube.

“Sé que no me conviene, que me hace daño, pero todavía lo amo. ¿Qué hago?”. Esa pregunta llegaba constantemente a Andrea Llosa de personas atrapadas en relaciones marcadas por la infidelidad, el control o la dependencia.

Al leerlos, Andrea encontraba siempre la misma contradicción: reconocer que una relación hace daño no significa estar listo para dejarla.

Cuando Planeta le propuso escribir un nuevo libro, esas confesiones dieron origen a “¿Cómo liberarte de una relación tóxica?”, su tercera publicación, después de “Lo que callamos a gritos” y “Manual para decir nunca más”.

En lugar de ofrecer fórmulas, Andrea eligió contar ocho historias sobre vínculos distintos, unidos por heridas y patrones que suelen repetirse con otros nombres y rostros.

“No soy la reina de las ‘red flags’ ni la gurú del amor. Yo también me he equivocado y he vivido este tipo de relaciones. Quería que alguien pudiera reconocerse en una historia, entender por qué repite el mismo patrón y descubrir que existe una forma de salir”, explica.

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Historias cercanas

El libro reúne casos que Andrea conoció durante más de dos décadas en televisión, mensajes que aún recibe y experiencias de personas cercanas. Una de las historias está inspirada en una de sus mejores amigas.

Al escribir sobre dependencia emocional, control y vínculos familiares dañinos, también se reconoció en varias páginas.

“He vivido relaciones controladoras, dependencia emocional y un vínculo tóxico con mi mamá desde mi lugar de hija. También me encontré en la relación tóxica conmigo misma”, admite.

Frente al espejo

De las ocho relaciones que aborda, confiesa que la más difícil de escribir fue la que una persona establece consigo misma. No siempre hay una voz externa que humilla, exige o castiga. A veces, esa voz nace dentro de uno.

Andrea suele despertarse de madrugada. En esas horas de silencio afloran las dudas que durante el día quedan ocultas entre el trabajo y las obligaciones. Se pregunta si es una buena madre, si tomó las decisiones correctas, qué rumbo sigue su carrera y si está satisfecha con la mujer en la que se ha convertido. Es entonces cuando aparece el autosabotaje.

“Escribir fue liberador, pero también doloroso. Cuando trabajas con sensaciones que has vivido, te reconoces y piensas: ‘¿Cómo pude formar parte de esto?’. Te libera, pero también te entristece”, reconoce.

El libro plantea que la toxicidad no es exclusiva de las relaciones de pareja. También puede aparecer entre madres e hijos, en una amistad o en la forma en que una persona se mira, se exige y se juzga.

Andrea tampoco divide el mundo entre víctimas perfectas y culpables absolutos. Reconoce que todos podemos tener actitudes dañinas. La diferencia está entre una reacción ocasional y permanecer en un vínculo que desgasta, altera la vida y convierte el estado emocional del otro en el centro de todo.

Nadie salva a nadie

También cree que las personas pueden cambiar, incluso después de una infidelidad o de haber causado daño. Pero la transformación solo es posible si reconocen sus actos y buscan ayuda. El amor de la pareja, por sí solo, no puede salvarlas.

“Nadie cambia a nadie. Muchas mujeres creemos que somos centros de rehabilitación y que nuestro amor va a transformar al otro. Por más que quieras, no puedes hacerlo si esa persona no decide cambiar”, advierte.

Amar de otra manera

Esa forma de entender el amor también estuvo presente en una relación que tuvo en la adolescencia. Tenía 17 años y había imaginado toda una vida junto a su pareja: ser ama de casa, esperarlo con la comida lista y formar una familia con los tres hijos cuyos nombres ya había elegido. Entonces, su mundo giraba alrededor de él.

Cuando la relación terminó, permaneció emocionalmente atrapada durante años. En ese vínculo perdonó repetidas infidelidades y encontró justificaciones para no marcharse. Creía que, pese a todo, él la amaba.

Con el tiempo comprendió cuánto había influido en ella lo aprendido dentro de su propia familia y la importancia de construir independencia económica. Trabajar, vivir sola y generar sus propios ingresos transformaron su vida profesional y le permitieron dejar de pensar que necesitaba una pareja para sostenerse.

“Cuando me convertí en una mujer independiente, entendí que mi vida no tenía que limitarse a ser esposa y ama de casa. Descubrí que amar bonito también significa que la otra persona te valore y celebre tus logros”, reflexiona.

Hoy asegura que ama desde la libertad. Mantiene una buena relación con su exesposo y reconoce que su matrimonio le permitió conocer un vínculo más saludable. Actualmente tiene pareja, pero ya no cree que el amor deba soportarlo todo.

La infidelidad es uno de los límites que no volvería a negociar.

Sin prisas

La misma claridad que hoy aplica a sus relaciones también empieza a trasladarla a su carrera. Andrea lleva tres meses alejada de la televisión, la pausa más larga de sus más de dos décadas frente a cámaras.

“La televisión es mi vida, pero este tiempo me permitió escribir el libro, hacer mi podcast y pensar no solo en lo que quiero, sino también en lo que ya no quiero hacer. Y lo tengo claro: no quiero hacer a un talk show”, confiesa.

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Tiene conversaciones para volver, aunque no adelantará detalles hasta que exista una propuesta concreta. Tras dejar ATV y pasar a Panamericana a conducir “La verdad a prueba”, reconoce que actuó con rapidez y que el resultado no fue el esperado.

“No lo llamaría un fracaso, pero no me fue bien. Eso también te aterriza y te obliga a mirar tu vida de otra manera”, admite.

Ahora evalúa dos formatos: uno periodístico con entrevistas, y otro que es más entretenimiento, más show. En ambos quiere que las historias tengan seguimiento y una respuesta.

“Los periodistas tenemos que ser ladillas. No basta con presentar un caso; hay que insistir y contar en qué terminó”, sostiene.

También rechazó conducir “El valor de la verdad” porque considera que el programa está identificado con Beto Ortiz y no quería entrar en comparaciones.

Andrea volverá a la televisión, pero esta vez quiere elegir sin prisa. La pausa le permitió escribir sobre los vínculos que hacen daño y, al mismo tiempo, reconocer qué etapas de su carrera tampoco desea repetir.

“Siempre estoy corriendo. Ahora quiero mirar la vida con más calma y entender que amarme también significa darme tiempo”, concluye.

El Gran Circo de Rusia entra en la recta final de su temporada en Lima. Tras ampliar sus funciones por la acogida del público, “Sueña” se prepara para despedirse de la capital este domingo 30 de agosto en el Jockey – Explanada Olguín, poniendo así fin a su décima visita al Perú. La producción reúne circo, música y una puesta en escena concebida alrededor de una misma historia.

En el centro de “Sueña” está Rose, una niña que se aventura en un universo extraordinario donde aquello que parece imposible puede hacerse realidad. A lo largo de su recorrido descubre la valentía, la confianza y la perseverancia. Su historia da sentido al nombre del espectáculo y articula el mensaje que atraviesa toda la puesta: la posibilidad de desafiar los propios límites.

Esa travesía sirve además como hilo conductor del espectáculo. A diferencia de una sucesión tradicional de números circenses, las acrobacias, vuelos aéreos, humor y danza aparecen integrados al viaje de Rose y acompañan cada etapa de su aventura.

Sobre la pista se presentan figuras de la élite circense internacional. Entre ellas destacan los Martínez Brothers, reconocidos por sus juegos icarios y poseedores de un récord Guinness; y los Lemon Brothers, especialistas en báscula, con un número de saltos, giros y acrobacias de gran precisión. Completan la propuesta aérea The Annas, dúo femenino de pole aéreo, y Zlata Chaikovskaya, quien combina pole aéreo y suspensión capilar.

El humor llega de la mano de Okula, figura del legendario Circo Nikulin de Moscú, mientras Anton Monastyrsky sorprende con su número de hula hoop y Empress Troupe suma un dinámico acto de malabarismo. También destacan el Dúo Versailles, con su vertiginoso número de roller skate; Tulga, artista mongol con dos récords Guinness; y el Dúo Rokashkov, con un exigente acto de barras paralelas.

Otro elemento que distingue a “Sueña” es su orquesta en vivo, que acompaña el desarrollo de la historia y las acrobacias. Iluminación, vestuario, efectos visuales y escenografía completan una producción de gran formato en la que la pista se transforma a medida que avanza el universo fantástico de Rose.

El espectáculo encara así sus últimos días en la cartelera limeña antes de despedirse del Perú el domingo 30 de agosto.

Entre las múltiples cosas que un estudio de Hollywood no quiere que le ocurran, además de perder dinero, está el quedar en ridículo. Nadie quiere ser el ejecutivo que rechaza el desarrollo de una historia que triunfa en la competencia. Historias así abundan desde hace décadas, pero hay algo más de estas épocas: que al deshacerse de una película ya filmada esta encuentre hogar en otro lado y desde allí conquiste al mundo. Pasó con “Las guerras del K-Pop”, producida por Sony pero que benefició a Netflix, y ahora podría ocurrir con “Coyote vs. ACME”.

Producida por Warner Bros., “Coyote vs. ACME” (2026) sigue la historia de Wile E. Coyote, personaje clásico de caricaturas que siempre fracasa en su cacería del Correcaminos. Aparecido por primera vez en 1949, este cánido es uno de los Looney Tunes, personajes humorísticos, paródicos incluso, protagonistas de cortometrajes proyectados antes de películas y que, con la llegada de la televisión, se volvieron favoritos de los niños. Allí están también Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky, etc.

En la nueva cinta el Coyote demanda a la empresa que durante años le vendió la solución a sus problemas, pero cuyos artilugios siempre fracasaron: ACME. Para esto contrata al abogado de mala muerte Kevin Avery (Will Forte), quien en el camino descubrirá que el conglomerado industrial no dará su brazo a torcer. Participan también en la cinta los actores Lana Condor, John Cena, Luis Guzmán, P.J. Byrne, etc.

¿Dinero al agua?

La película, que combina acción real con animación en dos dimensiones (en realidad es de tres dimensiones, pero con un efecto que imita el dibujo clásico), ya estaba filmada pero Warner Bros. se negó a estrenarla. La lógica fue que si no llegaba a las salas, la película, que podía o no hacer dinero en la taquilla, haría que el estudio reciba una amortización de impuestos. ¿Crear arte para nunca mostrarlo al mundo? Hollywood siendo Hollywood. Total, Warner ya había hecho eso con la película de Batichica, que jamás vería la luz por esa misma razón.

Pero con “Coyote vs. ACME” ocurrió algo que los ejecutivos no calcularon. Usuarios de internet se unieron en una campaña completamente orgánica para que Warner revierta su decisión o alguna distribuidora compre la película. Así como el animal ficticio quiere justicia contra un sistema que parece hecho para perjudicarlo, el público reclamó su derecho de consumir el entretenimiento de su preferencia.

En 2023 el estudio cedió y permitió que otras empresas adquieran la cinta. En 2025 Ketchup Entertainment pagó unos 50 millones de dólares para distribuirla y, meses después, reveló el primer tráiler. Un adelanto que hace referencia al drama de la vida real detrás de cámaras. “La película que ACME no quiere que veas”.

Y ahora “Coyote vs. ACME” llega al Perú. Las primeras críticas son positivas; en resumen indican que es la cinta de animación 2D con live-action mejor hecha desde “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” (1988). Una historia actual, donde los grandes empresarios, que aparentan saberlo todo, se revelan como las caricaturas a las que explotan. ¿Una película paródica o documental? Tal vez es ambas.

Poesía para bailar. Ritmo para pensar. Rubén Blades dio una auténtica clase de salsa acompañado por la Roberto Delgado Big Band. Los asistentes corearon el selecto repertorio que el cantautor panameño preparó para su concierto en el Arena 1 Park de Lima como parte de su Fotografías Tour. “Pedro Navaja”, “Amor y control” y “Decisiones” fueron algunas de las canciones más celebradas.

Se trató de un esperado reencuentro del artista con el público peruano. La fiesta empezó con “Plástico”. Esta acelerada salsa, que tiene una alegre introducción en ritmo de música disco, anunciaba una noche larga. Como se recuerda, este es el primer tema de “Siembra”, el histórico álbum que Rubén Blades grabó junto al recordado Willie Colón. Al acabar la canción, el panameño se mostró profundamente emocionado ante los aplausos de los asistentes.

La Roberto Delgado Big Band se mostró precisa como una maquinaria de sonido. El melancólico tema “Pablo Pueblo” mostró su marcado ritmo y letra reflexiva en su máximo esplendor. “Decisiones”, del disco “Buscando América”, hizo que todos bailaran y cantaran el verso “alguien pierde, alguien gana, ¡Ave María!”

La familia, el Perú y el Papa

El concierto de Blades reunió a personas de diferentes generaciones. Cuando sonaron las notas iniciales de “Amor y control”, muchos padres abrazaron a sus hijos. Otros recordaron a familiares fallecidos: “esa canción le gustaba a mi viejito”, dijo una joven. El panameño cantó con mucha emotividad y mencionó el nombre de su madre en este tema.

La interpretación de “Todos Vuelven”, del compositor peruano César Miró, tuvo un matiz especial. En la pantalla se proyectaron fotografías de grandes exponentes de la música latina como Celia Cruz y Héctor Lavoe. También aparecieron imágenes de reconocidas figuras del cancionero nacional como Lucha Reyes, Chabuca Granda, Arturo “Zambo” Cavero y Óscar Avilés.

“El Papa es peruano”, repetía Blades en la canción “El padre Antonio y el monaguillo Andrés”. Todos aplaudieron al escuchar esta frase. “Suenan las campanas”, cantaba el público en la parte final de la canción para luego celebrar el inicio de “Ligia Elena”.

El amor y el pasado

“Paula C” es una canción de Rubén Blades que aborda la tristeza de la separación. El sonido de la Roberto Delgado Big Band acentuó la nostalgia del tema. Los recursos visuales del concierto también destacaron al acompañar composiciones como esta. Mientras sonaba, se proyectaban imágenes diseñadas con referencias a Nueva York.

El artista panameño comentó que “Lo pasado no perdona” la escribió acercándose al estilo de las canciones que grababa Willie Colón con Héctor Lavoe. Blades cantó este tema que transmite una desgarradora sensación de vulnerabilidad.

Mientras tocaban “El Cantante”, el público aplaudía cuando la pantalla de fondo del escenario proyectaba imágenes de Héctor Lavoe, especialmente aquella fotografía que lo muestra junto a Rubén Blades en sus años de juventud.

La vida y la búsqueda

Sobre “Maestra vida” dijo que es una canción que escribió de joven pero que a sus 78 años le encuentra un nuevo significado. “Pedro Navaja” fue toda una experiencia sonora para los asistentes debido al brillante desempeño de la orquesta.

“Buscando América” fue la canción final del concierto. Las audaces percusiones, el bajo desafiante, el piano contundente y los vientos de la orquesta le otorgaron un nuevo brillo al tema.

Fueron 20 canciones. La presentación duró 2 horas y media. Fue un encuentro con la salsa y con uno de los cantautores más importantes de la música en español. Un espectáculo lleno de ritmo, baile, poesía y reflexión.

Es importante destacar también la participación previa de Mauricio Mesones, en la que sobresalió el experimentado guitarrista Martín Choy con cada uno de sus solos. Esta presentación fue un viaje por la costa, la sierra y la selva del Perú a través de la cumbia.

Si creciste viendo animes en televisión o streaming, es posible que de allí hayas saltado al manga, las historietas que en su mayoría inspiran estas producciones audiovisuales. Son los cómics japoneses, que tienen millones de seguidores en todo el mundo. Perú no escapa de esta influencia; bastó ver cuántos stands de la FIL Lima trajeron manga. Como Japón sabe que el mundo ama el manga, además de buscar los siguientes grandes éxitos en la isla, miran afuera.

Yusuke Imamura y Ayane Chiba trabajan para Kodansha, editorial japonesa que ha desplegado un programa internacional para buscar “talentos con experiencias diferentes”. Ambos estuvieron en Lima a principios de agosto, con auspicio de la Fundación Japón, y llevaron a cabo jornadas de evaluación en la sede de la APJ de Jesús María, donde conversaron directamente con aspirantes a creadores de manga de múltiples edades.

Búsqueda global

“En este momento nos encontramos, por así decirlo, trabajando el terreno”, cuenta Chiba a El Comercio, por medio de una intérprete. La editora dice que en los últimos años el auge de las reuniones virtuales (Zoom) ha hecho más accesible contactar con autores fuera del país asiático. “En el caso de que se pueda superar la problemática de las traducciones y de la distancia, creemos poder conseguir talentos que van a aportar variedad en los contenidos”, sostiene.

“Estamos en una industria donde basta que aparezca un talento atípico, innato, un genio, y se genera todo un movimiento, un efecto, una consecuencia positiva industrialmente hablando”, indica por su parte Imamura. “Tengo mucho entusiasmo de poder encontrar a alguien, no sé de qué lugar del mundo, este mangaka que pueda marcar una diferencia. Esto afecta positivamente en la siguiente generación de creadores”, dice el profesional, para quien leer manga es tan natural como respirar.

De Iberoamérica al mundo

Vale resaltar que la editorial Kodansha es responsable de obras de éxito como “Ghost in the Shell” de Masamune Shirow, “Attack on Titan” de Hajime Isayama y “Witch Hat Atelier” de Kamome Shirahama; estas dos últimas obras están entre lo más vendido no solo en su país de origen, sino en todo el mundo. El caso de “Attack on Titan” llama la atención porque su autor fue un principiante en dibujo cuando empezó la serialización, lo cual no impidió que llegara a vender más de 130 millones de copias a lo largo de 11 años.

¿Cómo se puede entrar a la industria japonesa? La editorial lanzó Kodansha Manga Academy, página web en inglés que muestra, paso a paso, la manera de convertirse en mangaka (creador de historietas) y publicar en Japón desde cualquier lugar del mundo. No es un portal para aprender a dibujar. Es una guía de cómo funciona esta industria donde el autor está en el centro.

Ya hay creadores extranjeros que trabajan en Japón. Así ocurre con Juan Albarrán, dibujante de la serie “Matagi Gunner”. En otras editoriales también ocurrió, como es el caso de Shueisha, que publicó “Dr. Stone” con arte del coreano Boichi. Toca desempolvar los lápices, que el próximo éxito no se dibujará solo.

Para Javier Botía, la existencia misma de esta nota no afectará el inevitable destino de la humanidad. De aquí a cinco años, asegura el mentalista español, la inteligencia artificial y la robótica habrán convergido en una maquinaria imparable y, con ello, casi todo el mundo perderá el empleo. Acabarán también todas las horas extras pagadas con pizza y desaparecerán diversas ingenierías, así como los oficios que requieran fuerza física. Incluso, advierte con cierta ironía, los chefs tampoco tendrán cabida en este futuro próximo. Sin embargo, no todo está perdido para Botía, quien propone tres “botes salvavidas” en su nuevo libro, “Inteligencia natural”, lectura que conceptualiza su próxima presentación en Lima, el 18 de septiembre, en el Auditorio del Pentagonito.

Antes de predecir los próximos años de la humanidad, Botía era un presentador, un showman y un comunicador salido de la radio española. Luego llegaría la televisión y, al poco tiempo, él llegaría a Argentina, donde tendría un programa junto a Marcelo Tinelli que se ubicaría en el prime time. “Luego tuve un ataque de ansiedad tremendo, una crisis muy grande porque empecé a tener miedo escénico”, nos cuenta. Ante aquella ironía de la vida, el expresentador buscaría la respuesta a ese inexplicable miedo. Tras adentrarse en la espiritualidad, los libros de neurociencia y el ocultismo, llegaría al mentalismo, que le enseñaría una verdad difícil: Javier Botía era un hombre con baja autoestima.

Desde ahí, Botía encontró en el mentalismo también una apuesta a futuro, presentando shows por todo el mundo. En ellos realiza demostraciones de telepatía, predicciones, hipnosis y control de las decisiones del público, combinando estas experiencias con humor y participación de los asistentes. Esa profesión lo llevó hasta Corea del Sur, donde en 2018 se convirtió en el primer español en ganar el Campeonato Mundial de Mentalismo de la Federación Internacional de Sociedades Mágicas (FISM).

Engáñame, por favor

El problema nunca fue que las empresas no pongan el tamaño real de una hamburguesa. “El problema es —asevera el mentalista— que la gente caiga a pesar de tener el conocimiento suficiente”. A los esfuerzos por mantener aquellas aceptadas apariencias se suman los políticos, los publicistas y, por supuesto, el mismo público, que muchas veces repite patrones conductuales. “La gente se cree extremadamente especial”. No obstante, Botía asegura poder ver quiénes son realmente a través de sus gestos, expresiones faciales, posturas y movimientos corporales.

Tras más de 15 años en el oficio, ni siquiera Donald Trump se salva de Botía, quien ve en su corbata roja un símbolo de poder pensado previamente a un discurso; en su mentón levantado ve una forma de darle más peso a sus argumentos e incluso en el tono de voz detecta uno idóneo para el mensaje que quiere transmitir. Sin embargo, el sombrero de Pedro Castillo, dice con contundencia el campeón mundial de mentalismo, se le escapa de toda lectura posible.

Sálvese quien pueda

Si hace algunos años la fuerza era la principal fuente de trabajo, hoy un solo dedo puede mover toneladas al presionar un botón. “Del mismo modo, el conocimiento dejará de ser una cuestión vital para ser, así como ir al gimnasio, una cuestión estética”, asevera Botía, al tiempo que explica el efecto wow, según el cual el asombro ante los avances tecnológicos se produce en intervalos cada vez más cortos. Dentro de cinco años, sostiene, ese asombro ocurrirá no cada doscientos años, sino una vez por segundo.

“Lo pongo así: la sociedad es el Titanic. El iceberg es la inteligencia artificial y nosotros ya chocamos. Están quienes saben contra qué chocamos y que se está hundiendo el barco, gente como Elon Musk o Mark Zuckerberg, que no pueden parar esto; están quienes saben eso y queremos contarlo, los periodistas como tú y los divulgadores como yo —prosigue Botía—. Y también están quienes se quedan en la gran fiesta donde tocan los músicos y, aunque nos esforcemos en decirles que no hay botes para todos, seguirán bailando, cantando y celebrando sus cumpleaños. No lo podemos parar”.

En aquel futuro, continúa contando el mentalista, el hombre pasará a tener rentas básicas, mientras las máquinas se ocupan del resto de labores. Y dentro de los pocos oficios que ocuparán un espacio dentro los tres botes salvavidas —la espiritualidad, el entretenimiento y la salud/estética— solo sobrevivirán los religiosos, los peluqueros y, posiblemente, los periodistas de la sección cultural de El Comercio.

Hay algo inquietante en una pregunta aparentemente inocente cuando quien la formula tiene el poder de cambiar las reglas de la conversación. En I.D.I.O.T.A., obra dirigida por David Carrillo, Carlos Varela entra a una sala para responder un test y pronto descubre que aquello tiene poco de examen convencional. Cada respuesta abre una nueva situación y convierte al espectador en testigo de un juego en el que nadie parece tener el control completo.

La obra, que ya se encuentra en el Teatro de Lucía hasta el 20 de septiembre, juega precisamente con esa incertidumbre. Lo que comienza con el tono de una comedia termina desplazándose hacia el suspenso, el drama y situaciones cada vez más incómodas. Carlos intenta entender qué está ocurriendo mientras las condiciones del experimento se transforman frente a él.

Para David Carrillo —director de la primera puesta en escena de I.D.I.O.T.A. en Lima—, uno de los principales desafíos estuvo en construir esos cambios sin perder al público en el camino. Sandra Bernasconi y Armando Machuca sostienen ese enfrentamiento sobre el escenario y deben modificar el registro de sus personajes a medida que la situación deja de parecer un simple juego.

Pero el título de la obra también plantea una lectura que trasciende el experimento. “El idiota —explica Carrillo— era aquel ciudadano que, pese a formar parte de la polis, se desentendía de sus asuntos públicos para concentrarse únicamente en su vida privada”. Para el director, esa idea conserva vigencia. “Estamos tan imbuidos en nuestras pequeñas miserias, en nuestras pequeñas dificultades, que casi hay una sensación de apolítica. ‘Yo no me meto, no me importa’, se dice hasta que el problema toca tu puerta”, agrega.

Pensar antes que aceptar

La situación económica de Carlos es fundamental para entender por qué entra al experimento. Ha intentado levantar un pequeño negocio, pidió un préstamo al banco y terminó enfrentando deudas e hipotecas. Su necesidad no es un detalle de la historia, sino la condición que hace posible que alguien acepte aquello que, en circunstancias distintas, probablemente habría rechazado.

Para Carrillo, el dinero puede ser una de las formas más evidentes de presión, aunque no la única. “¿Cuántas veces, por la velocidad de la vida y por algún mecanismo de presión, no nos tomamos un tiempo para ver las consecuencias de ese pequeño acto, de ese pequeño ‘acepto’?”, se pregunta.

Esa idea también está presente en la manera en que el director ha trabajado la puesta en escena. El director decidió concentrarse en el lugar del espectador y ajustar el ritmo de cada momento para que los cambios de género no se conviertan en desorden. Sandra Bernasconi y Armando Machuca deben pasar de la comedia al drama y del suspenso a situaciones más físicas sin perder la tensión del enfrentamiento. “Encontrar esos bits de cambio que permitan que el público tenga un viaje” ha sido, explica, uno de los mayores trabajos de la dirección.

Más que ofrecer una respuesta moral sobre lo que sucede en escena, Carrillo busca trasladar esa discusión a quienes la vean. Su interés está en que el público se pregunte qué habría hecho en el lugar de Carlos o si se arrepiente de haberlo hecho alguna vez. “El debate moral está en la platea, en lo que pasará después en sus vidas”, afirma.

Para el director, esa capacidad de detenerse a pensar está relacionada con una función que considera cada vez más necesaria en el arte: estimular el pensamiento crítico. En una vida atravesada por algoritmos y sistemas diseñados para acelerar nuestras decisiones, Carrillo advierte sobre el riesgo de convertirnos en aquello que se observa en escena. “El pensamiento crítico es lo único que te permite no automatizarte, no convertirte en un bot de la vida”, concluye.

ARIES (marzo 21-abril 20)

Amor: se dará cuenta que alguna actitud no cae bien en la pareja pero una iniciativa hará que mejore. Salud: tendrá un buen descanso. Sorpresa: alguien será molesto.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Amor: tendrá la seguridad que necesita la relación pero surgirán cosas nuevas que le asombrarán. Salud: gozará de gran bienestar. Sorpresa: novedades que entusiasman.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Amor: la comprensión será la clave para afianzar la pareja y aumentar los momentos de calidez. Salud: más gimnasio, mejor. Sorpresa: un anhelo se concreta.

CANCER (junio 22-julio 22)

Amor: dejará atrás el enojo y será encantador. En la pareja los sentimientos se compartirán más. Salud: una dolencia ya no molestará. Sorpresa: comentario malicioso.

LEO (julio 23-agosto 22)

Amor: no hablar ni expresar sentimientos comenzará a hacer daño. Con tolerancia las cosas fluirán. Salud: controlará un factor de estrés. Sorpresa: propuesta inesperada.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Amor: serán necesarios menos palabras y más gestos para subsanar errores en la relación. Salud: un chequeo será oportuno. Sorpresa: merecido obsequio.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Amor: momento para reconciliarse o encarar una nueva relación y acabar con la soledad. Salud: una consulta será un alivio. Sorpresa: sus logros serán destacados.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Amor: aunque todo parezca estar en calma, pasarán cosas increíbles en la relación. Salud: dejará de lado los dulces. Sorpresa: alguien se molestará.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Amor: en la relación, verá que surgen problemas con algo que no era importante. Salud: el descanso le mejorará. Sorpresa: devolución inesperada.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Amor: en este momento de la pareja, entenderá todo sin palabras y la calidez crecerá. Salud: caminar más le fortalece. Sorpresa: consejo acertado.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Amor: momento para cuidar que los conflictos no aumenten y se resuelvan con mucho afecto. Salud: cierta tristeza se superará. Sorpresa: entrevista exitosa.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Amor: la calidez crecerá en la relación y el encanto mutuo hace agradable el encuentro íntimo. Salud: activará el optimismo. Sorpresa: alguien cambiará de rumbo.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: INTERESADA EN EL MUTUO ENTENDIMIENTO PARA QUE SUS RELACIONES NO FALLEN.

El piano y el micrófono de Freddie Mercury, vocalista de la legendaria banda británica Queen, así como los borradores iniciales de sus composiciones, saldrán a subasta el 1 y 2 de octubre, informó la casa de pujas Propstore.

Los artículos forman parte de la colección de Reinhold Mack, un archivo compuesto por varios lotes ofrecido por el productor alemán, que trabajó con Queen y Freddie Jr., ahijado de Mercury.

Entre las piezas de la colección destaca el piano de cola Yamaha C3 procedente de los estudios Musicland de Múnich, que el vocalista utilizó durante la grabación de los álbumes ‘The Game’, ‘Hot Space’ y ‘The Works’, y fue tocado por destacados artistas como los Rolling Stones, Deep Purple, Led Zeppelin, Donna Summer y Bryan Ferry.

Este piano, que tiene un precio estimado de entre 200.000 y 400.000 libras (unos 272.820 dólares a 545.640 dólares), es considerado el más importante relacionado con Freddie Mercury que sale al mercado desde la venta de su colección personal en 2023, según la casa de subastas.

También sale a la venta el micrófono AKG C414 EB utilizado para grabar la voz principal y los coros de Mercury en el estudio, y fue utilizado durante la colaboración del productor con Queen.

El micrófono se ofrece junto con su funda original Sennheiser y el cable XLR rojo utilizado en los estudios Musicland, con una estimación de entre 40.000 y 80.000 libras (entre 54.681 dólares y 109.362 dólares).

La colección incluye borradores escritos a mano por Mercury para las canciones ‘My Love is Dangerous’ y ‘Let’s Turn It On’, ambas pertenecientes a su álbum debut en solitario de 1985 ‘Mr Bad Guy’.

Estos artículos se exhibirán antes en el hotel The Cumberland, de Londres, del 23 al 27 de septiembre.

“Freddie no solo fue un colega y un amigo íntimo; en muchos sentidos, formaba parte de nuestra familia. Más allá de las innumerables horas que pasamos creando música juntos en los estudios Musicland, nuestro hogar en Múnich se convirtió en un refugio donde podía escapar de las presiones de la fama, relajarse y ser simplemente él mismo”, señaló Reinhold Mack.

“Para nosotros, nunca fue una celebridad; era el tío Freddie: pasaba tiempo con su ahijado Freddie Jr., jugaba al tenis de mesa con Julian (nuestro hijo mayor) y celebraba los cumpleaños familiares con nosotros. Hemos conservado estos objetos cuidadosamente durante décadas, no por su valor material, sino por los recuerdos que encierran”, subrayó.

“Creemos que ha llegado el momento de que otros los disfruten y aprecien, y esperamos que ofrezcan a los seguidores una conexión no solo con el extraordinario talento artístico de Freddie, sino también con el hombre cálido, divertido y bondadoso que tuvimos el privilegio de conocer”, resaltó.