En Toronto (Canadá) y Chicago (Estados Unidos), la venta de entradas para el regreso de BTS, la banda surcoreana más famosa del momento, llegó al “sold out” en menos de 14 minutos desde el inicio de las colas virtuales en enero. En México, en particular, las fans manifestaron preocupación por la alta demanda, que derivó en denuncias por fraude, cancelaciones masivas de boletos y sanciones de la Profeco (el Indecopi mexicano) a plataformas de reventa. Por eso, las alertas se encendieron en todo el continente americano y hoy el club de fans peruano espera que Ticketmaster refuerce “los mecanismos de protección al usuario” y que, finalmente, los fanáticos reales de la boyband tengan garantía de su lugar en el concierto de forma equitativa.

Abril dobla el aviso de “abierto” de Ticketmaster en Perú y los fans de BTS ya están organizados. Los conciertos están programados para el 9 y 10 de octubre en el Estadio San Marcos, con precios que van desde 483 soles hasta el paquete especial que llega a los 2.591 soles. La preventa exclusiva para miembros registrados en Weverse comenzó hoy, 7 de abril, a las 10 a.m. En tanto, la venta general iniciará el 10 de abril a la misma hora.

Durante la compra online, se permite comprar cuatro entradas el mismo día con una misma membresía exclusiva desde Weverse, la cual se gestionó previamente en enero. Si fuera el caso, ese cuarteto de entradas deberán ser en una misma zona y en una sola fecha. Según información del staff, calculan que un 85% de la venta total se concentra en la preventa; ahí están los afortunados.

Fans de BTS bien preparados

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“Incentivamos que nuestra comunidad no apoye la reventa bajo ninguna circunstancia”, afirma el staff de BTS Perú Fanclub, que conversó con este diario. Aunque la comunidad acepta que “no es ilegal” comprar entradas y luego venderlas a más precio del real, consideran que es una fórmula desleal. Siendo la primera vez de la banda en el Perú, la reventa, de hecho, se ha convertido en un punto bastante sensible para los fans. Mejor que los revendedores no se metan con el club, que es de los más respetados del mundo.

Ticketmaster advirtió en un comunicado de Instagram: “Cuidado con las estafas. No hay venta anticipada mediante links, grupos de WhatsApp, creadores de contenido ni sorteo de otras marcas”, y recordó cuándo es la fecha oficial para comprar. A ello, se suma el sistema de fila virtual de la tiquetera, que se activa 30 minutos antes de la venta y asigna posiciones aleatorias, además de limitar el número de compras simultáneas para evitar saturaciones y ventajas indebidas causadas por “bots” u otros. Estos ajustes de tecnología llevaron a la empresa a mejoras que superan los 1.000 millones de dólares en los últimos 10 años.

“Nos reservamos ciertas recomendaciones para la compra online ante el público en general, porque también hay gente que busca aprovecharse de nuestra información. Por ejemplo, muchos revendedores se enteraron de la membresía de Weverse y compraron varias membresías para tener acceso a la preventa exclusiva para fans”, explican desde el staff peruano de BTS Fanclub.

“Se han tomado precauciones y hay preparación entre fans”, señala la staff, que se comunica en grupos cerrados. En las últimas semanas, algunos fans se prepararon haciendo simulaciones de compra online en una página creada especialmente para no fallar en el intento.

Medidas de ciberseguridad

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“Aquí, la clave es hacer más difícil el fraude desde el inicio”, así lo explica Jorge Zeballos, especialista en ciberseguridad de ESET Perú. “Deben utilizar solo plataformas autorizadas y revisar la URL con detalle”, lo señala especialmente ante el uso de inteligencia artificial para replicar páginas falsas casi idénticas a las originales.

“Los ciberdelincuentes se aprovechan de la alta demanda y de la desesperación de los fanáticos ante el agotamiento de boletos oficiales y se hacen de estafas muy comunes que les siguen funcionando”, advierte.

En Perú, el panorama aún presenta vacíos legales sobre la transparencia de la compra de entradas a conciertos. Si bien la estafa está tipificada, no existe una regulación específica sobre el uso de “bots” (programa automatizado desleal) o la compra masiva digital de entradas.

Según Zeballos, estas son las estafas digitales, en el caso de compra de entradas a conciertos, más frecuentes en Perú:

• Sitios web falsos en buscadores: páginas que imitan sitios oficiales y aparecen en Google para robar datos y dinero al momento de la compra.
• Engaños en redes sociales y mensajería: perfiles falsos ofrecen entradas; tras el pago, desaparecen sin entregar los tickets.
• Reventa en plataformas no oficiales: boletos falsos vendidos a precios dudosos, con pagos difíciles de rastrear como transferencias o códigos.
• Clonación y duplicación de QR: una misma entrada es vendida a varias personas; solo el primero en llegar puede ingresar.

En Perú, además, la fascinación por el “comeback” de la banda coreana tras casi cuatro años y el hito de tenerlos por primera vez en suelo inca conlleva diferentes escalas. Casos de intercambios irregulares en Perú vistos meses atrás —incluyendo denuncias por solicitudes de favores sexuales a cambio de entradas— evidencian que muchos se aprovechan de la desesperación por BTS. Por ello, mucho cuidado y a comprar únicamente por canales oficiales.

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La moda ama los grandes regresos. Y si hay uno que el universo fashion estaba esperando con verdadera devoción, es el de “The Devil Wears Prada”. Su esperada secuela promete revivir a dos de los personajes más influyentes del cine contemporáneo y devolvernos ese espectáculo visual donde cada look cuenta una historia. La gira de prensa ya comenzó y viene cargada de momentos memorables.

La primera parada fue Ciudad de México, un escenario vibrante que no pudo ser más acertado para inaugurar este recorrido. Allí vimos reunidas a las icónicas Anne Hathaway y Meryl Streep, quienes, como era de esperarse, ofrecieron un verdadero deleite para los amantes de la moda.

Streep, fiel a su elegancia contundente, apostó por un conjunto de Dolce & Gabbana completamente custom-made. La pieza, rica en detalles incluía broches en el pecho y un lazo al cuello que evocaba una sofisticación casi editorial. Un look que honra su personaje y reafirma su estatus como una figura de estilo.

Por su parte, Hathaway demostró por qué su evolución dentro y fuera de la pantalla sigue siendo relevante. La actriz apareció en un total look de Schiaparelli: una falda de flecos con movimiento dramático y un cinturón escultural que elevaba la silueta a una pieza de arte. Un guiño perfecto a esa Andy Sachs que aprendió, quizás demasiado bien, las reglas del juego.

Pero el verdadero golpe maestro de esta primera parada fue un desfile que reunió a más de veinte diseñadores locales -entre nombres consagrados y talentos emergentes- para reinterpretar el universo de la película desde una mirada latinoamericana. El resultado fue una celebración de la moda como lenguaje global.

Y como toda buena historia necesita un giro inesperado, el desfile nos regaló dos apariciones sorpresa que elevaron aún más la experiencia. Anne Hathaway entró con un minivestido de lentejuelas combinado con botas altísimas de Stella McCartney, en un momento que encapsuló el espíritu más audaz del personaje. Mientras tanto, Meryl Streep optó por un vestido camisero azul de Schiaparelli, demostrando que el poder también puede expresarse con aparente sencillez.

@devilwearspradamovie

A fashionable night at the Mexico City Fan Event for The Devil Wears Prada 2 featuring Meryl Streep and Anne Hathaway.   Get your tickets now and see the film only in theaters May 1.

♬ original sound - The Devil Wears Prada 2

En medio de este despliegue internacional, hubo también espacio para el talento peruano. Natalie Vértiz dijo presente apostando por diseñadores nacionales en distintas apariciones: de la marca ESCVDO, un vestido que tarda aproximadamente dos semanas en completarse, ya que se teje a mano y un set de cuadros en tono ‘cerulean’ (if you know, you know) confeccionado con 100% algodón pima tejido a mano en un telar tradicional. De la diseñadora Ana María Guiulfo lució un conjunto colorido a rayas que destacó entre los mejores looks de los asistentes. Una elección que no solo suma visibilidad, sino que reafirma el lugar de Perú dentro de la conversación global de la moda.

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La gira continuará por Tokio, Seúl, Shanghái, Nueva York y Londres. Y la pregunta es inevitable: ¿repetirán este formato celebrando el talento local en cada destino? De ser así, estaríamos frente a una de las estrategias de moda más interesantes de los últimos años, donde cada ciudad no solo recibe una película, sino también una plataforma.

Esto recién comienza. Y si algo nos ha enseñado El diablo viste a la moda, es que la moda cuando se hace bien no es superficial: es narrativa, es identidad y, sobre todo, es poder.

Seguiremos atentos. Porque si algo está claro, es que este elenco aún tiene mucho que decir… y que vestir.//

El concierto más esperado del año hace historia en Perú. BTS ofrecerá dos conciertos en Lima los días 9 y 10 de octubre en el Estadio San Marcos, donde se espera dos shows inolvidables. Este martes 7 de abril comenzó la preventa de entradas; sin embargo, a pocas horas de su lanzamiento se agotaron.

Ante la gran expectativa que generó el concierto de los artistas surcoreanos en Perú, el Army (club de fans oficial de BTS) hizo cola virtual desde temprano para obtener los boletos. Ahora, se confirmó en la web de Ticketmaster que las locaciones que fueron puestas en preventa están agotadas.

A través de las redes sociales diversos fans compartieron su alegría por haber conseguido un boleto para los conciertos de BTS en Perú; sin embargo, otro gran grupo lamentó que las entradas se hayan agotado.

Como se sabe, BTS ofrecerá dos conciertos en Lima como parte de su gira mundial. La llegada del grupo surcoreano a la región marcará un hito importante ya que será la primera vez que lo haga con sus siete integrantes (RM, Jin, Suga, J-Hope, Jimin, V y Jungkook) luego de una pausa musical de varios años.

En Perú, BTS ofrecerá dos conciertos los días 9 y 10 de octubre. Ambas fechas forman parte del tramo sudamericano del tour, que incluye ciudades como Bogotá, Santiago, Buenos Aires y São Paulo, consolidando a Lima como una parada clave dentro del circuito internacional del K-pop.

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Para esta presentación se espera un despliegue de producción de gran escala con el escenario en formato 360° para que los fans de todos los sectores puedan disfrutar del show sin problemas.

A Isabel Allende le encanta el término “cocina literaria”. Su día de trabajo empieza con el sabor del café, bien cargado aunque no muy amargo. A esa primera taza le seguirán otras hasta que las palabras, cómo ingredientes que se van integrando en un sabroso caldo, vayan encontrando nuevos sentidos y suelten sus sabores sutiles.

Hay tantas recetas y métodos de creación como hay cocineros y escritoras, aunque son relativamente pocos los que se sientan a compartir sus secretos. Y en “La Palabra Mágica”, su más reciente libro, la autora chilena se anima a hacerlo.

— En tu libro recuerdas cuando olvidaste el manuscrito de “La casa de los espíritus” en una peluquería y que al volver, lo reencontraste en la basura de aquel salón. ¿Buscas reivindicar al escritor distraído?

No, mira: yo trabajaba doce horas diarias en un colegio entonces. Corría como un enano porque tenía que hacerme cargo también de todas las cosas de la casa. Tenía una vida muy difícil y en aquella época no existía ninguna de las facilidades que tenemos hoy. Tenía un solo manuscrito en una bolsa que llevaba conmigo como si fuera un recién nacido. ¡Y se me fue a quedar en la peluquería! Yo creo que fue casi una metáfora de cómo el tremendo esfuerzo que supone escribir algo muchas veces va a dar a la basura. Uno escribe porque ama el proceso, pero también porque quiere comunicarse. Y tantos escritores se quedan con el manuscrito, si no es en la basura, en una gaveta.

— ¿Si el camión de la basura se lo hubiera llevado, lo habrías reescrito?

Yo creo que sí. Por supuesto, habría sido otro libro. Pero el proceso de escribirlo me salvó la vida. Yo iba a cumplir 40 años y estaba seca por dentro, sentía que mi vida no iba a ninguna parte. En el fondo, pienso que “La casa de los espíritus” fue un ejercicio de nostalgia. De tratar de recuperar todo lo perdido: mi país, la familia, los amigos, las anécdotas, el ambiente, todo lo que yo recibí de niña. Fue tan rico ese proceso, tan sanador, que lo habría hecho de nuevo.

— ¿Qué libros sobre el proceso de escritura te apasionan especialmente?

Ninguno. Yo no estudié literatura. No sabía que existían talleres, cursos, clases. No tenía idea de la industria del libro tampoco. Había sido periodista, andaba en la calle reporteando, sin pensar en literatura. Y nunca tuve un libro de referencia de cómo escribir. Pero me leí con pasión todo el “Boom” latinoamericano. Esa fue mi gran inspiración. Ese coro de voces múltiples, diferentes pero armónicas, que nos contaron un continente.

— Eres de las escritoras que afirman que un trauma, o una experiencia fundamental en la vida definen la vocación literaria. ¿Es necesario un dolor original para ser escritor?

Mira, yo no sé. Hay escritores que han podido escribir sin salir nunca de su casa, pero que tienen la imaginación y la empatía suficiente para ponerse en cualquier caso. Pero yo creo que de las experiencias dolorosas, difíciles, nace el deseo de exorcizarlas. Esos demonios que se quedan con uno y que necesitas ventilar. Y encuentra maneras que, a veces, son muy torcidas. Eso me pasó, por ejemplo, con “La isla bajo el mar”. No sabía por qué yo estaba escribiendo durante cuatro años un libro sobre la esclavitud en Haití. Pero cuando terminé el libro, me di cuenta que trataba sobre la impunidad del poder absoluto, un tema que me ha atormentado desde chica. Yo creo que es de ahí de donde sale, aunque no estés consciente de eso. ¡Por eso me cuesta tanto escribir una novela romántica! Yo quisiera ser una novelista romántica, pero no me sale. Mi experiencia de vida no ha sido esa. En cambio, podría escribir una sobre asesinatos, eso de todas maneras.

— ¿Sueñas con escribir tu propia Madame Bovary?

No. A veces me han preguntado qué libro me habría gustado escribir. Y yo siempre digo que “Harry Potter”. Porque la novela de J.K. Rowling puso a leer a una generación completa de niños, completamente absortos.

— Citas a Nietzsche diciendo, “Si me dan una hoja de papel y algo para escribir, podría poner el mundo al revés.” La frase se parece mucho a la dicha por Arquímedes sobre la palanca: “Denme un punto de apoyo y moveré al mundo”. ¿Es la escritura una palanca?

Muy pocos libros tienen el poder de cambiar algo fundamental. Cito siempre “La cabaña del tío Tom”, que hizo por el movimiento anti esclavista más que todo lo hecho antes por los abolicionistas. ¿Por qué? Porque tocó gente que nunca habría escuchado una voz que hablara sobre el fin de la esclavitud. Les cayó la novela en las manos y se dieron cuenta de que la esclavitud era el pecado de su nación, y cambió toda una manera de pensar. Cuando escritores latinoamericanos como Vargas Llosa o García Márquez escriben sobre dictadura, penetran en un medio donde no llegan otros discursos. Y obligan a pensar. Yo no creo que puedas mover el mundo con un libro, pero sí puedes sacudir conciencias.

— ¿Cuánto influye la familia en un escritor? ¿El miedo a ventilar misterios familiares puede cortar la inspiración?

Yo recibo mucho correo. Me llegan a menudo cartas de personas que quieren escribir algo que les pasó: un divorcio, un cáncer, lo que sea. Y entonces me dicen que temen la reacción de la familia involucrada en el libro. Yo les digo siempre que pongan en la balanza la opinión de esta gente por un lado y por otro la necesidad absoluta de contar la historia. Cuéntala y después vemos, podemos cambiar los nombres, editamos, ¡pero cuéntala! Cuando mi mamá leyó “La casa de los espíritus”, se molestó mucho. Decía que estaba exponiendo muchas cosas. Lo que más le molestó fue que le había puesto el nombre de mi padre al villano. Acepté cambiar el nombre, que no me costaba nada. Pero si mi mamá me hubiera pedido que eliminara algo de la novela, no lo habría aceptado. Si me dan a elegir entre ofender a la familia o contar la historia, yo cuento la historia. Si se ofenden, ¡qué le vamos a hacer!

— “Tengo una pegatina en la puerta del refrigerador que me recuerda que no es necesario ser genial, lo bueno es suficiente”, escribes. ¿Es necesario bajar un poco las expectativas en el proceso creativo?

En una ocasión fui con mi hija Paula a dar unos cursos en Clermont. Yo no había enseñado nunca nada, y antes de entrar a la clase, Paula me dice: “Dile a tus estudiantes que escriban una mala novela”. “Pero, Paula, ¿cómo?”, pregunté. “Sí”, me responde, “Porque si se proponen escribir la gran novela americana, no van a empezar nunca”. Lo malo se puede corregir, pero lo que no está en el papel no existe. Entonces, dale, empieza, lánzate. Ya uno verá cómo flota. Pero no se puede esperar ser un perfecto nadador antes de lanzarse al agua. Es un poco arrogante pensar que uno es capaz de escribir una novela perfecta.

— ¿A nivel de estilo, cómo llevas la manía con las palabras? ¿Te peleas con los adjetivos, con los adverbios, con los gerundios?

Procuro no caer en el cliché. No diré que “Fulanita tenía ojos verdes”; voy a decir que “tenía ojos de espinaca”. Busco lo diferente. Trato que mis frases sean claras, aunque sean largas, aunque tengan adjetivos. Me llegan a veces correos de aspirantes a escritores, y no entiendo lo que dicen. Es tal el barroco, le dan tantas vueltas a las cosas, que no se les entiende. Cuando leo mis primeros libros siento que recargaba demasiado el lenguaje. Después de cuarenta años viviendo en inglés, me han depurado el castellano. Para los latinos, es casi una falta de cortesía ir directo al grano. En Estados Unidos no quieres que el otro pierda tiempo, y eso me ha ayudado mucho en depurar el lenguaje.

— Me llama la atención cómo en tu libro vinculas tu disciplina literaria con la disciplina militar de tu abuelo. Coincides totalmente con Vargas Llosa en eso.

Yo aprendí la disciplina por mi abuelo. Me crié en la escuela del rigor, aprendiendo que la vida no es fácil, que uno no viene a este mundo a pasarlo bien, que uno viene a este mundo a trabajar, a sufrir, a hacerse fuerte. Y me ha servido inmensamente en la vida, sobre todo en el exilio y la escritura.

— ¿Crees que el lector de hoy es menos capaz que antes?

En general, sí. Hace 50 años, lo que había era literatura. No existían las miniseries. Había la costumbre de leer. Y se empezaba a leer desde chico. Salvo el cine, no había otra entretención. Ahora hay muchas otras distracciones. Los jóvenes tienen miedo de la página de papel porque están acostumbrados a la pantalla. La gente quiere todo resumido. Los libros ya no pueden ser largos porque el editor te los rechaza.

— ¿Y cómo va el proceso de escribir tus memorias? ¿Será una continuación de “La suma de los días”?

¡Ya la terminé! Será distinta. Son sólo diez años, desde mi divorcio de Willy (William Gordon) con quien estuve 28 años. Es el tiempo en que estuve sola y encontré otro amor. Todo el mundo se divorcia, todo el mundo se vuelve a casar. ¡Pero no a mi edad! Cuando me separé a los 74 años, la gente no lo podía creer. Pero pienso que es mucho más difícil quedarse en algo que no funciona que estar sola. Entonces vendí la casa enorme y me compré una casa chiquita, con un solo dormitorio y una cama para terminar mis días con mi perra. Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes que me cayera otro marido. Nos habíamos recién conocido y nos pescó el Covid allí. Cuando se enfermaba él, yo dormía en el sofá. Y cuando me daba a mí, también dormía en el sofá, porque él no cabía. Ahora tenemos una casa con dos camas. Es una memoria sobre la vejez, sobre el amor a cualquier edad.

A la cuenta de tres, los actores argentinos Valentina Zenere (29 años) y Santiago Achaga (26 años) describen la serie de romance, crimen y juventudes en excesos, “Amor animal”, con una sola palabra: “Pasión”, dicen en una entrevista virtual con este diario. Con aspecto de barrio, canciones de trap y besos sin preguntar, el nuevo título de Sebastián Ortega —creador de las populares series en streaming “El Marginal” y “En el barro”— revela otra exploración de lo peligroso y al borde de la ley en Argentina.

Barrio y pasión

La serie de Underground, una división de Telemundo Studios, se pinta con una colorimetría de filme desaturado, aunque el título sugiere un romance argentino atravesado por triángulos amorosos. En este territorio, el amor se vuelve impulso hacia un buen futuro pero, a veces, detonante de un crimen por acoso sexual. Sigue a Kaia (Tatiana “Tatu” Glikman) y su nuevo descubrimiento de hombre vulnerable, Nico (Franco Masini), en una fiesta. El primer encuentro tiene a Kaia rapeando ante un joven apuesto, distante en lo social, respecto al mundo marginal que ella habita. Él acaba de salir de rehabilitación por una crisis de salud mental. Carga todavía con el eco de la terapia y sus padres en conflicto, así que se refugia en la casa de Santos (Achaga), joven millonario de élites modernas, anfitrión de fiestas lujosas y líder silencioso de un grupo de amigos que funcionan como familia. Entre ellos está Justina (Zenere), modelo emergente al borde del consumo.

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En un video de Instagram, la protagonista de la serie “Amor animal”, Tatiana , dice: “Te imaginas una serie que tenga ‘El Marginal’, ‘Gossip Girl’ y ‘Euphoria’”. Incluso la propia “Élite”, de Netflix, carga también con la crudeza de la nueva propuesta escrita por Silvina Frejdkes y Alejandro Quesada. Por un lado, carga con esa química familiar de un grupo de amigos y el estilo visual de la perturbación mental de los personajes con hastío de bulla, pero con el compás particular de las conversaciones argentinas directas y desinhibidas.

“Pude sumergirme rápido en la serie, porque he vivido muchas cosas del universo de Justina. Porque tengo muchas amigas modelos y conozco los ambientes de la moda”, dice Valentina Zenere. “Ya extrañaba este tipo de series y qué bueno que sea hecha en Argentina”.

“La Biblia dice: ‘No hay nada nuevo bajo el sol’. Es algo que me encanta, porque eso viene mucho en la creatividad. Y los artistas roban y se inspiran en otros artistas. Entonces no es que esta se parezca a otras series, pero está bueno entender las similitudes y saber que no es lo mismo”, dice.

El elenco de “Amor animal” lo completan nombres como Olivia Nuss, Toto Rovito, Ariel Staltari, Inés Estévez, Antonio Birabent, Juan Sorini, Evitta Luna y Juan Cottet. Los 8 primeros episodios se estrenan el 20 de marzo en Prime Video.

Confesiones

Zenere, recordada por su paso en “Élite”, cambia el rubio de su personaje Isadora por el negro azabache de Justina, una joven modelo con problemas de adicción que acaba de llegar a Buenos Aires para reencontrarse con sus amigos, liderados por Santiago (Achaga). “Me parece que muchas veces se confunde cuando hay algún factor parecido de otra serie. Creo que lo único que las une es la droga y me refiero a esas adicciones, que vienen desde el ‘dónde uno consume’. Están tapando algo al llegar a esa enfermedad, es lo que es”, dice la actriz sobre sus interpretaciones.

En ese universo donde los amigos muchas veces ocupan el lugar de los padres, Santiago deja caer parte de su experiencia personal en el personaje de Santos, quien carga con ese rol protector dentro de un grupo de jóvenes. Achaga considera que ha formado una nueva “familia” en la producción de “Amor animal”. En la serie, Justina y Santos pasan sus días en una mansión con piscina, preguntándose cómo están, atentos a la salud mental y física de sus amigos y tapando los trapos sucios cuando hace falta.

“Esencialmente es una historia de amor de dos mundos que no pertenecen (referencia a Kaia y Nico). Es un amor prohibido de alguna forma, o si se podría llamar así, que va evolucionando y va escalando”, dice Achaga.

En la entrevista, la primera reacción de Achaga al escuchar “Perú” fue preguntar por Lima. Junto a su hermana, Macarena Achaga, protagonista de la adaptación de “Travesuras de la niña mala”, el actor argentino viajó para acompañarla a unas grabaciones y aprovechó para recorrer la capital peruana. “Es una hermosísima ciudad, hermosísima para surfear una de las mejores izquierdas”, comenta, en referencia a las olas limeñas.

Los hermanos Achaga sostienen un vínculo mediático que cruza Argentina y México. En este último, Macarena es conocida por su relación con el influencer Juanpa Zurita. “Sin mi hermana, yo no estaría aquí. La verdad es que si estuviera vivo sin mi hermana, sería un milagro”, dice Santiago, cabizbajo, jugando con el dedo sobre el sofá.

Como en la vida misma, la serie habla de un grupo de jóvenes llenos de pasión por el riesgo que todos deciden correr. Y en ese filo —entre el deseo y la caída— sus personajes encuentran una forma de existir, aunque el costo sea alto.

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El video musical de “SWIM”, dirigido por la realizadora ucraniana Tanu Muiño y con la participación de la actriz Lili Reinhart, ubica a los integrantes de BTS (Bangtan, como los llaman) en un barco en medio del mar. Captó a los fans del ejército global de la banda surcoreana (llamados ARMY) y eso reflejaron sus cifras: superó los 5.5 millones de reproducciones en YouTube a los pocos minutos de su estreno y rebasó los 28 millones en su primer día en la plataforma.

“Nombra un lugar, en este mapa, donde yo pueda respirar, mundo”, dice una estrofa de “SWIM”. En esencia, BTS regresa al mundo de las canciones, pero también lo hace enfrentando una etapa de transformación que sigue su fama global y su transición de jóvenes a adultos tras el internamiento por servicio militar en Corea del Sur.

No se trata solo de volver, sino de adaptarse a un entorno que cambió mientras ellos estaban ausentes, y eso lo intentan traducir en forma de metáforas musicales en el nuevo álbum “Arirang”, “SWIM” ocupa el lugar 7 del tracklist de 14 canciones originales. En particular, esta canción y su videoclip, producidos por Tyler Spry, Leclair, RM, entre otros, proponen “nadar” (“swim” en inglés), incluso cuando el entorno es incierto, como quien sigue nadando en medio de una corriente que no siempre se puede controlar.

Simbolismos de “SWIM”

• El mar y el barco

El mar y el barco son el eje visual más evidente. El agua, en este caso, funciona como una metáfora de las emociones, la incertidumbre y los cambios constantes. No hay tierra firme, solo movimiento. El barco, en cambio, representa el espacio colectivo: el grupo que se sostiene a sí mismo mientras atraviesa ese entorno inestable. La travesía no es únicamente física. Es un recorrido interno que dialoga con los últimos años de BTS, marcados por pausas, la decisión de abrirse camino como solistas y un regreso que los pone nerviosos, pero apuestan por un nuevo equilibrio.

• “Descansar”

El concepto de “descansar” aparece como un matiz menos evidente, pero significativo. Según explica la docente de literatura coreana de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos y del Centro de Estudios Orientales PUCP, Daisy Saravia, existe un juego fonético entre “SWIM” y el verbo coreano 쉬다 (swida), que significa descansar o tomar un respiro. La canción, entonces, se mueve en una tensión interesante: avanzar sin detenerse, pero también encontrar momentos de pausa dentro del movimiento.

“Si bien ‘SWIM’ de BTS se relaciona más con seguir avanzando (수영하다, nadar) que con descansar (쉬다), el juego de palabras puede generar matices poéticos sobre moverse y a la vez encontrar calma”, dice Saravia.

• Lili Reinhart

La presencia de la actriz Lili Reinhart, recordada por la película “Hustlers” y la serie “Riverdale”, entra en otro contexto en el videoclip de BTS. Su presencia refuerza la dimensión introspectiva. Su personaje aparece en soledad, observando el mar o interactuando con objetos, como si estuviera en un proceso de reflexión silenciosa. No forma parte directa del grupo, pero funciona como un espejo de su vulnerabilidad. Representa al individuo dentro de una historia colectiva, una figura que observa, procesa y, de algún modo, acompaña sin intervenir.

• “Arirang”

Tal como Saravia pronosticó en una nota anterior al lanzamiento del disco, “SWIM” es un resumen perfecto del alma del disco “Arirang”, título remite a una de las canciones folclóricas más importantes de Corea del Sur. Asociada al dolor, la separación y la resistencia emocional, en ambos casos, la canción y el disco quieren demostrarle al público que pueden conectar con sus raíces coreanas para tener la fuerza que los hará avanzar a pesar de las emociones que podrían frenarlos.

El regreso de BTS, con un disco lleno de madurez, masculinidad y sofisticación de parte de la banda surcoreana, es aún más profundo de lo que los fans estaban esperando.

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A las ARMY, el fiel ejército de seguidores de BTS, se les quebró la voz al escuchar por primera vez el nuevo álbum de la agrupación surcoreana más influyente del pop global. Tras casi cuatro años de pausa, la banda regresa con “Arirang”, su nuevo álbum de 14 canciones. El disco que fusiona hip-hop con la tradición coreana, junto a una multitudinaria presentación en Seúl ante 104 mil asistentes, funcionó como antesala del fenómeno que, de seguro, se extenderá durante todo 2026. Con mayor razón, los fans peruanos ya se preparan para tener a los siete miembros en su próxima parada confirmada el 9 y 10 de octubre en el Estadio San Marcos.

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A través de sus canales oficiales, Live Nation anunció que la banda (RM, Jin, Jimin, Jungkook, Suga, J-Hope y V) se presentarán en Lima como parte de su gira mundial “World Tour Arirang”. La sorpresa es que el espectáculo en Lima contará con un formato 360° para ampliar la visibilidad de los fans, quienes cuentan con formato de compra de entradas exclusiva desde su pre-registro en la aplicación Weverse.

La venta general de entradas comenzará el viernes 10 de abril a las 10 a.m. a través de Ticketmaster, con una estructura de precios dividida en tres zonas: tribunas norte y sur a 483 soles, tribunas oriente y occidente a 667 soles, y campo a 851 soles.

Las fechas en Lima forman parte de una gira que iniciará en abril de 2026 en Goyang, Corea del Sur, y recorrerá ciudades de Asia, Japón, Norteamérica, Europa, Reino Unido, Latinoamérica y Australia. El recorrido marca el regreso del grupo a los escenarios tras una pausa cercana a cuatro años por la extensión de los miembros de la banda como solistas, sumado al cumplimiento del servicio militar obligatorio hasta junio de 2025.

Récord de “Arirang”

Se trata del grupo de k-pop con hitos que van desde alcanzar el #1 en la lista Billboard Hot 100 con la canción popular “Dynamite” (2020) hasta superar los 4,17 millones de copias vendidas con el lanzamiento “Arirang” (2026) en su primera semana, según Hanteo Chart. La cifra establece un nuevo récord en la carrera del grupo, al superar las ventas iniciales de “Map of the Soul: 7”, su último álbum con letras originales antes de la pausa.

El disco alcanzó el primer lugar en iTunes en más de 80 regiones y lideró los rankings de Apple Music en 115 países, mientras que su sencillo principal, “Swim”, se mantuvo en el puesto número uno del ranking global diario de Spotify durante seis días consecutivos.

Últimas presentaciones de BTS

De acuerdo a su agenda, BTS ofreció un concierto gratuito de regreso en la plaza Gwanghwamun (Seúl) transmitido por Netflix. Ello continuó con la presentación de la banda en “The Tonight Show Starring Jimmy Fallon” (Estados Unidos) y el estreno de un documental que cuenta el detrás de cámaras de la creación del disco donde, por primera vez, los siete integrantes tienen crédito por la escritura y producción de las letras.

Autodesignarse “héroes” o “leyenda” de la música k-pop es algo que les produce “alergia” a BTS, así lo afirmó RM, líder de la banda surcoreana, en el documental de Netflix, “BTS: El regreso”. Aunque se gasten en modestia, nada pueden hacer con los hitos de su carrera en Corea del Sur y el mundo, pues son “el fenómeno de la música coreana”, “la boy band más grande desde One Direction”, “el mayor grupo musical del mundo”, les asignó la prensa tras su debut en 2013 y su repunte en 2020. Más de una década después, sus fans (ya adultos) les podrán gritar su amor en vivo desde Perú, un país que ojalá y los inspire para hacer nueva música en el futuro.

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ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: pondrá en marcha acciones audaces que protegen sus logros y evita riesgos. Amor: un clima de desconfianza provocará roces y asperezas; el diálogo será necesario.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: una actividad relacionada con la producción de proyectos, estará beneficiada. Amor: un gran logro será expresar con claridad sus sentimientos y la atracción crecerá.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: en escenario cambiantes, sorprenderá a los demás por su capacidad. Amor: actitudes rígidas no ayudarán y atraerán el error y la confusión, habrá que dialogar.

CÁNCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: muchas propuestas, pero pocas con buen pronóstico; volverá a lo suyo para ganar. Amor: en la pareja habrá reproches porque una promesa ya no se cumplirá.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: llegará gente que le causa desconfianza y querrá resguardar su proyecto. Amor: una relación nueva será todo lo que espera y más pero algo le causará extrañeza.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: favorable para resolver litigios o cuestiones legales de cierta antigüedad. Amor: surgirán fricciones por personas que siembran confusión, pero los alejará.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: su mejorada imagen personal será importante al hablar de negocios. Amor: aunque surjan diferencias en la pareja, tomará iniciativas para un grato encuentro.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: aplicará estrategias exitosas y su habilidad comenzará a beneficiarle. Amor: las vueltas y rodeos que da una persona le inquietará pero será solo timidez.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: se avecinan beneficios económicos y mejores propuestas. Amor: vivirá una comunión íntima en la pareja que permite soñar con lo más deseado.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: se avecinan cambios que no le sorprenderán. Estará preparado. Amor: las sensaciones que provoca su encanto no serán pasadas por alto en el entorno.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: dirigirá un buen proyecto, por lo que generará cooperación para los cambios. Amor: iniciará lo que cree es el romance más esperado luego de algunos desencantos.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: la buena fortuna llegará para quedarse y los beneficios fluirán a sus manos. Amor: por casualidad, hallará un motivo para preocuparse y no debiera dejarlo pasar.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: FRANCA Y LEAL CUANDO ESTÁ EN PAREJA SIEMPRE QUE RESPETEN SU LIBERTAD.

El esperado regreso de Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci en “El diablo viste a la moda 2” está cada vez más cerca. La secuela, que llega 20 años después del debut del filme original, lanzó su tráiler final y presentó la canción original de la película a cargo de Lady Gaga y Doechii.

El lanzamiento oficial del tráiler de “El diablo viste a la moda 2” ha confirmado la fecha de estreno en cines para el 30 de abril, además de revelar la canción original “Runway”, interpretada por los artistas internacionales Lady Gaga y Doechii.

En noviembre de 2025 se lanzó el primer vistazo de la cinta con el regreso de ‘Miranda Priestly’ junto a ‘Andy Sachs’. Luego, en el mes de febrero de 2026, se presentó el tráiler oficial, donde se confirmó el retorno de ‘Emily Charlton’ y ‘Nigel Kipling’, pero sin mayores detalles.

Ahora, a pocas semanas de su estreno a nivel mundial, el nuevo y último tráiler deja ver el conflicto que enfrentará la revista Runway. Además, el avance permite a los fans conocer algunos elementos clave de “El diablo viste a la moda 2”.

La película vuelve a estar dirigida por David Frankel, con guion de Aline Brosh McKenna, y bajo la producción de Wendy Finerman. A este filme se suma nuevos nombres al elenco como Kenneth Branagh, Simone Ashley, Justin Theroux, Lucy Liu, Patrick Brammall, B.J. Novak, Pauline Chalamet, Conrad Ricamora, Helen J. Shen y Caleb Hearon. Además, Tracie Thoms y Tibor Feldman retoman sus papeles como ‘Lily’ e ‘Irv’, respectivamente.

Novedades en el tráiler final de “El diablo viste a la moda 2”

El adelanto del nuevo tráiler de “El diablo viste a la moda 2” muestra a ‘Andy Sachs’ regresando a las oficinas de Runway junto a ‘Amari’ (Simone Ashley), la nueva asistente de ‘Miranda Priestly’. En una escena cargada de nostalgia, ‘Andy’ recuerda su pasado en la revista mientras recorren espacios llenos de alta costura, oficinas acristaladas y pasillos llenos de movimiento.

A lo largo del tráiler, el conflicto central se intensifica: ‘Miranda Priestly’ enfrenta un escándalo que afecta la reputación de la revista, con memes virales y críticas en redes sociales que ponen en duda su credibilidad, aumentando la tensión dentro de Runway.

La parte final del tráiler presenta a una ‘Miranda’ más relajada, confesando que ama su trabajo, en contraste con la actitud exigente que mantiene, que durante todo el adelanto parece empeñada en malograrle la vida a ‘Andy’.

La película llegará a los cines el 30 de abril en Latinoamérica, incluido Perú, mientras que en Estados Unidos y Canadá su estreno será para el 1 de mayo de 2026.

En algún lugar de la casa de José María ‘Chema’ Salcedo debe seguir guardado el guion de una segunda película sobre Los Shapis. Era una de esas ideas que, como tantas otras en su trayectoria, podían esperar. Hoy, tras fallecer a causa de una descompensación vinculada al cáncer, ese y otros proyectos quedan suspendidos como una muestra de que, incluso cerca del final, Salcedo aún tenía tela de donde cortar.

Nacido en Bilbao en 1946, hijo de un combatiente de la Guerra Civil española, llegó al Perú a los cuatro años como migrante y pasó su infancia, adolescencia y adultez en Miraflores, distrito que en 2021 lo condecoró con la Medalla Cívica Municipal. Su propia historia —la de alguien formado entre dos orígenes— marcó su manera de observar al Perú: un territorio atravesado por historias que merecían ser contadas.

Su trayectoria pública se sostuvo durante más de cinco décadas en el periodismo. Inició en el diario “La Prensa” en 1974 y posteriormente se consolidó como cronista en la revista Quehacer, donde abordó temas como la cultura popular urbana —incluida la música chicha en Lima— desde una perspectiva analítica poco habitual en su momento. Más adelante, asumió cargos de dirección como jefe del diario “Marka” y presidente del directorio del IRTP, ampliando su influencia en el ecosistema mediático nacional.

A ese recorrido se sumó también su labor como formador. Durante varios años dictó cursos de posgrado en radio y periodismo, trasladando a nuevas generaciones una manera de entender el oficio basada en la escucha, la verificación y la claridad antes que en el impacto inmediato. Esa dimensión pedagógica, menos visible que su trabajo en medios, terminó siendo una extensión natural de su práctica profesional.

En 1984 realizó una de sus investigaciones más recordadas al internarse como falso paciente en el Hospital Víctor Larco Herrera para documentar las condiciones de la salud mental en el país. Durante la década de 1990 se incorporó a RPP, donde acompañó al público desde “La rotativa del aire”, “Ampliación de noticias” y “Encendidos”, siendo director de noticias entre 1997 y 1999. Fue también durante su periodo en RPP donde consolidó un estilo reconocible por su claridad expositiva, especialmente en espacios como “Así de Claro”.

Un hombre diverso

En paralelo a su trabajo en medios, Chema Salcedo desarrolló una producción intelectual sostenida que incluyó libros de crónica e investigación. Entre ellos destacan “Uchuraccay. Testimonio de una masacre”, donde abordó uno de los episodios más complejos de la violencia política en el Perú, y “El jefe. De ambulante a magnate”, centrado en el crecimiento del emporio comercial de Gamarra.

Ese interés por explicar el país desde distintos ángulos también se expresó en otros títulos como “El vuelo de la bala”, “Ruidos” o “El libro de las sospechas”, así como en compilaciones que reúnen décadas de trabajo periodístico. En todos ellos aparece una constante: la necesidad de ir más allá del dato inmediato para construir contexto, incluso cuando eso implicaba incomodar certezas instaladas.

El interés por narrar lo llevó al cine, donde participó como guionista en la película “Alias la gringa” (1991), en colaboración con José Watanabe y el director Alberto Durant, y también trabajó en proyectos junto al cineasta boliviano Antonio Eguino. Esa misma línea se extendió al documental, un terreno en el que desarrolló una obra consistente con títulos como “Amazónico hoy”, premiado internacionalmente, “Asháninka” (2010), “Aita, padre” y “Rwanda, mi última utopía”, donde trasladó su mirada a contextos diversos sin perder el enfoque humano.

Su vínculo con la cultura también se expresó en el teatro. Participó en la puesta en escena de “Ubú Presidente”, dirigida por Luis Peirano, y más adelante desarrolló propuestas personales como el unipersonal “Tu amor es mi enfermedad”, donde abordó su experiencia frente al cáncer desde un registro íntimo, combinando relato, música y reflexión. Y, en otra de sus facetas, fue candidato a la alcaldía de Miraflores por Izquierda Unida en 1989, año en que Alberto Andrade Carmona ganó las elecciones municipales.

En 2018 se sometió a una cirugía exitosa contra el cáncer. Sin embargo, en sus últimos años, ya desde PBO Radio, las señales del deterioro de su salud eran cada vez más evidentes. A inicios de este año decidió retirarse de los micrófonos. No dejó una despedida solemne ni un cierre definitivo. Como en sus mejores momentos al aire, prefirió apartarse sin ruido, dejando que fueran las historias —y no él— las que siguieran hablando.

Hay varios aspectos en “Proyecto fin del mundo” que delatan sus grandes ambiciones: su renuncia a las pantallas verdes como forma de recrear escenarios enteramente digitales; la inclusión de marionetas robóticas en vez de figurines hechos a punta de píxeles; o incluso la incorporación en su elenco de una actriz como la alemana Sandra Hüller, proveniente más bien del círculo europeo y del cine de autor (este debe ser su primer trabajo para un gran estudio de Hollywood).

Desde luego, no hay nada de malo en esas grandes aspiraciones. Pero comparadas la expectativa y el resultado, la cinta dirigida por Phil Lord y Christopher Miller termina sabiendo a poco; o por lo menos luciendo mucho menos profunda, compleja o audaz de lo que prometían su premisa y su aparato publicitario. Tal vez el principal defecto de la película es la forma en que se ha venido anunciando, y el sobredimensionamiento de una historia que es más bien ligera y sin pretensiones. Aparentar otra cosa termina haciéndole daño.

Protagonizada por Ryan Gosling, la cinta cuenta la historia de un científico que despierta de un coma inducido dentro de una nave espacial. Sus dos compañeros de tripulación ya están muertos, así que Ryland (ese es su nombre) va descubriendo de a poco, recordando por partes, que su misión es atajar una extraña sustancia que parece estar provocando la extinción del Sol y, con ello, de toda la vida en la Tierra.

Narrada prácticamente en su totalidad en tono de comedia, “Proyecto fin del mundo” ironiza con la soledad de su protagonista: perdido en el espacio, deambulando entre los fríos interiores de su nave, intentando encontrar detalles que reactiven su memoria. El carismático Gosling ejerce un correcto trabajo en ese sentido, y la gracia de la cinta aumenta cuando, de pronto, el personaje consigue entablar contacto con un alienígena tan aislado como él: la dinámica entre estos seres extraños, que se las ingenian para comunicarse, es de lo más divertido de la cinta

En paralelo, el guion va revelando lentamente las razones de la expedición. Lo hace a través de ‘flashbacks’ (aquí es donde aparece Hüller, como la implacable jefa de la misión), que si bien al principio guardan cierta intriga e interés, terminan alargándose (le sobran por lo menos 30 minutos, valgan verdades), diluyéndose en sus idas y vueltas, y perdiendo peso frente a la narración central.

Aquí es cuando entendemos que la película de Lord y Miller es, en esencia, un producto comercial correctamente confeccionado, pero no un relato que nos confronte con algo superior. No tiene, desde luego, ni las inquietudes filosóficas del “2001” de Kubrick ni la emotiva introspección del “Solaris” de Tarkovsky; pero tampoco llega a mostrar la inventiva de cintas más recientes como “Moon” (Duncan Jones, 2009) o “The Martian” (Ridley Scott, 2017), que confirman que el subgénero espacial tiene muchísimo por ofrecernos.

La nueva película de Super Mario, que llegó a cines de todo el mundo el 1 de abril en plena Semana Santa, ha arrasado su estreno mundial con un total de 372 millones de dólares de recaudación, el mayor éxito de taquilla en lo que va de 2026.

“Super Mario Galaxy: La película” recaudó 190,1 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, y contó con una recaudación de 182,4 millones de dólares en otros 80 países, según datos de la web Box Office Mojo.

El estreno ha batido varios récords: es el quinto mejor estreno de la historia para una película de animación y el cuarto mejor para un lanzamiento de un estudio de Hollywood, solo superado por “Zootopia 2”, “Moana 2” y “Super Mario” -sin ajustar inflación-, según relata Hollywood Reporter.

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Super Mario se ha convertido en la única franquicia de una película animada inspirada en un videojuego con dos títulos que superaron los 350 millones de dólares en su estreno.

La primera película de Mario Bros -estrenada en la Semana Santa de 2023- recaudó 375 millones en su estreno en todo el mundo. A lo largo de varias meses en cartelera, recaudó en total 1.300 millones de dólares.

“Proyecto Salvación” que ha liderado la taquilla durante las últimas dos semanas con Ryan Gosling como protagonista, baja esta semana al segundo puesto y acumula 420 millones de dólares en todo el mundo.

En el tercer puesto, la comedia negra “The Drama”, con Zendaya y Robert Pattison, ha recaudado esta Semana Santa 26 millones de dólares en todo el mundo, 14 de ellos solo en Estados Unidos y Canadá.

“Hoppers” se queda en el cuarto puesto de la taquilla de Estados Unidos y Canadá con 5,8 millones de dólares y acumula 512 millones de dólares en todo el mundo, mientras que “No te olvidaré” alcanza 79 millones de dólares de recaudación.

La lectura de “Todos los muertos de mi felicidad”, de Gabriel Rimachi Salier, nos mueve a formular algunas cuestiones. Se habla mucho de los narradores que apuestan por nuevos caminos que los alejen del imperante realismo, pero tal vez no se ha tratado lo suficiente a quienes intentan renovar las estructuras, motivos y temas de la vertiente realista sin escapar a sus influjos. Rimachi nos llama a tomarlo en cuenta desde ese ámbito.

Hablamos de un narrador de largo rodaje (sus primeros libros, “Despertares nocturnos” y “Como en el infierno” son de los primeros años de este siglo). En su etapa inicial se mostró como un creador de buenas ideas que usualmente no eran adecuadamente ejecutadas: los desbalances de su prosa, la impericia técnica y cierta adherencia al lugar común terminaban lastrando sus proyectos. Es a partir de “La casa de los vientos”, llamativa novela sobre las tribulaciones y excesos de un joven homosexual en la Lima contemporánea, que Rimachi pega el salto al adoptar una mirada menos esquemática y más dada a una sutileza tan enrarecida como eficaz.

Rimachi cree en la tradición de la que emerge. Pero no asume ese bagaje desde la epigonalidad ni desde la claudicación mimética. Sus métodos son otros. Por ejemplo: reconocerse vargasllosiano por las vías periféricas. Ello da pie a tres de los cuentos aquí reunidos, resueltos con diversa suerte. “Elogio de la sirvienta” quiere enseñarnos las trastiendas de “Elogio de la madrastra”, pero todo lo que en un inicio promete se pierde en la anécdota no muy ingeniosa. Sale mejor parado con “¿Quién mató a Palomino Molero?”, texto revisionista del clásico policial de Vargas Llosa, al que dota de un hálito espectral insólito. Pero el que destaca es “Monsieur Hernández”, derivación no confesada a las secciones periodísticas de “Conversación en La Catedral”, que pone al día la sordidez urbana y el declive moral retratados en aquellas páginas.

Otra reconstrucción del ideal realista comparece en “Manual del ingresante”, lo más logrado de este volumen y evidencia palmaria de la madurez de su autor. En él Rimachi despliega el candente vía crucis de un inmigrante venezolano obligado a aceptar un trabajo que se vuelve más degradante con el paso de los minutos y que lo conduce a una suerte de inmolación que va más allá de su circunstancia particular para proyectarse en los humillados y ofendidos de un armagedón laboral que solo pertenece a la Lima de hoy.

Y aunque hallamos cuentos de provecho como “La vergüenza de los ahorcados”, también nos topamos con algunos que no exceden una situación bien planteada pero de conclusión insuficiente (“Ciudad solitaria”) o la pretensión fantástica demasiado alambicada (“Paraísos artificiales”). No obstante, el balance de “Todos los muertos de mi felicidad” es positivo. Hay en este libro una voz sencilla, firme, capaz de elaborar algunos pasajes de una emocionalidad contenida que valen por sí mismos. Rimachi no es un narrador sofisticado. Tampoco necesita serlo: lo suyo funciona desde la visceralidad, la intuición y una fatalidad que nunca sabe cómo transformarse en rabia. Desde ese limbo intolerable escribe.

Los cuentos de Daniella Delgado Rey (Lima, 1987), reunidos en su debut, “Precariedad de la luz”, se distinguen por la disímil elección de sus temas, por los muy diferentes escenarios que elige para plantearlos (la selva peruana, Lima, Tokio, Marruecos, etcétera), así como por la sobriedad con que los narra. Esa sobriedad es una de las virtudes más destacables del conjunto, pues Delgado Rey consigue, en pocas y breves frases, construir una atmósfera, un espacio físico o un lugar mental; hay un lirismo seco y preciso con el que define personajes, objetos y sensaciones. Lo propio ocurre con los diálogos, casi siempre lacónicos, fugaces, definitorios en su propia noción.

Si bien estos relatos no pueden englobarse en una apuesta conceptual delimitada, una de sus piedras basales es la infancia como terreno de desolación y soterrada tristeza; una edad, más que inocente, vulnerable a todo el daño y los errores que los adultos son capaces de cometer. Debo decir que los puntos de partida de esta vertiente del libro se caracterizan justamente por la austeridad de una prosa pródiga de símbolos sutiles, atenta a lo apenas sugerido y adherida a una delicadeza que sabe punzarnos con las agridulces aristas de la melancolía.

El problema es que la misma Delgado Rey duda de sus propios alcances y logros. Por ejemplo, en “Hoy te convertirás en un hombre”, la inquietud de un hijo pequeño por el desinterés de su padre, esbozado con prestancia en las primeras páginas, da paso a una genérica persecución automovilística que se decanta en un final de acartonado dramatismo. Lo mismo pasa con “El vestido guinda”: todo lo que el cuento tiene de meritorio —la descripción de una niña atrapada en la jaula de cristal de la clase media acomodada, sedienta por la atención de una madre distante— es traicionado por una conclusión de tragedia subrayada y golpe de efecto de manual. Estas indecisiones lastran aquella delicadeza, esa densidad afectiva aligerada por un lenguaje tenue y directo, como si la autora temiera que algo se le escapara al lector, como si la falta de una resolución convencional le pudiera jugar en contra.

Porque hay otras composiciones, como “La cena”, en las que esa poesía de lo no dicho funciona y nos compromete con la angustia y el vacío de su solitario protagonista. O en el cuento inaugural, “Río arriba”, una travesía por los meandros de la selva amazónica que es al mismo tiempo una silenciosa rebelión hacia la miseria, el patriarcalismo y la ingrata cotidianidad de una mujer decidida a interrumpir un embarazo. O “Camino de hielo”, que trata la metáfora de los animales moribundos y la extrapola sagazmente a los destinos humanos que se debaten alrededor. Por el contrario, “Agua salada” es una narración sobre los desaparecidos en Argentina que no agrega absolutamente nada al tópico; mientras que “Milagro” se entrampa en los lugares comunes de la pobreza marginal y la violencia callejera. “Precariedad de la luz” teme a su bella endeblez; cuando esa aprensión se diluya, Delgado Rey nos ofrecerá con seguridad frutos más consistentes.

Los debates son parte de nuestra vida. Debatimos con otros o con nosotros mismos. Se debate en las familias. Los padres conversan sobre si pueden dar o no permisos. Los hijos adolescentes debaten entre ellos o contra los padres. Se debate en el trabajo. Los médicos en las clínicas y hospitales hacen una junta para debatir cuál es la decisión correcta frente a un paciente con una enfermedad rara. Las reuniones en las oficinas se convierten en debates sobre qué camino tomar. El buen maestro debate con sus alumnos acerca de algún tema y, en los mejores casos, aprende de ellos. Uno podría agregar que las sesiones entre pacientes y psicólogos o entre pacientes y psicoanalistas también son modos de llegar a la verdad a través del diálogo, conducido por un experto.

Recuerdo que, en mis primeros años universitarios, algunos asistíamos a los debates que se armaban espontáneamente en la plaza San Martín entre grupos de alumnos y profesores de distintas universidades. Allí se hablaba de tendencias filosóficas o políticas, se hacían valoraciones de escritores, novelas o películas. Algunos debatían y la mayor parte mirábamos a los demás discutir. En algunos casos, era un espectáculo. En estos debates, uno puede sentirse beneficiado de encontrar un camino, gracias a las informaciones y opiniones entrecruzadas.

Esta es la idea que animó a Sócrates, el iniciador del método de la mayéutica, que consistía en encontrar en el diálogo el camino más seguro a la verdad. Precedida por la ironía, la mayéutica (cuya etimología es la de la incitación al parto) supone el descubrimiento de una verdad iluminadora como consecuencia de ese intercambio. Uno puede leer los maravillosos diálogos que Platón recogió de su maestro para ver la eficacia de ese sistema que nació en el siglo IV a.C. Eso era lo que podía verse en el ágora en Grecia, o luego en el Senado romano. Ejemplos y modelos del mismo método pueden encontrarse en la India. Su tradición de maestros y discípulos y la figura del yogui pueden dar cuenta de ello. Allí están los Upanishads y los diálogos de sabiduría.

Según leo en Internet, se piensa que los debates políticos modernos están inspirados en la mayéutica y los diálogos socráticos. Aunque los debates dirigidos al gran público ya habían ocurrido en Suecia a través de la radio, el primer debate televisado propiamente dicho fue el que ocurrió entre Nixon y Kennedy en 1960. Fue entonces cuando Kennedy apareció con todo su carisma, elegante y fluido, con un aspecto de joven idealista. Nixon, en cambio, lucía cansado, demacrado, errático. La primera vez que se organizó un debate en el Perú fue en 1966, a propósito de las elecciones municipales. Allí, en la Sala Alzedo, fue donde se consolidó la figura de Luis Bedoya frente a su opositor, Jorge Grieve.

La mayor parte de lo que hemos visto en la televisión en estos días de la campaña electoral peruana no tiene nada que ver con esta tradición. Corresponde más bien a un fuego cruzado entre los que asisten y a una exposición de sus ideas generales. Todos aparecen vestidos de distintos colores, desde el verde militar hasta el rojo y el negro. Verlos es asistir a un manicomio cromático que se refleja en el verbal. Aun así, algunos candidatos sí se han concentrado en sus programas. Esos dos o tres forman el rezago de lo que podemos llamar todavía una esperanza pequeña.

Después de 15 años y a puertas de celebrar tres décadas de fundación, la Feria Internacional del Libro de Lima (FIL Lima) cambia de ubicación. Era algo que se pedía a gritos. El Parque de Los Próceres en la Av. Salaverry, dentro de toda su belleza e historia, no era el más adecuado espacio para una feria de estas proporciones. Pasar por Salaverry entre junio y julio y ver cómo ese bosque de fierros y estructuras provisionales se iba levantando cada año era el anuncio de que la feria ya estaba cerca. Lo mismo ocurría con el desmontaje. Miles de personas generaron la costumbre de trasladarse hasta ese punto, era parte de la agenda. Y, como sabemos, las rutinas son difíciles de cambiar, pero se logra.

Ricardo Muguerza, presidente de la Cámara Peruana del Libro, organizadora de la feria, nos comenta las razones del “gran salto”: “Estamos cumpliendo 30 años de la FIL y 80 años de la Cámara Peruana del Libro, por eso creemos que es un hito muy importante dar este gran salto a la modernidad en un espacio creado para esos fines. El parque lo hemos venido forzando porque no es un lugar pensado para exposiciones: está lleno de árboles, pasto, desniveles, y todo lo hemos ido acondicionando durante 15 años”. Recordemos que la FIL Lima recibió el año pasado 540 mil visitas, llegando a picos de 60 mil personas en un día, como en un estadio.

“El único espacio que encontrarnos disponible para las Fiestas Patrias era el Centro de Exposiciones Jockey”, relata Muguerza. Saben que la gente irá donde están los libros. “Esperamos que, pasada esta etapa de resistencia que siempre hay ante los cambios, nos enfoquemos en lo que ofrece un evento de esta naturaleza. La FIL Lima se ha convertido, desde hace años, en el evento cultural más importante del país; no de Lima, del país. Y la gente no quiere perdérsela. Muchos van en familia; todos quieren estar, incluidos los lectores de provincia que pasan las Fiestas Patrias en la feria”.

Muguerza asegura que con el diseño de los dos hangares del Centro de Exposiciones Jockey —en forma de damero— la gente se ubicará muchísimo mejor gracias a la señalética adecuada, sin perderse y llegando a tiempo a sus actividades. Habrá seis salas, con un auditorio muy grande y dinámico, que puede acortarse o ampliarse según sea necesario. Nos podremos olvidar de las colas enormes que generaban reclamos e incomodidad, incluidas las que se formaban en las firmas de libros.

Será una experiencia completa: “Apuntamos a una suerte de ‘full day’ en la FIL Lima. Habrá un patio de comidas, un restaurante fijo de dos niveles en el mismo campo ferial y servicios higiénicos fijos con agua corriente, para no tener el problema de los baños portátiles”, agrega Muguerza.

Una de las grandes preocupaciones es cómo llegar al recinto. Desde la CPL sostienen que trabajarán mucho en la señalética y en planes de gestión para acercar al lector a la feria, como movilidades contratadas o buses con paraderos propios que lleven a los visitantes a la sede y los devuelvan al retirarse. Muguerza indica que están cerrando compromisos con la ATU a fin de facilitar líneas de cercanía durante la feria, como pasa en todas las ciudades que albergan un evento de esta importancia.

Sobre las innovaciones para esta edición, el presidente de la CPL asegura: “Tengan la seguridad de que habrá comodidad. Una vez que visiten la feria van a comprobar que la mudanza ha sido pensada en mejorar la experiencia del lector. No van a querer salir y van a repetir la visita muchas veces”, dice con entusiasmo mientras adelanta que en pocas semanas se presentará un avance del programa cultural, las estrellas invitadas y los conciertos estelares.

Aquí estaremos atentos a las novedades. //

ARIES (marzo 21-abril 20)

Trabajo y negocios: momento para prevenir problemas, sobre todo en asuntos de dinero. Amor: alguna persona maliciosa sembrará confusión en la pareja pero lo ignorará.

TAURO (abril 21-mayo 20)

Trabajo y negocios: cierto negocio o proyecto podría demandar un viaje en el que aprenderá mucho. Amor: su ser interior le dirá qué hacer para recuperar un afecto de otros tiempos.

GEMINIS (mayo 21-junio 21)

Trabajo y negocios: será buena idea alejarse de gente que solo sabe hablar de sus pérdidas. Amor: surgirá un encuentro que sanará las heridas del pasado que aún persisten.

CÁNCER (junio 22-julio 22)

Trabajo y negocios: nuevos contactos le darán mayor dinamismo a un proyecto que no arranca. Amor: una discusión en la pareja servirá para entender que no siempre tendrá razón.

LEO (julio 23-agosto 22)

Trabajo y negocios: para iniciar una nueva empresa o hacer inversiones, lo tomará con cautela. Amor: momento para no sugerir muchas iniciativas en la relación, necesita tomar solo una.

VIRGO (agosto 23-septiembre 22)

Trabajo y negocios: éxito en tareas que requieren una precisa habilidad; habrá beneficios. Amor: ideal para planear encuentros postergados e iniciar un nuevo romance.

LIBRA (septiembre 23-octubre 22)

Trabajo y negocios: un gran esfuerzo tendrá éxito y una justa recompensa. Ideal hacer compras. Amor: hará bien en evitar discusiones y decir algo de lo que pueda arrepentirse.

ESCORPIO (octubre 23-noviembre 21)

Trabajo y negocios: será propicio negociar beneficios o mejorar condiciones en contratos. Amor: disfrutará de un agradable estado de armonía en la pareja que hará fluir la calidez.

SAGITARIO (noviembre 22-diciembre 21)

Trabajo y negocios: estar alerta será inteligente, hay riesgo por engaños o errores. Amor: la comunicación estará en problemas y podría causar malentendidos o desencuentros.

CAPRICORNIO (diciembre 22-enero 20)

Trabajo y negocios: los emprendimientos nuevos sufrirán altibajos, pero lo superarán. Amor: una relación intensa hará que la soledad se disipe y su mundo interior se renueve.

ACUARIO (enero 21-febrero 19)

Trabajo y negocios: momento para controlar gastos y hacer planes bien calculados y austeros. Amor: le rodeará gente a toda hora que no le deja en paz, pero los alejará con carácter.

PISCIS (febrero 20-marzo 20)

Trabajo y negocios: un viejo proyecto será considerado como una idea de gran innovación. Amor: la armonía y complicidad en la pareja ayudará a disfrutar de la vida social.

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SI USTED CUMPLE AÑOS HOY ES UNA PERSONA: CON HABILIDAD PARA HACER DINERO RÁPIDO PERO NO CONSIDERA EL FUTURO.

El popular artista mexicano Christian Chávez, recordado por su trabajo en RBD, anunció su regreso a Perú luego de más de una década de ausencia. Llega a Lima como parte de su gira internacional.

El exmiembro de RBD regresará al Perú con su espectáculo “Para siempre tour”, el show más ambicioso de su carrera, según expresó el mismo cantante.

El espectáculo de Christian Chávez en Perú se llevará a cabo el próximo 28 de junio en el Auditorio del Colegio San Agustín. Las entradas están a la venta en Passline.

Cabe resaltar que para esta experiencia internacional de Christian Chávez, el mexicano eligió a Lima como la ciudad que dará inicio oficial al tour por Latinoamérica. Será una única fecha.

En esta oportunidad, el artista mexicano contará con banda en vivo, efectos visuales impactantes, coreografías intensas, bailarines y múltiples cambios de vestuario en una producción internacional pensada para emocionar de principio a fin a sus fans.

En una sola noche, los asistentes revivirán los himnos que marcaron a toda una generación junto a RBD y también conectarán con su etapa solista, más íntima y más honesta.

De esta manera, Christian Chávez reafirma su fama internacional y confirma su llegada a Perú para el próximo 28 de junio en el Auditorio del Colegio San Agustín. Las entradas están a la venta a través de Passline.

Lima sigue demostrando que es un eje central en el movimiento internacional de la salsa. Esta vez, el género volverá a reunir a grandes artistas internacionales en la segunda edición del Salsa Lima Festival, con Óscar D’León a la cabeza, acompañado de Víctor Manuelle y La India.

El festival se realizará el próximo sábado 11 de julio en el Estadio San Marcos, recinto que reunirá a más de una decena de artistas internacionales frente a miles de asistentes, quienes esperan disfrutar de una jornada musical dedicada a la salsa.

Entre los nombres más destacados figuran Óscar D’León, Víctor Manuelle y La India, quienes lideran una cartelera de primer nivel. También participarán reconocidos intérpretes como Jerry Rivera, Tito Nieves, Yiyo Sarante, David Pabón, Maelo Ruiz y José Alberto “El Canario”, consolidando una alineación de lujo para el público salsero.

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El festival incluirá además a agrupaciones históricas como La Sonora Ponceña y artistas de amplia trayectoria como Tony Vega, Andy Montañez, Charlie Cardona, Isaac Delgado, Bobby Valentín y Charlie Aponte.

Preventa de entradas y beneficios

En cuanto a la venta de entradas, la preventa comenzará el 9 de abril a las 11 a.m. a través de Teleticket, con un 30% de descuento con tarjetas del Banco de Crédito del Perú. La venta general se habilitará el 10 de abril, ampliando el acceso al público en general.

Una celebración de la salsa en Lima

Bajo el lema “El concierto de salsa de todos los peruanos”, el Salsa Lima Festival 2 busca reafirmar el lugar de Lima como un referente del género en la región. Con una propuesta ambiciosa y un cartel de estrellas internacionales, el evento promete convertirse en una celebración histórica para los amantes de la salsa.

El Salsa Lima Festival 2 no solo reunirá a estrellas consagradas, sino que también ofrecerá un recorrido por distintas generaciones y estilos dentro de la salsa, desde la clásica hasta la contemporánea. El evento se llevará a cabo el próximo sábado 11 de julio en el Estadio San Marcos.

La cantante española Ana Torroja regresa al Perú con su esperado tour “Se ha acabado el show”, una gira internacional que la trae de vuelta a los escenarios con un show renovado. El concierto se realizará el próximo miércoles 3 de junio en el Auditorio del Colegio San Agustín, en San Isidro.

Las entradas para este espectáculo ya se encuentran disponibles a través de la plataforma Passline, donde los seguidores de la exintegrante de Mecano podrán asegurar su presencia en el esperado concierto.

En esta nueva gira, Ana Torroja presenta un espectáculo con una puesta en escena renovada, en el que combina sus más recientes lanzamientos con los grandes éxitos que marcaron su trayectoria. Temas icónicos de su etapa con Mecano, así como de su carrera como solista, formarán parte de su repertorio.

El tour acompaña el lanzamiento de su más reciente álbum de estudio, el cual ya está disponible en plataformas digitales. Este trabajo incluye canciones como “A veces”, “La maleta”, “Problemas de conversación” y el tema que da nombre al disco, reflejando una evolución artística que apuesta por nuevos sonidos.

Lejos de representar una despedida, “Se ha acabado el show” simboliza el inicio de una nueva etapa en la carrera de la cantante. El álbum ha sido producido por Andrés Levin y Pablo Stipicic, y compuesto por la propia artista junto a Raúl Gómez (GOMZ) y Liam Garner, consolidándose como su primer trabajo completamente escrito por ella.

Este proyecto también marca el inicio de su alianza con Altafonte, una colaboración que impulsa a Ana Torroja a explorar caminos más íntimos y personales dentro de su música. Esta nueva dirección artística se ve reflejada tanto en el disco como en la propuesta escénica del tour.

La gira internacional ya ha recorrido diversas ciudades de España como Madrid, Valencia y Barcelona, además de importantes escenarios en Latinoamérica. Ana Torroja llegará a Lima el próximo 3 de junio para un show en el Auditorio del Colegio San Agustín.

Desde hace más de una década, Pinta Lima se ha instalado como uno de los pocos espacios donde el arte contemporáneo en el Perú logra articularse más allá de su propia escena. Durante cuatro días, la ciudad deja de mirarse a sí misma para convertirse en un punto de encuentro: galerías extranjeras, curadores internacionales y artistas locales coinciden en un mismo circuito que mezcla mercado, visibilidad y circulación de ideas.

La décima tercera edición reúne a más de 40 galerías provenientes de más de 15 ciudades, con una participación mayoritariamente internacional. En ese cruce, la escena local —representada por espacios como BLOC Art Perú, Crisis, ENLACE, Galería Forum, Héctor La Rosa, LA GALERÍA, La Mancha Galería, Livia Benavides, Marissi Campos Galería, Martín Yépez Galería, mueve (galería) y Vesper Tzu— no aparece como un bloque aislado, sino como parte de una red más amplia donde dialoga en condiciones de mayor exposición. “Lo que buscamos es que Pinta sea un sello de calidad, que lo que encuentres aquí tenga valor hoy y lo mantenga en el tiempo”, explica Diego Costa Peuser, fundador y director global de Pinta Group.

Esa lógica se refuerza en las secciones curadas. NEXT, enfocada en galerías emergentes, apunta a artistas en proceso de consolidación bajo la curaduría de Juan Canela. RADAR, por su parte, propone una lectura específica desde la investigación de Ilaria Conti, vinculada a prácticas contemporáneas que dialogan con lo textil.

En esa expansión también aparece el gesto de memoria. Este año, la feria rendirá homenaje a Runcie Tanaka, figura clave de la cerámica contemporánea en el país. “Queremos darle visibilidad desde Lima, reconocer su trayectoria y poner en valor una obra que muchas veces ha sido más celebrada afuera que localmente”, señala Costa.

Puertas al arte

Si algo sostiene a Pinta Lima en el tiempo no es solo su capacidad de convocar galerías, sino su insistencia en formar públicos. En un medio donde el coleccionismo sigue siendo reducido, la feria opta por estrategias que apuntan menos al gran comprador y más al visitante potencial. Las visitas guiadas funcionan como un primer acceso: entender una obra, escuchar su contexto, reducir la distancia inicial.

“No hace falta ser un experto para acercarse al arte. Lo importante es la sensibilidad. Después todo lo demás viene solo”, dice Costa. En ese desplazamiento, la compra deja de ser el punto de partida y pasa a ser una consecuencia posible: primero el vínculo, luego la decisión.

Ese mismo enfoque atraviesa los programas institucionales. El fondo de adquisición que articula a la feria con el Museo de Arte de Lima permitirá que algunas obras ingresen a su colección, reforzando un circuito donde mercado y patrimonio no operan como esferas separadas.

En paralelo, el foro convoca a curadores como Tania Pardo, Patrick Charpenel y Alexia Tala, quienes llegan no solo a intervenir, sino también a observar la escena local. En los últimos años, la feria ha insistido en líneas como el arte textil y las prácticas vinculadas a comunidades. El caso de Sara Flores —hoy presente en la Bienal de Venecia— evidencia cómo ciertas trayectorias han pasado de los márgenes a ocupar un lugar dentro del circuito contemporáneo.

Ninguna edición de Pinta es igual a la anterior. No solo cambian las galerías o los artistas; también se mueve el contexto. En esa variación constante, la feria encontró su estabilidad: un espacio que crece mientras se reajusta y que convierte a Lima en algo más que su propia escena.

El amor de Mario Vargas Llosa por el teatro fue a primera vista. No solo escribió de adolescente una obra teatral —La huida del inca—, sino cuando ya era un consagrado novelista, a partir de la década de 1980 volvió a la dramaturgia con una serie de obras que complementan su universo narrativo y se interrogan por la naturaleza y el poder de la ficción, entre las que destacan La señorita de Tacna, Kathie y el hipopótamo, Los cuentos de la peste y Odiseo y Penélope. En este último texto da voz a los dos personajes homéricos para volver a contar esa maravillosa aventura del héroe griego en su accidentado camino hacia Ítaca.

En honor a ello, la Cátedra Vargas Llosa y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida (España), han creado el Premio Internacional de Teatro Clásico “Odiseo y Penélope”, para impulsar la creación dramatúrgica contemporánea inspirada en los grandes textos de la tradición grecorromana y grecolatina. El anuncio se realizó el martes pasado durante el emotivo encuentro Mario Vargas Llosa: El Perú Imaginado. Al respecto, dialogamos con Jesús Cimarro, director del festival y reconocido productor teatral sobre el teatro y su vínculo con nuestro Nobel.

— Existen productores que ven el teatro como una empresa y otros más bien interesados en contar historias. ¿En qué grupo se ubica usted?

Yo creo en la parte cultural, social y económica de las artes escénicas y en la iniciativa mixta, pública y privada, como es el Festival de Mérida. Es un modelo que en Europa se está empezando a ver con buenos ojos por los resultados que da esta colaboración. Me defino como un productor de la iniciativa privada, pero en el caso del festival, trabajamos junto con las administraciones públicas.

— Se inició en la producción teatral a los 15 años, ¿cómo fue esa experiencia?

A esa edad fundé un taller de teatro en el País Vasco, y en la producción empecé realmente a los dieciocho. Luego, a los 21 años, me fui a Madrid y fundé, con otras cuatro personas, la empresa que hoy dirijo y gestiono, que es Pentación Espectáculos, y que lleva 38 años en el sector de las artes escénicas. En la actualidad trabajan en la empresa más de 120 personas y en el Festival de Mérida otras cien más.

— ¿Cómo llega al teatro de Mario Vargas Llosa?

Vi la escenificación de Odiseo y Penélope, en el Festival de Mérida, interpretada por el propio Vargas Llosa y Aitana Sánchez-Gijón y después hice la gira por todo España de Kathie y el hipopótamo, que dirigió Magüi Mira, y protagonizó Ana Belén, la cantante y actriz. Esas son las dos relaciones que he tenido con la obra teatral de Vargas Llosa, y por eso mismo, hemos hecho esta unión entre la Cátedra Vargas Llosa y el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, y hemos creado el primer premio “Odiseo y Penélope”. La idea es premiar textos teatrales de temática grecolatina y grecorromana (se pueden presentar hasta el 30 de junio próximo), que es la esencia del Festival de Mérida. El texto ganador se publicará en un libro y será representado en la edición de 2027 del festival. Luego, ese espectáculo girará por toda España y quién sabe si por otros países también.

— La idea es recoger entonces el espíritu de esa obra, de esa conversación entre Odiseo y Penélope, que es un retorno a los clásicos, pero desde la contemporaneidad.

Ese es el objetivo. Una visión hecha por autoras y autores contemporáneos de textos o de historias ocurridas hace 2.000 años. Pues, bueno, hay mucha literatura, pero se conservan pocas obras de teatro, desde Edipo, Antígona, Electra, Fedra… Nosotros queremos que haya más historias y más ficción al respecto.

— Es una temática específica y no tan fácil de realizar.

Sí, es muy complicada, porque el Festival de Mérida es el único festival, en el sur de Europa, con esa temática clásica. Y como podrás ver en el programa de este año, toda la actividad que se desarrolla no solo son obras de teatro, sino hay danza, musicales, exposiciones, conferencias, talleres, encuentros, pasacalles, teatro familiar, infantil, todo con una temática que no es fácil encontrar.

— ¿Cómo calificaría su experiencia como director del Festival de Mérida?

La experiencia ha sido muy positiva, porque cuando yo asumí la dirección del festival, venían 42 mil personas y el año pasado se alcanzó los 174 mil asistentes. Se ha más que triplicado la asistencia y se ha ampliado la programación. Estamos hablando de un festival que dura dos meses, con mucha actividad. Esto implica para una región como Extremadura algo muy importante en la parte económica, social y cultural.

— ¿Este premio contribuirá a fortalecer las relaciones con el Perú e Iberoamérica?

Lo que tenemos muy claro es que queremos incentivar las relaciones con los distintos países de América Latina, es decir, hemos presentado el festival ya en Buenos Aires y este premio “Odiseo y Penélope” también es una manera de iniciar el contacto con el Perú.

Veinte años después de su estreno, la película “La pasión de Cristo” aún se ubica entre las más vistas durante la Semana Santa que este año se celebra desde el 29 de marzo. El filme protagonizado por Jim Caviezel y dirigido por Mel Gibson es uno de los imperdibles para este feriado largo.

La cinta, a partir del éxito entre el público, también obtuvo nominaciones por parte de la Academia a la 77 edición de los premios Oscar por Mejor maquillaje, Mejor banda sonora y Mejor fotografía. ¿Quieres saber dónde disfrutar el filme este feriado largo? A continuación, te lo contamos.

¿Dónde ver “La pasión de Cristo” en streaming?

El clásico de Semana Santa “La pasión de Cristo” (2004) se encuentra disponible a través de la plataforma de streaming Netflix bajo suscripción.

Este es el link para ver la película en streaming.

Netflix tiene un costo mensual de 28.90 soles (moneda peruana) por su plan básico. Puedes saber más de sus tarifas aquí.

¿De qué trata “La pasión de Cristo”?

“´La pasión de Cristo´ se centra en las últimas doce horas de la vida de Jesús de Nazareth. Jesús reza luego de La última cena y debe resistir las tentaciones de Satanás. Traicionado por Judas Iscariote, Jesús es arrestado y llevado dentro de las murallas de Jerusalén donde los líderes de los fariseos lo confrontan con acusaciones de blasfemia. Su juicio resulta en una condena a muerte”, cita la sinopsis oficial.

¿Quiénes integran el elenco de “La pasión de Cristo”?

La película dirigida por Mel Gibson es protagonizada por el estadounidense Jim Caviezel en el papel de Jesús de Nazareth; mientras que la actriz Maia Morgenstern da vida a su madre, la Virgen María.

Estos son los actores que participan en “La pasión de Cristo”:

• Jim Caviezel como Jesús
• Monica Bellucci como María Magdalena
• Rosalinda Celentano como Satán
• Maia Morgenstern como Virgen María
• Hristo Jivkov como Juan

Guía de ficciones para Semana Santa

Elegidos 5 títulos imperdibles para que disfrutes de estos días de reflexión del feriado largo sin salir de casa. La mayoría son clásicos, pero incluimos también un nuevo favorito de la temporada:

• “Ben Hur” (1959)

Esta producción fue ambiciosa desde su estreno. Tuvo uno de los presupuestos más grandes jamás visto para recrear con precisión la Judea de los años 30 antes de Cristo. La llegada de un nuevo Mesías se vive con pasión y fiereza en este clásico protagonizado por Charlton Heston. Disponible en HBO Max.

• “Los 10 mandamientos” (1956)

El genial director Cecil B. DeMille nos muestra la odisea de Moisés, el príncipe egipcio convertido en profeta de los judíos en esta película que es imperdible en esta temporada. Disponible en YouTube.

• “La vida pública de Jesús” (1979)

Tiene tantos nombres que es fácil confundirse. En inglés es simplemente “Jesús”. En los años 80 la llamaban “El Proyecto Génesis” y después “Jesús o La Vida Pública de Jesús”, hoy es una fija en Semana Santa con la caracterización memorable de Brian Deacon de Jesuscristo. Disponible en YouTube.

• “Noé” (2014)

Aunque duramente criticada (tanto por el público como por los especialistas), “Noé” ha experimentado un incremento de popularidad desde su llegada al streaming, donde suele posicionarse entre las más buscadas en esta temporada. Protagonizada por Russell Crowe, sigue la famosa historia bíblica de Noé y el arca con la que salva a varias almas del diluvio universal, pero con los riesgos visuales y narrativos de Darren Aronofsky. Disponible en Netflix.

• “Los Elegidos” (2021)

Serie de televisión que devolvió a la lista de los más populares en el mundo los títulos bíblicos. Cuenta con cinco temporadas que nos narran la historia de Jesús desde la óptima de sus discípulos. Disponible en Prime Video y Netflix.