Lo más difícil no fue hacer flotar el escenario, sino lograr que su geometría acompañara un concepto. El primer escenario del Muyuna Fest fue rectangular y recordaba a las casas palafíticas de Belén; el segundo tomó forma circular, inspirado en los remolinos del agua y la cosmovisión cucama que evoca el nombre mismo del festival. Este año, en cambio, la estructura apareció como una enorme equis flotante rodeada por un bosque de troncos desnudos, concebida para evocar las cicatrices que dejó el genocidio del caucho y, al mismo tiempo, convertirse en un punto de encuentro para las comunidades amazónicas.

“El escenario ya cobró otro sentido; es un símbolo que supera todo diseño que intenta representarlo”, explica la arquitecta y miembro del colectivo Espacio Común, Paula Villar Pastor. La estructura ocupó aproximadamente 22 metros cuadrados y exigió levantar una compleja grilla ortogonal sobre el agua. Vista desde arriba, la forma de la equis se vuelve evidente; desde abajo, el escenario parece un bosque suspendido que deja pasar la luz y el viento entre las aberturas de una pared de hojas ubicada bajo la plataforma. La propuesta de los arquitectos fue elaborada junto a artistas, trabajadores sociales y vecinos de Belén, quienes trabajaron únicamente con materiales locales: topas flotantes, madera rolliza, alambre hecho con la planta tamishi y restos recogidos de aserraderos y chacras.

“Lo que intentamos plantear fue un bosque de palos que representara el vacío que dejó este periodo tan violento en la Amazonía. Pero, al mismo tiempo, queríamos que, desde ese bosque, se apreciaran la unión y la alegría en el barrio de Belén”, señala el arquitecto Daniel Canchan Zúñiga, quien, junto al equipo detrás del diseño del escenario, consiguió renombre internacional. El escenario del año pasado ganó el premio de Arquitectura Sin Fronteras, fue elegido Obra del Año por ArchDaily en español y quedó finalista en la Casa de la Arquitectura de España. Sin embargo, en Belén el verdadero valor de estas estructuras aparece después de las proyecciones, cuando las plataformas terminan convertidas en aulas abiertas, plazas flotantes o puentes improvisados para atravesar el barro cuando el río retrocede.

Veterano en acción

Aunque sus manos fueron adiestradas para el fusil, el excabo de la infantería de Marina, Segundo Salinas Torres, hoy prefiere usarlas para construir las bases del Muyuna Fest. Por unos meses de cada año, Salinas es más pez que hombre y menos pescador que constructor. Durante la primera edición empezó con seis colegas que acabaron siendo cuatro. Para la segunda, la experiencia permitió conseguir un trabajo más preciso y detallado. En esta nueva edición, una de las más desafiantes de su carrera, contó con andamios de madera sumergida —también llamados “aquamios”— que aliviaron el trabajo de amarrar la topa con soguilla para luego colocar encima las maderas de la plataforma central. “¿Quién dice que perro viejo no aprende truco nuevo?”, dice mirando al río.

Esta vez fueron once los constructores que trabajaron diez días seguidos para levantar, sobre el agua de Belén, un escenario en forma de equis rodeado por un bosque hecho de madera de tipichirina. Segundo Salinas Torres, que aprendió a construir casas a los catorce años, asegura que usó técnicas anteriores a la llegada del clavo, donde solo bastaban soguillas y fuerza para levantar estructuras, pues en Belén se aprecia más el trabajo con materiales locales que ese puente distante hecho de cemento y fierro.

Así levantaron las plataformas: clavando palos dos metros bajo el agua, tensando sogas desde botes que no dejaban de moverse y amarrando topas sobre las que luego descansaría el entablado. Este año, además, por primera vez dos mujeres, Dorliza y Marlene Gonzales López, ingresaron al grupo de constructores. Entre todos fueron armando, pieza por pieza, aquella estructura improbable que durante unos días convirtió el agua en plaza y al barrio entero en un cine flotante.

Una nueva edición

Al caer la noche, las canoas comenzaron a llegar frente al escenario flotante de Belén. Algunas trasladaban familias enteras y otras funcionaban como pequeños puestos ambulantes desde donde se vendían canchita, bebidas y hasta la cena completa. La nueva edición del Muyuna Fest abrió con números de canto y danza y, este año, sumó la colaboración internacional de ClimateCulture, organización británica especializada en cine climático.

La programación reunió a representantes indígenas, artistas y realizadores de distintos países amazónicos, entre ellos Ecuador, Brasil y Perú, quienes participaron en conversatorios, proyecciones y encuentros públicos sobre memoria, territorio y defensa ambiental. También se realizaron talleres comunitarios y actividades formativas para niños y jóvenes, una de las líneas de trabajo que el festival mantiene desde sus primeras ediciones. El cierre volvió a tener como protagonistas a Los Wemblers, que ofrecieron un concierto para concluir las proyecciones, aunque no el trabajo del Muyuna. Cuando el festival termine y el nivel del agua empiece a descender, la estructura será desmontada para convertirse en un parque comunitario a finales de agosto. Así, el escenario dejará de ser una instalación temporal para integrarse de manera permanente a la vida cotidiana de Belén.

En ciudades como Lima, el café ha dejado de ser una simple bebida matutina para convertirse en una declaración de estilo de vida. El auge de las cafeterías de especialidad nos ha llevado a elegir minuciosamente cada origen, proceso y perfil de sabor. Sin embargo, este boom también ha instalado una idea cada vez más extendida entre los amantes del oro negro: que el café de especialidad es “más saludable”, mientras que el instantáneo es “de menor calidad”.

Desde el punto de vista nutricional, el café es una bebida con múltiples compuestos bioactivos. Como explicó la doctora Mayra Anticona, docente investigadora de la carrera de Nutrición y Dietética de la Universidad San Ignacio de Loyola a Somos, contiene ácidos clorogénicos —potentes antioxidantes—, además de cafeína, trigonelina y melanoidinas, asociados con la reducción del estrés oxidativo y posibles beneficios metabólicos.

Por su parte, el especialista Francesco Rufas, profesor de Marketing en EAE Business School señaló que el café responde a una necesidad muy cotidiana: activarnos, sostener el ritmo del día y también estructurar nuestras rutinas sociales.

Pero cuando dejamos de lado la experiencia y nos centramos en lo que hay dentro de la taza, la línea entre bienestar y percepción se vuelve menos clara. En medio de la mala fama del café instantáneo y el estatus del café de especialidad, surge una duda inevitable: ¿existe realmente una diferencia en términos de salud o estamos frente a una idea más cercana al marketing que a la evidencia?

El boom del café de especialidad

Basta con caminar por distritos como Miraflores, San Isidro o Barranco —o simplemente deslizar el dedo por el feed de Instagram o TikTok— para notar que las cafeterías de especialidad están por todas partes, con tazas estéticas con latte art, barras de madera, baristas explicando las notas de cata y pizarras que detallan la altura del grano.

Esta explosión, sin duda, no es casualidad. Para la nutricionista Giulianna Saldarriaga, de Clínica Internacional, este fenómeno responde a un cambio profundo en el consumidor limeño. “El café ya no se vende solo como una bebida, sino como una experiencia que abarca desde el origen del grano y el método de extracción, hasta el aroma y el ambiente de la cafetería para las redes sociales”. Además, destacó que hay un factor clave de orgullo local, pues el Perú produce cafés de altísima calidad, lo que ha impulsado un interés genuino por valorar lo propio.

Pero más allá de la experiencia, el auge del café de especialidad también revela una lógica de consumo más compleja. Según el experto en marketing, las motivaciones detrás del consumo combinan activación, sabor y estilo de vida, aunque no siempre con el mismo peso.

“Muchas personas se acercan al café primero porque les ayuda a despertarse o concentrarse, pero luego sus motivaciones evolucionan hacia el aroma, el cuerpo o la acidez. Para otros, el valor está en el estilo de vida sofisticado, la identidad y la pertenencia a una comunidad que se genera al socializar en estos espacios”.

Sin embargo, la salud rara vez es el motor inicial. Aunque algunos consumidores justifican su elección por los antioxidantes, lo cierto es que el hábito suele construirse primero desde el gusto, la rutina o la necesidad de activación, y luego se refuerza con argumentos saludables.

A esto se suma que el café de especialidad ha encontrado en las redes sociales su mejor aliado a través del “efecto Instagram”: la tendencia a asociar lo visualmente atractivo con mayor calidad, e incluso con beneficios para la salud.

No obstante, el error de fondo radica en confundir la calidad sensorial con la nutricional. Mientras la primera se relaciona con el sabor, el aroma y la presentación, la segunda depende del impacto real en el organismo. Como aclaró Saldarriaga, una taza de café de especialidad puede ser una obra de arte sin ser más nutritiva que un café casero, ya que ambos pueden aportar antioxidantes similares.

Este sesgo también se refuerza con la idea de que “lo artesanal siempre es superior”. Con respecto a ello, Marilyn Montejo, decana de la carrera de Nutrición y Dietética de la Universidad Científica del Sur aseguró que esta creencia influye de forma importante en las decisiones de compra, pero advirtió que no todo lo industrializado pierde calidad, así como no todo lo artesanal o premium es automáticamente más saludable.

Especialidad vs. instantáneo: lo que realmente estás tomando

Para entender si estamos pagando por bienestar o por una ingeniosa narrativa comercial, hay que mirar qué hay realmente en la taza.

Por un lado, está el café de especialidad, el cual no es una simple etiqueta de moda, sino que responde a un estándar técnico sumamente estricto. Según Karen Velásquez, coordinadora de nutrición de la Clínica Ricardo Palma, se trata de granos de alta calidad evaluados bajo un sistema de puntaje internacional.

“Generalmente proviene de cultivos de altura, a más de 1200 metros, lo que refina sus características sensoriales y permite alcanzar puntuaciones de 80, 85, 90 puntos o más”.

En la misma línea, la nutricionista Giulianna Saldarriaga, añadió que detrás hay una evaluación sensorial minuciosa donde se valora al máximo el origen, la trazabilidad, el proceso de cultivo y el tipo de tueste. “La idea es resaltar los sabores y los aromas únicos del café, un proceso complejo que se parece muchísimo a lo que ocurre con las catas de vino”, comparó la especialista.

En la otra vereda está el café instantáneo, arrastrado por una mala fama en redes sociales que lo cataloga como un producto artificial o dañino. Sin embargo, la ciencia indica lo contrario. “El café instantáneo sigue siendo café. Mientras sea un producto 100% café, mantiene en gran medida sus propiedades”, subrayó Velásquez, detallando que la única diferencia es que pasa por un proceso adicional donde se muele, se mezcla con agua y luego se deshidrata.

Al respecto, la doctora Anticona afirmó que este formato se obtiene mediante métodos industriales como la aspersión o la liofilización. Esta última —un secado en frío— ayuda a estabilizar los antioxidantes y compuestos aromáticos, reduciendo su deterioro. De este modo, aunque exista una ligera pérdida de polifenoles y compuestos volátiles frente a un grano recién molido en barra —lo que afecta principalmente al aroma y al sabor—, quien disuelve una cucharada de instantáneo puro sigue consumiendo una dosis importante de cafeína, ácidos clorogénicos y melanoidinas con una actividad antioxidante muy relevante para la salud.

La verdadera trampa: lo que esconden las etiquetas del café

El verdadero peligro nutricional no está en el frasco de café instantáneo tradicional, sino en la confusión que existe en los pasillos de los supermercados, donde no todos los productos son iguales. En este contexto, Saldarriaga advirtió sobre la enorme diferencia entre un café soluble puro y las mezclas comerciales: “Un café instantáneo 100% café solo debería tener un ingrediente en su etiqueta: café. En cambio, un producto ‘3 en 1’ suele incluir azúcar, saborizantes y aditivos que cambian por completo el perfil nutricional, aportando un exceso de azúcares añadidos”.

Por eso, más que elegir entre café de especialidad o instantáneo, los nutricionistas destacaron la importancia de prestar atención a las etiquetas:

• Indicadores de calidad: La etiqueta debe declarar únicamente “100% café” o “café soluble”. Es una excelente señal si especifica el tipo de grano (como Arábica o Robusta) o su origen. Además, es recomendable optar por cafés “liofilizados”, ya que esta técnica estabiliza y preserva mucho mejor los antioxidantes y compuestos aromáticos durante el almacenamiento.
• Señales de alerta: Se debe desconfiar inmediatamente de los productos que incluyan azúcares añadidos, jarabes, grasas vegetales hidrogenadas, cremas, colorantes o saborizantes artificiales. En estos polvos aromatizados, el contenido real de café es mínimo y lo que predomina son ingredientes ultraprocesados dañinos para el metabolismo.

Al final del día, esta tensión entre ambos mundos revela que en la disputa hay mucho más marketing que ciencia. Como bien mencionó Francesco Rufas, el café instantáneo se ha posicionado comercialmente como la opción práctica, económica y accesible para el consumo rápido en la casa o la oficina, mientras que el de especialidad se vende como una experiencia cuidada, de origen identificado, alta trazabilidad y obsesión por el sabor.

El problema aparece cuando se intenta convertir esa evidente superioridad sensorial en una ventaja automática de salud. Un café de especialidad puede tener un perfil de taza extraordinario y una cadena de producción transparente, pero eso no lo hace necesariamente más saludable que un café instantáneo, el cual tampoco es perjudicial por el simple hecho de ser más barato o procesado.

El verdadero problema no es el café

La balanza de la ciencia nos obliga a mirar más allá de la tendencia y aceptar que, el verdadero problema para la salud nunca ha sido el tipo de café, sino los hábitos y los acompañamientos.

En este sentido, la doctora Anticona es tajante, pues desde el punto de vista metabólico, resulta muchísimo más perjudicial un café de especialidad cargado de jarabes, azúcares, cremas y toppings que un café instantáneo consumido completamente solo.

“El problema principal no es el café en sí, sino el exceso de ingredientes añadidos, especialmente azúcares y grasas saturadas que disparan el aporte calórico y favorecen alteraciones metabólicas si se consumen con frecuencia. Asimismo, la adición de cremas y otros ingredientes puede modificar la bioaccesibilidad de los compuestos fenólicos del café. Por ejemplo, el azúcar y las cremas no lácteas pueden retrasar la absorción de algunos antioxidantes al modificar el vaciamiento gástrico”.

En contraste, un café instantáneo puro, libre de aditivos, sigue aportando cafeína y ácidos clorogénicos con un impacto calórico prácticamente nulo, permitiendo que el cuerpo aproveche la sólida evidencia científica que asocia el consumo moderado de café con un menor riesgo de diabetes tipo 2 y enfermedades cardiovasculares.

Por eso, más allá de consumir café en grano o instantáneo —como comentó la nutricionista Karen Velásquez— es importante evitar agregar otros ingredientes, revisar las etiquetas y, sobre todo, mantener un consumo ideal de tres a cuatro tazas al día sin superar los 400mg de cafeína, integrando así la bebida como parte de un estilo de vida equilibrado.

De igual manera, es fundamental mirar al propio consumidor y no solo al recibiente. Como bien apuntó Montejo, factores como la sensibilidad personal a la cafeína o condiciones médicas específicas terminan siendo más determinantes que el origen del grano. Dicho esto, el efecto perjudicial puede aparecer si el consumo altera el patrón de sueño, genera palpitaciones o detona episodios de nerviosismo, aspectos que obligan a evaluar el consumo de café no como un elemento aislado, sino dentro del contexto integral de la alimentación de cada individuo.

Los sánguches continúan siendo uno de los platos más representativos y queridos de la gastronomía peruana, y los Premios Somos reconocen a diez propuestas que destacan por mantener viva esta tradición con sabor, creatividad y calidad. Desde clásicos panes con chicharrón y asado hasta versiones más contemporáneas, las sangucherías nominadas han logrado conquistar al público con recetas que combinan historia e innovación.

La evolución de las sangucherías en Lima también ha impulsado una mayor valoración de los ingredientes y procesos artesanales. Muchas de estas propuestas trabajan con panes preparados en casa, carnes cocidas lentamente y salsas de elaboración propia que potencian cada combinación. Además, varias han logrado convertir un plato cotidiano en una experiencia gastronómica que reúne tradición, identidad y nuevas propuestas culinarias.

Las nominaciones a los Premios Somos 2026 reflejan cómo el sánguche peruano continúa reinventándose sin perder su esencia popular.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría sánguches de los Premios Somos 2026:

• Asados Héctor

Dirección: Av. Gral. Mendiburu 1175, Miraflores

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• Barba Negra

Dirección: Toribio Pacheco 319, Miraflores

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• Sanguchería El Chinito

Dirección: Jr. Chancay 894, Cercado de Lima

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• La Lucha Sanguchería Criolla

Dirección: Av. Diagonal 308, Miraflores

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• La Preferida

Dirección: Julián Arias Aragüez 698, Miraflores

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• Los Clásicos Sanguchería

Dirección: Av. César Vallejo 1502, Lince

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• Mercattino

Dirección: Gral. Varela 596, Miraflores

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• Pandilla

Dirección: Elías Aguirre 277, Miraflores

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• Sanguchón Campesino

Dirección: Av. Nicolás de Piérola 351, Barranco

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• Zimmermann

Dirección: Av. Vasco Núñez de Balboa 326, Miraflores

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¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

En el colegio, los amigos de Gardenia Reynoso se burlaban de su amor por la música coreana. “Es la rarita que escucha a sus chinitos”, le decían, según recuerda con ternura la cantante y bailarina peruana. Amante de la ola musical k-pop, ella empezó haciendo coreografías de BTS y otros grupos asiáticos, y participaba en competencias de baile. El tiempo ha pasado y, si bien sigue llevando su nombre y apellido con honor, en el plano artístico los cambió por Qorianka, que en quechua significa “águila de oro”. Su historia es de lucha y de un vínculo con el continente oriental que nadie de su familia anticipó. Hoy firma canciones de fusión peruana con pop internacional –en las que mezcla quechua, español, coreano e inglés–, como es el caso “Tayta”, su más reciente sencillo.

“Empecé grabando covers con un productor musical, amigo de la familia, que trabajaba con Max Castro”, recuerda la artista de 25 años. Su padre es Carlos Reynoso, guitarrista y compositor del Dúo Romances, famoso grupo de Andahuaylas. Él la llevaba de niña a los conciertos donde sonaban temas como “Amor de arena” y “Mi tierna flor”. Su abuela soprano Marina Echevarría y sus tíos quechuahablantes le dieron el oído y la voz para ser diestra en el idioma que hoy incorpora en sus letras.

Qorianka nació en Lima, pero su brújula interior apunta a la sierra: por parte de padre, andahuaylina; por el lado materno, ayacuchana. De niña vivió un tiempo en Apurímac antes de volver a la capital para estudiar el colegio y la universidad.

Qorianka siempre intenta vincular la cultura peruana en sus videoclips y lo hace de muchas maneras. En el de “Tayta” la observamos menearse con un traje de polleras y un crop top fluorescente, adoptando los enérgicos pasos de baile del k-pop. La canción habla de fortaleza interior, fe y esperanza. De acuerdo a la traducción de su título, invoca a ese “padre” espiritual que la sostuvo cuando todo parecía desbordarse en su vida.

Con su propuesta, Qorianka se integra a la movida de artistas locales que mezclan quechua con pop, rap o electrónica, como ya lo hacen Renata Flores, Lenin o Kayfex. Una comunidad que reivindica el idioma como lengua viva, capaz de habitar pistas bailables o hacer convivir el charango con los sintetizadores.

Encuentro de dos mundos

Qorianka estudiaba Relaciones Internacionales en Lima cuando obtuvo una beca para estudiar Comercio Exterior en la Universidad de Incheon, en Corea del Sur. Allá, además de estudiar, se sostenía vendiendo productos y compartiendo en redes sociales su experiencia como estudiante latina en Asia. Pero la fascinación por Seúl tuvo un reverso áspero. La presión por las notas perfectas, los estándares de belleza y la soledad en plena pandemia la llevaron a la depresión.

“Lo que me salvó y alentó a seguir adelante, primero, fue Dios, y después los sueños que siempre he tenido. Dedicarle mi vida a la música, a la danza y al arte en general”, dice.

Este año, Qorianka también marcó China en su mapa. Fue invitada a un proyecto cultural en Shanghái que reunió a otras figuras de la música peruana como Amanda Portales, Pelo D’Ambrosio y Marco Romero. Juntos grabaron el videoclip “De Chancay a Shanghai”, iniciativa del canal Shanghai Media Group (SMG). La pieza celebra el encuentro entre culturas y acompaña simbólicamente la construcción del puerto de Chancay como puente entre ambos países. “Aprendí de ellos que, a pesar de todo, incluso tiritando en el frío en el que grabamos, un artista siempre tiene que estar dispuesto a cantar”, cuenta.

“En vez de Justin Bieber, que era la voz de mi adolescencia, ahora la moda es BTS. Ver con mis propios ojos cómo el k-pop hace un cambio es increíble. Pasó de ser algo de minorías a algo que gusta a las masas”, expresa.

En la esquina de Hipólito Unanue en Miraflores, entre música, mezcal y tortillas, Cochinita busca servir tacos mexicanos con el espíritu callejero con el que nacieron. Nada de versiones exageradamente intervenidas, en este espacio la idea es ensuciarse las manos, exprimir limón, probar salsas picantes y comer sin demasiadas reglas.

Detrás del proyecto está Thais Alva, formada en École hôtelière de Lausana, quien decidió aterrizar una propuesta que mezcla técnica, obsesión por el detalle y una visión relajada de la experiencia gastronómica. “No quiero hacer solo un restaurante. Quiero crear una marca que la gente recuerde por la experiencia completa”, asegura.

La historia de Cochinita empezó entre ideas lanzadas sobre una mesa, pensando nombres y platos mexicanos tradicionales. El concepto terminó encontrando identidad en una palabra cercana. “Queríamos algo con personalidad, relajado, que también hablara un poco de nosotros”, explica Thais.

La propuesta toma inspiración directa de Ciudad de México y de la cultura del taco callejero. El menú apuesta por recetas conocidas, pero trabajadas con insumos de alta calidad y procesos largos. En esta lógica, deciden iniciar la carta con una serie de entradas, el guacamole cochinita acompañado de totopos fritos, las ribs de elote peruano con queso y paprika, los taquitos de papa y salchicha con salsa mexicana y crema y las tostadas de bonito marinado, estas últimas, tal como señala Thaís, el tesoro escondido de la carta.

Los fuertes son los tacos, los de birria, por ejemplo, se han convertido en uno de los platos más pedidos. También destacan los tacos de ribeye, langostinos y barbacoa, cocinados lentamente para conseguir sabores más profundos.

Uno de los detalles más importantes para el equipo fue respetar la esencia del taco mexicano sin dejar de adaptarlo al contexto limeño. “No estamos haciendo fine dining, pero sí somos muy precisos con los insumos”, señala Thais. Esa búsqueda también explica por qué algunos productos cambiarán según la temporada.

Las salsas merecen un capítulo aparte, en cada mesa aparecen antes de empezar: una guacatosa de jalapeño y palta, poco picante; otra salsa tatemada hecha con ají panca, mirasol y ají amarillo, con un picor un poco más notorio; y una versión inspirada en la salsa verde mexicana, preparada con charapita y jalapeños porque el tomatillo escasea en Perú, esta sí pica de verdad.

Uno de los más recientes lanzamientos es un taco vegano de coliflor en tempura, inspirado en los fish tacos de Baja California y a esto se le suma el postre que es la cereza del pastel de la carta un bizcocho húmedo de maíz con manjar de olla, sour cream, ralladura de limón y tajín.

Pero si hay algo que sorprende en Cochinita es la carta de cocteles. Todos giran alrededor del mezcal y el tequila, pensados para acompañar los tacos. La Michelada Reina reemplaza el clásico clamato por un zumo de sandía con notas cítricas y dulces. “Queríamos algo fresco, fácil de tomar y que te abra el apetito”, dice Alva.

También aparecen opciones como Flor de Barrio, una reinterpretación de la paloma preparada con flor de Jamaica; el Romance en Oaxaca, un sour elegante con mezcal; el Picarrico, una versión picante de la margarita con jalapeños; y Amargo Corazón, una especie de mezcaloni con notas ahumadas y ligeramente picantes.

Incluso las bebidas sin alcohol nacieron casi de improviso. La ley seca durante las elecciones obligó al equipo a crear versiones alternativas de sus cócteles apenas horas antes de abrir. El resultado terminó funcionando tan bien que hoy forman parte fija de la carta.

Más allá de la comida, Cochinita quiere convertirse en un espacio de encuentro. El equipo ya piensa en brunches mexicanos dominicales, desayunos con chilaquiles y nuevas experiencias para conectar con el público del barrio.

“Queremos que la gente venga, coma rico y se relaje”, resume Thais. Quizá por eso el lugar se siente menos como un restaurante rígido y más como esa taquería a la que uno vuelve porque la pasó bien.

Cochinita está ubicado en Hipólito Unanue 111, Miraflores. Atiende de martes a jueves de 12:00 p.m. a 10:00 p.m.; viernes y sábados hasta las 11:00 p.m.; y domingos hasta las 5:00 p.m.

Se suele decir que los gatos son independientes, que se bastan solos. La idea circula como una verdad absoluta, y algo de cierto tiene: hay en ellos un misterio que el ser humano no ha terminado de descifrar. Basta ver cómo nos observan desde una esquina, inmóviles, con un cierto desapego. Es como si te estuvieran juzgando a ti y a varias generaciones de tus antepasados. Pero esa supuesta independencia felina tiene un límite preciso, que es la puerta de la calle. Dentro de casa, un gato maúlla para pedir comida, para que le cambien la arena, o se convierte en una bola temblorosa que busca refugio bajo las frazadas en una noche helada. Si un gato doméstico encuentra insoportable el invierno húmedo de Lima, ¿cómo sentirán el frío los que duermen en la calle, empapados de garúa?

Las personas que terminan dedicando buena parte de su vida al rescate de gatos callejeros suelen recordar siempre un animal específico que fue el inicio de todo. Un gato que funcionó como detonante emocional. En el caso de Éricka Valle Riestra, ese animal se llama Katto: un persa blanco, pequeño, absurdamente fotogénico y con tanto carisma como para convertirla en una ‘cat lover’ militante. “Antes yo decía que los gatos eran ariscos, que dañaban los muebles”, recuerda Éricka. Pero Katto llegó a la casa y demolió todos esos prejuicios con la eficiencia de un gato que descubre una cortina nueva o un jarrón bonito para romper.

Su hija, la creadora de contenido María Paula Polanco, conocida en redes como Mapi, decidió abrirle una cuenta de Instagram y Tik Tok, Katto The Cat, que al comienzo era un juego, hasta que la realidad del abandono felino le dio un vuelco completo. La primera rescatada en llegar a casa de los Polanco fue Mariposa. Llegó tímida y hoy se pasea por la sala como una emperatriz gatuna. Pero el caso más fuerte fue el de Baco, un gato tuxedo (blanco y negro) que madre e hija vieron comiendo basura a una cuadra de su casa. Luego de mucho pensarlo, lo capturaron y le encontraron un nuevo dueño. Sin darse cuenta, habían entrado al mundo del rescate animal.

En ese proceso descubrieron algo evidente para quien tiene ojos: Lima está llena de gatos que nadie ve. “La gente no mira, no presta atención al abandono”, resume Éricka. “Pero cuando empiezas a mirar, ya no puedes parar”. Lo que vino después fue una transformación. Su casa en San Isidro empezó a funcionar como una estación de tránsito felina. Hubo baños convertidos en ambientes de cuarentena improvisados, madrugadas pendientes de un gatito que no quería comer o de una madre feral muy desconfiada. Para ese tipo de casos, ellas aplican la llamada terapia de amor, que en su versión ha conseguido someter hasta el gatito más esquivo.

Hoy calculan que han ayudado a más de 300 gatos documentados en las redes de Katto The Cat —la cuenta donde buscan hogares para los animales rescatados—, aunque Éricka sospecha que la cifra real supera largamente el millar si se toman en cuenta las adopciones antiguas y aquellas que nunca llegaron a publicarse. Gracias a los conocimientos de administración, márketing y creación de contenido de Mapi, la cuenta empezó a viralizarse. Ella entendió que una buena fotografía puede salvar una vida y que incluso el nombre con el que presentas a un gato puede influir en su adopción. Así, empezaron a bautizar a las camadas con conceptos inusuales: en una, por ejemplo, los gatos tenían nombres de vinos como Malbec, Sauvignon y Merlot. Un gatito negro bautizado como Furia Nocturna, por su parecido con el personaje de “Cómo entrenar a tu dragón”, recibió cientos de consultas apenas apareció en TikTok. “Todo entra por los ojos”, resume ella.

Más frentes de rescate gatuno

A más de cien kilómetros de Lima, en Asia, otra mujer empezaba a notar el mismo problema. Inés Stoessel pasaba temporadas frente al mar cuando comenzó a observar una creciente población de gatos abandonados alrededor del Boulevard de Asia. Había camadas entre los estacionamientos, animales con infecciones en los ojos, heridas sin tratar y gatos domésticos que parecían haber sido dejados atrás al terminar el verano. La situación se repetía cada temporada. “Pensé que la única forma de parar esto era atraparlos y esterilizarlos”, recuerda. Fue entonces cuando empezó a organizar rescates, campañas y adopciones que más adelante darían origen a Gatitos del Boulevard, la organización que dirige. Su refugio hoy alberga entre 50 y 60 gatos y lleva más de 1.000 animales dados en adopción.

Las historias de Katto The Cat y Gatitos del Boulevard terminan encontrándose, como ocurre siempre en estas redes invisibles de mujeres que rescatan animales en Lima y sus alrededores. Todas coinciden en algo: el problema de fondo sigue siendo el mismo. La gente continúa abandonando animales con una facilidad dolorosa y la falta de esterilización sigue alimentando el ciclo de gatos callejeros. Pero quizá lo que más les afecta no sea rescatar felinos enfermos, sino escuchar a personas que quieren devolver una mascota porque descubrieron demasiado tarde que un animal no es un juguete. Son pocos los casos, dicen, pero siempre duelen. Adoptar también es hacerse responsable. //

Las pizzas artesanales continúan conquistando a los comensales, en ese sentido, los Premios Somos 2026 han nominado a diez pizzerías que han destacado por su creatividad, técnica y calidad de ingredientes. Desde masas de larga fermentación y hornos tradicionales hasta propuestas contemporáneas con insumos locales, las nominadas reflejan cómo la pizza se ha convertido en una de las experiencias culinarias favoritas del público peruano.

El auge de las pizzerías artesanales en Lima también ha impulsado una mayor valoración de procesos como la fermentación natural, el uso de harinas especiales y la cocción en horno de leña. Muchas de estas propuestas combinan técnicas italianas tradicionales con ingredientes peruanos, logrando sabores únicos que van desde las versiones más clásicas napolitanas hasta combinaciones innovadoras y de autor. Además, varias de ellas han convertido sus locales en espacios de encuentro donde la experiencia va más allá de la comida.

Las nominaciones a los Premios Somos 2026 reflejan el crecimiento y sofisticación de la cultura pizzera en el país. La diversidad de estilos, conceptos y propuestas demuestra cómo este rubro continúa evolucionando y captando nuevos seguidores, consolidándose como una de las categorías gastronómicas más dinámicas y competitivas de Lima.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría pizzería de los Premios Somos 2026:

• Amarcord

Dirección: Av. 28 de Julio 393, Miraflores

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• Calavera Pizzería

Dirección: Av. Mariscal La Mar 1127, Miraflores

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• Flama

Dirección: Coronel Inclán 300, Miraflores

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• Indio Pizza

Dirección: Jirón Domeyer 282, Barranco

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• La Linterna

Dirección: Los Libertadores 311, San Isidro

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• Partenope L’Autentica Pizza

Dirección: San Martín 516, Miraflores

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• Masa Sobre Mesa

Dirección: Arica 399, Miraflores

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• Rossa Pizza Appassionata

Dirección: Choquehuanca 601, San Isidro

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• Triciclo Obrador

Dirección: Punta Hermosa 01133

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• Vecino Pizzas

Dirección: Jr. Manco Cápac 270, Barranco

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¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

La espera terminó: desde este 27 de mayo ya están abiertas las votaciones de los Premios Somos 2026, la gala de “El Comercio” que reconoce a los protagonistas de la gastronomía peruana. Como en sus ediciones anteriores, serán los lectores quienes tendrán la tarea de elegir a sus favoritos a través de la plataforma digital habilitada en nuestra página web.

En esta cuarta edición, los premios contarán con 37 categorías principales que buscan reconocer desde restaurantes clásicos hasta nuevas propuestas. El público podrá votar por sus favoritos en los distintos rubros y, posteriormente, los ganadores serán anunciados en una ceremonia que volverá a realizarse en el Museo Pedro de Osma, en el distrito de Barranco.

La participación de los lectores continúa siendo uno de los pilares del certamen. En la edición 2025, más de 52 mil personas emitieron sus votos, consolidando a los Premios Somos como uno de los principales espacios de reconocimiento gastronómico impulsados por la audiencia.

Este año también se mantendrá la participación de un jurado especial integrado por periodistas especializados, creadoras de contenido y otras figuras vinculadas al sector gastronómico. Ellas tendrán la responsabilidad de evaluar categorías específicas, como Mejor nuevo restaurante, además de reconocimientos especiales como Cocinera del año, Cocinero del año y el Premio a la Trayectoria.

Las novedades del 2026

Entre las novedades de esta edición figura el regreso de la categoría mejor huarique. Asimismo, se incorpora el reconocimiento al mejor restaurante coreano y se suma el premio a la mejor cafetería de especialidad del Perú. También se presenta la categoría mejor restaurante peruano en el extranjero, destinada a destacar propuestas que difunden la cocina nacional fuera del país.

Los Premios Somos 2026 también introducirán cambios en la forma de reconocer a los creadores de contenido gastronómico. A partir de esta edición existirán dos categorías diferenciadas: una enfocada en quienes comparten recomendaciones y descubrimientos gastronómicos, y otra orientada a quienes generan contenido educativo mediante recetas. Además, categorías como mejor pollería y mejor chifa ampliarán su lista de nominados a 15 opciones.

¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026. Además, no será necesario ser suscriptor de El Comercio para participar ni marcar todas las categorías para que el voto sea considerado válido.

Lista completa de nominados

Estos son los nominados en las 37 categorías de los Premios Somos 2026:

• Mejor panadería

Delifrance

El Pan de la Chola

La Mansión del Pan

La Negra

La P’tite France

La Panadería del Country

La Panetteria

Masa Salvaje

Oh-Jalá

Pan Atelier

Panadería Carmelitas

Panadería Cultivo

Panea

Rovegno

Talltu

• Mejor pastelería

Alanya

De Astrid

Fausta

María Almenara

Mariáte

Napoléon Haute Pâtisserie

Pregón de las Once

Sienna Bakery

The Gay Baker

Yogashi Patisserie

• Mejor cafetería

Amarena

Demo

Entre Migas

Intro Café Bar

La Caffetteria di Lonato

La Cristina

Lila Dasso

Lucio Caffè

Pan Sal Aire

San Antonio

• Mejor cafetería de especialidad del Perú

Artidoro Rodríguez Café (Lima)

Ciclos Café (Lima)

Cofaine (Lima)

D’Sala Caffè (Lima)

Elevaria Café & Tostaduría (Trujillo)

Florencia y Fortunata (Cusco)

Kafi Wasi (Arequipa)

Mama Quilla - Tostaduría (Pachacamac, Lima)

Masamama (Arequipa)

Monótono Coffee (Lima)

Neira Café Lab (Lima)

Origen Tostadores de Café (Lima)

Puku Puku (Lima, Cusco, Arequipa)

Punto Café (Lima)

Three Monkeys Coffee (Cusco)

• Mejores pizzas

Amarcord

Calavera Pizzería

Flama

Indio Pizza

La Linterna

Masa Sobre Mesa

Partenope L’Autentica Pizza

Rossa Pizza Appassionata

Triciclo Obrador

Vecino Pizzas

• Mejores hamburguesas

Big Boy

Boycott

Burgerboy

Café A Bistro

Fogo

Juicy Lucy

La Recontra

Mad Burger

Papacho’s

Señor Honey Burgers

• Mejores sánguches

Asados Héctor

Barba Negra

El Chinito

La Lucha

La Preferida

Los Clásicos Sanguchería

Mercattino

Pandilla

Sanguchón Campesino

Zimmermann

• Mejor espacio de comida saludable

Bloom Café

El Imperio Fit

Em Vegan Sweets

Essentia Café

Food & Fit

La Nevera Fit

La Sanahoria

Limaná

Raw Café

Rosa Pastel

• Mejor restaurante de hotel en Lima

El Comedor (Hotel B)

Insumo (AC Hotel Lima)

Isidro Bistró Limeño (Hyatt)

Kimo (Iberostar)

La Locanda (Swissôtel)

La Vista (JW Marriott)

Maras (Westin)

Perroquet Restaurant (Country Club Lima Hotel)

Plural (Hotel Pullman)

Tragaluz (Belmond Miraflores Park)

• Mejor restaurante campestre

Chaxras Eco Restaurante (Pachacamac)

Don Torcuato Restaurante (Pachacamac)

El Rancho de Robertín (Huaral)

Hacienda Las Leñas (Pachacamac)

La Gloria del Campo (Pachacamac)

La Granja Azul (Santa Clara)

La Hacienda Monterrico (La Molina)

Las Dalias Huaral (Huaral)

Sarcay Restaurante (Azpitia)

Warmy de Pepe y Laura Restaurante Huaral (Huaral)

• Mejor heladería

Anacapri Gelateria Artigianale

Antica Gelateria del Corso

Blu: il gelato del barrio

Cafeladería 4D

Cremeria Toscana Perú

Gelateria di Troppo

Heladería Speciale

Helado de Lima

Kōun

La Fiorentina Gelateria

• Mejor restaurante peruano en el extranjero

Amazo (Sao Paulo, Brasil)

Bolichera 21 (Ciudad de México, México)

Callao (La Haya, Países Bajos)

Causa / Amazonia (Washington D.C., Estados Unidos)

CVI.CHE 105 (Miami, Estados Unidos)

Jarana (Nueva Jersey, Estados Unidos)

Karai by Mitsuharu (Santiago de Chile, Chile)

La Mar (San Francisco, Estados Unidos)

Lima London (Londres, Reino Unido)

Llama Inn (Nueva York, Estados Unidos)

Maz (Tokio, Japón)

Piedra (Bogotá, Colombia)

Quispe (Madrid, España)

Tigre Morado (Buenos Aires, Argentina)

Yakumanka by Gastón Acurio (Barcelona, España)

• Mejor restaurante de comida regional en Lima

Alegría Picantería Piurana

Don Fernando

El Aguajal

El Rocoto

El Tarwi

Fiesta Restaurant Gourmet

Huambra

La Estrellita del Sur

Pueblo Viejo Tradición Chiclayana

Restaurante Huancahuasi

• Mejor restaurante de la región Amazónica

Blanquita (Iquitos)

Bosque Guardián Lodge (Tarapoto)

El Batán del Tayta (Chachapoyas)

El Encanto de la Selva (Tingo María)

Ikíitu (Iquitos)

Kotomono 647 (Tingo María)

⁠La Patarashca (Tarapoto)

El ⁠Tuyuyo (Pucallpa)

⁠⁠La Collpa (Tarapoto)

⁠⁠La Olla de Barro (Moyobamba)

• Mejor restaurante en Ica

Chalana

El Batán

El cordón y la rosa

El Intipalka

Inti-Mar Paracas

La Estación

La Olla de Juanita

Lagunilla

Tambo de Tacama

Vaivén

• Mejor restaurante en Lambayeque

900 Café Bar

Chifa China

Don Humberto

El Cántaro Restaurante Turístico

El Cerezo - Cocina Lambayecana

El Rincón del Pato

Fiesta Restaurante Gourmet Chiclayo

La Picantería del Mar

Picantería El Fantástico

Restaurant El Velero

• Mejor restaurante en Arequipa

13 Monjas

Chicha

Cirqa

Grieta

Kao

La Benita de los Claustros

La Nueva Palomino

Laurita Cau Cau

Los Guisos Arequipeños

Los Leños Picantería

• Mejor restaurante en Cusco

ALQA - El restaurante del Museo

Chicha

Cicciolina Restaurant

Cusqueñísima Picantería

El Huerto Restaurant

La Cusqueñita Tradicional Pikantería

Las Manos Cocina de Culto

Mauka

Mil

Oqre

• Mejor escuela o facultad de cocina

Carrera de Cocina de Fundación Pachacútec

Centro de Formación en Turismo (CENFOTUR) - Gastronomía Peruana e Internacional

Facultad de Administración Hotelera, Turismo y Gastronomía de la USIL

Facultad de Gastronomía, Hotelería y Turismo PUCP

Instituto de Gastronomía y Gestión Culinaria (INTECI)

Instituto Gastronómico D’Gallia

Instituto SISE - Gastronomía

Le Cordon Bleu Perú

Universidad de San Martín de Porres (USMP) - Alta Cocina y Gastronomía

Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC) - Carrera de Gastronomía y Gestión Culinaria

• Mejor bar

Bijou Bar (John Rojas)

Booze Bar (Gerson Arteaga)

El Bar Inglés del Country (Luiggy Arteaga)

Kero Lounge by Osaka (Jean Carlo Cárdenas)

Lady Bee (Alonso Palomino, Gabriela León y Alejandra León)

María Mezcal (Aaron Díaz)

Muna Craft Bar (Manuel Cigarróstegui)

Olé Bar (Otimio Cubas)

Sastrería Martínez (Diego Macedo)

Velvet (Joel Chirinos)

• Mejor restaurante de comida marina

Almacén Cevichería

Barra Chalaca

El Mercado

La Capitana

La Mar

La Picantería

La Rosa Náutica

Navegante

Pescados Capitales

Piedra

• Mejor restaurante de comida italiana

Anima e Cuore

La Cantina de Epicuro

Osteria Convivium

Papagiani

Pasta

Restaurante Sàlve Luigi

Rocco

Symposium

Troppo

Vincenzo Ristorante

• Mejor taberna

Antigua Taberna Queirolo

Bruto

Cumpa Taberna Criolla

El Bodegón

Ignacio Taberna Criolla

Isolina Taberna Criolla

Juanito de Barranco

La Botica Taberna

La Perlita

Victoriano

• Mejor restaurante nikkei

Costanera 700

Edo

Gaijin

Matsuei

Omatsu

Osaka

Ototo

Sala Omakase

Shizen

Tomo

• Mejor restaurante de cocina contemporánea

Awicha

Clon

Contraste

Cosme

Menú

Picnic

Quipas

Siete

Verbena

Xoma

• Mejor restaurante de cocinas del mundo

52MX (México)

Banh Mi (Sudeste asiático)

Dhaasu (India)

Donde Felipe (España)

El Budare Restaurante (Venezuela)

Ezzem (Medio Oriente)

Le Coq (Francia)

Ozu (Panasiático)

Viet (Vietnam)

Zerrano (España)

• Mejor restaurante de comida criolla

Candelo Comida Popular

Chicho

El Bolivariano

El Huarique de los Cuchitos

El Rincón que no Conoces

El Señorío de Sulco

Huaca Pucllana Restaurante

Jolgorio Comedor Criollo

La Nacional

Panchita

• Mejor pollería

Don Melchor

Don Tito

Gran Parrillada Timbó

Hilton

Kendall Brasa

Kumar y sus polluelos

La Leña

Las Canastas

Mediterráneo

Pardos Chicken

Pollizos

Primos Chicken Bar

Tinajas Chicken & Grill

Tori Polleria

Villa Chicken

• Mejor chifa

Chifa Internacional

Chifa Mi Amigo

Chung Tong

Four Seas

Hakka

Hou Wha

Kion

Lung Fung

Madam Tusan

Master Kong

O-MEI

Shi-Nuá

Song Restaurante

Titi

Wong King

• Mejor restaurante de carnes

Baco y Vaca

Carnal

El Charrúa

El Hornero

Fauna

La Carnicería de Tito

La Carreta

La Cuadra de Salvador

Osso

Sapiens

• Mejor rooftop

27 Tapas

Amador

Ambra Rooftop Bar

Atmósfera Rooftop

Celeste Solar Bar

Nau Nikkei Rooftop

Palais Rooftop

Rooftop 128

Terraza Lima Club

Vista Corona

• Mejor huarique

Al Toke Pez

Café Tostado

Canta Rana

Chanfainita de la tía Ceci

Chicharronería Jano Loo

El Palacio del Sancochado

El Rey de las Papas

Huerta Chinén

La Casa de Sa Xian

Lo+o

• Mejor restaurante coreano

Arirang

Biwon Bistro

Casa Corea

Conamu

Gangnam Oppa

Han Kook Kwan

Kangnam Style Chicken

Nang Man

Nodaji

Seoul Garden - El Original

• Mejor creador de contenido gastronómico (recomendaciones)

Ariana Bolo Arce (@arianaboloarce)

Cayetana Carrillo (@elzapallo.pe)

Diego Santos y Dani Domlop (@antojaddos)

Diego Ubierna (@orgastrotv)

Gabriel Mena (@elcholomenavb)

José Carlos Fuentes y Rocío Carrasco (@gulaentredos)

Kevin Cornejo y Lorena R. Madge (@los.buenos.points)

Luis López (@mirecetamagica)

Manu Rivera (@manuriverarios)

Valeria Freire y Alonso del Castillo (@the.foodie_club)

• Mejor creador de contenido gastronómico (recetas)

Abel Cancho (@abelcaa)

Alexander Quesquén, Elías Valdez y Alfredo Mora (@acomer.pe)

Juan Víctor Sicha Quispe (@juansichaquispe)

Julio César Ayca (@explorandosaborespe)

Khabir Tello (@khabir.tello)

Miguel Lozano y Francisco “Pancho” Flores (@wariqueando)

Pierre Suqueyama (@pisu.cocina)

Rocío Oyanguren (@yomadrero)

Rodrigo Fernandini (@rodrigofernandini)

Waldir Maqque (@waldir.maqque)

• Mejor programa (digital o televisión) de gastronomía

ALC News (Jimena Agois)

Así de simple (Sandra Plevisani, María Plevisani y Mari Calixtro)

Bareando (André Gallet)

Bruto TV (Arlette Eulert)

Cocinando Historias (Javier Ampuero)

Con sabor a Perú (Israel Laura)

Majo con Sabor (María José Vigil)

Nuestro mar, nuestra cocina (Luis Cordero)

Studio Cocina (Gabriel Calvo)

Viaja y Prueba (Luciano Mazzetti)

• Restaurante preferido del Club El Comercio

Al Asador

Baco y Vaca

Don Rosalino

Edo Sushi Bar

El Bolivariano

Embarcadero 41

José Antonio

La Baguette

La Cuadra de Salvador

Lala Restaurante

Mó Café

Restaurante Royal

Santo Pez

Segundo Muelle

Yunta

Las hamburguesas nominadas a los Premios Somos son propuestas que apuestan por carnes de calidad, panes artesanales y combinaciones cada vez más creativas. Desde versiones clásicas hasta recetas de autor con ingredientes locales y técnicas ahumadas, estas propuestas han logrado conquistar al público y convertirse en referentes gastronómicos en Lima.

El crecimiento de las hamburgueserías artesanales también ha impulsado una mayor atención a cada detalle de la preparación. Muchas de las nominadas trabajan con mezclas especiales de carne, papas artesanales, salsas hechas en casa y procesos que buscan potenciar el sabor y la experiencia del comensal. Además, varias han desarrollado una identidad propia que va desde conceptos urbanos y juveniles hasta propuestas gourmet que elevan la hamburguesa a otro nivel.

Las nominaciones a los Premios Somos demuestran cómo las hamburguesas dejaron de ser comida rápida para convertirse en una de las categorías más competitivas y populares de la gastronomía peruana.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría mejores hamburguesas de los Premios Somos 2026:

• Big Boy

Dirección: Av. Dos de Mayo 561, San Isidro - Manuel Bonilla 166, Miraflores - El Polo 508, Surco - Ucayali 142, San Miguel

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• Boycott

Dirección: Mariscal Caceres 270, Miraflores - La Encalada 975, Surco

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• Burgerboy

Dirección: La Mar, Larco, El Polo y Surquillo

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• Café A Bistro

Dirección: Av. Pérez Araníbar 2193, San Isidro

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• Fogo

Dirección: Coronel Inclán 221, Miraflores

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• Juicy Lucy

Dirección: Jockey, Leuro, La Rambla, Alpina, El Polo, Punta Hermosa, Asia y Dos de mayo.

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• La Recontra

Dirección: Av. Mariscal Cáceres 270, Miraflores

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• Mad Burger

Dirección: Av. Mariscal La Mar 1244, Miraflores - C.C Parque La Molina

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• Papacho’s

Dirección: C.c Salaverry

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• Señor Honey Burgers

Dirección: Av. Caminos del Inca 257, Santiago de Surco

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¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

Sentarse a comer se ha vuelto más complicado de lo que debería ser. Un día te dicen que el problema son los carbohidratos, por lo que automáticamente decides sacarlos de tu dieta, pero luego alguien más te asegura que todo depende de los picos de glucosa. Lo cierto es que, entre hacks virales, listas de alimentos “prohibidos” y consejos contradictorios, la sensación termina siendo siempre la misma: no sabes qué comer para sentirte mejor.

Y, en medio de toda esta confusión, hay algo que probablemente te ha pasado más de una vez: llegas a la mesa con mucha hambre, empiezas por el pan, el arroz o la pasta y, poco después, te invade el sueño, el cansancio o el antojo de algo dulce. Aunque a simple vista parece una reacción “normal”, en realidad no lo es.

Por eso, desde hace años, la ciencia viene planteando una hipótesis fascinante: ¿y si la clave no está solo en lo que comemos, sino en qué alimento llega primero al estómago? Aunque en las redes sociales este tema suele simplificarse, detrás de este orden existe una explicación biológica que promete cambiar tu relación con el plato.

Tu cuerpo no reacciona igual según el primer bocado

Hay una regla matemática que todos aprendimos en el colegio: “el orden de los factores no altera el producto”. Sin embargo, el organismo tiene sus propias leyes. Cuando estamos frente al plato, la crononutrición demuestra que el orden lo es todo, ya que el impacto biológico de las comidas cambia por completo según cuál sea el primer alimento que ingerimos.

Si el almuerzo empieza con pan, arroz blanco o una bebida azucarada, la glucosa entra rápidamente al torrente sanguíneo y el páncreas responde liberando un pico alto de insulina. “Es como abrir una compuerta sin control”, explicó Aldo Gómez, docente de la carrera de Nutrición y Dietética de la Universidad Científica del Sur a Somos. Esa subida brusca suele venir acompañada de algo sumamente familiar para muchos: sueño, cansancio o el famoso “bajón” después de comer.

Pero el escenario cambia por completo cuando la comida comienza con vegetales, fibra, proteína o grasas saludables. Y es que la fibra soluble —presente en alimentos como avena, frutas, legumbres y algunas verduras— absorbe agua y forma una especie de gel en el intestino. Según Marco Antonio Sánchez, nutricionista clínico y docente de la carrera de Nutrición y Dietética de la Universidad San Ignacio de Loyola, esta “malla” natural ralentiza el vaciamiento gástrico y hace más lenta la absorción del azúcar hacia la sangre. Al mismo tiempo, las proteínas y las grasas estimulan hormonas como el GLP-1 y la CCK, relacionadas con la saciedad y con una digestión más pausada.

El resultado es una curva de glucosa mucho más estable, es decir, menos picos, menos caídas bruscas y una sensación de energía más sostenida durante el día.

La diferencia no es menor ni meramente teórica. Estudios publicados en revistas científicas como Diabetes Care y Frontiers in Nutrition han encontrado que empezar una comida con verduras y proteínas antes que con carbohidratos puede reducir el pico de glucosa en sangre entre un 20% y un 40%, especialmente en personas con resistencia a la insulina o diabetes tipo 2.

Además, el efecto no se limita a esa comida en específico, ya que cuando el cuerpo recibe primero la fibra y la proteína, las señales de saciedad aparecen antes y suelen durar más tiempo. Eso puede traducirse en menos hambre poco después de comer, un mejor control de las porciones y una menor ingesta calórica espontánea, aseguró Sánchez.

Incluso hay evidencia de que los beneficios van mucho más allá del corto plazo. La nutricionista y docente Stephany Villegas, de la Universidad Autónoma del Perú señaló que, cuando este hábito se mantiene en el tiempo y se acompaña de actividad física, buen descanso y una alimentación basada en alimentos frescos, contribuye a mejorar la sensibilidad a la insulina y el control glucémico general.

La secuencia que ayuda a evitar los picos de azúcar

Aunque en nutrición es arriesgado hablar de leyes universales, la evidencia científica sí respalda un excelente punto de partida para casi todos. La secuencia ideal que más consistentemente aparece en los estudios se divide en tres tiempos bien definidos:

1. Los vegetales y alimentos ricos en fibra.
2. Las proteínas y las grasas saludables.
3. Los carbohidratos.

Sin embargo, llevar esta regla a la práctica no significa desarmar el plato de forma obsesiva. “En la dieta peruana, donde el plato típico combina arroz, menestras y proteína casi siempre juntos, la aplicación pasa simplemente por empezar comiendo la menestra y la proteína antes de atacar el arroz, no por eliminar absolutamente nada”, ejemplificó Aldo Gómez.

¿Es una verdadera revolución para el metabolismo?

La respuesta depende de a quién vaya dirigida. En el caso de una persona joven, activa y sin antecedentes metabólicos, la nutricionista Isabel Ríos, de Clínica Internacional aclaró que este orden funciona más como una herramienta de prevención o un “ajuste fino” dentro de los hábitos saludables, ya que el cuerpo todavía tiene suficiente capacidad para manejar picos ocasionales de azúcar sin consecuencias visibles.

No obstante, el escenario cambia por completo cuando entramos en el terreno de la prioridad clínica. De acuerdo con Julia Zumpano, nutricionista de Cleveland Clinic, existen perfiles específicos donde esta estrategia deja de ser un consejo “opcional” y se convierte en una herramienta especialmente útil:

• Prediabetes y resistencia a la insulina: Porque ayuda a reducir la carga constante sobre el páncreas y evita picos innecesarios de glucosa.
• Diabetes gestacional: Ensayos clínicos han mostrado mejoras importantes en el control del azúcar en sangre sin necesidad de añadir más medicación.
• Adultos mayores: Con la edad, la respuesta de la insulina se vuelve más lenta, por lo que suavizar la curva de glucosa tiene un impacto proporcionalmente mayor.
• Síndrome metabólico: Porque el control glucémico, el peso y el perfil de grasas en sangre están estrechamente conectados.

“Lo verdaderamente poderoso de este enfoque no es su complejidad, sino su accesibilidad. Aunque no es la palanca más grande del metabolismo, probablemente sí sea la más fácil de mover. No cuesta dinero, no requiere eliminar ningún alimento y no exige una fuerza de voluntad extraordinaria”, afirmó Gómez.

Sin embargo, reorganizar el plato no va a compensar una dieta basada en ultraprocesados o un estilo de vida sedentario. Como destacó el experto, la secuencia es una herramienta, no un salvoconducto. Pero en la práctica clínica, donde el mayor problema no es saber qué funciona, sino qué puede sostener el paciente en el tiempo, este hábito tiene un valor enorme: se aprende en segundos y puede aplicarse desde la siguiente comida.

¿Cómo se ve este orden de las comidas en la vida real?

Pasar de la teoría al plato no tiene por qué convertirse en un dolor de cabeza ni en una regla rígida. No se trata de comer los alimentos en fila de manera obsesiva, sino de saber elegir por dónde dar el primer bocado.

En este sentido, el nutricionista Marco Antonio Sánchez propuso estructurar el día de una manera sencilla, pero estratégicamente metabólica:

• Desayuno: Podría empezarse con frutas enteras o una fuente de fibra como avena o chía, luego incluir proteínas como huevos (sancochado o en tortilla con verduras), yogurt griego o queso fresco y, finalmente los carbohidratos como pan o cereales. No es lo mismo desayunar solo pan blanco con mermelada que acompañarlo con proteína y fibra.
• Almuerzo: La secuencia ideal es empezar por la ensalada o las verduras cocidas, continuar con la proteína (pollo, pescado o huevos) y las menestras, y dejar el arroz, la papa o la pasta para el final. Si pides un menú de dos tiempos, la sopa es una excelente entrada, siempre y cuando, tenga vegetales y proteínas, y no sea solo un caldo con fideos.
• Cena: Como las porciones suelen ser menores y se busca una digestión más ligera, la regla es más fácil de aplicar: verduras cocidas, luego algún alimento proteico —como pescado al vapor— y finalmente una porción pequeña de carbohidrato, como camote.

¿Y qué pasa con los platos donde todo está mezclado como un estofado? La buena noticia es que la estrategia no colapsa: aunque los ingredientes convivan en la misma preparación, la fibra y la proteína modulan parcialmente la absorción del almidón.

“Para recuperar el máximo beneficio en estos casos, el secreto está en lo que ocurre antes del plato principal: consumir una entrada de verduras —por más pequeña que sea— es suficiente para activar la “malla” protectora en el intestino antes de recibir el guiso. Al final, la clave no es exigir platos perfectos, sino tener consciencia de por dónde se empieza a comer”, precisó Aldo Gómez.

Con respecto a los líquidos, el agua antes o durante la comida ayuda a la saciedad y no interfiere con la digestión, mientras que abrir el almuerzo con líquidos azucarados —gaseosas, limonadas o incluso jugos de fruta natural— es el peor escenario metabólico. El especialista de la Universidad Científica del Sur subrayó que, al no haber fibra ni proteína en un estómago vacío, el azúcar líquido se absorbe a una velocidad altísima, obligando al páncreas a trabajar al límite.

Asimismo, si se tiene antojo de algo dulce, la recomendación es dejarlo siempre para el final. Karen Velásquez, coordinadora de nutrición de la Clínica Ricardo Palma, advirtió que los postres idealmente deben disfrutarse tras el almuerzo o la cena, y no como un snack independiente a media tarde.

El trasfondo de esto —explicó Gómez— es puramente biológico: cuando el dulce llega al final, el cuerpo ya procesó la fibra y la proteína previa, lo que retrasa el vaciamiento gástrico y modula la respuesta insulínica. Consumir carbohidratos simples con el estómago vacío, en cambio, hace que la glucosa entre rápido al torrente sanguíneo, provocando ese posterior “bajón” de energía que, paradójicamente, provoca más antojos.

La regla de oro para una buena alimentación

Para que esta estrategia tenga un sentido clínico real, los expertos nos recuerdan que la salud se construye por capas:

• La calidad de lo que comes.
• La cantidad.
• La frecuencia de las comidas.
• El horario.

En el metabolismo, estos factores no compiten, sino que se potencian. Para el nutricionista Aldo Gómez, una dieta basada en alimentos de calidad, respetando las porciones, en un buen horario y consumida en el orden correcto, logra un impacto multiplicador. La secuencia de tu plato es una herramienta extraordinaria, fácil y gratuita, pero funciona mejor cuando se integra dentro de un estilo de vida equilibrado.

La cuenta regresiva para la Copa del Mundo 2026 ya comenzó. Desde el próximo 11 de junio, las selecciones de 48 países se enfrentarán en un torneo que promete paralizar a millones de aficionados. Y aunque muchos seguirán los encuentros desde casa, cada vez son más los hinchas que buscan vivir la experiencia acompañados de amigos, buena gastronomía y un ambiente cargado de pasión futbolera.

En Lima existen diversos espacios que han convertido la transmisión de eventos deportivos en una experiencia completa. Pantallas gigantes, promociones especiales, cerveza fría y propuestas gastronómicas de primer nivel son parte de la oferta. Aquí te presentamos siete alternativas para disfrutar de esta fiesta.

• Estadio FC

Para quienes buscan sentirse dentro de un estadio sin salir de Lima, Estadio FC se ha convertido en uno de los puntos de encuentro favoritos de los aficionados. Sus múltiples pantallas, el ambiente futbolero y una carta pensada para compartir hacen que cada partido se viva con intensidad.

Dirección: Jr. De la Unión 1047, Centro de Lima

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• Mercado 28

El lugar ofrece una alternativa diferente para seguir el Mundial. Su propuesta reúne diversas marcas gastronómicas en un solo espacio, permitiendo que cada integrante del grupo encuentre algo a su gusto mientras disfruta de los partidos en pantalla gigante. Desde hamburguesas y pizzas hasta cocina peruana y opciones internacionales, la variedad es uno de sus principales atractivos.

Dirección: Avenida Vasco Nuñez de Balboa 755, Miraflores

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• Real InterContinental Lima Miraflores

Para quienes prefieren una experiencia más sofisticada, el Real InterContinental Lima Miraflores se suma a la fiebre futbolera con espacios especialmente acondicionados para seguir los encuentros. La propuesta combina gastronomía, coctelería y la comodidad característica de uno de los hoteles más exclusivos de la ciudad, ideal para disfrutar los partidos en un ambiente relajado.

Dirección: Mal. de la Reserva 751, Miraflores

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• Los Lima de Brasil

Con una propuesta gastronómica enfocada en la cocina brasileña, Los Lima de Brasil se perfila como una excelente opción para quienes desean combinar fútbol y buena mesa. Su ambiente acogedor y sus amplios espacios permiten disfrutar de los encuentros, y más aún si tu selección favorita es la brasileña.

Dirección: Jirón De la Roca de Vergallo 198, Magdalena del Mar

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• El Salar bar

Este espacio ha ganado popularidad por su propuesta de coctelería y su ambiente moderno. Durante los eventos deportivos suele convertirse en punto de encuentro para grupos de amigos que buscan disfrutar los partidos acompañados de tragos de autor, piqueos y promociones especiales.

Dirección: C. Amador Merino Reyna 589, San Isidro

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• Popurrí

Este lugar destaca por su ambiente relajado y festivo. Las transmisiones deportivas suelen ir acompañadas de promociones, música y una oferta gastronómica diseñada para compartir. Es una alternativa perfecta para quienes disfrutan del fútbol como una excusa para reunirse y pasar un buen momento.

Dirección: Av. Las Begonias 487, San Isidro

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• Dörcher Tap Room Centro Histórico

Ubicado en el Centro Histórico de Lima, Dörcher Tap Room ofrece una experiencia diferente para los amantes de la cerveza artesanal. Sus distintas variedades de cerveza de barril, junto con una propuesta gastronómica de estilo casual, convierten cada transmisión deportiva en una reunión entre amigos. El espacio resulta especialmente atractivo para quienes buscan escapar de los circuitos tradicionales y descubrir una propuesta distinta en pleno corazón de la ciudad.

Dirección: Jirón de la Unión 1058 - Cercado de Lima

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Hay una pregunta que casi nunca nos hacemos frente a un plato: ¿por dónde llegó el cocinero a esto? No dónde estudió. Por dónde. Porque el orden importa más de lo que parece.

Arturo Arellano llegó a la pizza desde el pan. No al revés. Estudió diseño de sonido en Montreal, tuvo un estudio de grabación, contratos con agencias. Lo dejó todo para aprender panadería —Le Cordon Bleu, Nova y mucho tiempo solo con la masa— y fue recién, viviendo en Pachacamac durante la pandemia, que descubrió su interés por la pizza. Empezó vendiéndoles a sus vecinos, por eso el nombre. Hoy tiene un local en una casita de Barranco, llena de recovecos, donde los arquitectos Ghezzi diseñaron cada rincón para que parezca que nadie diseñó nada y que todo es mágicamente distendido.

La diferencia de origen se nota antes de que llegue la primera pizza. Llegan unos bollos con forma de cinnamon rolls, rellenos de mantequilla al ajo, parmesano y mozzarella. Una versión muy suya del pan al ajo de toda pizzería. Al probarlos, uno entiende de golpe que está en manos de alguien para quien la masa es el principio del todo. No es un pizzaiolo que aprendió a hacer pan. Es un panadero que aprendió a hacer pizza.

Eso también explica el horno. Arturo usa un horno eléctrico por decisión y, cuando lo dice, espera la reacción. “Menos temperatura, más tiempo”, explica. “Así la masa queda más crocante y la cocción es pareja”. No hay romanticismo por la leña, ni reverencia por el fuego. Hay una lógica de panadero: control, consistencia, resultado. Define a su pizza como “neo-napolitana” —ligera, con aire en los bordes—, pero más crocante que la napolitana clásica y sin el fondo húmedo que delata a los hornos mal calibrados. Cuando llega a la mesa, va sobre una rejilla elevada que se encaja en dos agujeros de la mesa. Así, la masa se ventila por debajo y no se humedece. Cada pedazo mantiene su textura hasta el final. Un detalle de diseño que no se improvisa.

Las pizzas confirman la misma lógica. La de hongos —bechamel, portobello, shiitake, queso azul, cebolla caramelizada, nueces tostadas— funciona como estructura más que como acumulación: cada ingrediente tiene un rol, nada está de relleno. La de papa y chorizo lleva un chimichurri que Arturo prepara con los tallos de la albahaca y la espinaca, la parte que la mayoría descarta, de sabor más sutil que los chimichurris tradicionales.

Lo que Arturo hace en Vecino no es reinterpretar la pizza italiana ni posicionarse contra ninguna tradición. Es algo más sencillo, pero más difícil: aplica lo que sabe. Su formación, su lógica, su secuencia. “Esta es la pizza de un panadero”, dice, y no es una disculpa, sino una definición.

Tendemos a valorar la linealidad: el cocinero que siguió el camino correcto, que estudió donde había que estudiar, que pasó por las cocinas que correspondía. Pero algunos de los platos más interesantes los hacen personas que llegaron por el camino equivocado. O por el suyo propio. //

Mikela Capurro ya empieza a construir un nombre dentro de la escena electrónica, la DJ peruana acaba de vivir uno de los momentos más importantes de su carrera tras presentarse en el Ultra Perú, uno de los festivales más grandes del circuito electrónico. Pero detrás de las luces, el escenario y los beats, hay una historia marcada por la música desde la infancia, la disciplina y la búsqueda de una identidad propia dentro de una industria todavía dominada por hombres.

“Siempre he estado conectada con la música”, cuenta Mikela, quien recuerda que desde muy pequeña las clases de piano y percusión formaban parte de su rutina diaria. Con el tiempo, la música electrónica apareció como una “nueva obsesión”. Primero llegó la curiosidad; después, las horas descubriendo sonidos y practicando y finalmente, la decisión de tomárselo en serio.

A los 18 años ingresó a DJ College Perú para profesionalizarse. Aunque reconoce que hoy se puede aprender mucho de manera virtual, sentía la necesidad de desarrollar el oído como herramienta principal. “Quería aprender a usar mi oído como instrumento”, explica. La experiencia, además de técnica, terminó siendo profundamente creativa: rodearse todos los días de estudiantes que respiraban música electrónica le permitió descubrir géneros, compartir referencias y acelerar su proceso artístico.

En ese sentido y con el objetivo de aacercarse más a la industria musical, se mudó a Estados Unidos, en donde es más fácil conectar con productores, DJs y artistas. Sin embargo, Perú sigue ocupando un lugar central en su historia es por eso que no duda en volver como lo hizo hace unas semanas para tocar en el Ultra Perú.

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“Fue de las experiencias más increíbles que he tenido”, dice Mikela, que adempas asegura que lo que más la impactó fue sentir la energía del público y ver cómo la escena electrónica local sigue creciendo. “Hay más eventos, más artistas y más público. El país se está abriendo muchísimo más a esta cultura”, comenta.

El camino, sin embargo, no ha sido sencillo. Mikela reconoce que ser mujer dentro de la electrónica todavía implica enfrentar ciertas barreras. “A veces sí tienes que demostrar un poquito más”, señala. La desconfianza hacia las DJs mujeres sigue presente en algunos espacios donde la figura masculina continúa siendo predominante, pero lejos de verlo como una limitación, lo toma como un impulso. “Me motiva romper esquemas”, asegura.

Su propuesta musical se mueve principalmente entre el house como el latin house y el afrohouse, géneros que mezcla con canciones más comerciales y tracks menos conocidos para sorprender al público. Cada set, explica, busca contar una historia: momentos más suaves, subidas de energía, pausas y explosiones finales diseñadas para generar una experiencia emocional.

“No toco solo para mí, toco para ellos”, dice sobre su relación con el público. Para Mikela, ser DJ no se limita a poner música; se trata de cambiar emociones, crear atmósferas y conectar con las personas a través del sonido.

Parte de esa sensibilidad artística también tiene relación con su entorno familiar. Su hermana es Miranda Capurro, quien hace poco lanzó su primera canción, ambas crecieron en una casa donde siempre se incentivó la exploración creativa. Aunque por ahora cada una sigue su propio camino musical, Mikela no descarta una futura colaboración. “Tenemos una conexión muy especial”, comenta.

Actualmente, Mikela se encuentra en una etapa de exploración artística. Además de seguir tocando en nuevos espacios, planea compartir más contenido relacionado con moda, lifestyle y el universo creativo que rodea su proyecto musical. También adelanta que próximamente lanzará un track propio.

Entre los artistas que más admira menciona referentes del house y latin tech, sonidos que terminaron definiendo su estilo. Y cuando piensa en el futuro, aparecen nombres enormes: Tomorrowland, Ibiza y escenarios internacionales donde imagina llevar su música en los próximos años.

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Pero mientras esos sueños se construyen, Mikela mantiene claro cuál es el motor detrás de todo. “La música siempre estuvo presente en mi vida”, dice y hoy, desde cabinas cada vez más grandes, empieza también a ocupar un lugar importante en la escena electrónica peruana.

El pollo a la brasa no es solo un plato bandera de nuestra gastronomía, es también un ritual de las familias peruanas sin distinción. Consumido por millones y declarado Patrimonio Cultural de la Nación, este ícono culinario ha sabido evolucionar desde su origen en los años cincuenta, manteniendo su mística intacta. Es por eso que en la cuarta edición de los Premios Somos lo celebramos a lo grande.

La oferta de pollo a la brasa en el Perú es tan vasta como diversa, yendo desde las tradicionales e históricas cadenas que guardan el secreto de la receta original, hasta las propuestas más contemporáneas que apuestan por insumos orgánicos, técnicas de cocción innovadoras y un cuidado minucioso en las guarniciones. Encontrar el equilibrio perfecto en su preparación es tarea minuciosa, convirtiendo a la competencia en este rubro en una de las más reñidas de nuestros premios.

En esta nueva edición de los Premios Somos, la categoría a Mejor pollo a la brasa promete ser una de las más votadas por el público, reuniendo a quince establecimientos que han llevado este clásico a su máxima expresión. Conoce de cuáles se trata y vota por tu favorito.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría Mejor pollo a la brasa de los Premios Somos 2026:

• Don Melchor

Dirección: Av. Primavera 1000, Surco/ Av. Javier Prado Este 4492, Surco.

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• Don Tito

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• Gran Parrillada Timbó

Dirección: Av. Simón Bolívar 944, Lima.

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• Hilton

Dirección: Av. Julio César Tello 802, Lince.

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• Kendall Brasa

Dirección: Av. Gral. Juan Antonio Álvarez de Arenales 798, Jesús María.

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• Kumar y sus polluelos

Dirección: Jr. Tacna 925, Magdalena del Mar.

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• La Leña

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• Las Canastas

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• Mediterráneo

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• Pardos Chicken

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• Pollizos

Dirección: Av. General Mendiburu 874, Miraflores.

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• Primos Chicken Bar

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• Tinajas Chicken & Grill

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• Tori Polleria

Dirección: Calle José Gálvez 390, Miraflores.

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• Villa Chicken

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¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo del 2026.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

Para Karina Sian Jiménez, el cabello nunca fue solamente cabello. Antes que una herramienta estética, siempre lo vio como una materia capaz de transformarse: una estructura moldeable, donde conviven el volumen, la textura y la emoción. Quizás por eso sus peinados parecen esculturas y sus editoriales de moda se sienten más cercanos a una instalación artística que a un trabajo meramente bello.

Hace apenas unos días, “Forbes” la incluyó en una lista que reconoce a algunas de las personas más creativas del país. La noticia, sin embargo, la tomó completamente por sorpresa, durante su conversación con Somos. “Ha sido un gran regalo enterarme por medio de ustedes”, dice. Después de atravesar momentos personales difíciles, el reconocimiento llega como una confirmación silenciosa de todo lo construido durante años. “Es como cuando uno siembra y después cosecha”, reflexiona.

Aunque hoy su trabajo aparece en editoriales, pasarelas y campañas que han trascendido fronteras, el inicio de su historia estuvo lejos de ese universo. Karina nació en Arequipa y llegó a Lima aún adolescente. Fue entonces cuando descubrió un mundo que hasta ese momento parecía inaccesible. “Mi mamá me motivó muchísimo”, recuerda. Ya instalada en la capital, ingresó a Pivot Point, una de las escuelas más reconocidas del rubro, donde actualmente también se desempeña como mentora.Ahí entendió que el estilismo podía ir mucho más allá de la técnica. Lo que realmente despertó su curiosidad fue la posibilidad de investigar, experimentar y conectar el cabello con otras disciplinas creativas. Esa inquietud la llevó también a acercarse a las artes plásticas y desarrollar un lenguaje propio, profundamente influenciado por la observación y la exploración de formas.

Hoy en día, sus referencias pueden surgir de cualquier lugar: desde la historia del arte hasta un elemento cotidiano. Uno de sus procesos creativos más recordados, por ejemplo, nació observando la estructura de un camarón, un alimento muy presente en su infancia arequipeña. “Ese patrón modular fue lo que más me cautivó”, cuenta. A partir de ahí empezó a crear módulos de cabello y estructuras que luego se convertían en piezas escultóricas.

Karina reconoce que los trabajos editoriales y de pasarela son los que más la desafían. Mientras otros proyectos exigen rapidez o precisión comercial, esos espacios le permiten experimentar y llevar sus ideas al límite. “Siempre buscan algo más, algo diferente”, explica. Y esa búsqueda constante es precisamente lo que más disfruta.

Manos a la obra

Detrás de cada propuesta existe un proceso largo y minucioso. Algunas piezas pueden tomarle hasta dos meses de trabajo entre investigación, bocetos y pruebas. “Hay que cocinar la idea, investigar, debatir con quien invierte en la propuesta creativa”, indica. Antes de tocar el cabello, estudia referencias, desarrolla conceptos y prueba estructuras sobre maniquíes o modelos. Todo debe tener coherencia visual, pero también una conexión emocional y cultural.

Parte importante de esa sensibilidad tiene que ver con la manera en que Karina entiende el empoderamiento femenino. En sus redes sociales suele hablar sobre resiliencia, identidad y autoestima, temas que atraviesan también su obra. “Investigar y conectar con tu identidad es lo más valioso”, afirma.

Su experiencia personal ha marcado profundamente esa mirada. Karina es madre de un niño con discapacidad y reconoce que esa vivencia la obligó a fortalecerse emocionalmente. “Tengo que ser resiliente y valiente”, comenta. Más que una frase motivacional, para ella el empoderamiento femenino implica sostenerse incluso en los momentos más complejos y aprender a no autosabotearse.

Desde dentro de la industria, también ha sido testigo del crecimiento de la moda peruana y del enorme potencial creativo que existe en el país. Sin embargo, cree que todavía faltan más espacios de visibilidad, programas educativos y estímulos que impulsen a nuevos talentos. “Talento hay muchísimo, lo que falta son oportunidades y mentores que compartan sus conocimientos”, asegura.

Mientras tanto, ella continúa construyendo su universo creativo desde el mismo lugar donde empezó: la curiosidad. Cada editorial, videoclip o pasarela sigue representando un nuevo reto creativo, con esa misma fascinación que sintió aquella primera vez que entendió que el cabello también podía convertirse en arte. //

El sábado pasado parecía haber sido diseñado especialmente para el fútbol. Un sol radiante iluminaba los jardines del Lima Polo Club, en Surco, mientras decenas de invitados comenzaban a llegar para vivir una de las citas deportivas más esperadas del año: la final de la UEFA Champions League.

La jornada, organizada por Mastercard para clientes exclusivos de la marca, combinó la emoción del deporte con una experiencia pensada para disfrutar cada minuto. Desde el ingreso, los asistentes fueron recibidos por diversas activaciones, espacios interactivos y merchandising especialmente preparado para la ocasión. El ambiente tenía más de festival que de simple transmisión deportiva.

Para seguir el encuentro con total comodidad, se instalaron amplias zonas de descanso con sofás, mesas y asientos distribuidos estratégicamente frente una pantalla gigante. Además de los clientes invitados, también participaron influencers y embajadores de Mastercard, quienes compartieron la expectativa por conocer al nuevo campeón de Europa.

La experiencia incluyó una variada oferta gastronómica y bebidas de cortesía durante toda la tarde, permitiendo que los asistentes pudieran concentrarse únicamente en disfrutar del espectáculo. Entre conversaciones, fotografías y pronósticos de último minuto, la expectativa crecía conforme se acercaba el pitazo inicial.

Y el partido no decepcionó. El duelo entre PSG y Arsenal comenzó con intensidad. Apenas iniciado el encuentro, los ingleses golpearon primero y se pusieron en ventaja por 1-0, desatando la celebración de los hinchas presentes. Sin embargo, el conjunto parisino reaccionó en el segundo tiempo y consiguió la igualdad mediante un penal que volvió a encender la incertidumbre.

Con el marcador empatado, la tensión se apoderó de cada rincón del recinto. Los minutos avanzaron y la final se extendió hasta el tiempo suplementario, donde ninguno de los equipos logró inclinar la balanza. Todo debía resolverse desde los doce pasos.

La tanda de penales mantuvo a los asistentes al borde de sus asientos. Finalmente, PSG logró imponerse y quedarse con el título europeo, provocando festejos, aplausos y reacciones de alivio entre los presentes.

Tras el pitazo final, nadie parecía tener apuro por marcharse. Muchos invitados permanecieron un tiempo más disfrutando de las instalaciones, compartiendo impresiones sobre el partido y celebrando una experiencia que combinó fútbol, entretenimiento y hospitalidad. Una tarde memorable que Mastercard convirtió en una auténtica fiesta para los amantes de la Champions League.

Kira, una pastora belga de siete años, está más juguetona de lo habitual esta tarde en el nuevo aeropuerto Jorge Chávez. Va de un lado a otro entre las filas del ‘counter’ de las aerolíneas, se acerca a los pasajeros, olfatea mochilas, lame alguna maleta desprevenida y hasta se acurruca en las manos de quienes se animan a acariciarla. Algunos ríen apenas la ven; otros, sorprendidos por la presencia policial, se tensan por unos segundos, aunque no tengan nada que temer, simplemente por reflejo. Kira, en cambio, parece disfrutar el pequeño revuelo que provoca a cada paso.

Pero hoy no hay señales de alerta. Cuando Kira detecta algo ilícito —explica el técnico de tercera PNP John Buendía, su guía y entrenador desde hace un año— su comportamiento cambia por completo: deja de jugar, se queda inmóvil junto a la maleta sospechosa y fija la mirada como una estatua. Ese silencio es la verdadera alarma. Hasta ahora, sin embargo, el recorrido transcurre tranquilo.

La ternura de Kira suele engañar. Detrás de sus ojos inquietos y su carácter dócil hay una perrita avezada, entrenada para detectar estupefacientes en terminales, almacenes y puertos. En sus años de servicio ha participado en múltiples intervenciones exitosas e incluso llegó a detectar un importante cargamento de clorhidrato de cocaína en un envío del puerto del Callao.

En unos minutos deberá dirigirse a la zona de embarque de un vuelo con destino a Ámsterdam, una de las rutas consideradas “calientes” por la policía antidrogas. Antes pasará por el patio de comidas, las mangas y la zona de recojo de equipajes. Esta pastora belga trabaja cuatro horas al día y descansa cada 20 minutos. Las pausas frecuentes son necesarias para no desgastar el olfato que la convierte, silenciosamente, en una de las guardianas más eficaces del aeropuerto.

TRAS LAS HUELLAS

Kira es una de las seis integrantes de la unidad canina antidrogas que patrulla el nuevo aeropuerto Jorge Chávez en distintos turnos. Detrás de sus recorridos diarios existe una estructura policial mucho más amplia. La División Portuaria Antidrogas, dirigida por el coronel PNP Marco Pérez, tiene a su cargo operaciones en puertos, aeropuertos y servicios postales de todo el país. Además del Jorge Chávez, supervisa unidades en el Callao, Chancay, Paita, Matarani, Arequipa y Cusco, así como el control de encomiendas internacionales en Serpost.

El departamento de Policía Canina cuenta actualmente con 24 perros antidrogas: doce destacados en Lima y otros doce distribuidos a nivel nacional. Los canes trabajan en binomio con un guía policial y reciben entrenamiento permanente a cargo de instructores especializados. Aunque en el aeropuerto suele haber un perro asignado por turno, también son movilizados al puerto del Callao, operativos antidrogas y revisiones penitenciarias.

Su trabajo ha sido clave en múltiples intervenciones. Solo esta semana, un perro antidrogas permitió detectar en Paita un contenedor contaminado con más de 900 kilos de cocaína camuflada entre mercadería. En el aeropuerto, los canes revisan equipajes, encomiendas y pasajeros en busca de señales mínimas que delaten el traslado de estupefacientes.

La labor de los canes no podría funcionar sin la coordinación permanente con Lima Airport Partners, la empresa operadora del nuevo Jorge Chávez. En cada intervención existe una compleja red de seguridad que articula tecnología, vigilancia y respuesta policial en tiempo real. Sebastián Rosas, coordinador de Gestión de Calidad de LAP, explica que el aeropuerto cuenta con una gerencia central de operaciones dedicada a garantizar un viaje seguro sin afectar la experiencia de los pasajeros. Para ello mantienen comunicación constante con Dirandro, UDEX, Aduanas y otras divisiones policiales que operan dentro del terminal.

Cuando un perro antidrogas debe ingresar a una zona restringida o atender una alerta en salas de embarque, la coordinación se activa de inmediato. “Hay un trabajo muy coordinado con la supervisión de seguridad aeroportuaria para garantizar que el acceso sea rápido y eficiente”, señala Rosas. El nuevo terminal, además, fue diseñado con tecnología mucho más avanzada que la del antiguo aeropuerto: cuenta con modernos tomógrafos para revisar equipajes y cerca de cinco mil cámaras integradas a un gran centro de control de seguridad que monitorea cada incidente las 24 horas.

Desde allí se activan protocolos especiales cuando aparece una maleta sospechosa, un equipaje abandonado o un objeto potencialmente peligroso. “Nosotros no podemos hacer uso de la fuerza, por eso trabajamos de la mano con la policía”, explica Rosas. En un aeropuerto por el que circulan cerca de 80 mil personas al día, gran parte de esa maquinaria de seguridad pasa desapercibida para los pasajeros. Y quizá esa sea justamente la idea.

NARICES EN ALERTA

Odín no sabe que trabaja contra el narcotráfico. Cree, más bien, que todo es un juego. Cada vez que olfatea una maleta, mueve la cola esperando encontrar su premio favorito: una pelota o una felpa de toalla impregnada con el olor de la droga. El suboficial PNP Jordi Ayala, su guía y entrenador, afirma que uno de los mayores mitos alrededor de los perros antidrogas es pensar que son drogados o forzados a consumir sustancias para poder detectarlas. “Eso es totalmente falso”, aclara. “Nosotros trabajamos mediante juegos”, precisa

El entrenamiento comienza desde los dos meses de edad. Primero, el perro aprende a asociar el olor con el juguete. Luego vienen las búsquedas entre cajas, tubos, mochilas y finalmente maletas reales. Cuando encuentra el objeto impregnado con el aroma, el can se sienta o se echa: esa es la señal de alerta. Para ellos, detectar droga no es una obligación, sino una recompensa.

Aunque cualquier perro puede desarrollar capacidades de búsqueda, algunas razas destacan por su inteligencia, resistencia y olfato. Los más utilizados son los labradores, pastores belgas, pastores alemanes, golden retriever y beagles. Odín, un labrador de cuatro años, llegó a la unidad cuando apenas tenía uno. Desde entonces forma un binomio inseparable con Ayala. “Ya conozco cómo trabaja él y él sabe cómo trabajo yo”, cuenta el policía.

Los perros antidrogas trabajan hasta los ocho o nueve años. Después pasan al retiro y, muchas veces, terminan quedándose con sus propios guías. Ayala ya lo tiene claro: cuando llegue ese día, piensa adoptar a Odín. Después de años recorriendo juntos aeropuertos, puertos y operativos, el vínculo dejó hace tiempo de ser solamente laboral. Ahora son compañeros de vida. //

Una moneda de veinte céntimos cubierta de manchas azul verdosas de óxido es el objeto más preciado para el actor y psicólogo Javier Echevarría (57). La conserva desde hace más de treinta años como recordatorio de la que fue la primera de sus tres bancarrotas. Ocurrió hace mucho tiempo, la primera vez que quebró. Los trabajos en televisión por entonces pagaban bien, así que hizo algunas inversiones, pero todo terminó de la peor forma. Con un solo sol en el bolsillo, tuvo que morderse el orgullo y regresar a la casa paterna. Ochenta céntimos le costó el pasaje de regreso. “Me dije a mí mismo que sobre estos veinte céntimos iba a construir todo de nuevo”, recuerda mientras sostiene la moneda como único testigo de aquella promesa. Cinco años después tenía una casa propia. No sería la última gran crisis de su vida.

Sentado en el sofá de su sala junto a su gato, Flancito, que entrecierra los ojos al ser acariciado, Echevarría recuerda una experiencia que lo golpeó más que cualquiera de sus bancarrotas. Fue la noche en la que tuvo que despedirse de su gata Cleo, a causa de una enfermedad renal que cayó sobre ella casi de forma fulminante. Los veterinarios le advirtieron que probablemente Cleo no llegaría a la mañana siguiente, así que Echevarría no quiso dejarla en un lugar ajeno y frío. Se la llevó a su casa, la acomodó sobre su pecho y permaneció junto a ella hasta el final. “Vi cómo la vida se iba de ella. Sus ojos perdieron brillo y me dejó un frío en el pecho que me duró semanas”, recuerda.

Como muchas personas que fueron niños en los años setenta, el actor y psicólogo asegura que entonces no existía la sensibilidad que hay ahora por las mascotas. Eran tiempos en que al perro de la casa se le dejaba salir hasta que rascaba la puerta para entrar. Nunca había convivido realmente con gatos, y fue recién con Julieta, Cleo y Flancito que descubrió una relación distinta. La muerte de Cleo le permitió comprender hasta qué punto aquellos animales habían transformado su vida. “Ahora Flancito se ha quedado solo y no se me despega. Yo soy una persona que no llora con facilidad. Pero Cleo me ayudó mucho. Me hizo llorar muchas lágrimas que estaban ahí guardadas”.

Mientras acompañaba a Cleo en sus últimas horas, Echevarría comenzó a hacerse preguntas que nunca antes se había planteado. Una de ellas era qué ocurre con las mascotas después de la muerte. “No me había puesto a pensar en eso. No me había puesto a pensar en una narrativa posterior”, recuerda. La pregunta quedó rondando en su cabeza durante meses, hasta que intentó responderla primero en un libro y luego en una obra teatral: “El viaje de Cleo al corazón del cielo”, una historia que imagina el recorrido de una gata después de morir y propone una respuesta más emocional que religiosa. En el universo de Echevarría, las mascotas que partieron encuentran su lugar dentro del corazón de quienes las aman.

Echevarría cree que “El viaje de Cleo al corazón del cielo” es una obra sobre la reparación emocional antes que sobre la muerte. Como psicólogo, sostiene que el arte debe cumplir una función terapéutica y no únicamente estética. “El arte está al servicio de la terapia, no al revés”, afirma. Por eso buscó abordar un tema tan doloroso desde la ternura, el humor y la imaginación. Su intención no era provocar desolación, sino ofrecer una historia capaz de acompañar a quienes atraviesan un duelo y ayudarlos a manejar una situación así. Las reacciones del público han terminado confirmándole que la historia conecta. Después de las funciones, muchas personas lo esperan para compartir experiencias personales de despedida y ausencia. Hay lágrimas, reconoce, pero no desolación.

La conversación con Javier se extiende hacia otros territorios. Como él mismo reconoce, de niño no era muy apegado a los animales. Su infancia, sin embargo, tuvo algo de singular. Lo que más le gustaba era inventar historias. Cogía sus soldaditos de plástico y construía relatos completos que duraban días. Aunque creció entre cinco hermanos, cuenta que fue cultivando una impecable soledad, y a veces lo asaltaba una sensación de ser invisible que no le agradaba nada.. Un día, una profesora lo desaprobó por falta de participación, y cuando fue a reclamar, la docente le respondió: “¿Tú quién eres?”. Era, pues, un completo invisible. Para recuperar el curso debía actuar en una obra escolar. “Yo le tenía terror al escenario, pero le tenía más miedo a salir jalado”, dice entre risas. Esa fue la decisión que cambió su vida.

Pasó de ser el muchacho al que nadie veía a convertirse en alguien conocido, primero en su colegio, luego entre los asiduos al circuito teatral, y finalmente para todo el Perú gracias a tantas telenovelas. Durante los años noventa participó en algunas de las producciones más exitosas de la televisión peruana. Sin embargo, nunca terminó de identificarse con la imagen del galán televisivo: mientras las entrevistas se concentraban en su carrera como actor, él prefería hablar de psicología, disciplina que estudiaba y ejercía en paralelo. A los cuarenta años atravesó una crisis que se convirtió en epifanía. “Me dije: ‘he tratado de ser protagonista de novelas y no me he atrevido a ser protagonista de mi vida’”. Comprendió que llevaba demasiado tiempo esperando que otros escribieran el guion de su existencia.

Tras un paso por Colombia, regresó al Perú, creó su propia empresa y encontró una forma de unir el arte y la psicología. Ahora, mientras Flancito duerme a su lado y “El viaje de Cleo al corazón del cielo” se acerca a sus últimas funciones, se puede encontrar un trazo que une toda su trayectoria: el niño que imaginaba mundos, el actor que buscaba personajes complejos y el psicólogo que convirtió una pérdida personal en una historia capaz de acompañar a otros. Los escenarios cambian, pero no las ganas de contar nuevas historias. //

Desde hace un par de semanas Pablo Arraya ha vuelto a sentir la adrenalina de las grandes hazañas. Desde Hamburgo, el histórico extenista peruano acompañó de cerca a Ignacio Buse en el mejor momento de su joven carrera: la conquista de su primer título ATP el sábado pasado y el salto definitivo hacia el circuito grande, coronado con su debut en el ‘main draw’ de Roland Garros. Para Arraya, ver el crecimiento de Nacho es casi como viajar en el tiempo. Hace más de cuarenta años, él mismo abrió un camino que parecía imposible para el tenis nacional.

RUGIDO EN CANCHA

En 1983, cuando muy pocos imaginaban a un peruano levantando un trofeo en la élite de este deporte, Arraya ganó el ATP de Burdeos y se convirtió en el primero en conquistar un torneo de esa categoría. Después llegarían otras cuatro finales y un ascenso meteórico hasta el puesto 29 del ranking mundial en 1984, una marca extraordinaria para la época. Pero antes de convertirse en ‘El Tigre’, hubo un niño cordobés que llegó al Perú casi sin darse cuenta de que nuestro país terminaría convirtiéndose en su hogar definitivo.

Pablo nació en Argentina, pero creció en Lima junto a su hermana Laura, otra figura fundamental de la raqueta peruana. El tenis estaba escrito en la historia familiar. Sus padres lo jugaban en Córdoba y fue justamente ese vínculo con el deporte el que terminó trayendo a la familia al Perú.

Laura Arraya nos cuenta que su padre fue convocado por la Federación Peruana de Tenis para dirigir el desarrollo juvenil y que, casi de un día para otro, les anunció que dejarían su ciudad para empezar una nueva vida. Ella tenía siete años; Pablo, nueve. “Llegamos muy chicos. No fue tan fácil porque era un país nuevo y no conocíamos nada, pero el tenis terminó siendo nuestro lugar”, cuenta la tenista.

La base de la familia fue el antiguo Lawn Tennis, donde entrenaban prácticamente todos los días. Allí, los hermanos Arraya empezaron a tomarse el deporte con mayor seriedad hasta convertirse rápidamente en parte de las selecciones juveniles peruanas. “Siempre representamos al Perú. Nuestros padres se sintieron muy cómodos aquí y nosotros crecimos jugando para el país”, recuerda Laura. A los 18 años, ambos obtuvieron oficialmente la nacionalidad peruana.

En la memoria de Pablo, esa época era “mucho más artesanal”: el talento y la intuición pesaban más que cualquier estructura profesional. “Yo tuve mucha suerte porque era muy talentoso y en esa época era casi lo único que necesitabas”, cuenta desde París, todavía inmerso en la intensidad del circuito. “No existía toda la información que existe ahora. Hoy hay métricas para todo: alimentación, prevención de lesiones, preparación física. Nosotros aprendíamos mucho sobre la marcha”, añade.

Quienes lo vieron jugar lo recuerdan por su carácter explosivo, intenso y competitivo hasta el límite. De allí nació el apodo que lo acompañaría toda la vida. Nacionalizado peruano, Pablo pasó a liderar una generación inolvidable junto a Jaime Yzaga, Carlos Di Laura y Alejo Aramburú, con quienes protagonizó algunas de las páginas más recordadas de la Copa Davis. “Éramos un equipazo”, comenta vía telefónica. “Perdimos varias veces contra países que luego fueron campeones. Tal vez nos faltó compartir más información entre nosotros, porque era un deporte muy individual, pero había muchísimo talento”, complementa.

Tras su retiro del tenis profesional, Estados Unidos apareció como una continuación natural de su vida ligada a la raqueta. Actualmente vive en Los Ángeles y trabaja como coach en uno de los clubes más exclusivos de Beverly Hills, entrenando tanto a jóvenes talentos como a empresarios y celebridades. Pero la quietud nunca fue compatible con él. Por estos días, su vida transcurre entre aviones, hoteles y torneos. “Mi base está en Los Ángeles, pero paso la mitad del tiempo viajando por el circuito ATP”, cuenta. “La raqueta ha sido mi pasaporte toda la vida”.

MIRANDO AL FUTURO

Si hay algo que entusiasma hoy a Pablo Arraya, es la sensación de que el tenis peruano atraviesa un nuevo momento de ilusión gracias a la aparición estelar de Ignacio Buse. Lo sigue desde que era adolescente y asegura que lo que más lo impresiona no es únicamente su talento, sino el nivel de compromiso que tiene con su carrera. “Se ha dado al 100% a su profesión”, explica. “No es solo lo que hace dentro de la cancha. Es la preparación física, la alimentación, el descanso, la intensidad con la que entrena. Me saco el sombrero”, dice.

Arraya destaca también el trabajo del equipo que rodea a Buse, encabezado por el español Gabriel Urpí. Considera que allí existe una de las principales diferencias con su propia generación: hoy la información y la preparación son muchísimo más avanzadas.

Pero más allá de Ignacio Buse, hay otro nombre que lo llena de esperanza: Lucciana Pérez. Arraya considera que la mejor tenista universitaria de Estados Unidos tiene todo para convertirse en una figura importante del tenis peruano. La conexión, además, es cercana: su hermana Laura trabaja directamente en el desarrollo del tenis femenino nacional. “La ilusión más grande que tengo es con Lucciana”, confiesa Pablo. “Creemos que cuando dé el salto al profesionalismo puede ser un monstruo”, avizora.

Aun así, insiste en que el gran desafío del tenis peruano no es el talento, sino la organización. ‘El Tigre’ afirma que el país produce jugadores de enorme nivel casi de manera natural, pero que todavía falta construir una estructura más sólida y una mejor comunicación entre entrenadores, academias y dirigentes. “En Perú siempre salen campeones increíbles”, comenta. “Pero si todos tiráramos para el mismo lado, sacaríamos campeones como cancha”, concluye. //

Durante años, las fibras naturales en el Perú estuvieron asociadas a la playa, el verano o la artesanía utilitaria. Para la diseñadora peruana Bertha Cabrera, sin embargo, siempre hubo algo más detrás de estos materiales. Hace casi una década fundó Galera con un objetivo claro: revalorar las fibras naturales y demostrar que podían convertirse en piezas de diseño contemporáneo y de lujo sostenible hechas en la industria de la moda del Perú.

La historia de la marca nació, en realidad, de una búsqueda personal. Antes de dedicarse al diseño, Cabrera transitó por el derecho, el diseño de interiores e incluso el ‘coaching’ y la programación neurolingüística. Fue en ese proceso de cuestionamiento y reinvención cuando entendió que quería construir algo con propósito. “Siempre me habían encantado las carteras de alta gama y me preguntaba qué le faltaba al Perú para lograr lo mismo”, recuerda. Inicialmente, imaginó una marca de accesorios en cuero, pero todo cambió cuando decidió experimentar con el junco, fibra que hasta entonces asociaba únicamente a bolsos de playa.

INVESTIGACIÓN PROFUNDA

Ese primer acercamiento terminó convirtiéndose en una investigación a fondo sobre las fibras naturales y las comunidades que trabajan con ellas. Cabrera comenzó a visitar humedales, conversar con extractores y entender el comportamiento de materiales que, según explica, “siguen vivos” incluso después de ser transformados. El junco, por ejemplo, absorbe humedad y requiere cuidados especiales, algo que llevó a Galera a desarrollar un sistema de mantenimiento posventa para preservar sus piezas a lo largo del tiempo.

Con el paso de los años, la marca amplió su universo creativo y hoy trabaja con fibras como la toquilla, la palma de macora, la chambira, el aguaje y el mimbre. Además, investiga el uso del agave maguey, empleado ancestralmente en la técnica de la shicra. Cada material implica una exploración distinta: la toquilla se usa principalmente en comunidades de Piura; la palma de macora tiene fuerte presencia en Lambayeque; mientras que la chambira y el aguaje provienen de comunidades amazónicas en Loreto.

Actualmente, Galera trabaja con comunidades de Piura, Lambayeque, Huacho, Chincha y la Amazonía peruana, desarrollando piezas en conjunto con artesanas y tejedores especializados. “Esto es una cocreación. Nosotros llevamos el diseño, pero necesitamos el ‘expertise’ de sus manos tejedoras; nos nutrimos como equipo”, precisa Cabrera. Parte de su labor también ha consistido en educar tanto a consumidores como a productores sobre el valor del diseño, la autoría y la preservación de estas técnicas tradicionales.

LEGADO PROTEGIDO

Esa apuesta por elevar la fibra natural ha transformado también la percepción del mercado. Cuando Galera comenzó, recuerda Cabrera, prácticamente no existían marcas peruanas enfocadas en accesorios de diseño hechos con fibras naturales. Hoy el panorama es distinto y el crecimiento del sector confirma que existe un nuevo interés por estos materiales ancestrales reinterpretados desde una mirada contemporánea.

El siguiente paso para la marca está fuera del país. Luego de abrir mercado en ciudades como Miami, Barcelona, Ámsterdam y Copenhague, Galera prepara su participación en la feria COTERIE New York este setiembre, una de las vitrinas comerciales más importantes de la industria. Para Cabrera, el objetivo trasciende la exportación: “Queremos mostrar que en el Perú, además de tener materia prima, también podemos trabajar con un diseño competitivo y original”. Una misión que, casi diez años después, sigue redefiniendo el lugar de la artesanía peruana en el mundo de la moda contemporánea. //

Había algo especialmente absurdo (y por eso mismo inolvidable) en ver a Ghostface tropezarse, perseguir a Cindy Campbell entre gritos exagerados o convertir una escena de asesinato en un sketch ridículo. Cuando “Scary Movie” llegó a los cines en 2000, tomó el suspenso adolescente que películas como “Scream” habían convertido en un fenómeno y decidió reírse de él sin ningún tipo de vergüenza. El resultado fue inmediato: una película que transformó el terror en una comedia particular y que terminó definiendo buena parte del humor irreverente de los primeros años de la década.

La cinta, dirigida por Keenen Wayans y escrita por los hermanos Marlon y Shawn Wayans, apareció en pleno auge del cine de horror juvenil. “Scream”, “Sé lo que hicieron el verano pasado” y “El proyecto de la bruja de Blair” dominaban la conversación cultural y habían convertido al miedo en entretenimiento adolescente. “Scary Movie” entendió perfectamente ese fenómeno y decidió exagerarlo hasta el absurdo. La famosa escena inicial inspirada en Drew Barrymore, las llamadas telefónicas interminables o los asesinos torpes funcionaban porque el público reconocía inmediatamente las referencias.

Con el tiempo, la saga amplió su universo y comenzó a parodiar distintas etapas del terror contemporáneo. “El aro”, “Saw”, “Actividad paranormal” y hasta películas de ciencia ficción o dramas sobrenaturales encontraron espacio dentro de un universo donde nada parecía demasiado serio. Cada nueva entrega se convirtió, en cierta forma, en una cápsula cultural de los productos cinematográficos de su época.

Pero “Scary Movie” no solo fue importante por las películas que imitaba. También lo fue por el tipo de humor que proponía. Los hermanos Wayans llevaron a la pantalla una mezcla de sátira, referencias pop, comedia física y humor incómodo que ya habían explorado en programas como “In Living Color”. El suyo era un estilo exagerado y completamente consciente de sí mismo. No buscaba elegancia: buscaba hacer reír incluso desde lo absurdo.

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Las dos primeras películas conservaron claramente esa identidad. Sin embargo, tras la salida de los Wayans, la franquicia cambió de rumbo. Las siguientes entregas apostaron por un humor más cercano al gag rápido y a la acumulación de guiños, manteniendo el éxito comercial, pero perdiendo parte de la voz irreverente que había convertido a las primeras cintas en clásicos de videoclub y televisión por cable.

Veinticinco años después del estreno original, la saga prepara ahora su regreso con “Scary Movie 6”, una nueva entrega que apuesta directamente por la nostalgia de quienes crecieron viendo a Cindy Campbell escapar (probablemente sin demasiado éxito) de asesinos, fantasmas y criaturas sobrenaturales.

El regreso del cuarteto original

Dirigida por Michael Tiddes, “Scary Movie 6” apostará por recuperar el espíritu irreverente que convirtió a la saga en un fenómeno de los 2000. Veintiséis años después de escapar de un asesino enmascarado sospechosamente parecido a Ghostface, Cindy Campbell, Brenda Meeks, Ray y Shorty volverán a encontrarse en medio de asesinatos, fenómenos paranormales y situaciones absurdas donde ninguna franquicia de terror estará realmente a salvo.

La película marcará el regreso de Anna Faris, Regina Hall, Marlon Wayans y Shawn Wayans, protagonistas de las primeras entregas y responsables de algunos de los momentos más recordados de toda la saga. Esta vez, la historia buscará burlarse no solo de las películas de terror contemporáneas, sino también de la obsesión actual de Hollywood por los ‘reboots’, ‘remakes’, secuelas, precuelas, ‘spin-offs’ y las llamadas “películas legado”.

Entre las producciones y tendencias que serían parodiadas aparecen referencias a “M3GAN”, “Get Out”, “Longlegs” y “La sustancia”. La nueva entrega también jugará con el exceso de franquicias y las supuestas “últimas películas” que terminan teniendo continuaciones inesperadas.

El retorno creativo de los hermanos Wayans ha despertado expectativa entre los seguidores más fieles de “Scary Movie”, especialmente porque las primeras películas son recordadas por ese tono absurdo y provocador que nunca tuvo miedo de incomodar o cruzar cualquier límite con tal de convertir el terror en comedia.

Las cafeterías de especialidad continúan ganando protagonismo en la escena gastronómica peruana y los Premios Somos 2026 reconocerán a la mejor entre 15 propuestas que han transformado la forma de consumir café en el país. Más allá de ofrecer una bebida, estos espacios apuestan por una experiencia completa que incluye granos de origen, métodos de extracción artesanales, tostado propio y una conexión más cercana con los productores cafetaleros del Perú.

El crecimiento de las cafeterías de especialidad ha impulsado una mayor valoración del café peruano tanto a nivel local como internacional. Muchas de estas propuestas trabajan directamente con pequeños productores de regiones como Cusco, Cajamarca, Junín y Amazonas, priorizando prácticas sostenibles y destacando perfiles de sabor únicos en cada taza. Además, la preparación del café ha pasado a ser parte central de la experiencia, con métodos como V60, Chemex, prensa francesa y espresso de autor que atraen a un público cada vez más interesado en conocer el origen y proceso del producto.

La nominación en los Premios Somos 2026 también refleja cómo las cafeterías se han convertido en espacios culturales y de encuentro. Varias de ellas combinan café de alta calidad con panadería artesanal, pastelería de autor y ambientes diseñados para compartir, trabajar o disfrutar de una pausa en medio de la ciudad.

¿Qué son los Premios Somos?

Los Premios Somos son los galardones gastronómicos de la revista “Somos” del diario “El Comercio”. Se entregan desde el año 2023 como una manera de manera de reconocer al rubro culinario en todas sus dimensiones.

Se diferencian de otros premios por ser determinados por el voto popular. Es el público el que nos ayuda a armar una lista de ganadores con sus votos, fiel reflejo de lo que los comensales buscan y quieren probar.

Nominados en la categoría

Estos son los nominados en la categoría cafetería de especialidad de los Premios Somos 2026:

• Artidoro Rodríguez Café

Dirección: Av. Benavides 1917, Miraflores

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• Ciclos Café

Dirección: Berlín 147, Miraflores

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• Cofaine

Dirección: Av. Universitaria 6022, Comas

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• D’Sala Caffè

Dirección: Av. Mariscal La Mar 1063, Miraflores

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• Elevaria Café & Tostaduría

Dirección: Jr. San Martín 543, Trujillo

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• Florencia y Fortunata

Dirección: Procuradores 394, Cusco

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• Kafi Wasi

Dirección: Santa Catalina 204, Arequipa

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• MamaQuilla - Tostaduría

Dirección: Av. Manuel Valle 350, Pachacámac

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• Masamama

Dirección: Jerusalén 307, Arequipa

• Monótono Coffee

Dirección: Av. Grau 203A, Barranco

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• Neira Café Lab

Dirección: Enrique Palacios 1074, Miraflores

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• Origen Tostadores de Café

Dirección: Av. Pedro de Osma 112, Barranco

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• Puku Puku

Dirección: Narciso de la Colina 297, Miraflores

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• Punto Café

Dirección: Av. Petit Thouars 5295, Miraflores

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• Three Monkeys Coffee

Dirección: Triunfo 338, Cusco

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¿Cómo y dónde votar?

Los ganadores de 37 categorías de los Premios Somos serán determinadas por el voto popular. Podrás elegir a tus favoritos ingresando a este enlace. Las votaciones estarán abiertas desde el miércoles 27 de mayo.

¿Cómo se eligen a los nominados a los Premios Somos?

Los nominados son seleccionados por un panel de periodistas y expertos, y se recopilan datos de artículos publicados en El Comercio durante el año transcurrido.

Durante mucho tiempo, la muerte ha sido un asunto que se suele esquivar. Escondida en eufemismos, procesada en privado y susurrada en voz baja, son pocos quienes le dan la importancia que merece. Sin embargo, en paralelo al creciente interés por la salud mental, empieza a abrirse un espacio para hablar también de lo inevitable: la pérdida. En ese terreno, aún poco explorado, aparece la tanatología, una disciplina que propone acompañar el duelo desde una mirada más amplia, humana y honesta.

“La tanatología es una ciencia que se dedica al estudio de la muerte y de los fenómenos sociales y humanos que surgen a raíz de la muerte y la pérdida”, explica la médica y tanatóloga Karina Zegarra. En la práctica, en tanto, la tanatología no se reduce únicamente a acompañar la muerte, sino a entender todo lo que se mueve alrededor de ella.

En esa línea, Tiza Martínez, tanatóloga, explica el universo del duelo: “El duelo es cualquier pérdida que nos rompe el corazón. Cualquier cosa que amamos profundamente y ya no está”, indica. Bajo esa lógica, la tanatología no se limita a la muerte de un ser querido, sino que también incluye el acompañamiento en rupturas amorosas, mudanzas, cambios de vida, enfermedades o incluso la pérdida de una versión de uno mismo.

“Si lo analizas, la vida es un conjunto de pérdidas. Por los cambios que se suceden en las distintas etapas, por el crecimiento en sí mismo, estamos constantemente despidiéndonos de algo”, reflexiona Zegarra. En ese sentido, la tanatología no aparece solo en momentos críticos, sino que puede ser una herramienta útil en cualquier etapa significativa de la vida.

Duelos cotidianos

Uno de los aportes más importantes de esta disciplina es ampliar la idea de duelo. Culturalmente, solemos validarlo solo cuando se trata de una muerte cercana. Todo lo demás (una separación, la pérdida de la salud, una mudanza, por ejemplo) tiende a minimizarse.

“Un duelo poco visibilizado es el del cambio de estilo de vida”, señala Zegarra. “Dejar una actividad que te gustaba, una carrera, tu casa, incluso perder una mascota”, añade. Sin embargo, todas esas experiencias implican una ruptura emocional que merece ser atendida, emociones que tienen que ser visibilizadas.

Martínez coincide: “Una niña que se muda de casa puede sentir un duelo profundo, mientras que su hermana mayor puede estar feliz por la situación. Y es que cada uno vive las situaciones de manera única”. Esa individualidad es clave: no hay duelos correctos ni comparables. Cada proceso tiene su propio ritmo, intensidad y expresión.

El problema es que, como sociedad, aún solemos incomodarnos frente al dolor ajeno. Intentamos apurarlo, suavizarlo o incluso negarlo. “Muchas veces se comete el error de decirle a la persona que no llore, que sea fuerte, que lo supere, que ya pasó el tiempo. Pero el duelo no es lineal, es cíclico. Puede reaparecer en distintos momentos y es válido”, advierte Zegarra.

Martínez lo explica también: “El duelo es como una herida. Si te cortas, le das tiempo para cicatrizar. Con el dolor emocional debería pasar lo mismo. Ignorarlo o minimizarlo no lo hace desaparecer; al contrario, puede acumularse y reaparecer en el futuro. Asimismo, otro error que suele cometerse es compararse: tu duelo no tiene por qué ser el mismo que el de tu amiga o tu familiar”, precisa.

Reconciliarse con la muerte

La tanatología ofrece algo que muchas veces falta: un espacio seguro para transitar el dolor sin juicios ni apuros. “Lo que ayuda es validar el dolor, independientemente del tipo de duelo. Brindar un espacio donde la persona se sienta escuchada y acompañada”, explica Zegarra, para quienes tenemos a alguien cercano viviendo un duelo y no sabemos cómo actuar.

“No hay que buscar ‘arreglar’ el dolor ni eliminarlo, sino vivirlo”, aclara por su parte Martínez. “En estas situaciones el ser humano tiende a querer solucionar, pero en el duelo a veces basta con acompañar, escuchar”, agrega.

En la situación específica de enfrentarse a la muerte (por enfermedades terminales, por ejemplo) el acompañamiento de la tanatología no solo es pertinente para quienes se encuentran viviéndolo en primera persona, sino también para su entorno, ya que saber cómo estar presentes frente al dolor de otro puede ser igual de desafiante. “La mejor manera de acompañar es estar ahí. Sin dar consejos, sin comparar, sin tratar de llenar el vacío. Sostener incluso el silencio”, apunta Martínez.

No hay un único momento correcto para acudir a un tanatólogo. Puede ser tras la muerte de un ser querido, ante un diagnóstico médico, después de una ruptura o incluso en procesos de cambio personal.

Zegarra señala que los casos más frecuentes que acompaña están relacionados con fallecimientos y enfermedades que implican cambios radicales en la vida, como el cáncer o condiciones autoinmunes. Pero también son comunes los duelos por separaciones, pérdida de vínculos, mascotas o transformaciones importantes en la rutina.

Martínez, por su lado, insiste en que no hay que esperar a “tocar fondo”. “Buscar acompañamiento te permite transitar el dolor de la mejor manera”, dice. No para evitarlo, sino para atravesarlo con mayor conciencia.

La paradoja es evidente: todos sabemos que la muerte es inevitable, pero actuamos como si no existiera. Y en ese silencio se pierde la posibilidad de prepararse emocionalmente, de cerrar ciclos y de decir lo que queda pendiente.

“Cuando no queremos ver la muerte, no nos entregamos a la vida”, reflexiona Martínez. En ese sentido, si reflexionamos lo suficiente, pensar en la finitud puede no ser un miedo, sino un impulso para vivir con mayor conciencia. //

Hasta hace unos días, David Rivera (19) tenía seis admisiones a universidades de Estados Unidos y ninguna forma de pagarlas. Desde niño, su obsesión con el espacio lo había llevado a soñar con estudiar ingeniería aeroespacial y, gracias a sus logros en olimpiadas de ciencias, incluso había llegado a conocer la NASA. Hijo de carpinteros de Villa El Salvador —sus padres fabrican y venden camas en el mercado del distrito—, David se había abierto camino en medio de la precariedad gracias a un talento precoz para las matemáticas y la física. Este año, las cartas de admisión llegaban una tras otra. El problema era que ninguna incluía una beca suficiente para convertir ese sueño en algo real.

Haberse esforzado tanto para quedarse a un paso de la meta parecía una broma cruel. Con la fecha límite encima, la familia organizó rifas desesperadas para reunir dinero. Su madre, Victoria, hacía cuentas imposibles mientras David revisaba todos los días el portal de la universidad esperando una señal. Un día antes de que venciera el plazo llegó el correo que lo cambió todo: la Universidad Estatal de Michigan le informaba que había quedado entre los cinco mejores estudiantes internacionales admitidos ese año y le otorgaba una beca completa que cubría estudios, alimentación, libros, vivienda y gastos personales. Después de meses de incertidumbre, el sueño empezaba a despegar.

La historia de David es también la de varios jóvenes peruanos que logran abrirse camino en contextos adversos gracias al apoyo familiar y a la educación. En su caso, estudiar en el colegio Saco Oliveros le permitió participar en olimpíadas de ciencias y traer medallas internacionales al Perú. Pero había algo más detrás de ese rendimiento académico. Su madre, Victoria, recuerda que desde los tres años David se soltaba de su mano antes de entrar al nido y le decía: “Te voy a traer un 20, reza por mí”. Luego regresaba a casa con los cuadernos llenos de notas perfectas. Aprendió a leer prácticamente solo, descifrando carteles de la calle y letreros de los buses, y a los cuatro años una profesora les dijo a sus padres que ya no necesitaba el “Coquito”.

Perú, tierra de superdotados

En psicología, a quienes destacan desde temprana edad, aprenden a leer solos o muestran una voracidad inusual por el conocimiento se les suele llamar personas de altas capacidades. Son chicos que aprenden con tal rapidez que, a veces, terminan aburridos en el aula. Cada cierto tiempo, uno de esos casos irrumpe en la vida pública y se convierte en una pequeña celebridad intelectual. Uno de los más recordados en el Perú fue el de Alfonso de Bohemia Portugal, un niño limeño de tres años que en 1969 asombraba a periodistas, científicos y académicos respondiendo cientos de preguntas en pocos minutos.

Los diarios de la época lo compararon con Albert Einstein y Leonardo da Vinci. Memorizaba conversaciones enteras y leía autores complejos antes de empezar la primaria. Fue, quizás, el primer gran fenómeno mediático alrededor de un niño prodigio peruano. Casi tres décadas después, otro nombre capturó la atención pública: Hugo Zúñiga Utor. A los cinco años ya tenía certificación en reparación de computadoras; a los siete, ofrecía conferencias sobre medicina en San Marcos. Leía inglés y francés desde niño y aparecía constantemente en televisión. Con el tiempo estudió Medicina y hoy trabaja como neurólogo, lejos del reflector que marcó su infancia.

El ‘outsider’ del salón

Aunque muchas de estas historias suelen comenzar con genios precoces, otras veces el talento no aparece de forma tan evidente. A veces tarda más en revelarse. Hay jóvenes que descubren sus capacidades recién en la adolescencia, cuando un profesor, un taller o una oportunidad inesperada les abre un camino distinto. Algo así ocurrió con Richard Simon (17). Durante buena parte de su etapa escolar en el colegio Prolog, él mismo se consideraba “un estudiante regular”. Iba a clases, salía con sus amigos y llevaba “la experiencia normal de un adolescente de escuela”. Nada parecía anunciar que terminaría becado en universidades privadas de Estados Unidos. Recién en cuarto de secundaria, algunos profesores notaron sus buenas notas y lo invitaron a participar en un taller de biología. Richard aceptó casi por curiosidad. Ese pequeño giro terminó cambiando su vida.

Hoy Richard ha sido admitido con beca completa en tres universidades estadounidenses, entre ellas Williams College, la que finalmente ha escogido para estudiar neurociencias. En menos de dos años consiguió algunas medallas nacionales e internacionales en biología y química, incluyendo un oro en la Olimpiada Iberoamericana de Biología y una plata en la Olimpiada Iberoamericana de Química. Piensa que tendría muchas más si hubiera empezado antes. Sus profesores lo llamaban “el outsider” porque llegó tarde al competitivo circuito académico. Él mismo admite que antes “tenía bastante tiempo de ocio” y que el estudio “no era su prioridad”. Ahora sueña con investigar el cerebro humano y entender cómo la forma en que pensamos influye en la desigualdad y en la sociedad. “Siento que he tenido suerte, pero mi suerte es una entre miles”, dice. “Hay muchos chicos en Lima y en el Perú profundo que no tienen esas oportunidades”.

Tanto Richard como David dejarán su hogar y el país este año. Sus familias cuentan las semanas con esa mezcla de orgullo y tristeza que acompaña las despedidas importantes. Los dos repiten que su mayor sueño es regresar al Perú y compartir lo aprendido. “Yo no tengo interés en hacer turismo allá”, dice David. Aunque el país no cuente con un programa espacial, imagina aplicaciones concretas para la ingeniería aeroespacial: desde el uso de satélites para prevenir desastres naturales hasta el monitoreo de la deforestación o la pesca ilegal. Pero, más allá de cualquier aplicación práctica, su gran obsesión sigue siendo el espacio. “Sueño con ver la bandera del Perú en la Luna”. //

A primera vista, aespa podría parecer un grupo de K-pop más: cuatro chicas surcoreanas, coreografías precisas, visuales impactantes y canciones diseñadas en laboratorio para un alcance global. Pero basta rascar un poco en esa superficie para que aparezca algo distinto. Lo que hay detrás, además de música adictiva, es un universo enorme, con reglas, personajes y un lenguaje que descoloca incluso a quienes creen conocer el género. Términos como “Kwangya”, “ae”, “Naevis” o “SYNK” parecen sacados de Star Trek, pero son parte esencial de una propuesta más cercana a la ciencia ficción que al pop. Con aespa, esa frontera prácticamente desaparece.

Sucede que aespa no es una banda de K-pop convencional. El cuarteto, creado por SM Entertainment y debutado en noviembre de 2020, está construido sobre una premisa que roza lo fantástico: cada una de sus integrantes (Karina, Giselle, Ningning y Winter) tiene un avatar digital —una versión virtual de sí misma— que habita un universo paralelo con historia, villanos y mitología propios. Hay una entidad antagonista que busca romper la conexión entre las chicas y sus alter egos digitales. Y luego están los fans —los MY— que llevan años escuchando sus canciones y descifrando ese lore como si fuera un expediente clasificado.

Y, sin embargo, aespa es uno de los proyectos más exitosos de la llamada cuarta generación del K-pop, a la que pertenecen grupos como ITZY, IVE, LE SSERAFIM y NewJeans. El grupo fue concebido por Lee Soo-man, el padrino del K-pop, quien impulsó la idea de un universo ficcional compartido para los artistas de SM Entertainment —con nombres como Red Velvet, NCT y RIIZE—, en una lógica cercana a los universos narrativos del cine. Detrás de aespa hay, además, un equipo de producción de primer nivel que ha sabido hibridar géneros como el hyperpop, el hip hop, el R&B y el trap con una estética futurista muy marcada.

Desde “Black Mamba”, su single de debut, estaba claro que el grupo no iba a seguir un manual. Antes de que terminara 2020, la canción ya era viral por su producción densa, agresiva, construida en capas, y por venir acompañada de un universo narrativo que los fans podían explorar, debatir y expandir. “Next Level”, lanzada en 2021, terminó de confirmar la propuesta. La canción es estructuralmente inusual para el pop: avanza a través de distintos registros sin una lógica convencional de verso, coro y puente. Ese truco lo repetirán varias veces en toda su discografía.

Dentro del grupo, los roles están bien definidos. Karina es la líder y la figura visual central, con una presencia escénica casi etérea que sus fans describen como magnética. Giselle es la rapera principal, con un estilo más suelto que equilibra el conjunto. Winter aporta un timbre vocal limpio y preciso. Y Ningning —probablemente la voz más potente del grupo— sostiene la arquitectura melódica en los momentos de mayor exigencia. Es una combinación que funciona no solo sobre el papel, sino también en el escenario, donde la sincronía alcanza una precisión milimétrica.

En los últimos años, el grupo ha mostrado interés por bajar ligeramente el tono de su fantasía más densa, algo que quizá esté relacionado con la sorprendente salida de Lee Soo-man de SM en el 2023, expulsado de la empresa por su propio sobrino. Singles como “Rich Man”, y sus aires rockeros, y, sobre todo, “Dirty Work” —con guiños al trap y al trip hop— se alejaron parcialmente de la narrativa fantasiosa para explorar un sonido más directo. La reacción de los fans fue reveladora: algunos celebraron la apertura a sonidos más arriesgados, otros reclamaron el regreso de las melodías bonitas y la densidad conceptual de los primeros años.

Ese vaivén encuentra ahora un nuevo punto de equilibrio. Lemonade, su segundo álbum de estudio, se lanzará el 29 de mayo con diez canciones y será su primer disco de larga duración en dos años, tras Armageddon (2024), que lideró el ranking de iTunes en 25 regiones. El nuevo trabajo apunta a mostrar a aespa en una de sus versiones más ambiciosas, como sugiere su primer tráiler de adelanto. Porque sí: aespa es un grupo tan narrativo que se presenta con pequeños cortos que funcionan casi como piezas cinematográficas. Lo visto hasta ahora confirma un retorno a su identidad futurista y al juego de dobles realidades que define su propuesta.

En todo este tiempo, el grupo no ha dejado de crecer a nivel global: fue reconocido como “Grupo del Año” en los Billboard Women in Music 2025, recibió una nominación a Mejor Artista Femenina de K-pop en los American Music Awards 2026 y obtuvo un Red Dot Design Award 2026 en la categoría de diseño de producto, confirmando su influencia no solo musical, sino también visual. Las preventas de Lemonade ya están disponibles a nivel mundial. Y esta semana, Karina y NingNing estuvieron presentes en el Met Gala de Nueva York.

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Todo esto llegará a Lima el 9 de septiembre, cuando aespa se presente en Costa 21. El concierto se inscribe en una seguidilla de anuncios que, en pocos meses, ha reconfigurado el panorama del K-pop en el país. Stray Kids ya actuó aquí. BTS y ENHYPEN tienen fechas confirmadas. BLACKPINK abrió una tienda pop-up en Miraflores. Para el show en Lima se han establecido tres zonas: VIP (S/ 276.00 precio general y S/ 240.00 con descuento BBVA), Platinum (S/ 552.00 general y S/ 480.00 con descuento) y PIT (S/ 862.50 precio general). El mercado peruano vuelve a consolidarse como una plaza clave para el pop coreano, lo que empuja a sus principales artistas a incluir Lima en sus giras.

The Tea Room, el nuevo espacio de The Gay Baker abrió sus puertas dentro del Británico de Miraflores y busca convertirse en mucho más que una cafetería, quiere ser un rincón del Reino Unido en Perú, es así que entre recetas tradicionales, pasties, tortas de chocolate y tazas de té, el nuevo proyecto de Kristopher Collins apuesta por acercar la cultura británica a Lima desde la comida y por supuesto, el té.

Todo empezó con una torta de zanahoria, Kris, como lo llaman los amigos, todavía recuerda el momento exacto en el que Francis, su esposo y socio, llegó a casa con una carrot cake, la probó, pero no le gustó, lo que lo llevó a preparar su propia carrot cake, esa sería su primera preparación en Perú,

Por entonces, ambos organizaban cenas en su casa para grupos pequeños de amigos. Eran reuniones íntimas de quince personas en las que ofrecían una cocina que mezclaba sabores británicos con ingredientes locales. En una de esas noches apareció la asistente del entonces embajador británico en Perú. “Nos dijo: ustedes hacen cosas británicas, necesitamos comida para eventos”, recuerda Collins.

La idea comenzó casi como una broma y el nombre también. “Alguien dijo ‘The Gay Baker’ y pensé: sí, eso quiero”, cuenta entre risas Kris.

Lo que empezó como un hobby casero terminó creciendo rápido. Llegaron los pedidos, las colaboraciones con la embajada británica y una comunidad que comenzó a seguirlos por redes sociales. Pero también apareció un problema bastante doméstico: las mascotas.

“No podíamos seguir cocinando en casa. Teníamos perros y limpiar la cocina era imposible. En algún momento alguien iba a encontrar un pelo”, dice.

Entonces apareció la oportunidad inesperada: primero el local de Surquillo y luego el de San Isidro, pero aún faltaba algo más y así después de muchas idas y vueltas llegó el local dentro del espacio cultural del Británico de Miraflores.

Un espacio para completar la experiencia británica

Collins ya conocía el lugar. Durante años había sentido que ese rincón del Británico, rodeado por la biblioteca, el teatro y las aulas, tenía potencial para algo más.

Poco después, durante una reunión en la embajada, la idea volvió a aparecer sobre la mesa. Dos meses después ya estaban conversando seriamente sobre ocupar el espacio.

Hoy, The Tea Room funciona dentro del espacio cultural del Británico como una extensión natural de todo el ecosistema que rodea al instituto: estudiantes, lectores, talleres, teatro y ahora también una cafetería que busca traducir parte de la identidad británica a través de la comida.

“No encuentras muchos lugares así fuera del Reino Unido”, dice Collins. “Aquí tienes una escuela, una biblioteca, un teatro, un espacio cultural y ahora una propuesta gastronómica británica. Todo junto”.

El lugar mantiene la esencia estética de The Gay Baker, pasteles elegantes, detalles clásicos y una carta cargada de referencias inglesas. Y cómo no, los colores y las imágenes que recuerdan al Reino Unido. “Queríamos que se sintiera cómodo, tranquilo, como un verdadero tea room”, cuenta Kris.

Té inglés, postres y recetas con historia

La carta es probablemente el viaje más directo al Reino Unido que puede encontrarse hoy en Miraflores.

Hay tés importados directamente desde Inglaterra, Earl Grey con flores, mezclas de frutos rojos y entre otros. Pero el verdadero protagonismo está en los postres y las recetas tradicionales británicas adaptadas al paladar limeño.

Uno de los favoritos de Collins es el London Blackout, una torta de chocolate inspirada en la receta de su abuela.

“No es una torta empalagosa. Es chocolate puro”, explica. Lleva ganache de cacao peruano al 70%, pudding de chocolate con leche y capas húmedas que priorizan el sabor antes que el exceso de azúcar.

También aparecen versiones contemporáneas de clásicos ingleses como los cream tea, diana twist y el british fruit cake.

Pero quizás uno de los platos que más curiosidad despierta es el pasty, una especie de antepasado británico de la empanada peruana.

Originalmente era comida de mineros ingleses. La versión de The Tea Room cambia el relleno tradicional por beef bourguignon cocido lentamente en vino tinto. La masa es más delgada y elástica que la de una empanada convencional, y se acompaña con una mayonesa de rocoto creada por el propio Collins.

“Es algo conocido para el peruano, pero también completamente distinto”, explica.

Otro plato que llama la atención es el Coronation Chicken, receta creada para la coronación de Isabel II en los años cincuenta. En The Tea Room lo preparan con pollo al curry y chutney de mango, manteniendo el espíritu británico pero con sabores mucho más cercanos al gusto local.

Mucho más que una cafetería

Aunque el local recién empieza, Collins tiene claro que el proyecto va más allá del café y los postres.

La idea es convertir el espacio en un punto de encuentro cultural. Habrá colaboraciones con la embajada británica, eventos temáticos, reuniones privadas y nuevas experiencias gastronómicas inspiradas en distintas regiones del Reino Unido.

Por ahora, avanzan poco a poco. “Primero queremos entender cómo funciona el espacio, mejorar el servicio y crecer bien”, dice.

La respuesta del público, sin embargo, ya los sorprendió. Parte de eso tiene que ver con el ambiente. A diferencia del ritmo acelerado de muchas cafeterías limeñas, The Tea Room apuesta por algo más pausado: sentarse, conversar, compartir una taza de té y quedarse un rato largo.

Quizás por eso el proyecto encaja tan bien dentro de un espacio cultural, porque, al final, no se trata solo de servir comida inglesa en Lima, sino de construir un espacio donde la cultura británica pueda sentirse cercana, cotidiana y, sobre todo, disfrutable y accesible para todos.

Joan Roca es de los mejores chefs del mundo. Su restaurante, El Celler de Can Roca —que lidera junto a sus también famosísimos hermanos Josep (sommelier) y Jordi (pastelero)—, tiene tres estrellas Michelin y es Best of the Best después de haber ganado dos veces como el mejor del mundo según The World’s 50 Best Restaurants. A sus galardones, que son muchos, se suma una profunda historia familiar en Girona, donde nació y comenzó esta aventura gastronómica hace 40 años.

-En tus viajes por el Perú has tenido la oportunidad de conocer la tradición gastronómica. ¿Cuál es tu relación con nuestro país?

Voy hace muchos años. La primera vez fue por un Mistura. Me impactó darme cuenta de la peculiaridad que hay en la cocina peruana, tan distinta a otras cocinas de Latinoamérica. Tiene mucha personalidad, con esa identidad fruto de ese mestizaje de otras culturas que llegaron a vuestro país y configuraron una cocina muy excitante conocida en todo el mundo gracias a Gastón Acurio. Pero también gracias a todos los cocineros y cocineras que están llevando esa cocina popular a la excelencia y a la internacionalización de sus platos emblemáticos.

-El Perú está viviendo un momento en que la cocina está muy ligada a la identidad y al orgullo; ¿qué otros factores crees que se deban tener en cuenta para liderar la cocina de una región?

Probablemente, hay que tener un muy buen sector primario; es decir, que se produzcan buenos productos en la zona y que, desde la agricultura, la ganadería, la pesca, haya una actividad comprometida con hacer bien las cosas y la excelencia. Pero también esa idea de que la gastronomía es un orgullo nacional. Es prácticamente una cuestión de Estado aquí.

-¿De qué manera?

Recuerdo la primera vez que fui a Lima, el taxista que me llevaba del aeropuerto al hotel —sin saber quién era yo— me habló de la importancia de la cocina peruana, del orgullo que sentía de ser peruano, de lo bien que se comía y que se comía mejor que en cualquier lugar del mundo. Me lo estaba diciendo alguien de la calle que lo sentía como algo propio y eso a mí me impactó porque no suele suceder. Entonces otros factores son que haya una cultura popular vinculada a la gastronomía, un sector primario de alto nivel y, luego, que haya talento, como lo tiene el Perú.

-En cocinas diversas y en los talentos premiados mundialmente.

En el Perú se ha dado la circunstancia de que se ha acumulado talento en las cocinas, encabezadas por Gastón Acurio, pero luego por todos los demás. Otro factor determinante y objetivo es que dos restaurantes limeños, peruanos, han sido nombrados como mejor restaurante del mundo. Esto es un dato objetivo, incuestionable; todo lo demás es subjetivo. Ha pasado en el Perú y no en otros lugares.

-Es increíble cómo nuestro cebiche ha atravesado fronteras y está ingresando a las cartas del mundo.

Se está convirtiendo en una cocina tradicional dentro de otras cocinas. Esto resulta fascinante por la manera en que la cultura peruana contribuye a generar, a mi juicio, uno de los fenómenos más valiosos de la gastronomía actual: transmitir que la cocina une culturas, países y personas. Verlo de forma natural es alentador y sugiere que, incluso en tiempos de conflicto, hay espacio para la esperanza. La cocina nos conecta, y comprobarlo es, simplemente, extraordinario.

-¿En tu restaurante tienes insumos peruanos o técnicas aprendidas aquí?

Hemos empezado a cultivar en nuestro huerto variedades de pimiento que no teníamos, ajíes y rocotos. Y, sobre todo, el cómo aplicar las técnicas a nuestros pescados, cocinar de la misma manera como cocinan sus maravillosos lenguados, elaboraciones como el arroz con pato, la causa limeña. Por mucho tiempo, hicimos un postre inspirado en el suspiro a la limeña. Esta manera de viajar, de cocinar con el corazón abierto y la mente abierta nos da aprendizajes.

-Algo interesante es que cada día es más fuerte el turismo gastronómico. ¿A qué se debe que las personas estén viajando a restaurantes como destinos en sí mismos, así como se viaja a las pirámides de Egipto o al Museo del Louvre?

Pasa y creo que pasará más porque hoy lo material no es tan importante como vivir experiencias que sean auténticas. Lo material seguirá siendo importante —los objetos de lujo, en fin—, pero quizá menos. Y lo que más valor está dando a la gente es vivir algo que se lleva en la memoria, esa experiencia vivida, y cuanto más auténtica, mejor. Es por esto que muchos turistas gastronómicos buscan ir a Mil [en Cusco] y vivir algo realmente extraordinario y exclusivo. ¿Por qué viene la gente hasta Girona a comer expresamente desde cualquier ciudad del mundo? Quieren vivir una experiencia de un restaurante que se ha posicionado, que tiene una solvencia en calidad contrastada, y desean vivirla porque empieza a ser algo aspiracional.

-¿Qué es lo que buscan de El Celler?

Quieren saber qué producimos, qué cocinamos y qué se cocinaba antes en Girona, en la zona de Ampurdán, en la zona del Mediterráneo occidental, que es distinto de lo que se cocina y se come en Galicia. Esa búsqueda de la identidad y de la diferencia, de poder ser auténtico, tiene que ver cada vez más con una mirada de los cocineros hacia esa autenticidad que buscamos todos. De alguna manera es lo mismo que están haciendo Pía León, Virgilio Martínez, ‘Micha’ y Gastón Acurio. Todos buscamos dar de comer algo distinto a lo que se ofrece en otras zonas del planeta. //

Si estás en tus 30 y sigues en el ruedo de las citas, lo sabes: las reglas del juego han cambiado. Esa filosofía del “vamos a ver qué fluye” que funcionaba a los 20, hoy puede sentirse como una pérdida de tiempo. Y es que, en esta etapa de la vida, la paciencia es poca y la frustración parece ser la única constante, ya que cada encuentro viene cargado de preguntas que antes ni pasaban por tu cabeza: ¿Busca lo mismo que yo? ¿Vale la pena invertir mi tiempo en alguien con quien no tengo futuro? ¿Estoy dejando pasar otras oportunidades?

La realidad es que a los 30 o 40 años no solo cambia cómo conoces a las personas, sino también tus prioridades y hasta la manera en la que evalúas a los demás. Entre la presión social y las experiencias pasadas, es normal volverse más exigente.

Sin embargo, esa exigencia lejos de ser un obstáculo, puede jugar muy bien a tu favor. Porque ahora sabes lo que quieres, puedes poner límites claros y, probablemente tengas mejores herramientas para reconocer qué relaciones son auténticas y significativas. Solo necesitas aprender a manejar tus expectativas y dejar atrás esa incertidumbre que te frena para retomar el control de tu vida amorosa.

El nuevo juego del amor después de los 30

Después de los 30, salir y conocer gente ya no es lo mismo, pues la despreocupación de los veinte se reemplaza por la necesidad de elegir con intención. Para la psicóloga Diana Bances, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM), esto se debe a un cambio profundo en cómo percibimos el tiempo y la inversión emocional.

“A los veinte, los errores y las experiencias se viven desde la exploración, mientras que a los treinta, decidir dónde ponemos nuestra energía se convierte en una necesidad. Por eso, lo que antes era pura espontaneidad con el famoso “vamos a ver qué fluye” ahora puede sentirse como falta de claridad o compromiso”, explicó a Somos.

Pero estos cambios internos no ocurren en el vacío, sino que están atravesados por la presión social. Mientras el entorno —familia, amigos y redes sociales — insiste en que “ya deberías estar en cierta etapa”, lo que realmente se transforma es la raíz de nuestras necesidades afectivas. Tras el paso de rupturas, decepciones y relaciones largas, la intensidad emocional cede su lugar a la estabilidad. Como señaló la psicóloga, el foco ya no está solo en la pasión, sino en encontrar a alguien que pueda cumplir acuerdos y tenga una mayor disponibilidad emocional. Es, en esencia, un romanticismo más sostenible y centrado en el bienestar personal.

Además, el panorama de conocer a alguien también se transforma. Iván La Rosa, docente de la carrera de Psicología de la Universidad Científica del Sur, apuntó que no es necesariamente más difícil, sino diferente. Los espacios casuales se reducen, las agendas son más exigentes y el tiempo se optimiza, por lo que ahora se busca calidad sobre cantidad.

“Si bien el “mercado” de las citas se vuelve heterogéneo y emocionalmente diverso— con personas que buscan un compromiso duradero, otras en lógicas exploratorias, y muchas en transición tras relaciones estables—, el verdadero desafío no es encontrar a alguien, sino encontrar a quien esté en un momento compatible con el propio para poder construir un proyecto en pareja”, aseguró Carmen Valenzuela Avalos, psicóloga y docente de la carrera de Psicología de la UARM.

Sin embargo, en medio de ese complejo escenario, suele aparecer otra gran barrera: la sensación de “ir tarde” respecto a metas como la pareja o los hijos. Diana Bances advirtió que este duelo puede empujar a tomar decisiones rápidas, motivadas más por la urgencia que por la compatibilidad. Elegir desde la prisa implica ignorar aspectos fundamentales del vínculo, y las consecuencias suelen aparecer con el tiempo. Al final, construir una relación bajo presión nunca es lo mismo que hacerlo desde una elección consciente, y esa diferencia se percibe en cada etapa de la vida en pareja.

Cómo mantener estándares sanos sin sabotear tu vida amorosa

En esta etapa de la vida, nuestra forma de vivir el amor pasa de la despreocupación a una serie de decisiones mucho más conscientes. Y es que ya no se trata de esperar que todo fluya por sí solo, sino de reconocer con claridad lo que necesitamos para sentirnos emocionalmente bien.

Esa claridad; sin embargo, nos obliga a preguntarnos: ¿qué es esencial y qué expectativas nos están alejando de los vínculos saludables? De acuerdo con Cynthia Kubu, neuropsicóloga de Cleveland Clinic, los estándares sanos se enfocan en aquellos aspectos innegociables: respeto, comunicación clara, responsabilidad afectiva y valores compartidos. Por el contrario, las expectativas poco realistas tienden a idealizar a la pareja o la relación, esperando perfección o una conexión instantánea de película. Descartar a alguien solo porque la primera cita no fue “mágica” es un ejemplo claro de cómo una expectativa irreal puede sabotear una oportunidad real.

A medida que ganamos experiencia, también es común sentir que “ya no hay buenas opciones”. Según la psicóloga Diana Bances, esto sucede porque nuestro filtro se ha vuelto más fino: “A los veinte justificábamos ciertas señales de alerta que hoy reconocemos de inmediato. Pero cuidado, porque la experiencia acumulada también puede crear sesgos. Por ejemplo, si has lidiado con personas emocionalmente indisponibles, podrías generalizar y pensar que “todos son así”. Por eso, no es que las opciones hayan desaparecido; es que nuestra percepción se ha vuelto más selectiva y, a veces, excesivamente crítica”.

El reto, entonces, es aprender a distinguir entre lo que es esencial y lo que es flexible. Afinar lo que nos importa es positivo, pero la rigidez cierra puertas. No es un problema si esa persona no comparte todos tus gustos o rutinas; eso es ajustable. El verdadero conflicto aparece cuando las diferencias tocan los valores fundamentales o los proyectos a futuro. Aprender a ceder en lo superficial nos permite conocer al otro tal como es, sin cerrarnos antes de tiempo.

En ese sentido, es necesario diferenciar la aceptación del conformismo. Aceptar una relación implica entender que nadie es perfecto, pero que lo importante (cariño, respeto y estabilidad) está presente. Conformarse, en cambio, es quedarse por miedo a la soledad, justificando el malestar constante bajo la premisa de que “todas las relaciones son así”.

“Como regla de oro, es importante aprender a distinguir un problema de comunicación de una falta de respeto. Si a tu pareja le cuesta abrirse o expresar lo que siente, hay un terreno donde se puede conversar y trabajar en conjunto. Pero si esa persona te invalida, te miente o te humilla constantemente, ahí no hay nada que negociar: el vínculo no te está apoyando, sino destruyendo”, enfatizó Bances.

La experiencia, sin embargo, no siempre basta para romper patrones repetitivos. La Rosa destacó que nuestras elecciones muchas veces siguen esquemas aprendidos, como tipos de apego o creencias sobre el amor, que nos hacen sentir familiaridad incluso con vínculos que no nos convienen. Romper estos patrones requiere de decisiones conscientes, sostenidas en el tiempo, y la disposición a elegir algo distinto, aunque al inicio no se sienta tan intenso emocionalmente.

Por eso, el éxito reside en establecer límites que protejan el bienestar, pero que sean lo suficientemente flexibles para permitir la reciprocidad. La diferencia entre ser alguien con estándares altos y alguien emocionalmente indisponible está en la capacidad de ajuste: mientras la rigidez vive cualquier cambio como una amenaza, la madurez permite decir: “Cuido mi rutina, pero abro espacios reales para compartir contigo”, subrayó el psicólogo.

El arte de elegir pareja con consciencia después de los 30

A esta edad, cada encuentro viene cargado de historia, experiencias pasadas y, muchas veces, miedos que no se tenían a los veinte. Como indicó Kubu, el miedo —ya sea a equivocarse, a perder tiempo o a volver a empezar— puede jugar un papel silencioso pero poderoso: algunos evitan comprometerse por temor a repetir errores, mientras que otros se lanzan a relaciones apresuradas por miedo a quedarse solos. Reconocer estos miedos es clave para tomar decisiones basadas en lo que realmente se desea, no solo en lo que se teme.

La historia de vida también influye profundamente. Después de relaciones largas, divorcios o incluso de ser padres, la forma de vincularse cambia. Para la neuropsicóloga de Cleveland Clinic, la preparación para una nueva relación no depende solo del tiempo, sino de la capacidad de reflexionar sobre el pasado sin quedar atrapado en él, establecer límites claros y construir desde el presente, no desde la herida. Este proceso permite que el encuentro con alguien nuevo sea consciente y más seguro.

Identificar red flags y green flags es otro paso fundamental. Diana Bances advirtió sobre señales de alerta como la inconsistencia, la ambigüedad sostenida y la indisponibilidad emocional: por ejemplo, alguien que desaparece por varios días sin explicación demuestra falta de coherencia entre lo que dice y hace. En contraste, los comportamientos positivos se reflejan en la coherencia, la capacidad de diálogo y un interés que se mantiene con el tiempo, no solo al inicio. Un detalle pequeño, como cumplir con lo prometido, puede transmitir más confianza que grandes declaraciones de amor.

Entonces, ¿qué pesa más después de los 30: la química inicial o la compatibilidad a largo plazo? Según Cynthia Kubu, la atracción inicial puede encender la chispa, pero no sostiene la llama. La verdadera base de una relación duradera se encuentra en la compatibilidad: compartir valores, objetivos, comunicación y apoyo mutuo. En otras palabras, la emoción es el motor, pero la compatibilidad es el combustible que permite avanzar kilómetros.

Sabiendo que este combustible es el que sostiene el vínculo, la gran duda es: ¿cómo y cuándo es recomendable hablar de esos objetivos importantes que validan la compatibilidad?

“No se trata de llegar a la primera cita con un checklist tipo entrevista de trabajo, pero tampoco de postergar el tema eternamente. La idea es que la conversación vaya fluyendo con naturalidad, pero con cierta honestidad desde el inicio. En las primeras semanas puedes ir tocando temas sobre cómo vive la otra persona, qué le importa o que ha aprendido de sus relaciones. Y si eso va avanzando, es totalmente válido hablar más claro sobre qué busca cada uno. El punto es no evitar conversaciones por miedo a incomodar, porque al final lo incómodo no es hablarlo, es darte cuenta meses después de que querían cosas completamente distintas”, recalcó Bances.

Cómo triunfar en las citas después de los 30

Apps de citas: ¿herramienta de conexión o fuente de frustración?

Las aplicaciones han catapultado el acceso y han amplificado nuestras posibilidades geográficas; sin embargo, han traído consigo un desafío psicológico: la parálisis por elección. La psicóloga Carmen Valenzuela refirió que la ilusión de que “siempre puede llegar alguien mejor” dificulta la capacidad de decidir, generando a su vez, un consumo superficial de perfiles.

Por eso, para que funcionen a tu favor, es importante que apliques estas reglas:

• Limita tus matches: Tener demasiadas opciones no es libertad, es ruido.
• Pasa a la cita rápido: No alargues el chat; la química real se evalúa en persona por comportamientos, no por fotos.
• Filtro consciente: Deja de buscar “perfiles” y empieza a buscar coherencia.

Adiós al burnout amoroso

El desgaste emocional no surge por la cantidad de citas, sino por la falta de dirección. Es decir, el burnout aparece cuando encadenamos encuentros sin detenernos a procesar qué estamos aprendiendo.

Para evitarlo, Diana Bances recomendó las siguientes estrategias antifatiga:

• Espacia los encuentros: Es preferible una cita con atención plena que tres por compromiso.
• Pausas sin culpa: Tomarse un tiempo sin citas no es un fracaso, es una inversión en tu salud mental.

Salir con intención

Muchos confunden la intención con la presión. Cuando en realidad, salir con intención es simplemente ser honesto contigo mismo sobre lo que estás buscando y actuar en esa misma dirección. Es tener claridad, pero sin perder naturalidad en el proceso.

“Si buscas algo estable y la otra persona te dice que “no quiere nada serio”, retirarte a tiempo es salir con intención. No te quedes esperando a que el otro cambie solo porque hay “intimidad emocional”. Reconocer la contradicción te ahorra meses de frustración”, sostuvo la psicóloga.

¿Descartar rápido o dar una oportunidad?

La clave para decidir sin arrepentimientos es saber diferenciar una incompatibilidad de fondo de un inicio torpe.

• Descarta rápido cuando: Hay diferencias insalvables en valores o metas (como querer hijos o el tipo de compromiso). Eso no cambia con el tiempo.
• Da más tiempo cuando: La persona está nerviosa o incómoda en la primera cita. Las habilidades sociales mejoran con la confianza; los valores, no.

3 cambios concretos para mejorar tus citas hoy mismo

1. Deja de evaluar solo “cómo te hacen sentir” y empieza observar cómo se comportan contigo en el tiempo: Muchas personas se quedan atrapadas en la emoción del momento, si hubo química o si me “movió algo”. Pero un cambio importante es empezar a mirar patrones, no momentos. Por ejemplo, ¿la persona aparece de forma consistente o solo cuando le conviene? ¿Lo que dice se mantiene o cambia según la circunstancia?
2. Sal de la lógica de “a ver qué pasa” y empieza a hacer pequeñas decisiones tempranas: Estar estancado muchas veces no es falta de oportunidades, sino exceso de espera. En lugar de alargar vínculos ambiguos por curiosidad, el cambio está en tomar microdecisiones. Al inicio, si algo no te da buena sensación de base, no necesitas meses para confirmarlo, eso no es ser impulsivo, es ser más eficiente emocionalmente.
3. Detecta si estás repitiendo el mismo tipo de historia con distintos nombres: A veces el problema no es la persona que eliges, sino el tipo de dinámica que repites. Por ejemplo, engancharte con personas emocionalmente distantes, con personas poco claras o con vínculos donde tienes que pedir “interés”. Si el patrón se repite, el cambio no es buscar mejor, sino elegir distinto desde el inicio.

Cuando somos niños, imaginamos el futuro con una certeza conmovedora. Decimos que de grandes seremos doctores, artistas, padres, viajeros y personas felices. Creemos que a cierta edad tendremos la vida resuelta, una dirección clara, metas cumplidas y una respuesta para todo.

Y es que durante mucho tiempo esta visión no parece un simple sueño infantil. De verdad creemos que esa vida llegará. Que tarde o temprano nos convertiremos en la persona que imaginamos. Pero crecer también significa descubrir algo incómodo: la vida rara vez sigue un guion al pie de la letra.

Un día miras alrededor y nota que muchas cosas cambiaron en el camino. Algunas decisiones. Algunas pérdidas. Algunos miedos. Algunas versiones de ti ya no existen. Y entonces aparece una sensación difícil de explica: la de no reconocer del todo la vida en la terminaste. Porque, aunque hay recuerdos hermosos, aprendizajes y momentos que valieron por completo la pena, también existe una distancia silenciosa entre la vida que soñabas y la vida real.

A veces nos preguntamos en qué momento nos alejamos de aquello que imaginábamos. O por qué parece que otros sí llegaron a donde “deberían” estar mientras nosotros seguimos intentando entender nuestro propio camino.

Entonces empezamos a compararnos. No solo con otras personas, sino también con la versión de nosotros mismo que creíamos que seríamos a determinada edad.

Y quizás por eso tantas personas viven en una especie de duelo por todo aquello que no ocurrió. No necesariamente porque su vida sea mala, sino porque, de alguna manera, también están aprendiendo a despedirse de la vida que imaginaron.

Por qué sientes que vas tarde en la vida

A los 30 o 40 años, muchas personas descubren que la vida no se parece a la que imaginaron cuando eran pequeños. No necesariamente porque hayan fracasado, sino porque crecieron creyendo —sin darse cuenta — que existía una pauta que indicaba cuándo deberían “tener todo resuelto”: una carrera estable, independencia económica, pareja, hijos o una sensación clara de propósito.

“Durante la niñez y la adolescencia solemos construir versiones idealizadas del futuro tomando como referencia el presente y los modelos que vemos alrededor. Aunque imaginarse la vida adulta en esas etapas funciona incluso como motivación, el problema es que en esos planes rara vez incluimos los factores externos”, explicó la psicoterapeuta Lizbeth Cueva a Somos.

Y es ahí donde aparece el choque. Porque como señaló Aída Arakaki, psicóloga de Clínica Internacional, la vida real no avanza en línea recta. Hay personas que cambian de carrera a mitad del camino, atraviesan por separaciones, duelos o periodos de inestabilidad que modifican completamente sus tiempos. Entonces, cuando la realidad no coincide con aquella imagen que construimos años atrás, surge una sensación incómoda de atraso, incluso cuando objetivamente sí hemos avanzado.

Asimismo, esa percepción tiene un componente social significativo. De acuerdo con el psicólogo José Chávez, de Sanitas Consultorios Médicos, vivimos bajo una especie de “reloj social”: una estructura invisible que define cuándo deberíamos alcanzar ciertos hitos. Y cuando eso no ocurre, aparece una tensión entre el “yo ideal” —la persona que imaginábamos ser— y el “yo real”, es decir, aquello que efectivamente hemos construido.

En definitiva, esta distancia entre ambas versiones puede ser bastante dolorosa. Y es que, en muchos casos, esto desencadena una fuerte disonancia cognitiva: la sensación de tener que enfrentar una realidad distinta a la esperada. Algunas personas intentan racionalizarlo; otras empiezan a evitar aquello que les recuerda sus metas inconclusas, por lo que postergan proyectos, se desconectan de sus objetivos o entran en una especie de parálisis emocional.

Para Rossmery Arce, psicóloga y docente de la Universidad Católica San Pablo, este proceso puede vivirse incluso como un duelo. “No solo por lo que no se logró, sino por la versión de uno mismo que imaginaba otra vida. En ese camino la persona puede experimentar frustración, nostalgia, arrepentimiento, ansiedad frente al futuro e incluso cuestionarse sobre el propio valor personal.”.

En medio de todo eso, las redes sociales pueden intensificar aún más ese malestar. Y es que la comparación constante puede ser profundamente dañina, teniendo en cuenta que las plataformas digitales suelen mostrar versiones editadas de la vida: ascensos, viajes, matrimonios o éxitos, pero casi nunca las crisis, los miedos o las inseguridades. Al final, esto hace que el cerebro interprete que “todos avanzan menos yo”, percepción que termina alimentando la sensación de fracaso personal.

Sin embargo, sentirse perdido o atrasado no siempre significa que algo anda mal. De hecho, muchas veces ese malestar puede funcionar como una señal de reevaluación vital. “La mente intenta reorganizar prioridades, cuestionar metas que quizá ya no tienen sentido y preguntarse qué cambios permitirían vivir de una manera más coherente con el presente. La diferencia está en no convertir esa incomodidad en un castigo permanente, sino en una oportunidad de ajuste”, sostuvo la psicóloga Susan Albers, de Cleveland Clinic.

Pero para lograrlo, es indispensable tener cierta flexibilidad cognitiva. De acuerdo con Arakaki, esta capacidad permite adaptarse, cambiar de perspectiva y entender que la vida no siempre ocurre como fue planeada. Por eso, las personas más rígidas suelen sufrir más cuando algo cambia porque sienten que todo se derrumba. En cambio, quienes desarrollan una mirada más flexible pueden reorganizarse y encontrar nuevas posibilidades incluso después de los momentos más difíciles.

El peso de sentir que deberías haber logrado más

A diferencia de otros duelos, este rara vez recibe nombre o reconocimiento. No hay rituales ni condolencias para despedirse de la vida que uno imaginó tener. Es por esto que, como bien mencionó Eder Bautista, psicólogo de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM), muchas personas sienten culpa por sufrir por algo que “nunca ocurrió”. Pero la pérdida, aunque invisible para otros, puede sentirse completamente real por dentro.

En ese silencio donde se instala un peso incómodo: la sensación de que vamos tarde y defraudamos nuestras propias expectativas. Sin darnos cuenta, activamos un juez implacable en nuestra mente. Sin embargo, hay una línea muy delgada entre evaluarnos para mejorar y castigarnos por no haber logrado esa vida que imaginábamos. Como aseguró la psicóloga Marilia Quispe, la clave para distinguirlas está en la compasión. Una autocrítica saludable se parece mucho a la crítica que le harías a una persona que amas: puede ser sincera y directa, pero jamás busca ser dura u ofensiva. Cuando, por el contrario, ese crítico interno es invalidante, nuestra reacción natural será paralizarnos y evitar nuevos desafíos por miedo a volver a juzgarnos con crueldad.

“Una señal clara de que la autocrítica se ha vuelto dañina es que no conduce a la acción, sino a la vergüenza, la comparación constante y el miedo a intentar de nuevo”. Por eso, Albers coincide en que practicar la autocompasión no significa justificar todo ni dejar de crecer; significa hablarse con más humanidad para poder avanzar sin quedar atrapado en el castigo interno.

El impacto en el espejo y en los demás

Cuando ese malestar se prolonga, deja de ser un pensamiento pasajero y empieza a calar hondo en quiénes somos. El experto José Chávez advirtió que esta etapa toca las fibras más íntimas de nuestra identidad. Al evaluar lo que va en contra de nuestras expectativas como un “fracaso personal”, se genera una fractura interna. Esta fragilidad nos vuelve vulnerables y, para protegernos, tendemos a aislarnos. Dejamos de ir a reuniones donde se habla de proyectos o el trabajo, e incluso empezamos a buscar nuevos círculos donde el éxito personal no sea el tema de conversación. Al final, es una forma silenciosa de evitar afrontar emociones que nos duelen.

Por eso, en medio de ese aislamiento, vale la pena detenerse a mirar el origen de nuestra insatisfacción. La psicóloga Janet León, de Mapfre Perú nos invita a hacernos una pregunta fundamental: ¿esto que anhelábamos responde a nuestras prioridades y valores reales, o nace del deseo de cumplir con modelos de éxito impuestos por el entorno, la familia o las redes sociales? Muchas veces la frustración no es por un deseo auténtico, sino por la presión social y la necesidad de aprobación. Por lo que fortalecer el autoconocimiento nos permite construir metas alineadas con nuestras verdaderas necesidades emocionales y entender que cuidar la paz mental también es parte de una vida exitosa.

Cuando el peso se vuelve demasiado grande

Sentirse perdido o cuestionarse la vida en ciertos momentos es una experiencia profundamente humana. Sin embargo, hay un punto en el que la insatisfacción cruza el límite del bienestar.

Por eso, es importante prestar especial atención si esa tristeza o angustia empieza a alterar funciones básicas como el sueño, el apetito, la motivación o la capacidad de disfrutar del día a día, subrayó Arakaki. Si aparecen pensamientos constantes de inutilidad, desesperanza o ataques de ansiedad que afectan nuestro funcionamiento diario, el sufrimiento ya no es solo una crisis de expectativas; es una señal clara de que es momento de buscar apoyo psicológico para empezar a sanar.

Cómo soltar la vida que imaginaste para abrazar la que tienen hoy

Aceptar que el presente no se ve como lo planeamos es, quizás, uno de los retos más silenciosos de la vida adulta. Sin embargo, cambiar de dirección no significa haber fallado ni invalida el camino que ya recorrimos. Como recalcó Eder Bautista, la vida adulta rara vez sigue una línea recta exacta, por el contrario, madurar emocionalmente implica aprender a reajustar expectativas y prioridades. Y es que el éxito no siempre se verá igual para todos ni ocurrirá en los mismos tiempos, por lo que abrazar la nueva versión de nosotros mismos es la mayor prueba de crecimiento.

Pero, ¿cómo se logra ese equilibrio entre aceptar lo que hoy tenemos y seguir deseando crecer? Para Susan Albers, el secreto está en reconocer con honestidad desde dónde partimos, sin que la aceptación signifique resignación. La gratitud nos ayuda a no mirar la vida solo desde la carencia, pero no debe usarse para tapar el deseo legítimo de mejorar. Las metas son saludables cuando nacen de nuestros propios valores y nos permiten avanzar con flexibilidad; no obstante, se vuelven dañinas cuando nos hacen sentir que nunca somos suficientes.

Herramientas prácticas para recuperar el control

Cuando sentimos que “toda nuestra vida está mal”, es muy fácil paralizarse. Para salir de ese ciclo vicioso, los especialistas recomendaron aterrizar las emociones a través de algunas acciones concretas:

• Hacer una auditoría de la energía: Es necesario evaluar honestamente qué actividades, relaciones y compromisos nos suman energía y cuáles nos la roban en nuestra etapa presente.
• Dividir los cambios en pasos diminutos: En lugar de intentar resolver toda nuestra vida a la vez, debemos elegir una sola acción pequeña esta semana: mejorar el descanso, ordenar las finanzas, retomar un pasatiempo o levantar el teléfono para conversar con alguien. Eso nos devolverá la sensación de movimiento.
• Método SMART para metas reales: Si vamos a trazar nuevos objetivos, la psicóloga Marilia Quispe nos sugiere usar estrategias donde cada meta sea clara, medible, alcanzable, relevante y tenga un tiempo límite.
• Mindfulness: Practicar la atención plena nos ancla en el presente, permitiéndonos tomar decisiones basadas en nuestras necesidades actuales y no en los fantasmas del pasado.

Un ejercicio para frenar los pensamientos de “ya voy tarde”

Es inevitable que en el proceso aparezcan frases automáticas en nuestra mente como “ya es muy tarde para mí” o “debería haber logrado más”. Para quitarles peso antes de que se transformen en ansiedad, Albers nos propone un ejercicio de reencuadre: escribe ese pensamiento y cuestiónalo con tres preguntas realistas:

• ¿Esta idea es un hecho absoluto o es una presión que aprendí del entorno?
• ¿Qué evidencia real tengo de que ya no puedo construir algo distinto?
• ¿Qué pequeño avance, por mínimo que sea, sí está bajo mi control hoy?

Complementar esto con un diario de gratitud (para reconocer lo que sí tiene valor hoy) y limitar el tiempo que pasamos en redes sociales —donde la comparación es constante— ayuda a recuperar una mirada mucho más equilibrada y manejable de nuestra realidad.

Al final del día, el reajuste de expectativas es un proceso profundamente personal. Como bien señaló Rossmery Arce, es vital recordar que nuestra valía como personas no depende de cumplir con un guion social preestablecido ni de compararnos con las vidas ajenas que se muestran en internet.

Empezar a vivir bajo nuestras propias reglas implica celebrar cada pequeño avance, buscar sentido en los detalles cotidianos y conectar de forma verdadera con los demás. Y, sobre todo, entender que si en algún momento este proceso se siente demasiado pesado o empieza a desbordar el día a día, buscar el apoyo de un terapeuta o un psicólogo no es una señal de derrota, sino el primer paso para volver a empezar.

Puede que Boston no sea la primera ciudad que viene a la mente al planificar un viaje por los Estados Unidos, pero basta con llegar para entender por qué conquista tan rápido. Hay algo en su ritmo amable y pausado que te recibe casi con complicidad desde el primer momento. Apenas sales del aeropuerto, te encuentras con uno de los sistemas de transporte público más antiguos y eficientes del país: buses que conectan sin costo con el metro, el famoso “T”, puerta de entrada a la ciudad y a todo lo que tiene por ofrecer.

Así empiezas a descubrir este destino que tiene un fascinante balance entre historia y modernidad. Y es que Boston es una ciudad clave en el nacimiento de esta nación, pero también en su actual desarrollo educativo, tecnológico y, no por último menos importante, un ejemplo de espacios públicos, por lo que es una ciudad que se disfruta tranquilamente a pie. Si estás de paso por Boston, que será una de las sedes del Mundial de Fútbol 2026, te recomendamos estos puntos para incluir en tu ruta.

1. Boston Common

Es el lugar que más recomiendan los locales, y no es casualidad: aquí late el pulso de Boston. El Boston Common es el parque público más antiguo del país. Fundado en 1634, abarca más de 20 hectáreas que durante siglos fueron territorio de pueblos indígenas y que, con la llegada de los colonos, se transformaron en escenario de algunos de los momentos más significativos de la historia del país.

Pasear por este lugar es encontrarse con el pasado, pues ha sido testigo de discursos, celebraciones y protestas, y ha recibido a figuras como Martin Luther King Jr, cuyo legado se recuerda en una de las intervenciones más recientes y comentadas del lugar: The Embrace, que ya se ha convertido en parada obligada del Common. Otros puntos a visitar son el Boston Public Garden, que ofrece bellas postales para las siempre necesarias fotos para las redes sociales, mientras que el Frog Pond, otra parada muy ‘instagrameable’, cambia de rostro según la temporada: pista de patinaje en invierno y piscina pública en verano.

Si tienes suerte, además, te toparás con alguno de los eventos que suelen animar este espacio. A mí me sorprendió un festival de la comunidad japonesa que llenó al parque de una energía contagiosa y espíritu de comunidad, algo que siempre se celebra ya sea como visitante o residente.

2. Freedom Trail

En el mismo Boston Common comienza una de las rutas más populares de la ciudad. En la esquina noreste del parque, junto a un centro de información turística, es común ver a guías vestidos con trajes de la época de la Revolución Americana. Ellos ofrecen recorridos teatralizados para quienes buscan una experiencia más inmersiva, aunque también pueden servirte como referencia para iniciar el camino por tu cuenta, como hice yo durante mi visita.

Aquí empieza todo: una línea de ladrillos rojos incrustada en el suelo que marca el recorrido del Freedom Trail. A lo largo de unos cuatro kilómetros, este sendero conecta 16 sitios clave para entender el nacimiento de Estados Unidos. Incluso si no estás muy familiarizado con la historia del país, este paseo es una puerta de entrada muy didáctica para entender cómo Boston fue uno de los principales escenarios de los primeros actos de rebelión contra el dominio británico.

El recorrido te lleva por lugares emblemáticos como el sitio de la Masacre de Boston y la casa del patriota Paul Revere. Mi recomendación es que reserves un par de horas para hacer el recorrido sin prisa, incluso puedes hacer algunas paradas y almorzar en el camino que tiene también espacios modernos y cafeterías para todos los bolsillos. Más que una caminata, es una forma de conectar con la ciudad de otra manera.

3. Acorn Street

Tras completar el recorrido del Freedom Trail, puedes volver hacia el Boston Common y caminar unas cuadras hacia el noreste hasta llegar a Acorn Street. En pleno barrio de Beacon Hill, esta pequeña calle empedrada se ha ganado el título de la más fotografiada de la ciudad. No es difícil entender por qué. Al llegar, encontrarás desde turistas buscando la toma perfecta hasta parejas que eligen este rincón para sus fotos de boda. Yo misma me detuve más de lo previsto, intentando capturar en fotos, sin mucha suerte, el encanto particular de este lugar. Las casas que la rodean tienen fachadas de ladrillo rojo que caracterizan varios puntos de la ciudad, además de portales muy cuidados y adornados con bellas flores.

A pesar de su popularidad, no hay que olvidar que se trata de una zona residencial privada. Los letreros en las fachadas lo recuerdan: hay que mantener el silencio y el respeto durante nuestra visita.

Como dato extra, a pocos minutos a pie encontrarás el Cheers Beacon Hill, un bar inspirado en la famosa serie ochentera “Cheers”, ambientada precisamente en Boston.

4. Charles River

A pocos pasos de Beacon Hill, el Longfellow Bridge ofrece una de las mejores postales de la ciudad: la vista abierta hacia el Charles River, un río que es el corazón de la ciudad y que, con sus más de 120 kilómetros de extensión, suele aparecer de manera recurrente en cada punto de nuestro recorrido. Al descender del puente, nos encontraremos con algo que envidiamos mucho los turistas que venimos de América del Sur: espacio público para disfrutar. Así, por ejemplo, nos encontramos con el Charles River Esplanade, un parque que propone muchas actividades en armonía con la naturaleza. Aquí se encuentra el Hatch Memorial Shell, escenario de conciertos al aire libre, así como una escultura en honor a Arthur Fiedler, que nos recuerda la tradición musical de la ciudad donde nacieron, por ejemplo, bandas como Aerosmith.

También es posible vivir el río desde dentro. Hay opciones para alquilar kayaks, canoas o tablas de paddle. Pero si prefieres algo más tranquilo, como en mi caso, basta con sentarse en una de las tantas bancas dispuestas en el puerto para uso público y desconectarse del mundo por un momento.

Dato curioso: es frecuente encontrarse con muchos corredores en toda la ciudad, pero especialmente en el Esplanade. La ciudad de Boston es muy famosa por su maratón y aquí es donde vienen muchos ‘runners’ a prepararse para la exigente carrera. Pero ojo, si eres ciclista, también te divertirás mucho en esta parte de la ciudad.

5. Harvard y otras universidades top

Boston es conocida como la “Atenas de América” porque alberga algunas de las instituciones académicas más prestigiosas del mundo. Entre Boston y Cambridge (su vecina, con la que solemos confundirnos algunos nuevos visitantes como la autora de esta nota) se encuentran instituciones como Harvard y MIT, cuyos campus se pueden visitar libremente. Harvard, que es la que más curiosidad despierta entre los visitantes, cuenta con campus tanto en Boston como en Cambridge, aunque sus edificios más emblemáticos están en el lado de Cambridge, al que se llega fácilmente con el eficiente ‘T’.

Una vez dentro, resulta sorprendente ver grupos con guías turísticos caminando dentro de un campus estudiantil, pero es algo que ocurre con frecuencia en esta institución que también tiene un espacio importante en la cultura popular. El lugar más visitado es el Harvard Yard, que está rodeado por edificaciones históricas como la famosa Widener Library, el Memorial Church y el Massachusetts Hall, uno de los edificios más antiguos de todos los Estados Unidos. Pero, sin duda, el punto de mayor atracción para los visitantes es la estatua de John Harvard. Muchos turistas (y seguramente tendrás que hacer cola para llegar a esta atracción) se toman fotos tocando el zapato de la estatua, pues se dice que da suerte, especialmente en el aspecto académico. Aunque los estudiantes tienen poco aprecio por esta leyenda.

Como ven, a veces, desviarse de la ruta clásica es la mejor decisión, y Boston es prueba de ello. Una ciudad que no necesita exagerar para sorprender y que puede ser memorable con recorridos que permiten conectar con el espacio de manera amigable.

Entre los más de 600 mil habitantes de Boston hay una pequeña pero activa comunidad peruana que deja huella tanto desde espacios gastronómicos cada vez más concurridos como en ámbitos profesionales y académicos. Muchos connacionales llegan atraídos por la oferta educativa de la ciudad y terminan quedándose por la calidad de vida que ofrece: el equilibrio entre la tranquilidad de una ciudad sosegada y las oportunidades de una gran metrópoli.

“Boston conserva ese encanto de ser, al mismo tiempo, un pueblo pequeño y una ciudad grande”, dice William Vivar, consultor de sistemas que llegó a Estados Unidos hace casi treinta años y se instaló en Boston hace trece. Para él, la vida en la ciudad transcurre entre dos estaciones muy marcadas: el verano y el intenso invierno, una temporada estrechamente ligada a deportes que despiertan gran pasión local, como el hockey.

“Fuera del invierno, que suele ser una época más tranquila, Boston es una ciudad muy bonita y agradable para vivir. Es costosa, como cualquier gran urbe de Estados Unidos, pero tiene un encanto especial y mucho que ofrecer tanto a quienes llegan de fuera como a quienes viven aquí”, explica Vivar.

La abogada trujillana Paola Oliver, quien lleva diecisiete años viviendo en Massachusetts, destaca especialmente el carácter innovador y la apuesta cultural de Boston. Durante este tiempo se ha formado en instituciones como Boston University y Harvard, y actualmente trabaja en el sector financiero.

“En lo profesional, la vida es muy activa y competitiva. No alcanza el ritmo acelerado de Nueva York, pero atrae a estudiantes internacionales y profesionales de todo el mundo. Siempre hay conferencias, eventos de networking y oportunidades de desarrollo profesional”, comenta Oliver, quien hoy abraza más que nunca su decisión de haber elegido Boston como hogar. “El entorno es más seguro, más limpio y permite disfrutar mejor de los museos, el arte, el estudio y el trabajo. Me gusta mucho el equilibrio que ofrece esta ciudad”, afirma.

La reciente publicación de National Geographic sobre T’aqrachullo, en Cusco, volvió a colocar al complejo arqueológico en la conversación internacional. Presentado como una antigua ciudad o fortaleza inca de enormes dimensiones —e incluso comparado con Machu Picchu—, el sitio despertó interés mundial por su extensión y complejidad histórica. Sin embargo, especialistas peruanos precisan que, lejos de tratarse de un “nuevo descubrimiento”, T’aqrachullo ha sido investigado desde hace décadas y todavía enfrenta importantes retos de conservación y acceso turístico.

Las primeras investigaciones arqueológicas en el complejo fueron realizadas en los años 90 (en tesis, precisamente en 1994) por las arqueólogas Maritza Rosa Candia y Rosa Alicia Quitita Huaracha, quienes desarrollaron estudios académicos sobre el lugar cuando aún era poco conocido fuera de las comunidades cercanas. Posteriormente, en 2010, el complejo arqueológico fue declarado Patrimonio Cultural de la Nación, reconocimiento que consolidó su valor histórico dentro del patrimonio peruano.

Años después, en 2019, el sitio atravesó un importante proceso de restauración y protección liderado por el Ministerio de Cultura, intervención en la que el arqueólogo Emerson Pereyra participó como residente de obra. Además de labores de conservación, el proyecto permitió continuar registrando estructuras y mejorando el conocimiento sobre el complejo, ubicado a más de 4100 metros sobre el nivel del mar, en una zona aún de difícil acceso.

Para Maritza Rosa Candia, actual directora de la DDC Cusco, las recientes comparaciones con Machu Picchu deben tomarse con cautela. “Cada monumento tiene su importancia, pero tampoco podemos decir que ha superado a Machu Picchu”, explica la arqueóloga, quien señala que ambos espacios pertenecen a periodos históricos distintos y responden a organizaciones completamente diferentes. Reducir el análisis solo a su cantidad de hectáreas (que tampoco sobre pasan a las de la maravilla mundial) es incorrecto.

Mientras Machu Picchu corresponde al periodo inca y presenta planificación urbana, T’aqrachullo posee ocupaciones mucho más antiguas y diversas.

¿Puede ser visitado?

Aunque actualmente puede visitarse, T’aqrachullo todavía no cuenta con infraestructura turística plenamente desarrollada. La ausencia de servicios cercanos (como restaurantes y centros de salud), señalización completa y facilidades para visitantes ha limitado su difusión masiva.

Para visitarlo, sin embargo, hace falta embarcarse en una ruta de alrededor de seis horas hasta la localidad de Espinar, desde la ciudad del Cusco. También, es posible seguir una ruta desde Arequipa, por la cuenca de Caylloma.

Aun así, el renovado interés internacional ha vuelto a poner en agenda a uno de los complejos arqueológicos más enigmáticos y menos explorados del país, recordando que gran parte del patrimonio peruano aún tiene mucho por revelar.//

Se puede discutir mucho sobre el lugar que ocupan hoy las bibliotecas en un mundo donde los libros ya no siempre resultan atractivos para buena parte de los jóvenes. Pero si hay un espacio donde la lectura sigue siendo una actividad fundamental e indispensable, ese es la universidad. Por eso, las bibliotecas suelen ocupar el corazón de los campus. Quienes fueron alumnos de la Universidad de Lima deben recordar con cariño su vieja biblioteca, ubicada entre las facultades de Comunicación y Derecho. El edificio de cuatro pisos era el punto neurálgico al que se iba a leer, a repasar los apuntes o reunirse con los compañeros para preparar trabajos en grupo, ocupando cualquier mesa disponible.

Durante décadas ese ritual cambió poco. Hubo generaciones que buscaron libros en ficheros de tarjetas y otras que ingresaban sus búsquedas en monitores de pantalla verde, más tarde reemplazados por computadoras. En esencia, la biblioteca seguía siendo un lugar silencioso dedicado al estudio individual. Hoy, sin embargo, estos espacios responden a otra idea del aprendizaje. El modelo conocido como ‘learning commons’ reconoce que gran parte del conocimiento universitario se construye en la interacción, discutiendo, investigando en equipo o desarrollando proyectos colectivos. Las bibliotecas contemporáneas se diseñan para facilitar ese intercambio.

Así es como la Universidad de Lima presenta por estos días su nueva biblioteca dentro del campus. Bautizada con el nombre de “Antonio Pinilla“, por su fundador y primer rector, se trata de una construcción de siete pisos y cerca de 18 mil metros cuadrados concebida como un espacio de aprendizaje activo. A diferencia de la biblioteca tradicional, el edificio combina áreas de lectura silenciosa con muchas salas de trabajo grupal, espacios de discusión y ambientes pensados para la investigación académica. La arquitectura misma responde a la idea de que la biblioteca, más que un depósito de libros, es un lugar donde se generan y comparten ideas.

En los niveles superiores se mantiene, sin embargo, el espíritu clásico de la biblioteca universitaria. Allí se encuentran las estanterías abiertas que permiten a los estudiantes recorrer directamente las colecciones y seleccionar los títulos que necesitan. El sistema de préstamo es completamente digital y convive con una oferta de recursos electrónicos y bases de datos académicas.

La nueva biblioteca también se inscribe dentro de una visión más amplia sobre el campus. Según la rectora Patricia Stuart, la idea es que la universidad funcione como un espacio en el que la vida académica no se limite al aula. “Queremos un campus donde el alumno no solo venga a estudiar y se vaya a su casa”, explica. “La idea es que aquí puedan crear relaciones, trabajar en conjunto y desarrollar proyectos”. Ese enfoque responde también a la manera en que se vive hoy la universidad. “Muchos estudiantes pasan todo el día en el campus”, señala Stuart. “Por eso debe ser un lugar donde el alumno quiera quedarse”.

La trayectoria de Stuart explica en parte esa visión. Economista de formación, es la primera egresada de la universidad que llega al rectorado. Su carrera académica comenzó como jefa de prácticas en la Facultad de Economía y, con el tiempo, fue ocupando distintos cargos dentro de la institución: coordinadora académica, directora de carrera, secretaria académica, decana y posteriormente vicerrectora. En ese recorrido llegó a trabajar con la doctora Ilse Wisotzki, la primera mujer en ocupar el rectorado de una universidad en el país. “Era una mujer de temperamento muy fuerte y con bastante empuje”, recuerda. En una época en que las autoridades universitarias eran mayoritariamente hombres, añade, Wisotzki solía ser “la única mujer en muchas reuniones”, una experiencia que, según Stuart, le sirvió de ejemplo sobre lo que implica conducir una universidad.

Educación para todos

Durante años la universidad ha cargado con la percepción de ser una institución reservada para sectores acomodados. Stuart sostiene que ese perfil ha cambiado con el tiempo y que hoy los estudiantes reflejan una composición social más diversa. “El 70% de nuestro alumnado se ubica en la última categoría de pago, entonces esta ya no es una universidad que sirve a una élite económica, sino más bien a una élite académica e intelectual”, afirma. En esa línea, la Universidad de Lima ha impulsado distintos programas de becas dirigidos a estudiantes de alto rendimiento provenientes de colegios públicos.

Uno de ellos es la Beca Ilse Wisotzki, creada para alumnos sobresalientes que hayan cursado toda su educación básica en colegios nacionales. El programa ofrece cobertura integral durante toda la carrera. Hasta ahora se han realizado tres convocatorias, entre 2024 y 2026, con 32 beneficiarios. Veintidós de ellos provienen de Lima y diez de distintas regiones del país, y una parte significativa estudió en los colegios de alto rendimiento (COAR).

Más allá de su nueva biblioteca y de los planes de expansión del campus, la universidad recuerda que la principal inversión de una institución sin fines de lucro sigue siendo la formación de sus estudiantes. En ellos descansa, finalmente, el prestigio académico de la casa de estudios. //

En tiempos donde las cartas sofisticadas se apoderan de las mesas, Lo+o (Lomaso) apuesta por lo contrario: menos es más. En un pequeño espacio dentro del mercado de Miraflores, ubicado en la Av. Mendiburu 459, este huarique ha decidido concentrar toda su energía en un solo objetivo: hacer un lomo saltado memorable al primer bocado.

La idea, cuenta el director gastronómico Fabrizio Mazzetti, nació desde lo más básico. “Queríamos hacer un plato bien. Pero realmente bien. Y resaltar el insumo: el lomo, la papa”, dice.

El proyecto es reciente, apenas lleva poco más de un mes abierto, pero detrás hay años de trabajo. El equipo, que también integran la jefa de cocina Rafaela García y Betania Tello en la dirección de concepto y experiencia, viene del mundo del catering y la producción de eventos. Sin embargo, había algo que faltaba.

“Como cocinero, extrañaba el servicio, el contacto directo con la gente”, explica Mazzetti, quien antes ha pasado por restaurantes de la capital. Esa necesidad encontró su lugar en el mercado: un espacio donde la cocina se vive de cerca, sin intermediarios, donde el cliente está a pocos pasos del fogón.

Comer y seguir

Lo+o no es un restaurante tradicional. Es, más bien, una parada. Un “wok stop”, como ellos mismos lo definen. Llegas, pides, comes y sigues.

La dinámica es rápida, pero no descuidada: los platos salen en pocos minutos y la experiencia es ágil, pensada para el ritmo del mercado. “Buscábamos un formato flexible, donde la gente venga, coma bien y se vaya”, explica Beta, como le dicen en confianza, quien además es prima de Fabrizzio.

Ese espíritu también se refleja en la carta, teniendo como protagonista al lomo saltado y sus variaciones: con pollo, con langostinos, en versión mar y tierra o acompañado de tacu tacu. Todo gira en torno al wok.

Un sabor con identidad

En Lo+o, el lomo saltado tiene un sello propio. Hay un guiño oriental, kion, sillao, técnicas de salteado, pero también una búsqueda por intensificar el sabor.

“Hacemos una base concentrada, como una salsa de res que se cocina con los mismos ingredientes del saltado. Eso le da más cuerpo y profundidad”, explica Mazzetti.

A eso se suma la elección del producto: lomo fino de buena calidad y verduras frescas compradas a diario. El resultado es un plato que, aunque familiar, tiene carácter y gusta. Y como era de esperarse, funciona entre los propios vendedores del mercado y los oficinistas de la zona. Los sábados y domingos, las familias toman el mercado y las colas son evidencia de ello.

Pero más allá de la técnica y la búsqueda de hacer el mejor lomo saltado, hay una intención clara detrás del proyecto: devolverle al lomo saltado su lugar cotidiano.

“Se había vuelto un plato muy caro, muy de restaurante. Queríamos democratizarlo otra vez”, dice Mazzetti. No se trata de restarle valor, sino de acercarlo.

Esa filosofía conecta con lo que Beta define como la esencia del proyecto: “hacer las cosas bien, sin tanto alboroto”. Simple, pero bien hecho.

En pocas semanas, Lo+o ha logrado algo difícil: generar comunidad. Vecinos, creativos, trabajadores de la zona y curiosos que llegan por recomendación o redes sociales se mezclan frente al pequeño mostrador.

“Es bonito ver cómo la gente regresa. Ya reconoces caras”, cuenta Rafaela, ecuatoriana de nacimiento, pero de paladar peruano.

La cercanía del mercado también juega un rol clave. Aquí no hay barreras: la cocina es abierta, el diálogo es directo y la experiencia se construye en el momento y en pocos segundos.

Crecer sin perder el foco

Aunque el éxito ha sido rápido, el equipo lo tiene claro: no quieren apresurarse.

La carta seguirá siendo corta. El espacio, por ahora, también. La prioridad es consolidar la propuesta del almuerzo y en unas semanas más la del desayuno.

Mientras tanto, el proyecto sigue evolucionando con pequeños detalles: nuevos saltados por temporada, postres como la crema volteada amazónica o el budín de Analú, mamá de Fabrizzio, y bebidas chinas que complementan la experiencia.

Para quienes están detrás de Lo+o, este no es solo un emprendimiento gastronómico. Es también un regreso.

Un regreso a la cocina, al fuego, al contacto con el cliente. A esa relación directa que, muchas veces, se pierde en formatos más grandes.

“Lo que más me gusta es eso: estar tan cerca de la gente”, dice Mazzetti.

Y quizá ahí esté la clave de su éxito: en recordar que, antes que cualquier concepto, la comida sigue siendo un acto simple. Cocinar, servir y compartir. Pasa y siéntate, el plato está servido.

Antes para aprender bastaba con leer un libro y escuchar la clase, por lo que la práctica solía quedar en un segundo plano. Hoy, la tecnología ha transformando esa dinámica por completo, gracias a que plataformas como Roblox —donde los usuarios pueden crear y explorar mundos virtuales —, han dejado de ser simples juegos para consolidarse como recursos pedagógicos integrados en la rutina escolar, facilitando así nuevas formas de aprender y experimentar.

Y es que, para expertos como Deivy Cordero, coordinador de Innovación Docente y TIC de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM), este cambio va mucho más allá de que un videojuego popular llegue a los colegios: “Estamos ante un desplazamiento en la forma en que los niños y adolescentes experimentan el aprendizaje, la socialización y la identidad. Roblox no es solo entretenimiento, es un ecosistema social donde se crean mundos, se negocian roles, se construyen reglas y se experimenta con consecuencias”, explicó a la web de la revista Somos.

Básicamente, lo que está transformando la relación de los estudiantes con este tipo de espacios virtuales es, en gran parte, la agencia que les otorgan. A diferencia de ver una pantalla pasivamente o seguir instrucciones en una aplicación didáctica, en Roblox el usuario es co-creador. Puede diseñar sus propias experiencias, construir mundos desde cero, e incluso monetizar su trabajo.

Esa libertad —según Cordero— genera una implicación emocional y cognitiva que las herramientas educativas tradicionales rara vez logran, pues al eliminar deliberadamente la frontera entre jugar, crear y aprender, la plataforma permite que los chicos experimenten esas facetas de forma más natural y simultánea.

“Su potencial educativo es, sin duda, increíble, ya que permite crear laboratorios virtuales imposibles de replicar en un aula física por coste o riesgo. Por ejemplo, en lugar de leer sobre la gravedad, los alumnos pueden programar diferentes gravedades en un entorno lunar y observar cómo reaccionan los objetos en tiempo real. Con Roblox los niños esperan que el conocimiento sea algo que puedan “tocar” y “transformar”, no solo escuchar”, aseguró Emérito Martínez, director del Programa de Inteligencia Artificial Generativa & Business Innovation de EAE Business School.

Aprender jugando: el secreto detrás del éxito de Roblox en el aula

Aunque muchos puedan pensar que su atractivo se limita a lo visual, lo cierto es que lo que hace única a esta plataforma, es la fricción mínima para crear. Como destacó Andrés Acosta, jefe del Centro de Investigación Académica de Toulouse Lautrec, a diferencia de otros juegos o entornos educativos más rígidos, Roblox permite a los usuarios crear —desde simulaciones científicas hasta recreaciones históricas o laboratorios virtuales —casi sin límites, lo que potencia la autoeficiencia, la autoeficacia y, sobre todo la autonomía creativa.

Asimismo, proporciona una dimensión social en tiempo real. Para Deivy Cordero, Roblox es, ante todo, una plataforma multijugador. “Colaborar, competir y compartir experiencias con amigos activa circuitos de pertenencia y afecto que ninguna aplicación educativa aislada puede replicar fácilmente”.

Además, brinda un bucle de retroalimentación inmediata a los estudiantes, mediante logros, moneda virtual (Robux) y visibilidad social, manteniéndolos enganchados en un estado de flujo óptimo para aprender.

Pero, ¿dónde está la línea entre aprender jugando y simplemente jugar? De acuerdo con Hernán Ocampo, especialista en neuroeducación, todo depende de la intencionalidad. Es importante comprender que cuando un niño solo juega, busca placer y realiza actividades de baja demanda cognitiva. En cambio, cuando aprende jugando, el juego se convierte en un vehículo para enfrentar un desafío concreto.

“El estudiante deja de ser un consumidor pasivo para convertirse en un arquitecto de su propio entorno, aprendiendo sus reglas para superar desafíos o transformarlo. Este proceso tiene un impacto real en su cerebro: el esfuerzo cognitivo que implica aprender programación o diseño fortalece las conexiones neuronales. Por eso, la clave reside en la intencionalidad pedagógica: el estudiante ya no juega por jugar, sino que investiga mientras construye”.

Cómo enseñar sin perder el juego

Roblox puede ser mucho más que un simple juego: en el aula puede convertirse en una herramienta educativa poderosa, siempre y cuando, se den las condiciones adecuadas. Por ello, para Emérito Martínez, se deben cumplir con estos tres elementos clave:

• El rol del docente como guía: El profesor no necesita ser un experto en programación, pero sí debe saber qué preguntas hacer y cómo orientar la exploración.
• Objetivos de aprendizaje claros: Para que el juego trascienda el ocio, debe integrar desafíos reales. Por ejemplo, utilizar la física para construir estructuras capaces de resistir un terremoto convierte el juego en una herramienta educativa potente.
• Seguridad y privacidad: Configurar servidores privados para que el entorno sea controlado y libre de interacciones con extraños.

Habilidades que fomenta

Cuando se usa con intención pedagógica, Roblox potencia el pensamiento computacional, la lógica de programación, la colaboración digital, la resolución de problemas complejos, el pensamiento espacial, la gestión de recursos y economía, así como la de proyecto.

Sin embargo, Cordero advirtió que, no todo lo que se aprende dentro del juego se transfiere automáticamente al mundo real: colaborar con Roblox no garantiza un trabajo en equipo en el colegio, ni resolver problemas virtuales asegura habilidades científicas o matemáticas.

De hecho, como refirió la psicóloga Carla Méndez, de SANNA San Miguel, algunas habilidades pueden quedar relegadas, como motricidad fina, interacción cara a cara, regulación emocional, lectura y escritura profunda, e incluso la tolerancia al aburrimiento. Por eso, el reto está en equilibrar la tecnología con experiencias que fortalezcan estas competencias, sin demonizar los juegos.

Quién se beneficia

Aunque cada cerebro es único, de acuerdo con el especialista en neuroeducación, plataformas como Roblox pueden beneficiar más a estudiantes con dificultades en el aprendizaje tradicional (dislexia o TDAH), quienes tienen ansiedad social o a perfiles más creativos. Sin embargo, quienes presentan baja autorregulación o alta sensibilidad sensorial pueden quedarse atrás si no hay un acompañamiento adecuado.

Cuando el juego se vuelve trampa: los riesgos secretos de Roblox en clase

La gratificación instantánea que atrapa

Roblox, como cualquier plataforma puede llegar a ser adictiva. Cada logro y cada “ding” de recompensa inmediata activa el mismo sistema dopaminérgico que regula la motivación y el placer. Aunque esto para los estudiantes puede significar diversión, también puede suponer un riesgo.

“Cuando el cerebro se acostumbra a recibir retroalimentación positiva en intervalos muy cortos —cada pocos segundos o minutos— la tolerancia a la espera se reduce. Esto tiene consecuencias observables en el aula: mayor dificultad para sostener la atención durante actividades lentas, abstractas o de recompensa diferida, como la lectura extensa, el análisis de textos complejos o la escritura reflexiva”, sostuvo Deivy Cordero.

El precio del avatar

Los robux, los objetos especiales y las personalizaciones, aunque parecen simples detalles, en clase pueden crear diferencias visibles: quien tiene más puede destacarse, mientras que, quien no, puede sentirse excluido.

En este sentido, Cordero alertó que, “si no hay reglas claras, los alumnos pueden aprender que el acceso y el estatus tienen un precio”. Por eso, sin educación sobre el consumo digital, la competencia por el estatus puede superar al propio aprendizaje.

¿Se está aprendiendo o solo se está jugando?

Muchos docentes desconocen cómo medir este progreso por falta de indicadores claros. Aunque el entusiasmo de los estudiantes puede ser evidente, no siempre es sinónimo de aprendizaje real. Ante este desafío, el experto en innovación y TIC recalcó tres aspectos fundamentales:

• ¿Resuelven desafíos o solo exploran?
• ¿Colaboran o trabajan aislados?
• ¿Pueden explicar qué hicieron y por qué?

En estos casos, herramientas simples como los diarios de aprendizaje también resultan bastante útiles. Invitar al estudiante a reflexionar sobre qué aprendió, qué desafíos enfrentó y cómo podría mejorar en el futuro es clave para materializar la experiencia.

Cuando la herramienta deja de ser útil

Roblox deja de ser un aliado educativo cuando:

• El acceso a la plataforma deja de ser un medio para aprender y se convierte en una necesidad emocional urgente. Es decir, cuando su restricción genera irritabilidad intensa, ansiedad o conductas evasivas.
• El estudiante empieza a descuidar otras áreas académicas o sociales para maximizar su tiempo en la plataforma.
• La plataforma tiende a fomentar más la dispersión que la atención sostenida.
• Los estudiantes explotan las grietas del diseño pedagógico para jugar libremente en lugar de seguir los objetivos propuestos.
• Se convierte en fuente de conflicto social por desigualdades de acceso o estatus dentro de la plataforma.
• No existe ningún sistema de monitoreo o evaluación del uso.
• El docente no puede articular claramente qué aprendizaje produce la herramienta.

Cuando jugar también es aprender: reglas que realmente ayudan

Prohibir no basta

Muchos adultos optan por bloquear el acceso a plataformas como Roblox cuando surgen problemas, pero la prohibición suele ser solo un parche. Según Deivy Cordero, el verdadero desafío está en comprender por qué los estudiantes recurren al juego. Puede ser un refugio frente al bullying, un espacio donde sienten control o una vía para manejar ansiedad o soledad.

Por eso, quitarles la plataforma sin atender estas necesidades no solo falla: a veces intensifica el uso secreto y la atracción por lo prohibido.

Límites claros y negociados

No se trata de eliminar reglas, sino de hacerlas efectivas. La psicóloga Mary Castro, de la Clínica Ricardo Palma explicó que los límites funcionan mejor cuando son:

• Claros: Todos saben qué se puede y qué no.
• Acordados: El estudiante participa en la definición de las normas.
• Predecibles: Consecuencias coherentes si se incumplen.

Contexto y alternativas

Un límite sin opciones es difícil de cumplir. Los horarios deben adaptarse al contexto: no es lo mismo un día de colegio que un fin de semana. Además, ofrecer actividades alternativas —socialización, creatividad, autonomía— ayuda a que los estudiantes acepten los límites sin conflicto.

El equilibrio es la clave

En el colegio, esto significa combinar el tiempo de juego con otras experiencias de aprendizaje y supervisión activa. Cuando los estudiantes sienten que sus necesidades emocionales y sociales se respetan, jugar deja de ser un desafío y se convierte en una herramienta educativa poderosa.

Cuando la tecnología choca con la realidad

En muchos colegios del Perú, la idea de usar plataformas como Roblox para aprender suena revolucionaria. Sin embargo, la promesa de “aprender jugando”, se encuentra con un obstáculo que pocas veces se menciona: la desigualdad digital.

La viabilidad de integrar estas herramientas —según el experto en innovación— varía drásticamente de un colegio a otro. Mientras los colegios privados de Lima cuentan con conectividad estable, dispositivos suficientes y docentes familiarizados con la tecnología, en las zonas rurales los recursos son escasos y la brecha digital es enorme.

“La integración tecnológica sin contemplar estas diferencias corre un riesgo serio: en lugar de democratizar el acceso a experiencias de aprendizaje innovadoras, puede crear una nueva capa de exclusión. Los colegios con recursos accederían a metodologías atractivas y modernas, mientras que los colegios sin ellos seguirían con prácticas tradicionales, o incluso se les exigiría usar tecnología sin las condiciones mínimas para hacerlo bien. Por eso, la innovación educativa que ignora la equidad puede convertirse en una forma sofisticada de reproducir desigualdad”.

Pero la infraestructura es solo el primer desafío. Para que plataformas como Roblox sean realmente beneficiosas en 2026, se necesitan cambios estructurales en varios niveles:

• A nivel institucional, hacen falta políticas claras sobre el uso pedagógico de herramientas digitales, programas de formación docente continua que no se limiten a lo técnico y estudios que analicen el impacto real de estas plataformas en contextos latinoamericanos.
• En casa, los padres necesitan herramientas para acompañar el uso tecnológico de sus hijos, reconocer las señales de uso problemático y mantener un diálogo abierto, evitando tanto la fascinación acrítica como el rechazo ansioso.
• Las propias plataformas deberían ser más transparentes sobre sus algoritmos de enganche y asumir un rol activo en la creación de entornos seguros para menores.
• En el plano regulatorio, hace falta una conversación seria sobre la responsabilidad de las empresas tecnológicas que operan en contextos educativos.

En conjunto, integrar tecnología en los colegios peruanos no es solo cuestión de voluntad o entusiasmo por la innovación. Es un desafío que exige diagnóstico, preparación y responsabilidad compartida, porque solo así la promesa de aprender jugando puede convertirse en una oportunidad real para todos los estudiantes, sin dejar a nadie atrás.

En la cocina de Central, en Barranco, conviven acentos, técnicas y miradas de distintas partes del mundo. Hay peruanos, mexicanos, argentinos y europeos. También está Sang Jung, un chef nacido en Seúl que llegó al Perú hace más de una década persiguiendo una intuición: que aquí podía encontrar una nueva manera de entender la gastronomía. Hoy, desde el restaurante liderado por Virgilio Martínez —elegido el mejor del mundo en 2023—, el cocinero coreano aporta una sensibilidad marcada por la disciplina asiática, la precisión técnica y un profundo respeto por el producto.

Antes de pensar en ollas o cuchillos, Sang soñaba con otra vida. Quería ser rapero. En el colegio, participaba en festivales y asegura que era bueno improvisando. Pero a los 16 años algo cambió. Mientras trabajaba a medio tiempo en un buffet de la capital coreana, un cliente regresó acompañado de amigos solo para volver a probar la comida que él había preparado. “Ese momento me hizo sentir algo completamente nuevo”, dice en un español casi perfecto. Ahí entendió que quería dedicarse al noble arte de cocinar para los demás.

Su infancia en Corea también estuvo marcada por la comida. Sus padres tenían un pequeño ‘market’ y él creció rodeado de snacks, ingredientes y sabores de distintas partes. Cuenta que mezclaba bocaditos con arroz para experimentar texturas, mientras su hermana lo miraba extrañada. Hoy cree que esa curiosidad temprana sigue presente en su cocina.

De su vida en Seúl conserva el perfeccionismo y la concentración. Sus primeros recuerdos en restaurantes están ligados al silencio. “Había mucho respeto entre los chefs”, recuerda. Aunque ahora disfruta ambientes más abiertos y relajados, todavía valora esa capacidad de concentrarse completamente frente al fuego.

COCINA SIN FRONTERAS

Antes de aterrizar en Lima, trabajó en Australia y Estados Unidos. Sin embargo, afirma que fue en Perú donde terminó de construir su identidad como cocinero. El país apareció en su radar después de descubrir por Internet un plato a base de pulpo de Central. Le pareció distinto a todo lo que veía entonces en restaurantes europeos o estadounidenses. Investigó más sobre Virgilio Martínez y decidió venir. En 2015 tomó un vuelo de casi 30 horas desde Seúl y llegó a una ciudad que le resultó caótica a primera vista, pero profundamente inspiradora.

Lo que más lo impactó fue la relación natural de los peruanos con la comida y la inmensa diversidad del territorio. Los ajíes, las papas, los tubérculos y los productos de la selva le abrieron un universo nuevo. “Perú es un país muy creativo y con mucha libertad en la cocina”, comenta.

Hoy se desempeña como chef corporativo de Central. Supervisa la cocina, participa en la creación de platos y desarrolla proyectos y eventos dentro y fuera del país. Desde su mirada coreana, encuentra afinidades profundas entre ambas gastronomías: el gusto por los sabores intensos, el picante, los productos marinos crudos y la diversidad de ingredientes frescos, secos y fermentados.

Desde Mater, el centro de investigación de Central, Sang busca comprender el lenguaje de la cocina peruana. Cree que cada ingrediente es un universo y que el trabajo consiste en estudiarlo, descomponerlo y encontrar la mejor manera de expresar sus características. En esa búsqueda, Corea y Perú terminan dialogando naturalmente: dos cocinas separadas por miles de kilómetros, pero cercanas en su manera de honrar el producto y construir sabor. //

Hay personas que no pueden estar mucho tiempo solas. Terminan una relación y, casi de inmediato ya están hablando con alguien más. A veces no porque se hayan enamorado otra vez, sino porque el silencio emocional les resulta insoportable. Algunas descargan aplicaciones de citas apenas ocurre la ruptura. Otras necesitan sentirse buscadas, deseadas o acompañadas constantemente para no tener que enfrentarse al vacío que aparece cuando nadie les escribe.

También están quienes encadenan una serie de relaciones durante años sin darse realmente el espacio necesario para procesar el duelo, entender qué salió mal o simplemente aprender a estar consigo mismas.

Y aunque desde fuera puede parecer una necesidad normal de compañía, muchas veces hay algo más profundo detrás: miedo a la soledad, ansiedad emocional, dependencia afectiva o una sensación interna de no saber quién es sin una pareja al lado.

Porque para algunas personas, la soltería no se vive desde la libertad, sino desde la angustia.

¿Por qué algunas personas no pueden estar solteras?

Hay personas que, la soltería no les duele únicamente por la ausencia de una pareja, sino lo que realmente les pesa es ese silencio que queda cuando desaparece alguien que funcionaba como un refugio emocional. Y es que hay quienes pueden atravesar la soledad desde la calma y el autoconocimiento, mientras otras la viven como un vacío difícil de sostener.

En este sentido, la psicóloga Verónica Carrasco explicó a Somos que, muchas veces, la pareja representa mucho más que el amor o una simple compañía, también puede convertirse en una fuente de seguridad emocional, validación personal y pertenencia. Por eso, cuando una relación termina o no existe, algunas personas sienten que pierden estabilidad emocional. Por lo que la soltería para ellos no solo significa “extrañar a alguien”, sino que han perdido aquello que les daba calma e incluso identidad.

“Para ciertas personas la soltería no se experimenta simplemente como “no tener pareja”, sino como una amenaza emocional. Puede activar el miedo al abandono, una sensación de rechazo o la idea de “no soy suficiente”. Desde la psicología, esto puede relacionarse con el apego ansioso, la baja autoestima y la necesidad constante de recibir validación externa. En estos casos, la relación funciona como un sostén emocional: algo que tranquiliza, reafirma y hace sentir querido”, destacó la doctora Yanet Rocha, docente de la carrera de Psicología de la Universidad San Ignacio de Loyola.

Sin embargo, disfrutar de la compañía o desear una relación no significa necesariamente que alguien no sepa estar solo. Como aclaró la psicóloga Maite Díaz-Peñaloza, de la Universidad Científica del Sur, existe una diferencia importante entre querer compartir la vida con alguien y sentir que no se puede estar bien sin una pareja.

Una persona emocionalmente estable puede extrañar el cariño o la cercanía afectiva, pero aun así seguir sintiéndose valiosa y en equilibrio consigo misma. En cambio, cuando la soledad se vive desde el miedo, empiezan a aparecer pensamientos como “si estoy solo, es porque nadie me quiere” o “necesito a alguien para sentirme bien conmigo mismo”.

Esa diferencia suele notarse en situaciones cotidianas. Después de una ruptura, por ejemplo, algunas personas se toman un tiempo para procesar el dolor, reorganizar su vida y reencontrarse consigo mismas. Otras, en cambio, sienten una urgencia inmediata por llenar el vacío: necesitan hablar constantemente con alguien, buscan atención permanente o intentan iniciar otra relación rápidamente para no enfrentarse a la sensación de soledad. La angustia excesiva ante el silencio o la desesperación cuando no reciben mensajes pueden convertirse en señales de que la pareja dejó de ser solo una elección afectiva y pasó a ser una necesidad emocional.

A esto también se suma la presión social. De acuerdo con la doctora Rocha, desde muy temprano se nos enseña que estar en pareja simboliza éxito, estabilidad o felicidad, mientras que la soltería suele asociarse con fracaso, vacío o incompletitud. Bajo esa idea, algunas personas no buscan una relación únicamente por amor, sino también para escapar de la soledad, del juicio social o de la sensación de no ser suficientes por sí mismas.

Asimismo, el impacto de las redes sociales y el FOMO (miedo a perderse de algo) puede ser significativo, pues constantemente vemos versiones idealizadas de la vida en pareja: viajes, detalles románticos y momentos felices, mientras que los conflictos o las dificultades rara vez se muestran. Esa comparación permanente puede hacer que algunas personas sientan que “algo les falta” si están solteras, incluso cuando antes se sentían tranquilas consigo mismas.

Por eso, muchas veces, el problema no es que alguien “no sepa estar soltero”, sino que nunca aprendió a sentirse seguro, valioso y emocionalmente acompañado fuera de una relación romántica.

Las heridas detrás del miedo a la soltería

Para muchas personas, la idea de pasar un fin de semana a solas o enfrentarse a la vida sin un compañero sentimental no es un simple escenario incómodo: es una fuente de angustia profunda. Sin embargo, esta urgencia por tener una relación tras otra no nace de un exceso de amor, sino de un laberinto de dinámicas invisibles que se gestaron mucho antes de la primera cita.

El eco de la infancia

Rara vez el miedo a la soltería aparece de la nada. Por lo general, es un reflejo de nuestra historia familiar. Según Maite Díaz-Peñaloza las primeras experiencias afectivas que vivimos en la infancia dejan una huella imborrable en nuestra adultez, por lo que quienes crecieron en entornos donde el afecto era inestable, impredecible o dependía de condiciones —como “portarse bien” o cumplir expectativas—, pueden desarrollar una necesidad voraz de validación.

“Hay personas que crecieron con figuras emocionalmente distantes o padres excesivamente críticos, por lo que pueden sentir que necesitan “ganarse” el amor. Sin duda, esta vulnerabilidad se debe a un estilo de apego ansioso: un patrón donde la persona busca desesperadamente la cercanía, pero vive con el temor constante de perderla. En el día a día, esto se traduce en sobrepensar cada silencio de la pareja, interpretar la distancia como un rechazo inminente y, en casos extremos, sacrificar amigos y espacios propios con tal de mantener seguro el vínculo. Para ellos, estar en pareja no es un complemento, sino su única fuente de seguridad emocional”, señaló la psicóloga.

La radiografía de la dependencia

Esta fragilidad interna configura un perfil de personalidad muy específico y propenso a la dependencia. La psicoterapeuta Lizbeth Cueva mencionó que, quienes no toleran la soltería suelen cargar con una profunda herida de abandono —ya sea físico o emocional— por parte de sus padres.

“Son personas que sienten una extrema pena que las lleva a la culpa, que no han trabajado su valor personal o que incluso arrastran conceptos machistas sobre el rol de la mujer en la pareja”.

Por su parte, Nerydee Enrique, psicóloga de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM) advirtió que estos rasgos relacionales disfuncionales —que también se agudizan en personas que han sido víctimas de violencia— se repiten como un patrón inconsciente. Quienes los padecen muestran una necesidad afectiva desmedida, comportamientos de sumisión, pánico absoluto a la soledad y una alarmante priorización de la pareja por encima de cualquier otra esfera de su vida, incluido su propio bienestar.

El amor como anestesia

Muchas veces cuando el autoconocimiento duele o asusta, la presencia de una pareja se convierte en la medicina perfecta. De acuerdo con Kendra Mathys, psicóloga de Cleveland Clinic, la incapacidad de estar soltero es, en ocasiones, una estrategia para anestesiar los vacíos internos. “Algunas personas llenan con relaciones lo que no quieren mirar en sí mismas: la inseguridad, la tristeza, la baja autoestima o la falta de propósito”.

Para la experta, esta evasión en la vida cotidiana puede detectarse fácilmente en la dificultad de hacer planes a solas, la necesidad compulsiva de hablar siempre con alguien o la urgencia de buscar un sustituto inmediatamente después de una ruptura.

A esto se suma, una verdadera “adicción emocional” a la fase inicial del enamoramiento. Y es que esa etapa cargada de novedad, atención y validación, se vuelve un refugio estimulante. Sin embargo, el peligro radica en que estas personas confunden esa intensidad con un amor estable, abandonando vínculos en cuanto la euforia disminuye, solo para iniciar una nueva búsqueda que les devuelva esa dosis de adrenalina.

Lo triste, es que al final del día, lo que está en juego en muchos casos es la identidad. Como refirió la psicóloga de Cleveland Clinc, cuando una persona no tolera la soltería, su identidad suele estar peligrosamente construida alrededor de la mirada ajena y bajo la premisa de que solo vale si alguien la elige, la busca o la desea.

¿Cuál es el costo de huir de la soltería?

Cuando una persona pasa rápidamente de una relación a otra sin atravesar un duelo emocional, muchas veces intenta sanar el dolor, la sensación de pérdida y el vacío que deja la ruptura. Y es que— como comentó Verónica Carrasco— el enamoramiento activa circuitos en el cerebro vinculados al placer, la motivación y la recompensa, liberando así dopamina, oxitocina y serotonina: sustancias asociadas al bienestar, el apego y la euforia emocional. Por eso, después de una ruptura, una nueva relación puede sentirse como un alivio inmediato.

Pero el problema es que el dolor que no se procesa no desaparece: se muda a las relaciones. “A veces entra disfrazado de dependencia emocional, de necesidad constante de validación o de la urgencia por sentirse elegido por alguien. Entonces ya no se busca necesariamente una pareja compatible, sino alguien que tape el vacío antes de que vuelva a abrirse”, expresó la psicóloga.

Por esta razón, muchas personas empiezan a idealizar vínculos demasiado rápido, minimizan señales de alerta y confunden conexión emocional con miedo a la soledad. Porque cuando la necesidad de estar acompañado pesa más que la compatibilidad real, el amor deja de elegirse con calma y empieza a elegirse desde la carencia.

En estos casos, el costo psicológico puede ser silencioso, pero profundo. Quien nunca atraviesa realmente el duelo corre más riesgo de repetir patrones afectivos poco saludables y construir relaciones basadas más en el temor al abandono que en un vínculo consciente. Y, poco a poco, la autoestima empieza a depender peligrosamente de la validación externa.

Aprender a estar solo también es una forma de amor propio

Contrario a lo que muchos pueden pensar, la dependencia emocional no es una condena perpetua ni un rasgo definitivo de la personalidad. De hecho, la adultez es una etapa perfecta para reconstruir nuestra manera de amar, desmitificó la psicóloga Maite Díaz-Peñaloza.

Y es que al final, el cambio real comienza en lo cotidiano: cuando aprendemos a poner límites, recuperamos espacios y dejamos de establecer relaciones desde la carencia para empezar a diseñarlas desde la elección consciente, y no desde el pánico a la soledad.

“Aprender a disfrutar de la propia compañía es un proceso que se construye desde la paciente y la autocompasión. El secreto está en desmontar los discursos internos como “si estoy solo es porque nadie me quiere” y entender que la soltería no es un vacío, sino un espacio de reconexión y libertad”, resaltó Verónica Carrasco.

Por eso, si no sabes por dónde empezar, estas tres acciones clave te ayudarán a reconciliarte con tu espacio personal:

• Ten citas contigo mismo: La psicóloga Lizbeth Cueva sugirió romper el hielo llevando a cabo actividades individuales sin sentir culpa: ir al cine a ver la película que tú quieres, tomar un café o disfrutar de un helado a solas.
• Hackea tu autoconcepto: Una gran herramienta es listar todas tus cualidades, aciertos y valores esenciales. El truco está en grabarte leyendo esa lista en un audio y escucharlo en tus momentos libres. Oír tu propia voz validándote es un recordatorio inmediato de que eres valioso por ti mismo.
• Diversifica tu vida: Tu bienestar jamás puede depender de un solo pilar. La clave está en expandir tu mundo: construye metas nuevas, conéctate con proyectos propios, retoma pasatiempos y recupera el tiempo con tus amigos. Si tu vida tiene bases sólidas en distintas áreas, la ausencia de una pareja no derrumbará tu estabilidad.

Entonces, ¿cómo saber si estas sanando? Las señales aparecen cuando dejas de percibir la soltería como un fracaso, cuando ante una ruptura decides darte un tiempo para procesar el duelo en lugar de buscar un sustituto inmediato y cuando logras pasar un domingo en casa sin que la ansiedad te nuble el día.

Y es que conquistar esta independencia emocional no significa cerrarle la puerta al amor. Paradójicamente, cuando dejas de necesitar desesperadamente que alguien valide tu identidad o llene tus vacíos, te encuentras en la mejor posición emocional de tu vida. Es ahí, desde la libertad y el autorrespeto, donde se empieza a construir un amor real, equilibrado, tranquilo y verdaderamente saludable.

Después de ocho años viviendo en Argentina, Julieta Venegas sintió la necesidad de volver a México. Al principio, ese regreso iba a tomar únicamente la forma de un disco inspirado en Tijuana y en la música regional norteña con la que creció, sonidos que hoy experimentan una inesperada popularidad en la industria musical. Pero el proyecto terminó convirtiéndose en algo mucho más profundo.

Mientras se sumergía en archivos fotográficos familiares, canciones de su infancia y lecturas sobre la historia de su ciudad, la cantante inició también un viaje emocional hacia sus propios recuerdos. Cuando nos recibió en la sede de Altafonte, su disquera independiente, en la colonia Roma de Ciudad de México, recordó que uno de los libros que más la acompañó durante ese proceso fue “Tijuana, la horrible”, inspirado a su vez en un título que resulta familiar para muchos peruanos: “Lima, la horrible”, de Sebastián Salazar Bondy.

Esa búsqueda, que ella describe como “una obsesión territorial de imaginar la península de Baja California”, terminó impulsándola a escribir, casi sin proponérselo, un libro de memorias que durante mucho tiempo no supo si publicaría. “Quería animarme a sacarme ese pudor de nunca expresar nada de mi vida personal”, cuenta sobre el origen de “Norteña”, un ambicioso proyecto que, entre canciones y palabras, permite acercarse, quizá como nunca antes, a la artista y a la mujer detrás de ellas.

― ¿En qué momento te diste cuenta que necesitabas regresar a México?

En un viaje que hice en noviembre del 2024. Desde el momento en que aterricé le decía a todo el mundo que ya iba a volver, algo se me disparó adentro, pero di una vueltota para darme cuenta, porque sabía que extrañaba, sabía que venir me daba algo que no tenía en Argentina, pero a la vez me gustaba estar en Buenos Aires por muchas razones, por mi hija, que estaba más cerca de su padre. Sabía que en algún momento iba a regresar, solo que no sabía cuándo. Hasta que aterricé ese noviembre y me dije: ahora sí, ya es hora.

― “Norteña” también ha sido una excusa para que profundices en tus orígenes en Tijuana, una ciudad que dejaste muy joven para irte a la capital mexicana como una forma de escapar de la vida más tradicional que quería tu familia para ti. ¿Este proyecto te ha permitido reconciliarte con tu ciudad?

No diría que fue una reconciliación, lo que sí me permitió fue reconocer y poner luz en lo que me había marcado. Lo que me empujó a escribir un libro de memorias, a la par que hacer el disco, fue la pregunta de por qué hago música. Y al hacer este proyecto me di cuenta que mi familia me inculcó un amor absoluto por ella, aunque ellos fueron los que más sufrieron cuando yo decidí dedicarme a esto porque les daba miedo, no tenían referentes dentro de la familia.

― No fue fácil para ellos.

No, porque yo me iba a la Ciudad de México a quién sabe qué. En ese momento, decirle rock a mi papá era como hablarle del demonio, todo era muy confuso para ellos y en el fondo también lo era para mí. Todo fue muy inconsciente, sabía que tenía algo que me empujaba hacia la música, pero no tenía un plan, todos estábamos igual de asustados. Si es que tuve una reconciliación en algún proceso de este proyecto, al que yo considero un proyecto de memoria en su totalidad, es una reconciliación con las decisiones que yo tomé. La mía fue una educación que me llevaba a un rol de mujer tradicional: casarme, tener hijos y hacer una carrera más normal.

― Una vida convencional.

Acabo de recordar un diálogo que tuve con mi papá en el que me preguntó qué quieres estudiar y yo le dije música. Me dijo que eso no. Entonces le dije que estudiaría letras y me dijo que eso tampoco era una carrera. Entonces, le dije que no estudiaría nada para que él no pierda dinero y yo no pierda tiempo. Ahora que lo recuerdo me parece que yo era muy lanzada para tener esas conversaciones con mi papá, que era súper estricto y le daba el ataque.

― Es curiosa esa reacción, porque en tu libro de memorias cuentas que quien te motivó a estudiar piano fue él.

Es que para mis papás era lindo que yo tocara el piano, era parte de la buena educación de una señorita, se veía bonito que lleguen los amigos a casa y las niñas toquen el piano, pero todo cambió cuando mi papá empezó a ver a mis amigos rockeros llegar a la casa. No era lo que él tenía pensado, no imaginó las puertas que estaba abriendo. Creo que, en general, para los padres de mi generación representaba un gran susto esa imagen de una mujer que se va a una gran ciudad a hacer música. ¡En qué cabeza cabe! Escribir mis memorias fue bonito porque fue reconciliarme con esa decisión de no haber hecho una vida común, porque sí me torturó durante mucho tiempo.

― ¿En qué sentido?

Es verdad que hago música y hago lo que quiero, pero también está ese lado al que nunca le hice caso y yo no sé si está bien o no, yo no sé si a lo mejor sí tendría que haberme casado y tenido hijos. Pero luego me digo que no, porque nunca estuvo en mis planes, nunca fue un tema, pero simplemente no estaba haciendo un camino que yo o los míos conocieran y eso fue difícil. Sí, me torturaba en el fondo, y no porque siguiera siendo un tema con mi familia, porque cuando me empezó a ir bien mi papá ya no me decía que yo era una necia, sino que era perseverante. Cambió su reacción cuando se dieron cuenta que mis razones para hacer música eran serias, y así fue desde muy chica, nunca quise hacer música por el desmadre o la fiesta, siempre fui un poco monja en ese sentido, me tomaba la música con mucha seriedad. Pero aún así en el fondo me daba vueltas la idea de si tendría que haber hecho una pareja, porque tengo a mi hija pero no la tuve en una situación de pareja, y eso siempre me lo cuestionaba. Pero en este proceso me dije no, esta es la vida que me tocaba hacer y simplemente no tenía otros referentes y qué bueno que yo pueda ser un referente para alguien, para una niña chiquita que me vea y diga sí se puede de otras maneras.

― Es lo bonito y difícil de ser precursor.

Supongo.

― En “Terca”, uno de los temas del disco, hablas de esa reacción inicial de tu familia ante tu decisión de dedicarte a la música, pero también cuentas cómo tu madre te apoyó cuando pensaste en rendirte y volver a Tijuana, porque ella también soñó con ser cantante.

Ella me enseñó a relacionarme con la música. A mi mamá le encanta el mariachi, tiene muy adentro esto de la cantada y sigue siendo así. Por eso para mí cantar es la máxima expresión de la alegría y la unión, no hay mejor manera de expresar la felicidad compartida que cantando todos juntos. Tuve que dar toda esta vuelta y hacer este proyecto para darme cuenta de qué tan importante había sido en mi formación esa manera de escuchar y estar. Yo siempre fui, no sé si decir rebelde, porque no fui alguien que hiciera cosas por rebeldía, pero sí era alguien que se separaba y estaba en su propio planeta. En toda esta vuelta que di para este proyecto, ahora veo y reconozco cómo esa relación con la música me marcó.

― “Te celebramos”, otra canción del disco, la escribes para tu papá a pedido de él. Debe ser el encargo más difícil para un compositor: escribirle una canción a un padre.

Un día me dijo: yo nunca te he pedido nada, pero quiero que me escribas un tema para mis 80 años. Y me lo pidió enfrente de todo el mundo. Yo le dije: pa, ni que fueran quesadillas. Y por un buen tiempo le dije que no le había escrito la canción, pero ya le había pedido a mi mamá que me diera datos y me contara la historia de cómo se conocieron, qué le gustó de él, etcétera. Fue muy lindo el proceso de hacer este tema, porque quise escribir como lo hacía José Alfredo Jiménez. No quería sentarme al piano a componer, quería ir pensando en líneas mientras iba en el auto o caminando por la ciudad. Luego, contacté al mariachi y en su fiesta de cumpleaños le presenté la canción, de esto ya pasaron dos años. Cuando hice este disco, sabía que quería incluir esta canción, aunque es un tema de cumpleaños y es muy específica sobre él. Me gusta que sea la canción con la que cierro el disco porque transmite el espíritu del álbum, tiene la calidez de una fiesta, de un asado familiar.

― Este disco no tiene canciones de amor romántico, pero sí de amor de familia, a la cultura y sobre todo a los amigos. En esta etapa de tu vida, ¿valoras más el amor por los amigos que otro tipo de amor?

La amistad me ha marcado mucho en los últimos años, le he puesto un acento, me doy cuenta de quiénes me sostienen. Antes me volcaba mucho al amor romántico, abandonaba a mis amistades y me iba con mi novio. Ahora, aunque obviamente me gusta mucho el romance y se me hace bonito el amor romántico, sí estoy en una etapa de mi vida en la que aprecio mucho más la amistad, no porque no la apreciara antes, sino porque tiene un lugar más importante, la pongo encima de la parte romántica. Viví durante ochos años en Buenos Aires y la despedida más importante fue con mis amigas, necesitaba ese abrazo con ellas, despedir esa etapa tan importante con ellas.

― ¿Cómo es eso de que eres una mitómana del amor?

Sí, soy una mitómana del amor, hablo de eso en mis memorias porque sentía que tenía que incluir un capítulo del amor porque yo hablo mucho de él en mi música, me ha gustado siempre rondarlo y considero que el amor da esa posibilidad de inventarlo en las canciones. A mí me pasa que cuando conozco a alguien, veo una proyección de alguien espectacular, he idealizado a muchas personas. No quiero decir que me hayan decepcionado, sino que yo me hice una proyección en una persona normal, me dije: ‘guau, es increíble, el mejor, mi vida’. Siento que ese chip me lo metieron muy chica, ya no sé cómo sacarme esa idealización del amor, es muy difícil ver a las personas y enamorarte de alguien sabiendo cómo es, porque le quitas los defectos, pero en la realidad nadie es perfecto, somos humanos y hay que saber vivir con eso.

― En el disco y en el libro también retratas la dualidad de haber vivido y crecido en zona de frontera, ¿cómo esa situación te ha construido como persona?

Estoy atravesada por la frontera al 100%, siempre me he sentido un poco al margen, no me siento alguien de centro, establecida, estoy siempre como flotando. Creo que tiene que ver con una cosa muy profunda, no sabría cómo quitarme esa idea de la cabeza, por más que, después de este proyecto y el proceso que implicó, entiendo cosas de mí que no sabía de dónde venían. Creo que ese sentirme no establecida me lo dio Tijuana. Estás lejos de México, pero a la vez es el país más importante. En mi casa todo era México, México y México. Por más que tenía el otro lado, cruzaba la línea e iba al cine, leía y hablaba en inglés. Lo natural es vivir esa dualidad, tener el cerebro partido en dos.

― En la canción “La línea” hablas de la vida en la frontera a través de la separación, una escena que se repite todos los días en la frontera y que tú, en tus memorias, también abordas. ¿Sientes que es un clima más hostil ahora?

Cuando escribí “La línea” no estaba la cosa como está ahorita, aunque este drama siempre ha existido. Parte de lo que le genera esa energía tan extraña a Tijuana, que es muy difícil de describir, es ese movimiento constante, ese día a día de historias muy traumáticas que son parte de nuestro paisaje. Cuando íbamos a Playas de Tijuana con mi familia, veíamos el borde (con los Estados Unidos), a la gente parada allí todo el tiempo, es algo súper natural, no digo que te acostumbres para nada. Esa historia va subiendo en capas de crueldad, pero siempre ha estado allí. Cuando quería imaginarme ese norte en el que me crié, y quería hacer un retrato en canciones de ese paisaje, tenía que estar el elemento de la migración, no podía obviarlo, es parte del paisaje que existe en mi cabeza.

― ¿Por qué eliges a Yahritza y Su Esencia para este tema?

Siempre los imaginé para el disco, aunque no siempre para “La línea”. Siento que ellos están haciendo una renovación de la música popular mexicana. Son una familia de migrantes al 100%, con una realidad que a veces se pierde de vista. Ellos se fueron a vivir a Estados Unidos, pero su familia, su casa, su cotidiano, es mexicano. Inicialmente, me enamoré de su música y de la voz de Yahritza, que me parece muy expresiva, de gran emotividad y dramatismo, pero a la vez tiene pureza. Después de grabar la canción, me contaron que a ellos les había ocurrido una historia como esa. Los hermanos mayores nacieron en México y los menores nacieron en Estados Unidos. El mayor en algún momento tuvo que volver a México para arreglar sus papeles y fue muy traumático para él. Ellos son de un pueblo de Michoacán, pero se fueron muy chicos. Ya tenían el grupo y en ese momento se separaron de su hermano. Entonces, para ella cantar la canción fue muy fuerte, pero el arte a veces te da esa posibilidad. Yo quiero expresar ese trauma desde la emoción, no desde el lugar político, porque la política cambia y se mueve, pero la emoción, ese trauma de la separación, siempre va a ser el mismo. Si me separas de alguien querido va a ser siempre muy traumático, y eso quiere expresar la canción: el dolor y la esperanza.

― El disco sale en un momento en el que varios artistas han decidido reconectar con sus orígenes a través de la música. ¿Cómo se lee esto en un contexto en donde, por un lado, las redes sociales parecen querernos a todos iguales, pero por otro cada vez surgen más nacionalismos extremistas?

A mí me gusta lo que está pasando en la música, porque me gusta descubrir las raíces de todos. Yo creo que necesitamos ver eso también, ver lo que nos hace ser quiénes somos, volver a lo que nos construyó de alguna manera nos ubica en el mundo. Estamos en un momento en el que nos toca elegir qué camino vamos a tomar, si vamos a tomar el camino de la tecnología, que nos separa de tocarnos y de sentir, porque la manera de relacionarnos se ha visto afectada por la tecnología y nos vemos como entidades que no tienen cuerpo. A diferencia de escuchar un disco que tiene que ver con raíz, que tiene que ver con instrumentos que se tocan. A mí me gusta muchísimo lo que está haciendo Milo J. Todo el mundo piensa como que Argentina es un país que no tuvo una presencia indígena, que es un país blanco, europeo y no, es Latinoamérica. Se me hace muy bonito empezar a conectarnos a través de estas historias que tenemos y que nos construyen. Me apasiona que esté pasando esto, me parece que es una reacción del arte frente a esta cuestión de que tenemos un barniz en donde todos somos más o menos lo mismo, donde los algoritmos nos dirigen en las mismas direcciones. Es un buen momento para extraernos de eso y saber quiénes somos y de dónde venimos y cómo nos relacionamos con los demás. Esa es otra lección.

― Finalmente, tú has hecho muchos estilos de música a lo largo de tu carrera, pero siempre ha persistido esa etiqueta de la rockera. ¿Cómo te sientes ahora con esa definición?

Yo nunca me identifiqué con el rock, me identificaba con el ambiente del rock, porque allí era más probable que se me entendiera. En el momento en el que yo salí, en los años noventa, en el pop no había un lugar para alguien como yo: no me iba a vestir de una manera, no iba a hacer las cosas de una manera y las canciones que estaba haciendo eran mucho más raras. La libertad la sentía en el ambiente que se salía de las vías más tradicionales o mainstream, lo encontraba en los conciertos. Cuando salía con el acordeón, para la gente primero era una sorpresa, luego les generaba curiosidad y creo que eso no lo hubiera encontrado en otros ambientes. Pero siempre me he considerado compositora de canciones con una visión propia. Actualmente, siento que la creatividad femenina está desplegándose en todos los géneros, desde el trap, hasta el reggaetón, el pop y el rock. Está en todos los géneros y yo siento que eso es muy rompedor. La producción femenina, empezando por Rosalía, viene de un lugar en el que no sabes ni siquiera con qué te vamos a salir y eso se me hace muy bonito. En ese sentido, a lo mejor ser mujer es rock, ser una mujer creativa es rock.

Neisser Banout no planeaba ser comediante, tampoco imaginaba que terminaría recorriendo países con un show propio y mucho menos que Lima sería una de sus próximas paradas. Pero su historia, como buena rutina de stand up, tiene giros inesperados, momentos incómodos y, sobre todo, mucha verdad. Verdad que la ha llevado a conquistar lugares impensables y a ganarse el corazón de todas las lesbianas que la siguen y de las mujeres heterosexuales también, algo de lo que se siente totalmente orgullosa.

“Yo estaba estudiando administración de empresas. Antes quería ser médico. Nunca pensé en hacer contenido ni en subirme a una tarima”, cuenta. Todo empezó, casi sin querer, entre 2018 y 2019, cuando comenzó a escribir en Twitter (hoy X) en medio de un momento personal complicado. Lo que parecía un desahogo terminó conectando con miles de personas. “La gente se sentía identificada y yo ni siquiera sabía que estaba haciendo comedia”, dice.

Ese primer impulso la llevó a abrirse camino en otras plataformas como Instagram, TikTok y YouTube. El crecimiento fue rápido, casi absurdo, recuerda. Y ahí entendió que tal vez ese no era el plan original, pero sí una oportunidad.

El siguiente paso, y uno de los más difíciles, fue enfrentarse al escenario. “Soy muy tímida, muy penosa. Cuando me dijeron que el stand up era pararte frente a gente que te mira fijamente… pensé: esto es lo peor del mundo”, admite. Pero lo hizo igual. Y algo cambió. “Descubrí una chispa que solo aparece cuando estoy en la tarima. Esa persona no existe en otro espacio”.

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Hoy, esa versión suya es la que la ha llevado a girar por distintos países de Latinoamérica, con un público que va mucho más allá de Venezuela. “Yo juraba que solo me seguían venezolanos, pero cuando salí de gira me di cuenta de que había gente de Perú, Colombia, República Dominicana… y todos entendían lo que decía”.

Su comedia parte de lo personal. Habla de su vida, de su familia, de su identidad. Neisser es abiertamente lesbiana y ese también es un eje de su discurso, aunque, como aclara, no es el único. “No es que hable solo de eso, es que es mi perspectiva. Pero hay muchas cosas en común. Muchas mujeres se sienten identificadas con lo que digo, más allá de la orientación”.

En un contexto como el venezolano, donde estos temas aún generan resistencia, el riesgo era evidente. “Tenía miedo de que la gente no fuera, de que alguien se molestara. Pero pasó lo contrario: la gente que va a mis shows quiere escuchar eso”.

Su público, dice, es mayoritariamente femenino (un 80%) y eso le encanta. “Voy a mis shows y son cien mujeres y dos hombres. Y esos dos hombres también la pasan bien”, bromea. Su estilo evita el ataque directo o la incomodidad gratuita: apuesta más por la identificación que por la confrontación.

El espectáculo que traerá a Lima, “Desquiciada”, es el mismo con el que giró el año pasado y que pronto convertirá en especial. Una rutina que nació en una sola noche de escritura intensa junto a una amiga comediante. “Estuvimos desde las cinco de la tarde hasta las dos de la mañana. Yo me estaba desahogando y de ahí salió todo el show”.

Más allá del humor, Neisser entiende la comedia como un espacio casi terapéutico. “Estar en una sala llena de gente riéndose… eso es sanador. Es una energía muy bonita”.

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Su llegada a Perú no es casual. Era un destino pendiente. “El año pasado quería ir, pero no pude por temas de papeles. Este año lo logré y estoy demasiado emocionada. Nunca he ido, ni de visita”. La expectativa, además del show, pasa por la comida. “Sé que tienen una gastronomía increíble. Yo amo comer. Siento que puedes conocer un país a través de su comida”.

El 8 de mayo será su primer encuentro con el público peruano, ese que, según dice entre risas, no ha dejado de reclamarle su visita. “Siempre me escribían: ‘¿y tú crees que en Perú no hay lesbianas?’”.

La comediante llega en un momento de crecimiento personal y profesional. Más segura, más consciente de su voz y con ganas de explorar nuevos formatos, como escribir series o guiones. Pero sin perder de vista lo que la llevó hasta aquí: la honestidad.

“Antes dudaba mucho de mí. Ahora cuando me subo al escenario sé que este es mi espacio y que la gente está ahí porque quiere escucharme”, dice. Y eso, en tiempos donde todo parece fugaz, no es poca cosa. Así llega Neisser al Centro de Convenciones Bianca en Barranco, con mucha energía y humor para conocer a las “lesbianas del Perú”.

Se siente como un refugio, un rincón apartado del mundo a 3.800 metros de altura en donde sus altísimos cerros, sus sombras y eucaliptos nos protegen. En Marcahuasi, a unas cuatro horas de distancia en auto desde el aeropuerto de Cusco hacia Abancay (Apurímac), el sol serrano ilumina sus paisajes, pero cuando se retira, el frío hace su trabajo y obliga a encender la leña para calentarse, abrir un vino y saborear la magia de sus quesos.

Al menos así se pasan los días en la casa de Yonatan Ovalle (45), un abogado de profesión quien junto a su familia ha construido una posada turística entre montañas, donde elabora asombrosos quesos madurados en cueva a la manera artesanal, solo a base de leche de vaca, cuajo y salmuera. Pero Yonatan nos cuenta que, además, tienen un componente religioso ligado a las Villas Pontificias de Castel Gandolfo, donde se ubica la casa de verano del Papa.

Años atrás, al terminar la carrera, avasallado por una Lima que no le dejaba espacio para respirar, Yonatan, un hombre de campo criado entre vacas y paisajes, regresó a su tierra. Encontró un cerro en Marcahuasi, compró las tierras y decidió construir su casa y su destino. La quería toda de madera, que al entrar oliese a hogar y serenidad. Así conoció a los Artesanos Don Bosco, especialistas en trabajos de madera, quienes le construyeron muebles personalizados y entablaron una amistad.

“Un día llegaron con un amigo italiano. Estábamos tomando vinos de mi bodega y moliendo café. El hombre tenía una cajita simpática, como un baúl. En la caja había unos quesos extraños, como de película”, recuerda el dueño de casa. Eran distintos tipos de quesos que trasladaba para su propio consumo entre sus viajes. Los cortaba en cuñas y untaba mieles. Hasta ese momento, de quesos solo sabía lo aprendido en casa. Sin embargo, estos quesos maduros venían de un pequeño fundo en Castel Gandolfo donde se producen lácteos. Y le enseñaron las técnicas para hacer formaggella, fontina y sbrinz, además de mozzarella y ricotta. Por varios años, entre avances y errores, Yonatan se fue perfeccionando hasta lograr un producto con identidad propia y alma abanquina.

Tecnología natural

Marcahuasi es un valle cálido donde corre un frío seco, pero cuando solea puede sentirse un fuerte calor. Eso era un problema para los quesos, pero encontró la manera de conservarlos: “Con rocas del río, frías por naturaleza, armé una habitación oscura con algunos espacios para que entre luz y circule el aire. Para mantenerla húmeda implementé una instalación de agua que mojara las paredes, pero el ambiente seguía seco. Ahí comencé a usar musgo”, explica Ovalle. Antes, probó cubrirlos con hojas de tabaco, pero estas no funcionaron. Caminó por el bosque y encontró en el musgo la materialidad más adecuada para que se cree el microclima ideal y maduren durante meses y años. Con mucha delicadeza, como un trabajo diario, Yonatan trata sus quesos con salmuera, está pendiente de su limpieza y temperatura.

Cada sábado, la familia Ovalle recibe una cantidad fija de leche de las vacas de Kerapata (unos 50 litros) y solo ese día se hacen los quesos. Bajo la marca Di O’Valle, han implementado tres tipos: Kerap (tipo fontina), cuyo nombre es un homenaje a Kerapata; Marcaw (tipo formaggella), por Marcahuasi; y, Wakansay (tipo sbrinz), por la comunidad donde nacieron Yonatan y su madre. “Queremos que se sepa que en el Perú se hace un buen uso de la leche y se tienen quesos maduros de cueva. Que tenemos la naturaleza, el clima y los pisos altitudinales para hacerlo”, dice Yonatan. Al ser una cantidad limitada de leche, no se vende a gran escala, y piensan mantener ese sistema por siempre. Por ahora, están buscando en Lima una tienda que entienda su filosofía, los venda y difunda su valor.

Pastas de tradición

Además de conocer la tradición láctea de Abancay, en la ciudad nos encontramos con la señora Visitación Paniura (62), fundadora de la marca de tallarines de casa Doña Vissi, emblemática en esta parte del Perú, pues debido a la influencia italiana los tallarines son parte de la identidad gastronómica de Abancay. Es un negocio próspero del cual se enorgullece. Desde hace años trabaja elaborando tallarines de casa a la manera artesanal y con las ganancias pudo tener una casa, darles educación a sus hijos y una vida digna. Los preparaba tal y como lo hacía su abuelita. “Ella decía que en Abancay aprendió esa costumbre tan hermosa de hacer tallarines y la llevó a la puna, donde estaba mi comunidad”, recuerda Visitación. Para la harina, los caballos trillaban el trigo pisándolo y se llevaba al molino en medio del río. Se comía tallarín en festividades como matrimonios, bautizos, cumpleaños. Cuando llegó a vivir a la ciudad, vio que lo vendían empaquetado y así decidió dedicarse a este negocio.

No necesitan distribuir sus tallarines Doña Vissi a otras regiones porque aquí se terminan. Se comen en toda variedad de platos. El tallarín con estofado de gallina es el plato típico de Abancay, también lo sirven con rocoto relleno o con pepián de cuy, japchi o arvejita. “Han venido italianos a capacitarnos en la preparación de fetuccinis y ravioles”, comenta Visitación sobre la manera en que están innovando.

En esta breve visita, nos encontramos con gratos personajes abanquinos en una tierra bendita con tunas, duraznos y pacaes, y la calidez de una posada que abraza al sentarse junto a la leña una noche fría y estrellada, rodeados de buenas historias. //

Antes de crear el nuevo menú degustación de Mayta, Jaime Pesaque y el equipo del centro de exploración creativa Yachay dejaron el mandil para convertirse en expedicionarios de la Amazonía. Navegaron los ríos de la selva, convivieron con comunidades, observaron, probaron y aprendieron de sus técnicas. Se encontraron con almejas de agua dulce conocidas como tumba cuchara, distintos tipos de ajíes y de palmas, shambiras que son como coquitos, churos (caracoles), raíces, tubérculos, frutos y una infinidad de insumos imposibles de contabilizar.

En estos viajes descubrieron de manera fortuita, mientras veían al dueño de casa en una comunidad rostizando la carachama para facilitar pelarla, que de esa manera el caldo tiene un sabor ahumado mucho más sabroso. O que allá no existen las estaciones del año, sino que a veces se camina o se navega, dependiendo de cómo fluyen los niveles del agua. Y que el pescado sabe mejor cuando hay lluvias y más agua porque tiene menos sabor a lodo. “Hemos entendido y aprendido mucho más sobre cómo palpita la Amazonía. Estuvimos en Iquitos, Tarapoto, Lamas y otros lugares. Cogíamos botes para trasladarnos 4 o 5 horas hacia comunidades y también visitamos mercados porque creemos que ahí está la cultura”, narra el chef Jaime Pesaque sobre estas aventuras.

Y el aprendizaje no se detiene. El propósito de Mayta es viajar cinco veces al año a los diversos territorios amazónicos. “Ahora lo tenemos en agenda; es algo muy sólido y por eso hemos querido gritar que queremos ser promotores de la Amazonía porque creemos que es la despensa del futuro y porque todavía hay mucho por hacer”, dice Pesaque. Pero obtener los productos en la capital no es sencillo, no hay mucha constancia en el envío. Por eso también la importancia de viajar, porque se crea contacto directo con productores y comunidades, así como un compromiso a largo plazo. El camino se está dando. “Espero, con el tiempo, sin apurarlo, que cada vez haya más comunidades que puedan traer más cosas y que se beneficien. Y al final, tener la despensa amazónica en Lima, poder mostrarla un poco, generar curiosidad en la gente y movimiento”, agrega.

Como promotores, buscan a su vez que el público se involucre con los productos amazónicos, no solo a través de su menú degustación, sino dándolos a conocer a quienes trabajan directamente con los insumos, como los propios chefs. Que los consideren en sus cartas o la gente en la cocina diaria, y quizá así pronto se encuentren fácilmente en los supermercados y los propios mercados de cada región. Por ello, observar los productos en su hábitat natural e identificar sus posibilidades de consumo es importante. Este trabajo de investigación tiene una parte complementaria en Lima, cuando llegan a Yachay, su centro de exploración, ubicado a unos pasos de Mayta.

Servir conocimiento

A Yachay llegan los insumos de la selva antes de convertirse en los platos que se presentan en el menú degustación de Mayta que este año es un 80% amazónico. Se trata de un espacio netamente creativo. Lo aprendido en las comunidades se expresa con las técnicas propias y la experiencia de su cocina vanguardista. Se trabajan texturas, temperaturas, se mezclan sabores, se entienden procesos: “Acá acertamos, nos equivocamos y tratamos de expresar todo lo que podamos con los insumos que hemos traído de la selva y el aprendizaje de su gente. Este espacio en sí tiene entregables que van a Mayta”, explica el chef.

En Yachay el trabajo es constante, no paran. Tienen un equipo destinado exclusivamente a esta labor. Los productos llegan cada día. Los trabajan, los conocen, ven las maneras en que se comportan mejor. Es la zona creativa o intelectual. “Pero todo es muy explorativo desde el ángulo de la cocina, no es académico”, sostiene Pesaque. Prefieren no llamarlo investigación, sino curiosidad. Pesaque describe Yachay como una acción, el espíritu explorador que viaja, curiosea, experimenta con los insumos. El proceso es largo. Hay bastante detalle, ensayo y error; pero lo más importante es que hay muchísimo aprendizaje. Por eso lleva ese nombre, pues en quechua ‘yachay’ significa sabiduría. //

“Si alguien tiene un mal día, me gustaría poder alegrárselo aunque sea unos minutos”, dice Mafe sin R, quien usa sus redes sociales como si estuviera frente a sus amigos porque apuesta por la cercanía sin caretas; y es precisamente por esto que dejó de publicar durante cinco años. En entrevista con Somos cuenta que dejó de sentirse ella, la universidad y otras responsabilidades la hicieron perderse y ella se debía a sus “amigos de redes”, así que no les podía mentir. Además, habla de su vuelta a las redes sociales, de que prefiere que le llamen “creadora de contenido” y de su ingreso a Zaca TV.

Mafe tiene 25 años, pero su historia en internet empezó mucho antes. En el 2015, junto a dos amigos, abrió un canal de YouTube, época en la que grabar videos probando dulces o hablando del colegio era suficiente para conectar con miles de personas. “Éramos unos bebés”, recuerda. Ese primer proyecto duró poco más de un año, pero marcó el inicio de algo más grande: su propia voz.

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Cuando los tres comenzaron a tomar rumbos distintos, decidió crear su propio espacio. Así nació Mafe sin R, un canal donde lo cotidiano se volvió contenido. No había guiones elaborados ni estrategias complejas: hablaba como si escribiera un diario. Y funcionó. Su comunidad creció, la seguían personas de su edad y también adultos que encontraban en su espontaneidad una compañía para los días largos.

Pero crecer en redes no siempre es lineal. A los 17 años, con miles de seguidores y un canal consolidado, tomó una decisión que hoy reconoce sin filtros: vendió su cuenta de YouTube. “Fue impulsivo. Me arrepiento”, admite. Era pandemia, había dejado de crear contenido y sentía que esa etapa había terminado. Además, quería una computadora para jugar, en ese momento consideró que lo que había hecho era lo mejor.

En paralelo, su vida fuera de la pantalla también cambiaba. Entró a la universidad, estudió comunicaciones, aunque lo suyo, confiesa, siempre fueron las artes escénicas, y poco a poco esa versión suya que vivía para crear empezó a apagarse. “Siento que me perdí”, dice. La rutina, las expectativas y un camino que no terminaba de llenarla la alejaron de lo que más disfrutaba hacer.

Entonces vino el “silencio digital”. Menos publicaciones, menos interacción, menos comunidad. De más de 100 mil seguidores activos a apenas unos cuantos mensajes al día. Y, sin embargo, nunca cerró la puerta del todo.

El punto de quiebre llegó varios años después: una oficina en un nido, el sonido constante de niños llorando y la sensación de estar en el lugar equivocado. “No era lo que me movía”, cuenta. Fue ahí donde se hizo una pregunta simple pero decisiva: ¿por qué no volver a redes?

La respuesta llegó en forma de reto personal. El 1 de enero de este año decidió subir contenido todos los días. Sin ideas claras, solo confiando en su instinto y en sus ganas de cambiar su rutina.

El retorno no fue inmediato ni masivo, pero sí real. Algunos videos empezaron a circular, antiguos seguidores regresaron y nuevos comenzaron a aparecer. “Antes me escribían cien personas al día, ahora eran cinco, pero escuchaba a esas cinco”, dice. Para ella, la comunidad nunca fue una cifra, sino un vínculo.

Hoy, además de reconstruir su presencia digital, vive una nueva etapa como conductora de Somos lo que somos en Zaca TV, uno de los programas de streaming más vistos por los centennials, conducido por los hermanos Giacomo y Dominico Benavides, Gia Meier y Andrea Noriega. Un salto importante, especialmente en un espacio con una audiencia ya consolidada. La transición no ha sido sencilla: reconoce los nervios, la presión y las comparaciones inevitables con el elenco anterior. Pero también entiende algo clave: el cariño del público se construye.

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“Hay gente que no lo ha tomado tan bien, y es válido. Pero esto es poco a poco”, dice, con la paciencia que la caracteriza. Además, no le incomoda que cuando anunciaron al nuevo elenco, los usuarios de redes sociales preguntaran quién era ella. “No me molesta cuando alguien pregunta quién soy”, asegura.

En medio de esta nueva experiencia, hay algo que no ha cambiado: su forma de ver el contenido. No lo concibe como un trabajo tradicional, sino como una extensión de sí misma. Por eso, evita seguir tendencias de manera automática y prefiere crear desde lo que siente. “Si a mí me gusta y creo que a la gente le puede gustar, lo hago”.

Más allá de las redes, sus planes también miran hacia otros “grandes” escenarios. Quiere retomar la actuación, explorar nuevos formatos y, en algún momento, crear algo propio que trascienda la pantalla y que la siga conectando con sus “amigos de redes”. Porque si algo define a Mafe sin R es la espontaneidad, la misma que la hizo crecer, desaparecer y volver.

Hoy, en un espacio virtual donde todo es rápido y muchas veces superficial, ella apuesta por algo más simple: ser real. “Lo más importante es ser honesto con uno mismo”, dice.

La nueva sede de la cafetería Ancestral abrió sus puertas en una histórica casona del Jr. Azángaro. Tras un año de restauración y bastante esfuerzo, el espacio busca convertirse en un punto de encuentro entre la memoria limeña y una propuesta gastronómica. Pero antes de convertirse en una cafetería, la casona del Jr. Azángaro 260 ya tenía varias vidas encima. Sus paredes habían sobrevivido a terremotos, reformas y décadas de abandono en pleno Centro Histórico de Lima.

La historia de esta casa se remonta al siglo XVIII, según la memoria descriptiva, que guarda celosamente Prolima, la vivienda perteneció a Antonio de Mena y Roldán Dávila, IV marqués de Villablanca, y fue reconstruida tras el terremoto de 1746. A lo largo de los años pasó por manos del monasterio de la Concepción, el Estado y posteriormente el Arzobispado de Lima. La fachada fue remodelada a inicios del siglo XX y todavía conserva elementos tradicionales como corredores de madera, patios interiores y estructuras de quincha y adobe.

Cuando Oscar Tejo la encontró, el panorama era muy distinto. “Esto parecía Berlín en el año 45”, bromea el socio de Ancestral mientras recorre los ambientes restaurados del local. “Yo camino mucho por Lima y vi esta casa vacía. Averigüé por un lado, por otro y llegué”.

La recuperación tomó un año completo. La casona, ubicada a pocas cuadras de la Plaza Mayor, fue refaccionada respetando buena parte de su estructura original. Hoy, el espacio combina pisos antiguos, balcones, techos altos y patios coloniales con una propuesta contemporánea de cafetería y restaurante.

La apuesta no nació de cero. Ancestral ya tenía un local en Barranco que, según Tejo, funcionaba bien desde hacía dos años. Pero el Centro de Lima comenzó a llamarles la atención. “Veía que la zona estaba creciendo mucho, mejorando gracias a Prolima. Cada vez vienen más empresas, más movimiento, hoteles nuevos. Sentimos que era el momento”, cuenta.

El resultado es una cafetería de casi mil metros cuadrados con capacidad para 400 personas y que, en apenas tres meses de funcionamiento, ya encontró un público constante: trabajadores de oficinas, funcionarios de ministerios cercanos, turistas curiosos y grupos de amigos que llegan por las tardes.

Una carta pensada para quedarse

Detrás de la cocina está Pedro Mio Ocampo, chef de Ancestral y uno de los responsables de adaptar la propuesta gastronómica al ritmo del Centro Histórico.

La carta mezcla brunch, desayunos, platos criollos, postres y coctelería. Algunos clásicos del local barranquino se mantienen, aunque con diferencias pensadas especialmente para esta sede.

“Queríamos que cada local tenga personalidad propia”, explica el chef. “En Barranco puedes comer frente al mar algo más sofisticado. Aquí, en el Centro, quisimos conectar mucho más con la cocina peruana tradicional”.

Por eso aparecen platos como el tacu tacu con lomo, el ají de gallina, cebiches y uno de los más pedidos del local: el cabrito a la norteña.

El plato llega a la mesa después de una cocción larga y paciente. El cabrito se marina desde el día anterior con chicha de jora, ajíes peruanos, culantro y especias. Luego pasa horas a fuego bajo hasta quedar extremadamente suave. Se sirve con arroz blanco y yuca. “Es un plato que no pensamos que iba a pegar tanto aquí, pero se ha vuelto uno de los favoritos”, cuenta el chef.

Otro de los protagonistas es la pasta en salsa huancaína con lomo fino, una versión más cremosa y delicada del clásico sabor peruano. La salsa, explica el chef, parte de una demi-glace de larga cocción que concentra los sabores y acompaña el lomo sin opacarlo.

Pero si hay un espacio donde Ancestral parece jugar con más libertad es en los postres: la tarta de chirimoya, inspirada en el suspiro limeño, combina masa sablée de castañas, tres leches con canela y pisco, compota de chirimoya y merengue italiano. También destacan el alfajor de lúcuma con crumble de café y la torta de chocolate rellena con crema pastelera. “Siempre buscamos darle un sello personal a todo”, dice Mio Ocampo.

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El nuevo ritual del Centro

La dinámica del local cambia según la hora. Por las mañanas predominan los desayunos y cafés. En las tardes aparecen los postres, las bebidas y las reuniones después de oficina. Los viernes, cuenta Tejo entre risas, el público cambia completamente. “Después de las cuatro de la tarde esto se llena de mujeres. Piden muchísimos postres y pisco sour”.

La carta de bebidas incluye versiones clásicas y otras más estacionales: cócteles con maracuyá, sandía, coco o hierba luisa, además de una versión de pisco sour con esencia de maíz morado preparada en casa, el famoso Chicha Sour.

El espacio también apuesta por crear ambiente. Hay pianistas, violinistas y música en vivo varios días a la semana. Arriba, la casona revela otra cara: salones más íntimos, corredores antiguos y rincones donde todavía se siente el eco de la Lima antigua.

Para Tejo, el objetivo es que Ancestral no sea solamente un restaurante. “La idea es que la gente venga a disfrutar el Centro. Que vea que Lima está cambiando, que se puede recuperar una casa histórica y devolverle vida”.

La respuesta, asegura, ha sido mejor de lo esperado. Tanto así que ya planean abrir una nueva sede, probablemente en Miraflores o San Isidro. Mientras tanto, en Jr. Azángaro, la vieja casona que sobrevivió a décadas de deterioro y hoy vuelve a llenarse de gente.

Tras navegar media hora por el caudaloso Marañón, saliendo del puerto de Nauta, llegamos a la comunidad. Nos esperan mujeres artesanas kukama-kukamiria conocidas por dominar con sus manos el arte de la fibra vegetal de la chambira, una palmera amazónica con la que continúan tejiendo una tradición que alcanza a sus madres, abuelas y generaciones más antiguas.

Actualmente, reciben a turistas y visitantes de los cruceros amazónicos que se detienen por unas horas en esta tierra alejada de todo ruido. Aquí pueden convivir con ellas, conocer su visión del mundo y de su gastronomía. Compran sus artesanías como canastas, paneras y los hermosos pajaritos inspirados en las especies originales que le rinden homenaje a la naturaleza que las rodea. Con este trabajo generan ganancias para sostenerse, así como a sus hijos. Pero los turistas no llegan todos los días a la Comunidad Nativa Río Marañón.

Con el proyecto “Saberes que crean futuro” implementado por Unesco Perú como parte del Programa de Sostenibilidad Segundo Vuelo de Latam Airlines Perú, las 13 mujeres de la Asociación Fibra y Arte del Marañón están recibiendo el impulso necesario que potenciará su arte bajo un enfoque sostenible e incorporando sus saberes a nuevos productos con materiales reciclados. La aerolínea dona uniformes, telas de asientos y plásticos utilizados a bordo que, en lugar de ser desechados, tendrán una nueva vida en los artículos elaborados con las técnicas ancestrales.

El reto de los materiales

La diseñadora textil Laura Sacchi es parte del proyecto. Ella siempre ha trabajado con comunidades, es una mediadora, alguien que traduce las técnicas indígenas y las traslada al mercado actual en conjunto. Poner a conversar los materiales de asientos, mantas, cortinas (pensados en su resistencia y durabilidad), con una materia prima sostenible como la chambira, ha significado un reto absoluto para ella con resultados emocionantes y nos explica por qué. Al ser el cosido artesanal de fibra la técnica usada en esta comunidad, a Sacchi se le ocurrió cortar el material reciclado en tiras y hacer que reemplacen o se mezclen con la fibra, de tal manera que se pueda coser.

El proceso es difícil. Conseguir la chambira puede ser hasta peligroso; ir al bosque, cortarla, desfibrarla, secarla y teñirla implica tiempo; pero estas mujeres han demostrado tenacidad y talento. Con su creatividad, la asesoría y el diseño de Sacchi han elaborado accesorios únicos como la cartera arcoíris, la juane (por su forma similar a un juane), la ‘pishpira’ que quiere decir ‘mujer coqueta’ porque es un accesorio decorativo que les recuerda a una mujer; monederos con forma de caracolitos, posavasos de sandías. Son productos auténticos que solo nacen de sus manos. “Lo importante es que todas puedan hacer la producción y trabajen juntas. Es un compromiso total por parte de todas para lograr la colección. Les he dado ideas, pero es un trabajo colectivo”, comenta la diseñadora. A veces, solo hace falta un poco de apoyo y hacer que crean en su propio talento.

Economía del día a día

Como parte de la tradición de bienvenida a la comunidad, las mujeres nos muestran el recorrido que hace la chambira hasta llegar a convertirse en una pieza artesanal. La señora Francisca Orozco nos cuenta sobre este trabajo de sostenibilidad: “Nosotras reforestamos la palmera para poder tener siempre nuestra materia prima. Solo se cosecha una vez al año. Es importante ser resiliente con el cambio climático y con nuestra selva. En la comunidad tenemos sembradas 2.985 palmeras reforestadas”, enfatiza. La meta es llegar al año 2030 con 10.000 palmeras. Francisca también nos explica cómo tiñen las fibras con frutos y vegetales: los aplastan, los hierven y, dependiendo del color que estén buscando, usan cúrcuma para el amarillo, achiote para el naranja, henna para el negro, retama para el marrón. Así se ha hecho siempre.

Juana Amias Mozambite, miembro de la asociación, veía de pequeña a su abuela elaborando ‘shicras’ (bolsos), abanicos y sombreros de chambira. Nunca le dio importancia, pero de grande aprendió su valor. Está bastante entusiasmada con el proyecto: “Estoy muy contenta con este trabajo. Nunca imaginé tener un ingreso mayor y hacer cosas novedosas. Yo solamente hacía chambira, ahora estoy cosiendo tela fusionada con chambira. Es una oportunidad de que conozcan nuestro trabajo”, resalta Juana. Con cinco hijos aún a su cargo, vender sus productos más allá de su comunidad al precio justo es una ilusión que les permitirá sostener la educación y la salud de sus pequeños.

Precisamente, este proyecto busca apoyar a mujeres con menos acceso a los mercados “sea por aspectos culturales, por salir menos de la comunidad, por tener una carga familiar y del hogar no remunerada mucho mayor a la del hombre. Entonces, las ayudamos a empujar la articulación comercial”, nos explica Ximena Querol, directora ejecutiva de Sector3 y encargada de la articulación comercial y diseño del Programa de Sostenibilidad Segundo Vuelo de Latam. Con la asociación de la Comunidad Nativa Río Marañón están desarrollando los productos desde cero, pero, como parte del proyecto, han asesorado a tres asociaciones más de Lima, Ayacucho y Cajamarca. Además, trabajan con diseñadores, con ‘retailers’ y con tiendas de Lima, por ahora.

Para la especialista de comunicación y cultura en el sector Cultura de Unesco Perú, Gabriela Altuna, con este proyecto se busca generar reconocimiento a las mujeres de las comunidades, valorar el tiempo dedicado a este trabajo artesanal y lograr un impacto profundo en su economía. Por ello, refiere que se busca un mercado donde puedan vender los diseños y se pague el precio que merece este conocimiento. “La idea es desarrollar capacidades, brindar herramientas y abrir espacios para que luego ellas solas puedan gestionarse en ellos”, comenta Altuna. Hay que prestar atención: estamos hablando de productos de hoy elaborados con técnicas ancestrales sin que esto sea una contradicción. Estas mujeres reutilizan materiales y les dan una nueva vida mientras se sirven de la naturaleza con respeto, reforestando sus bosques y cuidándolos para las próximas generaciones. Tendremos la oportunidad de comprar los artículos innovadores, los más tradicionales y conocer a profundidad sus procesos en el lanzamiento de la colección con las mujeres kukama-kukamiria el 20 de mayo en la tienda Qaytu de Barranco. //

Es emocionante imaginar un viaje hacia millones de años atrás, con criaturas marinas de tamaños impresionantes que dominaron lo que hoy es nuestro desierto costero, como el ‘Perucetus colossus’, el animal más grande que habitó este planeta y que fuera descubierto por el paleontólogo peruano Mario Urbina. Estos mundos desconocidos de cetáceos, delfines y tiburones en sus formas más primitivas no están en la imaginación ni en videos generados por la inteligencia artificial: se pueden rastrear en un cementerio de fósiles al sur de la capital, en Ica y Ocucaje. Fascinan a la comunidad científica tanto como a niños, niñas y adolescentes. Pero ¿por qué no aprovechar esta conexión entre la ciencia y la curiosidad a flor de piel?

Actualmente se viene desarrollando el proyecto “Del desierto a la escuela: el delfín de 7 millones de años”, una iniciativa que conecta la investigación científica con la educación. Es el resultado de una colaboración entre el Colegio Peruano Japonés La Unión, el Instituto Geológico, Minero y Metalúrgico del Perú (Ingemmet) y Mario Urbina, paleontólogo del Museo de Historia Natural de San Marcos. “El proyecto nació como una búsqueda por acercar a los colegios a la ciencia, y una de las más llamativas para muchos estudiantes es la paleontología, que estudia los fósiles para entender cómo ha ido cambiando la historia de la Tierra”, explica Manuel Burga, profesor de Biología en el Colegio Peruano Japonés La Unión y miembro del Departamento de Paleontología de Vertebrados del Museo de Historia Natural de San Marcos.

Se trabaja con los fósiles previamente descritos que se quedan en el desierto y se pierden cada año producto de la erosión del viento. Por ello, la idea de rescatarlos con miras a que ayuden a la educación. Para este proyecto, lograron trasladar el pesado fósil de un delfín de 7 millones de años desde Ocucaje hasta el laboratorio del colegio, donde ha sido trabajado por los estudiantes y profesores desde su llegada en 2024.

INVESTIGAR EN LAS AULAS

Al mismo estilo que los paleontólogos, con mascarilla por el polvillo que se genera y lentes de protección, los estudiantes del colegio que se ofrecieron voluntariamente a participar del taller tuvieron como reto inicial eliminar la roca hasta dar con el ‘Brachydelphis’ llamado Delfina. Bajo la mirada del profesor Manuel Burga, trabajaron con mucha delicadeza y fueron encontrando los primeros rastros de huesos de la cola. Después de unos ocho meses, al llegar a la zona del vientre encontraron algo extraño, lo pusieron bajo el estereoscopio y los alumnos notaron huesitos parecidos a vértebras. ¿Acaso Delfina estaba embarazada?

“En realidad, era su última cena”, recuerda Sophie Kempny, estudiante de séptimo grado al describir los restos fosilizados en el estómago de Delfina, que eran los últimos pececitos que comió. Sophie y su compañera Joanna Sullca, del mismo grado, tienen un profundo interés por la biología y piensan dedicarse a esta especialidad profesionalmente. Acercarse de esta manera al cuerpo de un delfín, observar su esqueleto y conocer sus funciones anatómicas y el contexto milenario en que se desenvolvió ha sido impresionante para ellas. “Me gustaría dedicarme a la biología. Por eso, ver las partes del delfín, como sus aletas y vértebras, me llamó mucho la atención”, comenta Joanna.

Para el profesor Manuel Burga, estos descubrimientos son motivadores porque, además de mostrar la calidad de fósiles que tenemos, se puede saber su dieta, qué sexo tenían o si era adulto o joven. Manuel describe la emoción de los alumnos al resolver las dudas generadas durante sus investigaciones y obtener sus propios descubrimientos. Las preguntas eran abundantes y el aprendizaje continuo. No se están entrenando en paleontología precisamente, sino que incentivan su gusto por las ciencias de manera auténtica, sin imposiciones y desarrollando habilidades que quizá no sabían que podían tener.

La directora del colegio, Edith Martínez, sostiene que el objetivo de trasladar este primer fósil de 7 millones de años es pasar de la investigación de gabinete a la praxis. “Lo que queremos con nuestros alumnos es construir el conocimiento, que no sea estático. Las escuelas deberíamos comprometernos más con la parte vivencial que al final es un aprendizaje para la vida”, comenta. Con ese propósito, están planificando su próximo viaje al desierto en busca de un nuevo fósil, pero esta vez con alumnos y padres de familia, porque están convencidos de que es una iniciativa que amerita insertarse en la comunidad. De hecho, esta semana Delfina ha sido presentada oficialmente y estará en exhibición durante un mes en el Colegio Peruano Japonés La Unión. ¿Qué otros colegios se animarían a involucrarse con este proyecto?

Tres días después de alcanzar la gloria en un ajustado “extra game” frente a la Universidad San Martín, los ecos de la celebración todavía vibran en las voces y el corazón de las jugadoras íntimas, reunidas por última vez esta temporada en el estadio Alejandro Villanueva. Allí, entre cámaras, flashes y camisetas blanquiazules, cumplen una maratón de entrevistas antes de emprender caminos distintos.

Las risas rebotan en los pasillos. El entrenador argentino Facundo Morando va de un lado a otro lanzando bromas a sus dirigidas y al cuerpo técnico. El alivio es evidente: Alianza Lima acaba de cerrar una campaña inolvidable, marcada no solo por el tricampeonato, sino también por su estreno en el Mundial de Clubes y un meritorio tercer lugar en el Sudamericano, torneo que volvió a poner al vóley peruano en vitrina internacional.

Pero debajo de esa alegría también aparece otra emoción, más silenciosa: la que llega con los finales. Algunas jugadoras saldrán de vacaciones. Otras se pondrán el chip de la selección peruana. Y unas cuantas empiezan a despedirse de un grupo que encontró en la exigencia, la convivencia y la presión de ganar una forma de hacerse familia. En Matute todavía quedan risas, abrazos y fotos pendientes, aunque todas parecen entender que incluso los ciclos más exitosos, aun en medio de la victoria, también necesitan renovarse.

EL ÚLTIMO BAILE

Del saque, arrancamos nuestra primera conversación con Maeva Orlé y Clarivett Yllescas, dos piezas decisivas en el tricampeonato de Alianza Lima. Una como la gran extranjera del equipo. La otra como referente y símbolo del club de sus amores. Más tranquilas tras la dramática definición frente a San Martín, ambas repasan la enorme exigencia que demandó esta temporada, sellada con un ajustado 15-13 en el quinto set del ‘extra game’.

Orlé fue mucho más que un refuerzo. Intensa dentro de la cancha, efusiva para celebrar y frontal para convivir con la presión, la francesa atravesó meses de máxima exigencia física y emocional. “Fue una temporada intensa. Muy intensa”, resume la atacante. La carga de competir en tres torneos de alto nivel en menos de un año terminó llevando al plantel al límite. A eso se sumaron las críticas por no alcanzar la final del Sudamericano, uno de los momentos más complejos de la campaña. “Tuvimos que blindarnos como equipo y seguir adelante”, recuerda Yllescas.

Ambas coinciden en que pocas veces habían vivido una presión como la que genera el club íntimo. Maeva admite que nunca había jugado frente a una hinchada tan apasionada, mientras Clarivett prefiere tomarse con humor las críticas y opiniones que aparecen después de cada derrota. “Cuando perdemos, todas nos tenemos que ir; cuando ganamos, todas nos tenemos que quedar. Hay comentarios que molestan porque están tocando tu trabajo, pero trato de no darles importancia”, afirma la voleibolista peruana.

Lo que viene ahora será distinto para las dos. Clarivett continuará ligada al equipo. Maeva, en cambio, prepara la despedida. Habla de descanso, de “vaciar la cabeza” después de una campaña agotadora y de perseguir nuevos retos fuera del país. Cuando le preguntamos qué significaron estos años para ella, la voz se le quiebra. Hace una pausa larga. Mira a sus compañeras y derrama unas lágrimas. “Alianza siempre tendrá un lugar en mi corazón”, alcanza a decir.

EL ALMA DEL CAMERINO

Si Esmeralda Sánchez es la voz serena del vestuario, Sandra Ostos es la chispa que enciende y mantiene unido al grupo. Juntas representan dos piezas fundamentales en la interna del club blanquiazul, un espacio que, entre viajes, entrenamientos y batallas deportivas, terminó construyendo vínculos marcados por la confianza, el compañerismo y una manera muy íntima de vivir la competencia.

Capitana y líbero del equipo, Esmeralda asume uno de los roles más silenciosos dentro de la cancha, pero también uno de los más importantes fuera de ella. Sus compañeras la describen como la persona a la que siempre se puede acudir en los momentos difíciles. La que escucha, aconseja y sostiene cuando aparecen las dudas o el cansancio pasa factura. Sandra, en cambio, aparece en el otro extremo del camerino: pone la música, lanza bromas y contagia alegría incluso en los días más pesados. “Cuando Sandra no está en su día, se siente raro todo”, cuentan entre risas sus compañeras. Aunque la popular ‘Guerrera’ aclara que, en realidad, todas ponen “su cuota de chongo”.

Para ambas, vestir la camiseta de Alianza tiene un significado especial. Ostos llegó esta temporada al club del que es hincha y rápidamente se ganó un lugar dentro del grupo. Detrás de su personalidad extrovertida, Sandra también habla del lado menos visible del alto rendimiento: la disciplina diaria, el desgaste físico y los sacrificios personales que implica competir al máximo nivel. “No es solo entrenar. También es descansar bien, comer bien y cuidar cada detalle todos los días. Hay muchas cosas que la gente no ve: el cansancio, dejar de lado tiempo con tu familia o con la gente que quieres para poder rendir”, comenta la receptora.

Esmeralda, por su lado, mira el futuro con calma. La capitana asegura que tiene pensado quedarse una temporada más en Alianza Lima antes de buscar una oportunidad en el extranjero. Pero antes de asumir lo que vendrá, necesita bajar las revoluciones después de un año vertiginoso. “Lo que toca ahora es descansar”, dice. “El grupo se volverá a recomponer y seguiremos trabajando para lo que viene. Lástima que Mae se marche, así como otras chicas que nos dejan. Hemos formado un grupo muy bonito, pero así es la vida. Mientras vayan a perseguir sus sueños y busquen crecer, creo que está bien”, concluye.

MÁS ALLÁ DE LA CANCHA

Mientras algunas jugadoras hablan del desgaste físico de una temporada interminable y otras aún intentan procesar las despedidas que deja el cierre de ciclo, Diana de la Peña e Ysabella Sánchez llevan la conversación hacia otro terreno: reflexionan sobre lo que significa ser voleibolista en el Perú actual. Ambas entienden que el tricampeonato de Alianza Lima representa mucho más que una nueva corona: también simboliza una oportunidad para que el vóley femenino siga creciendo, gane mayor visibilidad y vuelva a ocupar un lugar importante dentro del deporte peruano.

Diana agradece que, en los últimos años, el campeonato haya empezado a recibir más atención mediática y respaldo de marcas. “Siento que nos tienen que seguir apoyando, no dejarnos, porque todo es un proceso”, comenta. Para la central blanquiazul, la exposición del torneo no solo beneficia a los clubes, sino también a las propias jugadoras, que hoy encuentran más espacios para mostrarse y construir una carrera profesional dentro del deporte. “Antes eso no pasaba”, añade.

Chabela escucha atenta y asiente. La matadora sonríe cuando la conversación gira hacia la relación con los hinchas, uno de los fenómenos que más las sorprendió durante esta campaña. En gran medida, el crecimiento del vóley también se refleja ahí: en tribunas llenas, fanáticos esperando fotos al final de los partidos y una comunidad que acompaña al equipo incluso fuera de la cancha. “Es bonito ver que ahora el vóley mueve tanto y que la gente está pendiente de nosotras”, comenta Ysabella. Esa cercanía, admiten, también termina convirtiéndose en una responsabilidad.

Por eso, Diana y Chabela coinciden en que el mayor logro de esta temporada quizá no pueda medirse únicamente en sets o trofeos. También está en la gente que volvió a mirar el vóley peruano con entusiasmo y en un grupo de jugadoras que consiguió que este deporte vuelva a sentirse cercano, vigente y capaz de emocionar a todo un país.

Esta es una señal. Encontrarnos con un espacio como la vinoteca Prieta Quebranta indica que el vino peruano debe tomarse muy en serio. Y no es para menos. La historia vitivinícola sudamericana comenzó en nuestro país con la llegada de los primeros racimos de uva negra criolla durante la colonia. Cerca de 500 años después, bodegas nacionales —poco a poco y en pequeñas producciones— están destacando ante los ojos del mundo y de los propios paladares de nuestros compatriotas acostumbrados a las botellas importadas de Argentina, España, Italia, Francia o Chile.

En desiertos cercanos al mar, en las frías alturas o sobre la memoria de explosiones volcánicas, los vinos peruanos tienen mucho por mostrar, y Prieta Quebranta es el punto perfecto para conocerlos, educarnos y tomar la decisión de apostar por nuestra calidad que no tiene nada que envidar.

En nuestra visita nos recibe la sommelier Rosanna Zárate, socia de Pedro Cuenca, también reconocido en el mundo de las uvas por su incansable misión de promover, en distintos espacios, a bodegas, familias o personajes detrás de este oficio, además de resaltar la identidad de cada uno. Prieta Quebranta es un fiel reflejo de esa filosofía. Aquí encontramos el rincón ideal para los amantes del vino: una fina curaduría de alrededor de 240 etiquetas —de 40 bodegas nacionales provenientes de nueve regiones vitivinícolas—, así como catas, experiencias y una atención personalizada y con mucho cariño. Te van a engreír.

“Nacimos con el objetivo de rescatar nuestra peruanidad en torno al vino con la certeza de que el Perú guarda un patrimonio vitivinícola importante”, nos dice Rosanna. Explica que Prieta Quebranta está dividida en tres zonas: “Estamos en el espacio de presentación de los vinos [ver foto], donde no queremos que el cliente haga una elección pasiva, sino que se genere una interacción con la asesoría de un sommelier siempre presente. Orientamos sobre el tipo de vino, según la gastronomía que eligen para acompañarlo, por la conexión con su tierra u otras experiencias”, comenta. En los anaqueles, cada bodega destaca con la exposición de sus etiquetas, un elemento representativo de su geografía o cultura, y los retratos de sus productores. Al centro está una amplia mesa que invita a la conversación con los demás visitantes. Aquí hay vinos de degustación, así como variedad de quesos y charcutería peruanos —también en pequeñas producciones—, ideales para maridar cada elección.

En el mezzanine está el salón para catas, donde sommeliers y bodegas explican las cualidades de sus vinos —generalmente los fines de semana—. El espacio también funciona con reservas o para privados. Finalmente, la terraza que conecta con la calle tiene una propuesta más lúdica, orientada a las experiencias con vinos y una carta de quesos regionales. La experiencia es única.

De tierra de volcanes

En el mismo mezzanine de Prieta Quebranta, días antes, nos sorprendimos con una cata de vinos fuera de este mundo. Era la bodega Volcanic Wines de Marco Zúñiga, ingeniero agrónomo y enólogo que mantiene la tradición familiar sostenida desde hace once generaciones. Actualmente, divulga los vinos de la línea Eleven Club (@vinoeleven): once vinos gastronómicos de distintas influencias volcánicas y provenientes de tres niveles de altura en los valles de Majes y Vítor. “Son vinos de altura, con alta radiación solar, lo que influye en la uva. Solo eso ya nos diferencia del 95% de las áreas de producción nacional. Y todo se redondea con nuestro suelo volcánico”, resalta Marco. A ello se suma un elemento adicional del que también nos habla: el agua volcánica. “Hay una mineralización que sabemos cómo canalizar para fortalecer el carácter mineral de nuestro suelo. Todo este viaje mineral se percibe en el producto final”. Son vinos únicos, tal como lo exige la gastronomía peruana de más alto nivel. Estas etiquetas han llegado a las mesas de restaurantes como Central, Maido y Rosa Náutica.

Asimismo, Lima tendrá la ocasión de probarlos en el evento Hay Más Vino, organizado por la periodista y sommelier Melina Bertocchi (@palabradevino). En este encuentro que nació en 2023 con vinos boutique del mundo y como una alternativa a los eventos masivos, la presencia peruana se siente más fuerte en cada edición con más etiquetas y charlas, en las que el público puede probar vinos peruanos y convencerse de su calidad.

“Estamos en un momento interesante porque, contrariamente a lo que está pasando en Europa y EE.UU., donde el consumo está en picada, en el Perú vamos en crecimiento. Tenemos la ventaja de estar detrás de la movida mundial. Es una oportunidad de crecimiento cultural, conocimiento, oferta y calidad, que marcan la diferencia. Hay mucho por descubrir”, sostiene Melina.

Nuestras bodegas así lo demuestran. Es hora de explorarlas con detenimiento, saborear sus vinos y dejarnos sorprender. //

En el corazón de Barranco, un distrito que respira arte y diseño en cada esquina, Casa Rocaverde continúa consolidándose como un punto de encuentro para el talento local. Este espacio, que combina café y una cuidada selección de marcas peruanas, suma ahora nuevas propuestas de moda, decoración y accesorios que estarán disponibles desde el próximo sábado.

Más que una casona cultural, Casa Rocaverde propone una experiencia apenas cruzas su primera puerta. Con esta nueva curaduría, refuerza su espíritu de visión compartida: productos con identidad, procesos conscientes y una apuesta clara por lo hecho en el Perú. Entre las marcas que se integran está Qora (@qora.lima), una propuesta botánica que va más allá de lo decorativo. “No vendemos plantas, creamos experiencias vivas”, señalan, destacando su interés por generar una conexión auténtica con lo natural. Sobre su llegada, añaden: “Este es un espacio que se siente, donde todo está hecho con intención”.

A partir del diseño experimental y sostenible, Trellis (@trellislima) aporta una mirada innovadora que combina arte, tecnología y materiales poco convencionales, como filamentos hechos de algas recicladas y cáscaras de piña. “Nos entusiasma formar parte de un espacio que reúne marcas con sensibilidad y una visión auténtica del diseño”, comentan, invitando a descubrir propuestas que nacen desde lo honesto en cada visita a Barranco.

En moda, Onism (@onism.brand), firma fundada por Celene Oropeza, apuesta por prendas limitadas que trascienden temporadas. Con una estética que equilibra lo atemporal y lo contemporáneo, su presencia en Casa Rocaverde refuerza la idea de la tienda como un espacio donde “las piezas no solo se compran, sino se viven”, como Oropeza misma apunta: integrando moda, comunidad y momentos cotidianos como un café compartido.

Para cerrar, Hercules Atelier (@hercules_leather) destaca por su enfoque artesanal: cada pieza es elaborada a mano por artesanos peruanos, lo que garantiza unicidad en cada diseño. Su incorporación responde de manera natural al espíritu del lugar, donde distintas identidades convergen en una propuesta común, con piezas que no responden a la volatilidad del mercado, sino más bien a una conexión real. //