Todos conocemos a Hugh Jackman por darle vida a Wolverine, el mutante de garras de adamantium que lucha junto a los X-Men para proteger a los suyos y enfrentarse a quienes amenazan su mundo. Sin embargo, fuera de la pantalla, el actor australiano— que hoy cumple 58 años— ha tenido que librar una batalla muy distinta.

Desde el 2013, Jackman ha tenido seis diagnósticos de carcinomas basocelulares, un tipo de cáncer de piel. Fue él mismo quien dio a conocer su primer diagnóstico a través de sus redes sociales, después de que su entonces esposa, Deborra-Lee Furness, le insistiera en que consultara por una marca sospechosa en la nariz. “Por favor, no sean imprudentes como yo. Háganse revisar. ¡Y usen protector solar!”, escribió en X en noviembre de ese año, al compartir la noticia.

El intérprete ha reconocido que durante su infancia en Australia pasaba mucho tiempo bajo el sol sin protegerse adecuadamente. Años después, esa experiencia se convirtió en una advertencia que ha repetido públicamente.

En abril de 2023, tras someterse a dos biopsias por lesiones sospechosas —cuyos resultados finalmente fueron negativos—, publicó un video en Instagram en el que recordó que el daño solar puede manifestarse mucho tiempo después. “Esto es todo lo que pasó hace 25 años. Está saliendo ahora”, explicó, antes de insistir: “Pónganse protector solar. Seguirán pasándolo increíble. Por favor, cuídense”.

Su historia cobra especial relevancia en el Perú, donde nos acercamos a los meses de mayor exposición solar. En un contexto en el que las condiciones meteorológicas asociadas al Fenómeno El Niño también merecen atención, conocer los riesgos, reconocer las señales de alerta y saber cómo protegernos resulta fundamental.

El pasado bajo el sol que hoy pasa factura

El caso del nominado al Óscar nos demuestra que las decisiones tomadas en la juventud tienen consecuencias a largo plazo, pues una quemadura solar a los 20 años puede convertirse en cáncer a los 50.

La radiación ultravioleta puede alterar el ADN de las células de la piel y, aunque el organismo cuenta con mecanismos para reparar parte de ese daño, la exposición repetida favorece la acumulación de alteraciones que, con el tiempo, pueden contribuir al desarrollo de una neoplasia.

“Una persona puede tener un contacto intenso con el sol durante la infancia o juventud y desarrollar un cáncer de piel muchos años después”, expresó Marco Antonio Gálvez, oncólogo de Clínica Internacional a Somos. Esto no significa que una exposición concreta sea necesariamente la causa directa de un tumor, sino que el riesgo puede construirse a lo largo de la vida.

Según el dermatólogo Carlos Sordo, de la Clínica Ricardo Palma, entre los 18 y 20 años una persona ya ha recibido aproximadamente entre el 40% y el 50% de radiación solar que acumulará hasta los 60 años. Un dato que, sin duda, refuerza la importancia de la fotoprotección desde edades tempranas, cuando la piel todavía está desarrollando sus mecanismos de protección.

Pero ¿es necesario haber sufrido quemaduras graves para desarrollar esta enfermedad, como le ocurrió a Hugh Jackman? Al respecto, Natalia Soto, dermatóloga y coordinadora nacional de la campaña de cáncer de piel y melanoma del Círculo Dermatológico del Perú, advirtió que tanto la radiación acumulada como la intensidad de la exposición influyen al riesgo. Es decir, una quemadura es una señal visible de daño, pero no es indispensable para que la radiación ultravioleta tenga consecuencia a largo plazo.

Asimismo, el riesgo depende de otros factores como tener la piel clara, muchos lunares, antecedentes familiares de cáncer de piel, quemaduras previas, trabajar al aire libre o usar camas solares.

Aun así, las personas con piel más oscura también tienen riesgo, aunque menor, porque la melanina ofrece protección natural. “Sin embargo, frente a niveles “muy altos” o “extremadamente altos” de radiación UV, incluso la piel trigueña solo resiste entre 5 y 10 minutos de exposición directa sin sufrir daños”, precisó la doctora Nandy Vega, directora médica de Mapfre Perú. Por eso, ningún tono de piel elimina por completo la necesidad de protegerse del sol.

Los diferentes rostros del cáncer de piel

Conocer los factores de riesgo es solo el primer paso, pues comprender que esta enfermedad tiene múltiples rostros resulta igual de vital. Aunque solemos hablar del cáncer de piel como una sola patología, lo cierto es que existen distintos tipos y no todos tienen el mismo comportamiento.

De acuerdo con el doctor Sordo, los principales son el carcinoma basocelular —el que padece Jackman—, que es el más frecuente y de crecimiento lento, con una baja probabilidad de diseminarse a otros órganos. Le sigue el carcinoma espinocelular, que puede ser más agresivo y producir metástasis, mientras que el melanoma, aunque es menos frecuente, destaca por su alta capacidad de propagación y mayor letalidad.

Su impacto también se refleja en las cifras tanto globales como locales. “En 2021 se registraron aproximadamente 6,64 millones de casos de cáncer de piel en el mundo. Mientras que, en el Perú se estima que se diagnostican 4.422 casos al año, equivalentes al 6 % de las neoplasias malignas”, refirió el dermatólogo.

Esta realidad cobra especial relevancia con la llegada de los meses de mayor exposición solar y el impacto del fenómeno El Niño. De acuerdo con la doctora Vega, durante este periodo la radiación fluctúa entre 8 y 15 en la costa, mientras que en la sierra puede escalar hasta 19 —niveles extremadamente altos según los estándares internacionales— y en la selva se mantiene entre 9 y 14.

Este escenario se ve aún más agravado por cielos más despejados y una menor cobertura nubosa, intensificando drásticamente la exposición. Como muestra de ello, en Lima los índices han alcanzado picos de 9 a 13, especialmente en los distritos del norte y el este.

Ante este panorama, la especialista resaltó que “es importante prestar atención a la exposición entre las 10 a.m. y las 4 p.m. Aunque el verano invita a pasar más tiempo al aire libre, la protección solar debe ser una rutina diaria, no una medida reservada para los días de playa”.

Una mancha que no desaparece o una herida que no cicatriza

El cáncer de piel puede comenzar con una lesión que parece inofensiva, por lo que reconocer sus cambios resulta fundamental. Un claro ejemplo de ello es lo que vivió el intérprete de Wolverine, quien descubrió su primer diagnóstico tras notar una pequeña marca en la nariz a la que inicialmente no le dio importancia.

En este sentido, Rocío del Pilar Bringas, docente de la carrera de Medicina Humana de la Universidad Científica del Sur, recomendó consultar con un dermatólogo si aparece una mancha nueva o una lesión existente cambia de tamaño o aspecto, sangra, pica, duele o forma una costra persistente. También debe evaluarse una herida que no cicatriza o que parece mejorar, pero reaparece en el mismo lugar.

Por su parte, la dermatóloga Patrizia Visconti, de Cleveland Clinic, advirtió que estas señales no siempre tienen la apariencia que asociamos con la enfermedad. En el caso del melanoma, la regla ABCDE permite identificar características sospechosas: asimetría, bordes irregulares, variaciones de color, diámetro superior a unos seis milímetros y evolución o cambios en la lesión.

Sin embargo, no todos los cánceres de piel se manifiestan como lunares oscuros. Según el oncólogo Marco Antonio Gálvez, un carcinoma basocelular puede parecer una pequeña herida, una lesión brillante o una zona que sangra y vuelve a formar costra. El carcinoma espinocelular, en cambio, puede presentarse como una placa áspera, escamosa o un crecimiento progresivo.

“La revisión también debe incluir las llamadas “partes olvidadas”, como el cuero cabelludo, la espalda, las plantas de los pies y las uñas. Por ejemplo, las líneas marrones o negras que aparecen en las uñas requieren una evaluación rápida, pues podrían ser indicio de melanoma”, mencionó la doctora Natalia Soto.

Para detectar estos cambios a tiempo, el doctor Sordo sugirió realizar un autoexamen de la piel al menos una vez al mes —especialmente si hay antecedentes familiares— y visitar al dermatólogo una vez al año. En el caso de quienes ya han tenido cáncer de piel, los controles deben realizarse cada tres o seis meses según el tipo de tumor.

Los errores que pueden dejar tu piel desprotegida

Aunque aprender a reconocer las señales de alerta es fundamental, la prevención sigue siendo la mejor herramienta para reducir el riesgo de cáncer de piel. Si bien el protector solar suele ser lo primero en lo que pensamos, utilizarlo no basta si se aplica de forma incorrecta.

Por eso, es importante elegir un bloqueador con un factor de protección solar de 50 o más (FPS 50+) que proteja de la radiación ultravioleta A (UVA) y B (UVB), y que, de preferencia, tenga color. La elección también debe considerar la edad, el tipo de piel y la actividad que se realizará. Sin embargo, incluso un FPS elevado no justifica prolongar la exposición al sol ni prescindir de la reaplicación.

“Para mantener su eficacia, debe aplicarse de 20 a 30 minutos antes de salir y cada 2 horas si se está expuesto. Si la persona se baña en el mar o piscina, o transpira mucho, debe emplear una fórmula resistente al agua y sudor, y reaplicarla cada hora”, resaltó Sordo.

La protección, no obstante, va más allá de una crema. “El protector solar es una herramienta importante, pero representa solo un componente de una estrategia efectiva de fotoprotección”, subrayó la doctora Visconti. Por ello, es necesario buscar la sombra, utilizar ropa con protección solar, sombreros de ala ancha y gafas con filtro UV, además de limitar la exposición durante las horas de mayor intensidad.

De igual manera, es vital cubrir zonas que suelen quedar olvidadas. El doctor Juan Loo, médico ocupacional de Howden Group Perú, nos recuerda prestar atención a las orejas, el cuello, el cuero cabelludo cuando hay poco cabello, el dorso de las manos, los empeines y los labios.

En definitiva, prevenir el cáncer de piel exige constancia y combinar distintas medidas. Como demuestra la experiencia de Hugh Jackman, el daño solar puede manifestarse décadas después; por eso, cuidar la piel hoy es una inversión en salud a largo plazo.

Aunque el antojo de turrón de Doña Pepa parece acompañarnos durante todo el año, octubre (el mes morado) nos da la excusa perfecta para disfrutarlo aún más. A las recetas tradicionales que conocemos y queremos se suman cada vez más propuestas que reinterpretan este clásico dulce peruano con nuevos sabores, ingredientes y técnicas. Desde marcas artesanales hasta restaurantes que sorprenden con sus propias versiones, presentamos una ruta de seis turrones para endulzar octubre.

Tres generaciones de turroneros

IG: @dulcecomienzo.peru

Hay conocimientos que se transmiten de padres a hijos. Francis Calderón pertenece a la tercera generación de una familia dedicada a preparar turrones y, hace ocho años, decidió continuar ese camino con un proyecto propio: Dulce Comienzo. Partió de la receta que aprendió de su padre, pero poco a poco comenzó a imprimirle una identidad personal.

El clásico fue solo el comienzo. Con los años aparecieron versiones de chocolate, ajonjolí y algarrobina, mientras que esta temporada la novedad es el turrón de maracuyá. Para Francis, el equilibrio está en combinar unos palitos de sabor poco dulce con una miel suave, de manera que ninguno se imponga sobre el otro. La masa, además, utiliza una mezcla de harinas para conseguir los característicos palitos amarillos.

La experimentación no termina en los sabores. Este año también presentan una curiosa mermelada de turrón de 420 gramos, que recupera notas de membrillo, durazno y piña en un formato diferente. Aunque octubre concentra buena parte de la demanda, Dulce Comienzo produce turrones durante todo el año y además trabaja con personas que los adquieren para reventa. Teléfonos: 01 428 5831 / 910 172 940.

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Octubre sabe a Lima

IG: @elsenoriodesulco

Para El Señorío de Sulco, el turrón es mucho más que un dulce de temporada. Su receta fue desarrollándose desde finales de los años noventa y, con el tiempo, se ha convertido en una de las propuestas más reconocidas de la casa. La versión de Flavio Solórzano apuesta por una miel de frutas, masa suave con anís y ajonjolí y un acabado con guindas, guindones y pecanas caramelizadas. En los Premios Somos 2025 fue elegido como mejor turrón de Doña Pepa.

Este año, la celebración se extiende gracias a una colaboración con Renacer Chocolatier que busca mirar octubre a través de los sabores de Lima. Ambas marcas encontraron un punto en común: recuperar y revalorar una tradición que abarca desde la devoción por el Señor de los Milagros hasta el criollismo que toma protagonismo hacia fin de mes.

El turrón vuelve a presentarse en su característico retablo, que esta vez guarda una sorpresa: una pieza de chocolate inspirada en el Señor de los Milagros, elaborada por Renacer. Una colaboración que conecta chocolate, cocina criolla, memoria y devoción para celebrar, desde distintos sabores, un mes profundamente limeño.

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Reinventarse con maracuyá

IG: @lifta_tentacion

En plena pandemia, cuando la incertidumbre golpeaba con especial fuerza al rubro gastronómico, el pastelero Ismael Chicche y su esposa, Luz, tuvieron que encontrar una manera de reinventarse. La respuesta apareció en un clásico de octubre, aunque decidieron llevarlo por un camino distinto: crear un turrón que conservara la esencia de la receta tradicional sin resultar excesivamente dulce.

De esa búsqueda nació su turrón de maracuyá. La acidez característica de esta fruta se convirtió en la clave para conseguir el equilibrio que buscaban y diferenciar su propuesta. Los primeros espacios donde comenzaron a venderlo fueron parroquias y la buena recepción los animó a involucrarse directamente en la comercialización, construyendo poco a poco una relación cercana con sus clientes.

Lo que empezó como una respuesta frente a un momento particularmente difícil terminó convirtiéndose en un nuevo emprendimiento. Actualmente, Lifta cuenta con un taller de panadería y pastelería en Villa El Salvador, desde donde Ismael y Luz continúan produciendo y desarrollando nuevas propuestas. Su turrón conserva así algo de aquella historia inicial: nació de la necesidad de cambiar y encontró en un sabor inesperado una nueva oportunidad.

Una receta que sigue creciendo

IG: @elsecretodedonatila

Hace 29 años, Cecilia Encinas y su esposo, José Antonio Enciso, comenzaron a preparar la receta que daría origen a El Secreto de Doña Tila. El nombre recuerda a la suegra de Cecilia, a quien llamaban Tila y cuya creatividad resultó fundamental para la historia del emprendimiento: fue ella quien los animó a capacitarse, tecnificar su trabajo y seguir experimentando.

Esa curiosidad continúa definiendo sus turrones. Cecilia hace una precisión importante sobre uno de sus componentes: prefiere hablar de “jale” y no de miel. Sobre esa base comenzó a explorar sabores que se alejaban de lo tradicional. Primero llegaron opciones como maracuyá y aguaymanto; luego se incorporaron naranja con limón, maíz morado, café y, más recientemente, arándanos.

Otro de sus secretos está en la masa, a la que añade una cantidad generosa de ajonjolí. Al entrar al horno, este libera sus aceites naturales y aporta sabor y textura a los palitos. Casi tres décadas después, la propuesta continúa creciendo entre tradición y experimentación, además de llegar a pequeños negocios, tiendas naturales y emprendedores que los comercializan durante la temporada. WhatsApp: 951 713 255.

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El turrón también se transforma

IG: @deligis.oficial

La historia de Deligis no comenzó con una pastelería especializada. En 2014, Diana Núñez abrió en San Borja un negocio dedicado a la repostería tradicional y durante varios años siguió las recetas habituales del rubro. La pandemia, sin embargo, marcó un cambio de rumbo y llevó a Diana y a su equipo a replantear aquello que querían ofrecer.

Así empezaron a desarrollar una línea enfocada en postres sin gluten y sin azúcar. La propuesta encontró un público entre quienes buscaban alternativas distintas para disfrutar de la pastelería y comenzó a ser recomendada también por nutricionistas a pacientes con necesidades alimentarias específicas. Con el tiempo, esa especialización pasó a convertirse en el centro de la identidad de Deligis.

Actualmente cuentan con locales en San Borja y San Luis, además de un taller desde el que continúan desarrollando nuevas recetas. A ello se suma una certificación para la elaboración de productos keto, categoría dentro de la que presentan su alternativa de turrón para esta temporada. Una muestra de cómo una pastelería puede transformarse a partir de las nuevas necesidades de sus clientes.

Entre frutas y especias

IG: @amarena.__

Por primera vez, Amarena suma a su carta el turrón de Doña Pepa. La propuesta parte de la estructura que todos reconocemos (masa horneada, miel y grageas), pero busca darle un perfil más frutal y aromático, en línea con el sello de la casa.

La diferencia empieza en la miel, preparada a partir de una infusión de membrillo, naranja, durazno, piña y manzana, a la que se añaden hojas de higo y especias como canela, clavo, pimienta chapa y pimienta rosada. El resultado busca un dulzor equilibrado y una sensación más ligera al paladar. La masa, también elaborada artesanalmente, mantiene una textura suave que permite absorber la miel y conservar la humedad entre cada capa.

Como acabado, a las infaltables grageas de colores se incorpora fruta flambeada, un detalle que refuerza esa personalidad frutal y termina de distinguir esta primera incursión de Amarena en el clásico de octubre. El turrón estará disponible durante todo el mes en porciones individuales, tanto para disfrutar en sus locales como para llevar.

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La industria de la belleza enfrenta el desafío de integrar la sostenibilidad en sus procesos, productos y estrategias de innovación. Con ese objetivo, L’Oréal Groupe realizará por primera vez en el Perú “Belleza con Innovación Sostenible”, un encuentro organizado en alianza con El Comercio que abordará cómo la ciencia y la tecnología pueden contribuir a transformar el sector.

El evento reunirá el martes 13 de octubre a representantes del sector empresarial y especialistas para analizar los principales desafíos y oportunidades de la sostenibilidad. Entre los participantes estarán Eduardo Gotuzzo, CEO de L’Oréal Groupe para Centroamérica y Región Andina; Carlos Alzate, Chief Digital Marketing Officer de la compañía; y representantes de Mercado Libre, InRetail, World Vision Perú y Perú Sostenible.

La compañía de cosméticos y belleza más grande del mundo, con más de 115 años de trayectoria, y presencia en más de 150 países, tiene entre sus marcas a L’Oréal París, Maybelline New York, Garnier, Lancôme, Kérastase, La Roche-Posay, CeraVe, Vichy, entre otras.

La sostenibilidad forma parte de la estrategia de negocio de la compañía a través de “L’Oréal por el futuro”, iniciativa que comprende cuatro ámbitos: transición climática, protección de la biodiversidad, circularidad y apoyo a las comunidades.

Entre sus metas para 2030 figuran alcanzar el 100% de energía renovable en sus operaciones, reutilizar toda el agua empleada en sus procesos industriales y reducir en 50% el uso de plástico virgen. Asimismo, busca que al menos el 90% de los materiales de sus fórmulas y envases sean de origen biológico, y que la mitad de los materiales de sus envases provenga de fuentes recicladas o biológicas.

La dimensión social también ocupa un lugar en esta estrategia. Por medio de “Belleza por un Futuro”, el grupo promueve la autonomía económica mediante capacitación en belleza. Desde su implementación en el Perú, en 2022, la iniciativa ha beneficiado a más de 1.285 mujeres.

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La innovación es otro de los ejes de esta transformación. L’Oréal Groupe cuenta con 22 centros de investigación y más de 4.000 profesionales dedicados a Research & Innovation, e incorpora inteligencia artificial, datos y tecnología para transformar la experiencia de los consumidores.

Este enfoque también alcanza a la publicidad digital. En alianza con IMPACT+, la compañía trabaja en medir la huella ambiental de sus anuncios, considerando el impacto de servidores, redes y centros de datos. Además, utiliza inteligencia artificial para optimizar sus campañas, reducir el desperdicio de pauta y evitar la producción de piezas publicitarias innecesarias.

La agenda continuará el 14 de octubre con la premiación regional 2026 de L’Oréal-UNESCO “Para las Mujeres en la Ciencia”, que reconocerá a una científica peruana, una ecuatoriana y una colombiana. Desde su creación, en 1998, el programa ha premiado a más de 4.700 mujeres en más de 140 países.

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Cuando pinta, no escucha música. Prefiere no tener distracciones. Estudia mucho sus dibujos, revisa libros de arte, busca colores y formas en las que se inspira o, después, aparecen sobre el papel. Joshua Tola, de 19 años, nos invitó a conocer su estudio en Miraflores, donde estaba resolviendo los detalles del montaje. Esta entrevista la realizamos días antes de la inauguración, por lo que encontramos varias de las piezas que están ahora expuestas en la galería Fórum hasta el 31 de octubre.

Joshua está entre nervioso y emocionado por lo que se viene: “Todo el año he estado bastante enfocado en la práctica en el taller y desarrollando toda esta serie de piezas. Me siento muy feliz de tener la oportunidad de mostrarlas en Fórum, porque es un gran espacio y eso me emociona”, nos dice sobre una de las galerías de arte más importantes de la ciudad y la más antigua. Es de pocas palabras; todo lo que tiene que decir está en su arte. Dibujos a carboncillo, acuarelas, lápices a color y en blanco y negro componen su obra.

“Siento que estoy enfocado en desarrollar imágenes que me generan un impacto personal, que me intrigan bastante. Por ejemplo, en la muestra tengo varias que tienen esta figura semejante a colillas de cigarros. Son formas un poco retorcidas que se repiten”. También elementos como manos, piernas o perfiles humanos tienen un peso simbólico importante dentro de la composición. “He probado varias técnicas. Al inicio usaba más que nada carboncillo; luego, lápiz de color y tinta. Así fui buscando las oportunidades que cada material otorga para desarrollar estas imágenes”.

Se para y nos explica una pieza dividida en dos partes. Corresponde a una serie de dibujos que reúne bajo el nombre “Caminando entre ruinas”, pintados con lápices de colores. El cuadro mide más de un metro y a él le tomó al menos una semana hacerlo. Es como un paisaje con humo y una cúpula en la parte superior. “Se me ocurrió mientras veía un libro de arte gótico y reciclé esa idea”, comenta Joshua. Otra de las piezas tiene una mano ensombrecida cogiendo un fósforo encendido y, debajo, un cuerpo envuelto en una especie de fardo funerario, o quizá es una persona durmiendo envuelta. Son elementos con gran fuerza visual, muy sugerentes, a los que busca incluir en sus cuadros.

Camino propio

Durante las horas de trabajo lo acompaña una biblioteca bastante surtida con libros de arte. Para “Dibujos tempranos” ha revisado mucho los manuscritos iluminados medievales, escritos entre los años 500 y 1600 d. C. con letras capitales y figuras en miniatura, de los cuales ha tomado colores y formas. El más famoso de aquellos manuscritos es “Las muy ricas horas del duque de Berry”, que también está presente en sus trazos: “Es un libro hermoso que tiene unos contrastes y una combinación de colores fascinantes”, sostiene el pintor.

Goya, Caravaggio, El Bosco, Da Vinci, Soutine o Brueghel también se reparten en sus libreros. El arte lo ha iluminado desde pequeño: es hijo del pintor José Tola y de la fotógrafa Maricé Castañeda, pero él está imponiendo su propia tradición: “Dispongo la mayor parte de mi tiempo a mi práctica artística y es algo que me encanta porque me permite profundizar mucho más en los materiales en general, así como agudizar las cosas que voy notando y que cambian cada día que me dedico a esto”, reflexiona. Este es su camino profesional. Joshua se está dedicando seriamente al arte y esta es la carrera que ha elegido.

“¿Qué esperas de esta, tu primera individual?”, le preguntamos. “Solamente que la muestra marche de la mejor manera y la sala se vea bien”, dice sobriamente. Las puertas de su mundo están abiertas. //

Hay viajes que buscan nuevos destinos y otros que proponen cambiar la manera de mirar los que ya existen. En Carhuaz, Áncash, una nueva experiencia invita al viajero a levantar la vista, descubrir las constelaciones desde la cosmovisión andina y entender que la riqueza de un territorio también puede encontrarse sobre nuestras cabezas. Se trata de Hanan Pacha (‘el mundo de arriba’, traducido del quechua al español), una propuesta de “g-astroturismo” desarrollada por Wayarumi Hotel (@wayarumi) junto a la asociación peruana Alumbra Azul (@alumbraazul).

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La experiencia, que tuvo su primera edición del 4 al 6 de setiembre, reunió astroturismo y gastronomía de autor en un formato íntimo para diez personas. El punto de encuentro es Wayarumi, un hotel boutique ubicado en el valle del Callejón de Huaylas, entre la Cordillera Blanca y la Cordillera Negra, cerca de los sitios arqueológicos preincas Pampa Hirca y Piedra del Mono. El espacio funciona con energía solar, promueve la economía circular y trabaja con productos de su propio huerto y de campesinos locales. Ideal para esos viajeros que apuestan por un turismo más responsable.

Reconectar con la naturaleza

La propuesta parte de una premisa sencilla: volver a conectar con aquello que está cerca, pero que muchas veces dejamos de observar. “El viajero contemporáneo ya no busca simplemente acumular destinos, sino vivir experiencias auténticas que combinen aprendizaje, calma y un compromiso real con el territorio. Tras la pandemia, se volvió muy clara la necesidad de reconectar con la naturaleza en espacios poco frecuentados”, explica Laura Torres, astrofotógrafa y fundadora de Alumbra Azul.

En el caso de Hanan Pacha, esa conexión ocurre literalmente mirando hacia arriba. Los cielos de la zona presentan niveles cuatro y tres en la escala de Bortle, un estándar internacional que mide la oscuridad y la ausencia de contaminación lumínica. Con apoyo de un telescopio de espacio profundo, los participantes pueden observar cuerpos celestes como la nebulosa de La Laguna (M8), Escorpio y la Cruz del Sur. Pero la experiencia no se queda en la astronomía occidental: también incorpora las constelaciones oscuras de la cosmovisión andina, entre ellas Yakana, la llama celestial.

Cada mirada cuenta

No hace falta ser fotógrafo para participar. Los talleres de astrofotografía están pensados para principiantes y enseñan a aprovechar tanto cámaras profesionales como teléfonos celulares. “La tecnología nos permite acercarnos al cosmos de forma más accesible; lo fundamental no es el equipo con el que cuentas, sino la curiosidad y las ganas de explorar que traes contigo”, señala Torres.

El concepto de g-astroturismo suma una segunda dimensión: la gastronomía. La idea es establecer un diálogo entre lo que está arriba y lo que se encuentra bajo los pies. Durante la experiencia, el chef ancashino Darwen Salazar trabaja con ingredientes de origen y técnicas contemporáneas en platos que incluyen tartar de beterraga, hongos silvestres de las alturas y una reinterpretación de la pachamanca.

El momento central llega con Del Cosmos a la Mesa, una cena de cuatro tiempos servida al aire libre frente al Huascarán. Papas nativas cultivadas a distintas altitudes, carnes de crianza local y hierbas silvestres de montaña forman parte de un menú que busca contar el territorio desde sus sabores.

Para Torres, esa combinación es precisamente lo que diferencia la propuesta. “Es una vivencia integral que permite descubrir el territorio andino desde una perspectiva totalmente distinta. No solo se recorre un paisaje imponente: también descubres su cielo, su cosmovisión y a las personas que lo habitan, todo complementado con alta gastronomía de origen y el máximo confort”, sostiene.

Así, Hanan Pacha plantea otra manera de hacer turismo en los Andes: sin grandes caminatas ni expediciones extremas, pero con espacio para observar, aprender y detenerse. Una experiencia cada vez más necesaria en un mundo que va a mil por hora. //

La magnitud del desafío es enorme. Perú tendrá al frente a Argentina por un cupo al XIII Campeonato Mundial de Polo, que se disputará en febrero de 2027 en Uruguay. Nunca antes el equipo nacional ha conseguido clasificar a esta competencia. Para hacerlo realidad, deberá superar a una de las grandes potencias de este deporte en dos partidos, que se jugarán el jueves 15 y el sábado 17 de octubre. La serie se disputará en casa, una condición que amplía las posibilidades de alcanzar la gloria.

Hace casi una década, nuestro país ya estuvo cerca de llegar al Mundial. Venció como local a Brasil, pero quedó fuera por diferencia de goles. Aquella experiencia permanece en la memoria de una generación que tiene en sus manos la posibilidad de hacer historia. Conrado Puigrefagut y los hermanos Lorenzo e Ignacio Masías, integrantes del equipo nacional, reconocen que el reto es mayúsculo, pero están convencidos de que pueden lograrlo.

Una de sus principales fortalezas es la historia compartida entre los integrantes del equipo. Juegan polo desde niños y crecieron juntos en la cancha, como parte de una tradición heredada por sus padres y abuelos. Se conocen de siempre, intuyen sus movimientos y saben cómo complementarse. “Arrancamos a los cinco, seis, siete años”, cuentan. En un deporte en el que la coordinación resulta fundamental, esa familiaridad puede ser determinante.

El gran reto

El polo se juega entre dos equipos de cuatro jugadores, montados a caballo, con el objetivo de llevar una pequeña pelota hasta el arco rival utilizando un taco de mango largo. El partido se divide en períodos llamados ‘chukkers’ y los polistas cambian de montura durante el encuentro. Como todo deporte en equipo, el juego exige estrategia y una permanente comunicación.

En el polo, además, el jugador necesita controlar al caballo, mantener el equilibrio y desarrollar una destreza que le permita golpear la pelota a gran velocidad. En esta eliminatoria, esa relación tendrá un ingrediente particular: los ejemplares serán compartidos por ambos equipos y rotados entre los partidos. Los que utilice Argentina el jueves serán utilizados por Perú el sábado, y viceversa.

Durante estas semanas, los integrantes del equipo peruano han puesto prácticamente todo en pausa para enfocarse en un objetivo que persiguen desde hace tiempo: la clasificación. Todos tienen otras ocupaciones y, por eso, el desafío también implica reorganizar sus vidas. El polo, que habitualmente comparten con sus trabajos, estudios y negocios, es ahora el centro de sus días.

Su entrenador, el argentino José Rivas, trabaja con ellos desde hace varios meses y ha seguido de cerca su evolución. Conforme se acerca la fecha de los ‘play-off’, la preparación se ha intensificado: prácticas de equipo, trabajo físico y concentración. “La idea es llegar con el mejor ritmo posible y competir con la mayor naturalidad, pero sabiendo lo que está en juego”, afirman los seleccionados.

Para Puigrefagut, los hermanos Masías y sus compañeros, la clasificación significaría mucho más que un logro deportivo. Sería el premio a una generación que creció junta, a familias que encontraron en el polo un punto de encuentro y a años de disciplina, viajes y sacrificios. “Somos un equipo superunido, nos conocemos bien, tenemos mucha fe y sentimos que podemos dar el batacazo”, sostienen.

Ahora solo queda jugar. El próximo jueves, Perú saldrá a la cancha del Lima Polo Club con la posibilidad de cambiar su historia y, dos días después, tendrá una segunda oportunidad para conseguirlo. Al frente estará Argentina, el rival más exigente posible. Del otro lado, una generación que lleva años esperando este momento. //

Una cita con la historia

La clasificación al Mundial de Polo Uruguay 2027 se define a través de un proceso similar al del fútbol, con eliminatorias organizadas por zonas continentales. Esta vez, Sudamérica tendrá tres cupos, posibilidad que amplía las opciones de llegar a la gran cita. Uno de ellos se definirá entre Perú y Argentina, en un ‘play-off’ de ida y vuelta que se jugará el jueves 15 y el sábado 17 de octubre en el Lima Polo Club.

Durante meses hubo una fecha marcada en el calendario. Aquella espera llevó a contar los días, preparar el outfit, cantar las canciones de BTS a todas horas, organizar reuniones con otras fans y, sobre todo, imaginar cómo sería ver por primera vez en vivo al grupo surcoreano. Pero después de los tres conciertos que ofreció la banda en Lima, aquello que parecía tan lejano ya ocurrió: el espectáculo terminó, las luces se apagaron y llegó el momento de regresar a la rutina.

Y para algunas fans, esta transición puede vivirse de forma muy extraño. Tras la descarga de adrenalina, los días posteriores suelen traer consigo tristeza, cansancio, desmotivación o incluso una sensación de “¿y ahora qué?”

En redes sociales, se suele hablar de este fenómeno como “depresión post-concierto”, pero ¿realmente se trata de una depresión? ¿por qué puede doler tanto el fin de una experiencia como esta?

Manuel Roca, docente y psicólogo del Instituto Certus, explicó que una persona no invierte energía emocional únicamente en las horas que pasa frente al escenario. “Durante semanas o meses habló del concierto, imaginó cómo sería y compartió esa expectativa con otros. Y es que no vivimos solo el evento, sino también todo lo que construimos alrededor de él”, comentó en conversación con Somos.

Por eso, cuando la música se apaga, aparece una mezcla de nostalgia, fatiga y vacío. Durante mucho tiempo hubo un objetivo concreto y, al desaparecer de golpe, surge de forma natural la sensación de “no sé qué hacer ahora”. Y no porque la persona haya perdido el rumbo de su vida, sino porque aquello que le daba ilusión simplemente llegó a su fin.

A esto se suma el choque con la cotidianidad. Según el psicólogo Juan Pablo Castro, de Mapfre, luego de una experiencia tan intensa como el concierto de BTS “la rutina parece aburrida porque el cerebro todavía está comparándola con un pico emocional extremadamente alto, y no porque de repente se haya vuelto peor”.

Sin embargo, esto no equivale a una depresión clínica. Tal como señaló la doctora Claudia Cortez, directora de la carrera de Psicología de la Universidad San Ignacio de Loyola, por lo general se trata de un bajón emocional pasajero. A diferencia de este estado transitorio, un trastorno clínico requiere criterios diagnósticos específicos, síntomas persistentes y una afectación real de la vida cotidiana.

La emoción empezó mucho antes de que BTS subiera al escenario

En definitiva, la espera también forma parte de la experiencia y se convierte en una fuente importante de motivación cotidiana. Como destacó la psicóloga Catalina Hidalgo, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya, la expectativa genera entusiasmo, orienta los pensamientos y moviliza la conducta hacia aquello que se desea alcanzar. Por eso, prepararse para un show no implica únicamente “esperar”, sino que le otorga un sentido concreto a las actividades y hace que la persona se sienta capaz de organizar su tiempo y generar espacios para su propio disfrute.

Sin embargo, el verdadero reto aparece cuando aquello que organizaba nuestra rutina se apaga. “Después del concierto puede ser necesario resignificar ese sentido o encontrar nuevas motivaciones en las actividades cotidianas”, mencionó la especialista.

Esta búsqueda de motivación no es casualidad; responde a la propia química del cuerpo. Meses de cuenta regresiva y la emoción de ver a BTS generan un auténtico “tsunami de dopamina” en el cerebro, el neurotransmisor encargado de la recompensa y la anticipación. Cuando esa enorme fuente de estímulos se apaga de golpe, el sistema nervioso experimenta una abrupta caída que desemboca inevitablemente en melancolía y tristeza.

Aunque el impacto dependerá, en gran medida, de lo que BTS significa para cada uno. “Mientras más significado personal tenga la experiencia, más espacio ocupa emocionalmente. Por ejemplo, si para alguien ese concierto significaba cumplir un sueño, no está despidiéndose solamente de un show, sino cerrando un momento con un valor simbólico enorme”, precisó Patricia Cortijo, psicóloga de Clínica Internacional.

Más allá de la música: el fin de la tribu y el refugio compartido

Para un fandom tan activo como el ARMY, los meses previos no solo fueron la espera de un show, sino la construcción de todo un tejido social. Por eso, el final del evento golpea también por otro lado: la repentina sensación de vacío comunitario y desconexión con los demás.

“No se trata únicamente de extrañar la música, sino de perder temporalmente ese vínculo con la comunidad y con las raíces culturales que el espectáculo ayudó a reforzar”, refirió Juan Pablo Castro. Para los fans, los conciertos son espacios de pertenencia y de sentir que se forma parte de un “nosotros”. Cuando terminan, esa atmósfera se desvanece de forma abrupta.

A esta soledad repentina se le añade lo difícil que resulta explicar esta tristeza a familiares o amigos ajenos al fandom. Y es que cuando se comparte el proceso con quienes hablan el mismo idioma emocional, todo fluye; sin embargo al intentar expresar el malestar ante alguien que no comprende la magnitud de la experiencia, la respuesta suele reducirse a un frío “es solo un concierto”.

Esa falta de validación amplifica el sufrimiento. En lugar de encontrar alivio, el fan se encierra en un aislamiento silencioso bajo el pensamiento de que “nadie entiende por qué me siento así”, haciendo que el bajón post-show se vuelva insoportablemente pesado.

Asimismo, el dilema continúa en el ecosistema digital. Tras el apagón de los escenarios, las redes sociales se inundan de fotos, videos, fancams y recuerdos. ¿Este contenido ayuda a procesar lo vivido o atrapa al cerebro en el pasado? Para el psicólogo, se trata de un arma de doble filo: reflexionar y publicar sobre las imágenes ayuda a elaborar la experiencia, pero consumirlas de forma obsesiva durante horas mantiene a la mente estancada, entorpeciendo el cierre de la etapa.

Cuando ese vacío se instala, es común que surja la tentación de compensarlo buscando nuevos estímulos digitales o intentando revivir el show de forma compulsiva. A criterio de la especialista Amy Brodsky, psicoterapeuta de Cleveland Clinic, estas conductas pueden prolongar el bajón si se convierten en la única vía de escape.

“Ver contenido del grupo o recordar el concierto no es negativo por sí mismo, pero puede volverse poco saludable si la persona siente que no puede parar, pierde horas de sueño, descuida responsabilidades o necesita seguir consumiendo para no sentirse mal”, advirtió Brodsky.

Frente a esto, la clave está en el equilibrio. Es decir, establecer horarios, tomar pausas digitales, priorizar el descanso y redescubrir espacios de bienestar fuera de las pantallas para evitar que la melancolía se convierta en una trinchera.

Cómo volver a la rutina sin olvidar lo vivido

Lejos de tratarse de una debilidad o una exageración, el bajón posterior demuestra la magnitud de lo construido. Por eso, el verdadero desafío no radica en fingir que no pasa nada, sino en aprender a transitar el proceso.

Lo primero, de acuerdo con la psicoterapeuta, es dejar de pelearse con la emoción. Si aparece la nostalgia, el cansancio o la tristeza, lo más sabio es reconocerlo y ponerle nombre en lugar de intentar bloquearlo. “A veces, aceptar que uno está en un bajón permite empezar a salir de él con más calma”, señaló.

Para lograrlo, lo ideal es volver a lo básico: priorizar el sueño, comer bien, moverse, retomar horarios estables y realizar pequeñas actividades que reconecten gradualmente con el día a día. También se puede reservar un momento controlado para ver fotos o comentar el show con otras fans, evitando que acapare la jornada entera. “La idea no es borrar lo vivido, sino permitir que encuentre un lugar dentro de la vida cotidiana”.

Ahora bien, ¿cuánto tiempo es normal experimentar este desgano? Aunque no existe una regla exacta, un bajón pasajero es una respuesta natural a una vivencia sumamente intensa que debe ir disipándose conforme el cuerpo descansa y retoma su ritmo. Sin embargo, Brodsky resaltó que es momento de buscar ayuda profesional si el malestar se prolonga demasiado, empeora o interfiere de forma severa con el bienestar diario.

Más allá de la resaca emocional, una experiencia de esta magnitud deja una huella imborrable llena de recuerdos, vínculos profundos y una dosis renovada de ilusión. Por eso, la clave para cerrar el círculo no es desechar esa energía, sino canalizarla.

“Una forma saludable de integrar la experiencia es reconocer qué parte fue la más significativa: la música, la emoción compartida, la sensación de pertenencia, la creatividad, la espera o el vínculo con otras personas”, sostuvo la especialista.

Por ejemplo, si lo que más pesó fue el sentido de comunidad, la tarea es cuidar esos nuevos lazos o si fue el hecho de tener una ilusión en el horizonte, se pueden construir metas pequeñas y alcanzables.

Al final, aquella fecha marcada en el calendario que un día movilizó tantas expectativas no tiene por qué apagarse con el último acorde. Convertir lo vivido en una pista sobre lo que nos hace felices es, quizás, la mejor manera de mantener la música sonando por dentro, mientras esperamos que el futuro vuelva a regalarnos otro momento para soñar.

Cuando un chef de lista internacional firma una carta “accesible”, lo habitual es que sea una versión reducida de su propuesta original: los mismos platos, menos producto. Caleta 49, del Callao, no va por ahí.

Causa justa

En Bellavista, donde la familia Kanashiro vive hace más de treinta años, Christian —‘Tadaki’ para los amigos— abrió Caleta 49 junto a un socio. Cuando se lo contó a su hijo Renato, este se ofreció a hacer la carta sin pensarlo. Renato Kanashiro es el chef de Shizen, hoy en el puesto 62 de Latin America’s 50 Best. “Es cierto que hay muchas bases que usamos en Shizen, pero Caleta 49 tiene una personalidad propia”, dice mientras llegan los platos. Admite que la carta lo sacó de su zona de confort, aunque el resultado se siente tan orgánico que parece lo contrario. Tiene lógica: es la comida con la que creció.

Donde mejor se nota es en la parte marina. El cebiche carretillero va con leche de tigre cremosa de rocoto ahumado y chicharrón de pota. El cebiche Caleta lleva pesca del día, una leche de tigre de rocoto con hondashi, que le da profundidad a la leche sin cambiarle el acento, y tortitas de choclo. La causa viene en tres versiones: con langostinos salteados, con atún acebichado (también en media porción) y la cebichera, con cebiche carretillero encima. La causa es uno de los platos más maltratados de Lima, con masas densas, rellenos tacaños, ahogadas en mayonesa o, peor, con una salsa golf empalagosa. En cambio, aquí la masa es suave y sedosa, y el relleno, generoso y equilibrado. Que uno de los mejores platos sea también uno de los más simples dice bastante de la carta.

Una base sólida

Los makis acebichados, spicy y parrilleros son el peaje de cualquier barra nikkei limeña y contentan a cualquier comensal que busque una tarde de rolls. Pero además de los clásicos, hay novedades interesantes, como el Oribu. Es un roll de langostino cubierto con tartar de pulpo, salsa al olivo, aceite picante y chalaquita: un guiño al pulpo al olivo pasado por la barra. El tiradito de pulpo lleva leche de tigre de rocoto, palta tatemada, ponzu y chalaquita. En los fondos manda lo criollo. El seco de asado de tira viene con frejoles cremosos y una carne que no necesita cuchillo. El lomo saltado es ahumado y jugoso, con arroz graneado y papas rotas, y también hay una versión con langostinos. Quizás uno de los platos más logrados de la carta. Pero el plato que más impresiona es el spaghetti a lo macho, con langostinos batayaki, mayonesa de miso y una salsa a lo macho, coronado con katsuobushi (hojuelas finas de bonito seco que se mueven con el calor) y emulsión de miso. Es donde las dos cocinas no se suman, sino que se encuentran.

El hilo que une Caleta 49 con Shizen no está en los platos; está en sus bases y en un aceite. El pachikay: kion, ajo y cebolla china sobre aceite caliente, se usa como base o como condimento. Renato tiene su versión en Shizen, y esa versión cruzó Lima. Aquí lleva picante, ajonjolí, kion y togarashi, y aparece en varios platos. Es un detalle, pero explica la carta: el Callao, el chifa, lo nikkei y lo criollo; cocinas que se mezclaron mucho antes de que la fusión fuera un discurso.

Los fines de semana no es raro verlo con Mayra, su esposa, comiendo en familia y, de paso, revisando que nada se desafine. Para el comensal, Caleta 49 es una puerta lateral a la cocina de uno de los chefs más interesantes de Lima: una carta hecha con la misma mano, otro registro y otro ticket. Si Shizen es lo que Renato aprendió en su trayectoria, Caleta 49 es lo que ya sabía. //

Del hanbok coreano a los textiles andinos, pasando por el streetwear y el infaltable morado, las fans de BTS demostraron que la moda es una forma de contar historias. Estos son algunos de los looks más creativos que dejó el fenómeno ARMY.

Cuando se trata de asistir a un concierto, elegir qué ponerse es todo un ritual. Para las ‘ARMYs’, como se conoce a las seguidoras de la agrupación surcoreana, cada outfit es una oportunidad para celebrar su conexión con la banda.

A lo largo de los distintos países que han formado parte de la gira, las fans han demostrado que su creatividad no conoce límites. Y Perú no ha sido la excepción. Referencias a videoclips, prendas intervenidas y propuestas que fusionan culturas, los looks de las ARMYs se han convertido en un espectáculo paralelo donde la moda es tan protagonista como la música.

Del rojo y negro de ARIRANG al universo del streetwear

Una de las principales fuentes de inspiración ha sido ARIRANG, el nuevo álbum de BTS. Su universo visual, marcado por una paleta de rojos y negros, ha dado pie a distintas interpretaciones que van desde la inspiración urbana hasta propuestas más elaboradas con guiños a la indumentaria tradicional coreana.

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Pero las referencias no se quedan únicamente en su etapa más reciente. Algunas fans decidieron viajar hasta los primeros años de la agrupación, recuperando la estética hip-hop que caracterizó su debut en 2013. Camisetas oversized de básquetbol, siluetas deportivas y prendas personalizadas con el nombre de su ‘bias’ (como llaman las ARMYs a su integrante favorito) fueron parte de esta celebración del estilo urbano.

Una prueba de cómo la moda funciona también como archivo emocional, capaz de transportarnos a distintas etapas.

Cuando el hanbok se encuentra con los Andes

Una de las propuestas más interesantes fue la reinterpretación del hanbok, el traje tradicional coreano, que varias fans incorporaron a sus looks desde una mirada moderna.

Entre ellas destacó una joven que decidió fusionar elementos del hanbok con un tejido tradicional andino, creando un encuentro visual entre dos culturas aparentemente lejanas, pero conectadas por el valor de sus tradiciones textiles.

Este tipo de propuestas nos recuerda algo interesante sobre la moda: su capacidad para generar conexiones culturales.

Otra de las imágenes más especiales fue la de una ARMY que llegó desde Huancavelica luciendo elementos de su vestimenta tradicional andina, reinterpretados en tonos morados. Una manera de llevar sus raíces consigo y, al mismo tiempo, celebrar su pertenencia a una comunidad global.

El morado: mucho más que un color

Si existe un elemento capaz de identificar inmediatamente al fandom de BTS, ese es el morado.

Su significado se remonta a 2016, cuando V, uno de los integrantes de la agrupación, popularizó la expresión I purple you, que desde entonces se ha convertido en un símbolo de amor, confianza y conexión entre los artistas y sus seguidores.

Por eso, no sorprende que este color haya sido uno de los grandes protagonistas de los outfits. Desde vestidos y conjuntos monocromáticos hasta accesorios, maquillaje y pequeños detalles, el morado apareció en distintas versiones, demostrando cómo un color puede convertirse en un código de identidad colectiva.

Vestirse para ser parte de una historia

Tampoco faltaron los disfraces y las referencias a personajes, videoclips y momentos memorables de BTS. Propuestas que quizás solo las fans más conocedoras pueden descifrar a primera vista, pero que forman parte de ese lenguaje compartido que caracteriza a las comunidades musicales.

Al final del día, lo más importante es disfrutar de la música y de toda la experiencia que implica asistir a un concierto. Nos queda claro que la moda siempre tendrá un papel importante en la industria musical. Una misma pasión puede reunir a miles de personas, pero la manera de expresarla a través de la moda es única para cada una.

El diseño peruano continúa abriéndose camino en la escena internacional. Diseñadores como Cinthia Vigil, Jorge Luis Salinas y Sergio Dávila expusieron sus propuestas para la temporada Primavera-Verano 2027 en las capitales de la moda, demostrando que el Perú no solo destaca por la calidad de sus textiles, sino también por el diseño propio.

En el icónico Pavillon Dauphine, uno de los escenarios más exclusivos de París, Cinthia Vigil reafirmó su lugar entre las diseñadoras peruanas de mayor trayectoria. La creativa peruana presentó Ars Amatoria — El arte de amar, su última propuesta en el marco de la Semana de la Moda de la capital francesa. Inspirada en la obra del poeta romano Ovidio y reinterpretada desde una mirada contemporánea, la colección explora el amor como una fuerza transformadora que permite a la mujer descubrirse, elegir y escribir su propia historia.

El universo de Cinthia Vigil

La propuesta recorre distintas etapas del amor a través de la alta costura. Los tonos blancos evocan la pureza de los primeros sentimientos; los tonos pastel, nude y neutros hablan de delicadeza y seducción; mientras que las tonalidades más profundas representan la intensidad, la pasión y la madurez. “Ars Amatoria” representa una evolución natural de mi universo creativo. Quise hablar del amor desde una mujer que no espera ser elegida, sino que elige; una mujer que conoce su valor y que tiene la libertad de escribir su propia historia”, expresa Vigil.

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Fiel a su universo nupcial y romántico, la diseñadora presentó vestidos con bordados a mano, con pedrería, aplicaciones, texturas, encajes y detalles cuidadosamente ejecutados. Las primeras salidas destacaron por sus silueteadas definidas, corsetería y una paleta de rosas, celestes y tonos pastel. La colección culminó con sus propuestas nupciales, en las que las transparencias, los brillos y la pedrería acompañaron diseños que celebran la individualidad de cada novia, sin perder el romanticismo que caracteriza a la firma.

La modelo y creadora de contenido Luana Barrón fue la encargada de abrir la pasarela luciendo un vestido de escote palabra de honor con aplicaciones y plumas. Una pieza que anticipó el trabajo artesanal presente en la colección.

La presentación en París marca un momento significativo en la trayectoria de Vigil, quién llevó el nombre de su firma y del Perú a uno de los escenarios más importantes de la moda internacional.

El retablo de Salinas

El diseñador peruano que inició su camino en las galerías de Gamarra, volvió a brillar en el calendario oficial de la Semana de la Moda de Milán. Por tercera edición consecutiva, Salinas mostró su destreza en trabajo artesanal y el tejido ante a una audiencia élite: diseñadores, estilistas y celebridades de talla mundial que llegaron al Palazzo Stampa Soncino para descubrir su propuesta.

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El Retablo, el nombre de la colección de Salinas, encuentra inspiración justamente en los retablos ayacuchanos, piezas artesanales que convierten la memoria y la tradición en objetos de valor cultural. En esa línea, Salinas presentó piezas de alpaca, algodón pima y seda muchas de ellas tejidas a mano con distintas técnicas artesanales. Los volantes, el volumen y las formas disruptivas también estuvieron presentes, reafirmando el sello contemporáneo de la firma.

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Esta vez, el diseñador estuvo acompañado de cuatro artesanas de su taller, responsables del trabajo detrás de las piezas. Su presencia puso en primer plano el valor del trabajo artesanal y el papel fundamental que desempeña en la riqueza de la moda peruana.

Sergio Dávila en Italia

El diseñador peruano regresó a la escena internacional con una propuesta para la temporada Primavera - Verano 2027. Tras exhibir sus colecciones en escenarios emblemáticos del Perú, presentar como el valle sagrado en Cusco o la bahía de Paracas, Dávila llevó su trabajo a Milán, donde presentó una colección inspirada en el Kintsugi, el antiguo artes japonés de reparar cerámica sin ocultar sus fracturas.

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Este concepto sirvió como punto de partida para una propuesta que puso en diálogo la sastrería, la experimentación con los volúmenes y la versatilidad con distintas prendas, con especial atención a las faldas. Sobre pasarela también destacaron los tejidos y materiales como alpaca, algodón piba, seda, cachemir.

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Con este desfile, Dávila retomó el circuito internacional y llevó su interpretación de la moda contemporánea a una de las capitales de la moda.

Cada vez que se termina un perfume o un producto para el cuidado de la piel, surge una pregunta: ¿es necesario reemplazar todo el envase? Frente al impacto ambiental que genera la producción de empaques, la industria de la belleza busca alternativas para aprovechar mejor los recursos. En esa línea, L’Oréal Groupe impulsa el desarrollo y la implementación de soluciones recargables en su portafolio de marcas, con el objetivo de promover un modelo de consumo más circular.

Más que una tendencia pasajera, las recargas forman parte de su visión de una industria de la belleza que combine sostenibilidad, atractivo y alto rendimiento, sin renunciar a la experiencia que buscan los consumidores.

Para extender esta práctica, el grupo apuesta por convertir la recarga en un hábito cotidiano. La estrategia incluye campañas en medios y acciones de storytelling de marca que buscan posicionar esta alternativa como una opción moderna y atractiva. El desafío no pasa únicamente por ofrecer nuevos formatos, sino también por promover un cambio cultural en los hábitos de consumo.

Un ejemplo es Prada Paradoxe, fragancia que tiene como rostro a la actriz y defensora de la sostenibilidad Emma Watson. Su diseño permite recargar el frasco en casa y demuestra que el lujo y los principios de la economía circular pueden convivir.

La experiencia también se extiende al punto de venta. Para facilitar la adopción de estas soluciones, L’Oréal Groupe capacita a sus asesores de belleza para que expliquen a los consumidores cómo utilizar los sistemas de recarga y aprovechar sus beneficios.

La estrategia de sostenibilidad de la compañía contempla tres líneas de acción para reducir el impacto ambiental de sus envases, en el marco de su programa L’Oréal for the Future:

• Reducir: disminuir la cantidad de materiales utilizados mediante la reutilización, el aligeramiento y el redimensionamiento de los envases.
• Sustituir: reemplazar los materiales o procesos de mayor impacto ambiental por alternativas con un mejor perfil ambiental, priorizando materiales reciclados posconsumo (PCR, por sus siglas en inglés) y materiales de origen biológico.
• Reciclar: diseñar envases compatibles con los sistemas de clasificación y reciclaje existentes.

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Las soluciones recargables no se limitan al segmento de las fragancias. L’Oréal Groupe busca extenderlas a las distintas divisiones de su portafolio, con propuestas que abarcan también el cuidado del cabello y de la piel.

En Europa, por ejemplo, Elvive, marca de cuidado capilar que el grupo identifica como el champú número uno del mundo, ofrece formatos recargables que permiten reducir el uso de plástico en un 60 % en varias de sus líneas de productos.

Por su parte, L’Oréal Luxe cuenta con recargas para productos de cuidado de la piel, como el sérum Génifique de Lancôme. Su diseño conserva la identidad visual del producto y, al mismo tiempo, reduce la cantidad de materiales de embalaje utilizados. Según la compañía, cada recambio permite disminuir el uso de vidrio en un 100 % en el envase de recarga, así como el de cartón en un 20 %, plástico en un 15 % y metal en un 36 %.

De esta manera, las recargas buscan integrar diseño, atractivo y rendimiento en una misma propuesta. Los consumidores pueden seguir utilizando las fórmulas habituales de sus productos, mientras que los formatos de reposición ofrecen una alternativa orientada a reducir el consumo de materiales y avanzar hacia una industria de la belleza más circular.

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El logo de El Chato, el gesto que abre parte del menú, es una pata de gallina. Parece raro en un restaurante premiado, pero, pensándolo bien, es lo que mejor refleja aquello que representa. No es un corte noble. Es lo que sobra, lo que se cocina de fondo, lo que nadie fotografía. Eso fue lo que Álvaro Clavijo decidió convertir en su símbolo.

El sabor de casa

Clavijo no llegó a la cocina por vocación temprana ni por herencia familiar. No sabía qué quería hacer. Optó por la arquitectura, pero terminó lavando platos en París para juntar plata e ir a conciertos de punk. Fue malísimo lavando loza, dice, pero en el caos de la cocina encontró algo parecido a la paz.

Su trayectoria es más convencional que su amor por el punk: estudió en Hofmann, en Barcelona, y en Le Cordon Bleu, en París; trabajó en L’Atelier de Joël Robuchon y, ya en Nueva York, pasó por Per Se, de Thomas Keller, y Atera, de Matthew Lightner. Después, hizo una estancia en Noma, con René Redzepi.

Era la ruta clásica del cocinero que vuelve a su país cargado de técnica europea y nórdica para replicarla con ingredientes locales. Pero Clavijo decidió no hacer eso. Volvió con la disciplina de esas cocinas, pero no les dio protagonismo. Aquí no hay trufa, ni foie gras, ni ingredientes importados convertidos en señal de prestigio. Se entrenó con algunos de los mejores para construir algo nuevo a partir de su propia despensa.

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Y tampoco se trata de convertir la búsqueda de ingredientes remotos en espectáculo. Hay investigación, productores, biodiversidad y territorio, pero todo eso aparece subordinado a otra pregunta: ¿qué se puede hacer con aquello que ya está delante y que casi nadie mira como materia de alta cocina?

Su punto de partida está en el aprovechamiento y en los sabores de hogar. Los transforma con técnica, fermentos, hierbas y caldos profundos. En su carta aparecen ingredientes tan cotidianos como plátano verde, mollejas, sardinas, mangos o guascas, la hierba indispensable del ajiaco. También preparaciones reconocibles del repertorio latinoamericano: tamales, quesadillas, escabeches. Aquí todo parece simple, pero nada lo es.

El Chato abrió en 2017 con un plato que todavía mantiene: corazones de pollo, casquería barata —de mercado—, servida con el mismo cuidado con el que otros sirven trufa o langosta. Clavijo lo resume bien: “Tratar una zanahoria con el rigor de un langostino es donde pasan las cosas bonitas”.

Esa manera de dignificar lo simple sin disfrazarlo acompañó el ascenso vertiginoso de El Chato. En 2025 llegó al primer puesto de Latin America’s 50 Best Restaurants y ocupó el número 54 de la lista mundial el mismo año. El mejor restaurante de la región sirviendo huacatay, chontaduro y habas.

La constelación

Lo que vino después de El Chato permite hablar de un universo y no de un restaurante suelto.

A cincuenta pasos está Selma, en un local que fue el taller de mecánica del abuelo de Clavijo, después lavandería y luego bodega. Un espacio diáfano, de vigas expuestas, convertido ahora en su bistró: hummus con rabo de res confitado, carpaccio de sandía con higos y queso feta, un rib eye al carbón con papas fritas o una fideuá con pesca del día.

Es un registro más relajado, pensado para compartir, más barato, para comer sin pensar demasiado, volver siempre y no una vez en la vida.

En agosto de 2025 abrió Ruda, como muchas cosas en su vida, casi por casualidad. Muy cerca había alquilado un espacio para montar una cocina de producción y pensó que, por la noche, también podía ser un bar. Y allí, literalmente dentro del centro de producción que comparten los otros dos restaurantes, se preparan cócteles con hierbas locales y perfiles muy distintos, acompañados por tapas para picar.

Tres direcciones casi contiguas, tres registros y una cocina madre alimentando a las tres.

Parece un ecosistema con distintas puertas de entrada, para que no todo el mundo tenga que pagar setecientos mil pesos por sentarse en El Chato. Y es verdad, hasta cierto punto: Selma y Ruda cuestan menos, tienen otro formato y otra vocación de barrio.

Pero quizá sea excesivo hablar de una democratización de su cocina. Los tres espacios siguen concentrados en el mismo par de cuadras de Chapinero y dialogan, en buena medida, con un comensal de poder adquisitivo medio-alto. Más que conquistar un público completamente distinto, da la impresión de que Clavijo ha dividido un mismo universo de comensales según gasto, frecuencia y ocasión. Eso no le resta mérito. Son tres espacios coherentes entre sí para momentos diferentes.

Su cocina

Si hay algo que encuentro genuinamente propio en el trabajo de Álvaro, son los caldos. Cualquier chef sabe que son la base de toda cocina, pero aquí tienen un protagonismo inusual. El menú degustación abre con un caldo de cerdo ahumado San Pedreño y hierbas aromáticas. Intenso pero ligero, con profundidad y sin pesadez.

No es uno de esos consomés clarificados a la francesa que buscan impresionar por su transparencia. Es, sencillamente, un caldo sustancioso.

En un país donde el caldo de gallina y el de costilla son comida de recuperación, de domingo, de ahorro, ponerlo como primer movimiento de un menú de alta gama es una declaración. La técnica está ahí para sostener ese sabor, no para taparlo con otro más vistoso.

Luego llegan combinaciones menos evidentes: cintas de calamar con palmito, macadamia y aceite de huacatay; mejillones verdes con limón curado y hojas de shiso; caracol de mar con chicharrón y aguaymanto.

Y, otra vez, volvemos a lo que para mí protagoniza esta cocina: un caldo de rábano negro y ajo chino, sutil pero con carácter, que se vierte sobre hongos portobello.

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Que el símbolo de todo el proyecto sea una pata de gallina —el corte que se bota, el que sirve para dar sabor y no para lucirse— no es casualidad ni ocurrencia gráfica. Es la síntesis de una forma de entender la alta cocina: el prestigio no está necesariamente en importar lo ajeno, sino en mirar de frente lo que la propia cocina popular ya sabía hacer y dejarlo ser lo que era, pero mejor trabajado.

Esta vez, la pata vuelve como tapa del plato central del menú: un jamón de gallina con un arroz intenso y crocantes elaborados a partir de huesos de pollo ahumados. Mucho sabor, casi nada de desperdicio.

Para el siguiente plato, Clavijo manda cultivar sus propias habas para que sean recolectadas mucho antes de lo habitual. Con ellas prepara unos canelones de pollo y col con habas tiernas y dulces.

Para el último plato nos traen una bandeja con cuchillos hechos artesanalmente y nos piden escoger uno. Llega entonces un cerdo de piel crocante, tierno y jugoso por dentro, sobre una cama de tapioca con tucupí y ortiga.

Bogotá lleva años discutiendo si el barrio de Chapinero es el nuevo centro gastronómico de la ciudad. El Chato, Selma y Ruda son parte importante de esa discusión. Pero el barrio importa menos de lo que parece.

Lo interesante en El Chato es que cocinar con lo que hay en el mercado no requiere explicación ni disculpa, con la pata de gallina puesta sobre la mesa, literalmente, como excusa y como bandera. //

¿Cuándo empezó tu preocupación por el bienestar?

Creo que siempre he tenido una relación con el bienestar porque fui formada en el ballet clásico. Mi primer trabajo fue a los 13 años en el Ballet Municipal de Lima y desde muy chica tuve esa disciplina. La abandoné durante algunos momentos de mi vida, pero mi punto de quiebre llegó a los 40 años, cuando fui a mi cita anual con el ginecólogo. Me preguntó qué deporte hacía y, cuando le dije que ballet y que a veces jugaba tenis, me dijo: “De frente, a hacer pesas”. Ahí empecé a preocuparme realmente por mí.

¿Qué hábitos has incorporado en los últimos años que realmente han cambiado tu vida?

Además de hacer deporte de manera constante, cambié mi alimentación, pero no desde la idea de hacer dieta o contar calorías, sino de nutrir mi cuerpo con lo que necesita. Soy 80-20: el 80% del tiempo como saludable y el otro 20% me doy mis gustos. No creo en vivir de manera radical. Todo eso cambió mi humor y me dio más energía. El deporte sana la mente y te ayuda a encontrar un balance. También empecé a alejarme de las personas que no sumaban a mi vida y a quedarme con quienes sí me aportaban.

¿Eres disciplinada con el ejercicio?

Desde que descubrí el remo, se convirtió en parte de mi día a día. Es un deporte muy integral porque trabajas el corazón, los pulmones y prácticamente todos los músculos del cuerpo. Además, es muy retador y he encontrado una comunidad maravillosa. Sigo haciendo ballet y ahora tengo un nuevo reto: empezar a correr. Nunca he tenido físico para correr, así que estoy trabajando con una entrenadora. Espero que el próximo año pueda hacer una carrera.

En tu cuenta de Instagram compartes contenido dirigido a mujeres mayores de 40 años. Mirando hacia atrás, ¿hay algo que te hubiera gustado saber antes de llegar a esa etapa?

Tener más información sobre los cambios que experimentamos. Creo que faltan profesionales que hablen de una manera integral sobre salud femenina. Por eso también uso mis redes para compartir información sobre prevención. Las mujeres estamos acostumbradas a ir al ginecólogo, hacernos una mamografía o un Papanicolaou, pero también debemos prestar atención a nuestra salud cardiovascular, nuestros huesos y otros aspectos que empiezan a cobrar importancia con los años.

¿Qué le dirías a una mujer que siente que ya no tiene tiempo para ella?

Entre el trabajo, los hijos, el esposo y la casa, las mujeres muchas veces nos olvidamos de nosotras mismas. Yo creo que hay que volver a priorizarnos. Y no necesitas hacer cambios gigantes. Puede ser algo tan sencillo como darte un tiempo para estar sola, leer ese libro que tienes pendiente o salir a caminar. Ponerte en tu propia lista no es egoísmo. Es preocuparte por ti.

¿Crees que todavía existe presión sobre las mujeres para verse más jóvenes a partir de cierta edad?

Creo que cada mujer puede hacer con su vida lo que mejor le parezca. Yo me siento espectacular a mis 54 años y no quiero parecer de 30. Quiero sentirme espectacular a la edad que tengo. Por eso hago deporte: no solamente para estar fuerte, sino porque me da energía, me mantiene activa y también sana mi mente. Quiero llegar a los 80 años con fuerza para cargar a mis nietos y hacer las compras en el mercado sin asistencia. Quiero tener una vejez plena e independiente.

Eres madre de tres jóvenes, ¿cómo vives hoy tu rol de mamá?

Nunca he sido una mamá aprensiva. Siempre he querido que tengan su espacio y que experimenten. Les digo: “Alas para volar, raíces para volver”. Los tres estudiaron fuera, en España, y me alegra que hayan podido conocer otras realidades. Pero cuando los hijos crecen y se van, muchas mujeres se preguntan: “¿Y ahora qué hago?”. Por eso, creo que una nunca debe olvidarse de sí misma. La mujer que crio, trabajó y sostuvo una familia también tiene derecho a reinventarse.

¿Cómo ha cambiado tu manera de mirar las noticias después de tantos años frente a una cámara?

Con los años entendí que no podía llevar las noticias a mi casa. Tú empatizas con todo lo que ocurre en el país, pero no puedes cargarlo permanentemente porque termina afectándote a ti y a todos los que están contigo. Aprendí a tomar distancia y a darme mi propio espacio. También decidí que mi Instagram ya no fuera una extensión del noticiero. Antes hacía contenido de noticias, pero ahora quiero que sea una plataforma de inspiración para otras mujeres.

¿Qué pequeño lujo te permites sin culpa?

Para mí, la soledad es un lujo. Me encanta tomar un café sola con mi libro, ir a almorzar sola, tomarme un helado o caminar. Es mi momento de calma. Cuando camino sola, siento que las cosas se ponen en perspectiva y me bajan las revoluciones. También descubrí la meditación hace muchos años para canalizar el estrés y la ansiedad. He aprendido a poner mi mente y mi corazón en calma, a enfrentar mis miedos, perdonar y soltar. Cuando sueltas la mochila, caminas más ligero.

¿Sientes que estás en tu mejor momento?

Sí. Siento que estoy en mi mejor momento físico, personal y emocional. Estoy empezando a dirigir mi vida hacia donde quiero llevarla. El año pasado hice el Camino de Santiago: 120 kilómetros caminando. Tuvo momentos maravillosos y momentos duros, pero había que seguir. Lo más bonito fue caminar en silencio conmigo misma y empezar a escucharme. Ahora quiero hacer un viaje de conexión interior cada año. Quiero que esas caminatas sean una manera de volver a mí. //

Una chica de impacto

Antes de dedicarse al periodismo, Marisol García incursionó en el modelaje desde los 17 años. En 1990, después debutó en televisión como conductora de “Zona de impacto”, junto a Olenka Zimmermann y Verónica Alcalá, bajo la dirección del periodista deportivo Javier Meneses. En la imagen aparece en la portada de la revista “TV+”, en noviembre de 1992. //

La fiebre por BTS ya se siente en Lima. Desde que se anunció la llegada de la banda de K-Pop al Perú, la expectativa fue creciendo hasta convertirse en una verdadera celebración para sus seguidores: eventos organizados por las ARMY, intercambio de los famosos freebies, un Army Bus y distintas actividades que durante meses fueron preparando el camino para uno de los acontecimientos musicales más esperados del año.

Con los conciertos ya en marcha, las redes sociales se llenan de fotos, videos, canciones y momentos que muestran lo que miles de fans están viviendo dentro y alrededor del Estadio San Marcos.

Pero mientras unos cumplen el sueño de ver a BTS en vivo, otros niños y adolescentes están atravesando justamente la otra cara de esta experiencia: querían estar allí y no pudieron.

Para ellos, la decepción puede ser mucho más profunda de lo que un adulto imagina. En la adolescencia, explicó la psicóloga Antonella Galli, de la Clínica Ricardo Palma a Somos, los compañeros y amigos adquieren un papel central, por lo que formar parte de una experiencia compartida también significa “sentirse incluidos” y participar de la conversación y la planificación con su grupo. Cuando eso no ocurre, pueden aparecer sentimientos de frustración, tristeza o exclusión.

“Un concierto de estas características puede condensar muchas cosas al mismo tiempo: música, identidad, pertenencia, amistades y la expectativa de participar en algo que se percibe como único. Por eso, para un adolescente, no se trata simplemente de perderse un espectáculo, sino de quedar fuera de una experiencia colectiva que llevaba meses imaginando”, señaló Álvaro Álvarez, psicólogo de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM).

Y es que la situación puede hacerse todavía más difícil cuando esa experiencia aparece una y otra vez en redes sociales. Según la psicoterapeuta Liliana Tuñoque, de Clínica Internacional, el adolescente puede pasar de saber que no irá a sentir que “todos están ahí menos yo”.

¿Está triste porque no podrá ir? Evita decirle que “no es para tanto”

La forma en que un niño o adolescente expresa la frustración dependerá, en gran parte, de su edad. En los más pequeños puede aparecer como llanto, rabia, insistencia o dificultad para aceptar que no podrá ir. En la preadolescencia empieza a pesar más la comparación con los amigos: “ellos sí van y yo no”. Y durante la adolescencia, esa misma decepción puede sentirse como exclusión o incluso vergüenza, precisamente porque la pertenencia al grupo adquiere una importancia especial.

Por eso, Álvaro Álvarez recomendó que los padres no midan la reacción de sus hijos con una escala adulta. “Para un adulto puede ser ‘solo un concierto’, pero para un adolescente puede representar meses de expectativa, conversaciones con amigos y una parte importante de su identidad”, indicó. Sin embargo, validar esa emoción no significa dramatizarla ni conceder aquello que el hijo quiere, sino comprender que la intensidad de lo que siente tiene sentido dentro de su etapa de desarrollo.

El primer paso, entonces, no es intentar apagar la emoción inmediatamente. Para Jaicy Blandin, profesora del Programa Académico de Psicología de la Universidad de Piura, los padres pueden mostrarse sensibles y respetuosos incluso frente a intereses que no comparten. Ese vínculo cercano facilita que los hijos puedan aceptar mejor los límites cuando estos aparecen.

En la práctica, esto puede empezar con frases sencillas como “sé cuánto esperabas esto y entiendo que estés triste”, “debe ser difícil” o “lamento que no pueda ser como quieres”. Lo que conviene evitar—insistió la psicóloga— son respuestas como “es solo un concierto”, “hay problemas más importantes”, “ya se te pasará” o “no tienes por qué ponerte así”.

Aunque con esos mensajes los padres busquen restarle importancia al malestar, pueden transmitir al adolescente que sus sentimientos no merecen ser escuchados.

Si el motivo de la negativa es económico, lo mejor es ser honestos, pero sin convertir la situación en una fuente de culpa o vergüenza. Una explicación muy útil puede ser: “Sabemos que querías muchísimo ir y también hubiésemos querido poder darte esa experiencia, pero en este momento comprar las entradas no es posible para nuestra familia. Eso no tiene que ver con cuánto te queremos ni con cuánto nos importan tus ilusiones”.

También es fundamental no entrar en comparaciones con otras familias. Si el adolescente dice: “Todos mis amigos van”, podemos responder: “Si es difícil ver que tus amigos pueden ir, pero cada familia tiene posibilidades y decisiones diferentes”.

Ahora bien, validar no significa permitir cualquier comportamiento. Si la tristeza se transforma en gritos o faltas de respeto, es necesario poner un límite sin negar la emoción.

“Podemos decirle: entiendo que estés muy molesto y que sientas que esto es injusto, pero no puedes gritar ni faltar el respeto”. Con este tipo de mensajes estamos dejando claro que puede estar enojado, llorar o expresar desacuerdo, pero también existen límites sobre cómo tratamos a los demás. Si la conversación está demasiado cargada, incluso puede ser mejor hacer una pausa y retomarla cuando todos estén más tranquilos”, recomendó Liliana Tuñoque.

Al final, el objetivo no es conseguir que el niño o adolescente “se anime” de inmediato. Lo más importante es darle el espacio para expresar lo que siente, ayudarlo a identificar si se trata de tristeza, enojo, decepción o sensación de quedar fuera y preguntarle qué necesita.

Asimismo, puede ser útil acompañarlo a desconectarse temporalmente de las redes, identificar qué aspectos sí puede controlar y, cuándo esté preparado, pensar juntos en algunas alternativas para pasar el rato.

La idea no es hacer desaparecer la frustración, sino transmitirle algo igualmente importante: puedes estar triste y, aun así, seguir adelante.

¿Cómo ayudarlo a atravesar lo que se está perdiendo?

La tristeza puede hacerse más evidente cuando llegue el momento que tanto esperaba. Mientras las redes se llenen de videos desde el estadio, fotos de amigos y publicaciones de quienes sí asistieron al concierto, el niño o adolescente tendrá que enfrentarse de manera concreta con aquello que no pudo vivir. Por eso, más que intentar que ese día transcurra como si nada hubiera pasado, los padres pueden ayudarlo a atravesarlo respetando su malestar y dándole herramientas para manejarlo.

Una de ellas puede ser buscar una actividad alternativa, pero con una precaución importante: no intentar convertirla en un reemplazo del concierto. Álvarez recalcó que ninguna actividad puede compensar exactamente aquello que el hijo perdió y advirtió que comprarle algo o preparar un plan especial únicamente para conseguir que deje de estar triste puede transmitirle que toda emoción desagradable debe desaparecer rápidamente.

En cambio, los padres pueden preguntarle qué podría hacer esos días para sentirse un poco mejor. Ver juntos un concierto grabado, reunirse con amigos, participar en alguna actividad del fandom o simplemente hacer algo diferente pueden ser opciones válidas si parten de sus intereses y necesidades.

“La diferencia está en la intención, pues no se trata de borrar la decepción con un premio, sino de crear una experiencia distinta mientras se reconoce que la que quería vivir no puede ser reemplazada”.

Esto también significa aceptar que quizá el hijo no quiera hacer nada especial. Para Liliana Tuñoque, involucrarlo en las decisiones puede ayudarlo a recuperar cierta sensación de control. Por ejemplo, los padres pueden preguntarle: “¿Qué crees que te ayudaría ese día?” o “¿prefieres que hagamos algo juntos, salir o simplemente tener un día tranquilo?”. No es necesario que encuentre una solución inmediatamente, incluso puede decir que prefiere pasar el día de otra manera. Lo importante es permitirle decidir dentro de aquello que sí está bajo su control.

Y hay otro elemento que probablemente resulte más difícil de esquivar: las redes sociales. Álvarez sugirió evitar tanto obligarlo a mirar todo para que “aprenda a soportarlo” como prohibirle las plataformas por completo. Una opción intermedia es acordar una regulación temporal e intencional, como silenciar determinadas cuentas, limitar los momentos de exposición o decidir cuándo quiere revisar los contenidos.

La razón es que, cuando el concierto está ocurriendo en tiempo real, la comparación social y el llamado FOMO —el miedo a estar perdiéndose algo que los demás están viviendo— pueden intensificarse. Reducir ese estímulo durante unas horas puede ser una forma de autocuidado y no necesariamente una huida.

Por eso, la meta no es aislarlo de todo lo relacionado con BTS ni forzarlo a demostrar que puede soportarlo. Como padres, se trata de ayudarlo a reconocer qué puede manejar y qué necesita atravesar para superar esos días.

¿Cuándo una decepción deja de ser esperable y empieza a preocupar?

Que tu hijo llore, se moleste, diga que está muy triste o incluso prefiera estar solo durante un rato no significa necesariamente que exista un problema de fondo. Y es que una decepción importante para él puede necesitar tiempo para ser procesada. Sin embargo, la clave está en observar qué ocurre después.

“La intensidad, la duración y cuánto interfiere el malestar en la vida cotidiana es importante”, apuntó Liliana Tuñoque. Es decir, si la tristeza se mantiene durante mucho tiempo, aumenta en lugar de disminuir o comienza a afectar de manera significativa el sueño, la alimentación, los estudios, las relaciones o las actividades que normalmente disfruta, la situación merece una mirada más cuidadosa.

También requieren atención señales como un aislamiento extremo, autolesiones o expresiones relacionadas con no querer vivir. En estos casos, “ya no hablamos solamente de una decepción y es importante buscar ayuda profesional”.

Pero incluso antes de llegar a una señal de alarma evidente, los padres pueden preguntarse si realmente están frente a una reacción exclusivamente relacionada con el concierto. Jaicy Blandin destacó que una decepción puede actuar como un detonante que hace visible un malestar que ya estaba presente. Dificultades con los amigos, ansiedad, problemas de autoestima, aislamiento o estrés académico pueden quedar expuestos cuando una situación concreta desborda emocionalmente al menor.

Por eso, más que preguntarse si su hijo está reaccionando “demasiado” por no haber conseguido una entrada, conviene mirar el contexto completo: ¿Cómo estaba antes?, ¿qué ha cambiado desde entonces?, ¿está pudiendo continuar con su rutina? o ¿hay otras señales que preocupan?

Y quizá esa sea también una de las enseñanzas más importantes que puede dejar una experiencia como esta. La frustración forma parte de la vida y los padres no pueden evitar que sus hijos atraviesen todas las decepciones. Tampoco necesitan convertir cada una en una lección sobre fortaleza o resiliencia.

Como señaló la psicoterapeuta Liliana Tuñoque, “podemos estar muy decepcionados y, aun así, seguir adelante”. La resiliencia no consiste en no sentir tristeza ni en repetir que “todo pasa por algo”, sino en poder atravesar una situación difícil, reconocer lo que sentimos y encontrar poco a poco recursos para afrontarla.

Dicho esto, el mensaje no tiene que ser “no pasa nada”. Puede ser algo mucho más honesto: “Sí pasa, entiendo que te duela, pero puedes aprender a manejarlo y no tienes que hacerlo solo”. Porque crecer también significa descubrir que no siempre podemos conseguir aquello que queremos, pero una decepción no nos destruye: podemos sentirla, atravesarla y, con el tiempo, seguir adelante.