Bajo un sol otoñal que aún calienta, Arena Rodríguez llega a la playa Makaha caminando sin apuro, con la tabla bajo el brazo y una serenidad que contrasta con su intenso presente competitivo. Hace apenas unas semanas se quedó con el título del Señoritas Open Pro —torneo de la World Surf League— y viene de medirse en Brasil, donde el nivel sudamericano obliga a no bajar nunca la guardia. Sin embargo, no hay rastro de ansiedad en su mirada. Habla pausado, observa el mar, sonríe. A sus 20 años, Arena muestra un aplomo poco común, como si ya hubiera aprendido a convivir con la presión de la alta competencia.

Esa madurez no es casual. Es el resultado de años de disciplina y de una relación muy clara con su deporte, construida desde muy temprano. Arena empezó a surfear a los ocho años, luego de que su papá la animara a entrar al mar en Punta Roquitas, en la Costa Verde. Lo que comenzó como un descubrimiento se volvió rápidamente una rutina, casi una necesidad. “Lo probé y nunca lo dejé”, recuerda la joven tablista, con la mirada fija en el horizonte. Desde entonces, el surf dejó de ser un pasatiempo y pasó a ocupar un lugar central en su vida.

Con el paso de los años, ese vínculo se transformó en una convicción. Por estos días, Arena tiene claro que su objetivo es convertirse en campeona mundial. Para alcanzarlo, entrena casi todos los días de la semana en jornadas de doble turno en el mar, bajo la guía de su entrenador, Luis Eduardo Escudero. A ese trabajo suma preparación física, entrenamiento mental y una alimentación cuidada. Sabe que el alto rendimiento no admite descuidos y que cada detalle cuenta cuando se compite en circuitos donde todas llegan igual de preparadas.

En su corta carrera, uno de los episodios que más la marcó ocurrió en el Mundial ISA Open de 2025, en El Salvador, donde alcanzó la fase final. Arena llegaba confiada, con la sensación de estar cerca del título, pero terminó en cuarto lugar. Lejos de interpretarlo como un retroceso, lo asumió como una señal. “Me quedé con muchas ganas. Esa final fue muy reñida y no se dio como quería, pero me dejó claro que estoy cerca y que tengo que seguir trabajando”, cuenta. Aun así, el hambre de gloria sigue intacta.

EL LLAMADO DEL MAR

El soporte que Arena tiene fuera del agua es clave. Sus padres han sido una presencia constante desde el inicio: no solo la acercaron al surf, también la sostienen en los momentos más complejos, cuando los resultados no acompañan o aparecen las dudas “Ellos siempre me han vuelto a levantar”, dice. En un deporte exigente y muchas veces inestable, ese respaldo marca la diferencia.

Su nombre también tiene una historia simple, pero significativa. Fue una elección de su madre mucho antes de que naciera; siempre quiso llamarla así, como si desde entonces el mar ya formara parte de su destino. Con el tiempo, terminó calzando de manera natural con el camino que eligió.

Fuera del surf, Arena lleva una vida ordenada. Cuida su descanso, su alimentación y sus tiempos de entrenamiento, pero también se da espacio para desconectar: jugar tenis, compartir con su familia o ver a sus amigos. Ese equilibrio —dice la deportista— le permite sostener el ritmo del alto rendimiento sin perder perspectiva.

En el corto plazo, la surfista peruana busca clasificar a los Juegos Panamericanos de Lima 2027, pero su proyección va más allá. Cuando comenzó en la tabla, el surf aún no era deporte olímpico, pero hoy alcanzar el podio se ha convertido en uno de sus grandes desafíos. “Ver a otros peruanos competir en unos Juegos Olímpicos te da una motivación extra. Te hace sentir que sí se puede, que no es algo lejano. Ahora quiero estar ahí y pelear por una medalla”, afirma.

El camino, sin embargo, no es sencillo. El circuito es exigente, los viajes son constantes y el financiamiento todavía limitado. Arena combina el apoyo de algunas marcas con el de su familia, mientras sigue construyendo los resultados que le permitan sostenerse por completo en el deporte. Sabe que todo forma parte del proceso. Y está dispuesta a recorrerlo hasta el final. //

Hay una imagen que se me quedó grabada antes de sentarme a comer: un pequeño mural de Jesucristo custodiado por flores frescas, en el corredor de entrada. No es decoración (o, si lo es, lo disimula bien). Parece que alguien lo puso ahí de verdad, como en una quinta surquillana, como en la casa de una abuela creyente. Medidas anotadas a lápiz en la pared. Una persiana de metal que simula un bar de pisco cerrado al costado. Afuera, una calle de Surquillo donde aún no llegan los restaurantes de moda y, al frente, una sanguchería de las que abren las 24 horas. Los Primos de San Juan no desentona. Se adapta. Se mimetiza. Y en esa decisión —la de no fingir estar en otro lugar— está el corazón de su propuesta.

César Hernández fue durante más de veinte años la mano derecha del chef Rafael Osterling. Tenían una costumbre: el primero que llegaba le preparaba café al otro. Ese grado de amistad —y de oficio— define lo que César es en la cocina: alguien que aprendió a cocinar desde adentro, con sazón, memoria y empeño. Junto a él, Héctor —su hermano, chef del restaurante del Museo Larco— y Alan Chamba, primo hermano de ambos, director de hospitalidad de Central, que se las agencia para estar en los dos lados. Los tres crecieron juntos en el aún nuevo San Juan de Miraflores, cobijados por su abuela María, que no los dejó estar en la calle; en cambio, les enseñó a cortar cebollas y a ser del barrio de otra manera. Esa mujer está en cada plato.

Virgilio Martínez lo llamó, según cuentan los primos, el “fine dining popular”. La cocina de la carretilla y la calle, elevada con técnicas del mantel y del menú de pasos. El cebiche triciclo lo explica mejor que cualquier definición: una carretilla de San Juan servía cebiche con plátano y César la reversionó con un puré pintado en el plato —suave, dulce, con cuerpo—, una leche de tigre picantona y una corvina fresquísima del día. Sencillo en la idea, preciso en la ejecución.

Las conchitas del tío Julio sorprenden por contención: mantequilla al mezcal con notas ahumadas que realzan el molusco en lugar de sepultarlo. El seco de María —en honor a la abuela— llega en ‘sous vide’: carne tierna que no pierde textura ni humedad, con una salsa de textura ‘velouté’ que concentra todo el sabor del guiso tradicional, pero con una delicadeza inédita. Lo acompaña un majado de yuca aterciopelado con un ligero crujiente encima. Hay una pasta que se llama Giuseppe Riccetti —gambas y huancaína—, cuyo nombre es un guiño al personaje de Carlos Alcántara en “Asu Mare”: el chico de barrio que adopta un alias pituco para camuflar su origen.

Esa noche, en una mesa cercana, cocineros de Astrid & Gastón cuchareaban la crema volteada con ‘crumble’ de cristales de naranja y helado de coco. Compartían, probaban. Todos soñamos con esa historia: la de tres primos de San Juan que escalaron el ‘fine dining’ y pusieron su propio restaurante.

Humildad, barrio y oficio. Tres cosas que no aparecen en el menú, pero que definen cada plato. Los Primos de San Juan no es un restaurante con identidad: es identidad convertida en restaurante. Soñarlo es fácil. Hacerlo, no. //

Un día en los laboratorios de Glexco Robotics & Automation, en Surco, no se parece en nada a un día de oficina convencional. En la entrada, cual recepcionista, hay un robot rechoncho de rostro amable que te saluda, escanea tu rostro y, tras verificar tu identidad, te saluda por tu nombre con su habitual voz sintetizada. Unos pasos más adentro, en el showroom, dos androides de la marca Ubitree extienden la mano con una cortesía y energía impropia para un oficinista que recién llega al trabajo. Más allá, dos perros robóticos te ven aparecer y se sientan para ofrecer la patita mecánica, más educados que cualquier peludo de barrio. La sensación es que hemos viajado al futuro. Pero en Glexco se apresuran a corregirlo. Esto no es el futuro. Esto es el presente.

La prensa que cubrió el debate electoral peruano, repleto de puyas y discursos ininteligibles, alcanzó a notar que el expositor mejor articulado de la noche no fue ningún candidato a la presidencia. Fue Xpertus, un robot de forma humanoide que, presente en la sala, orientaba a los ciudadanos curiosos en el laberinto del sistema electoral peruano 2026. Xpertus es un robot cien por ciento peruano, fabricado en las instalaciones de Glexco, y representa un hito en la incipiente industria local. “Fue el primer robot que desarrollamos acá y su especialidad es la interacción con personas. Puede conversar, resolver dudas”, cuenta Jorge Tuesta, CEO de Glexco Robotics, sobre este C-3PO a la peruana.

Como muchos compatriotas de su generación, Tuesta creció viendo en la televisión series de autómatas metálicos como “Ultrasiete”, “Ultraman” o “Goldar y los monstruos del espacio”. Para los niños de los años setenta y ochenta, los robots eran una obsesión. Si los chicos del siglo XIX jugaban con caballos de madera y soldaditos de plomo, quienes crecieron pegados al televisor en las décadas siguientes soñaban con “Astroboy”, “Mazinger Z”, “Transformers” o “Robotech”. En esos dibujos animados, las máquinas caminaban, hablaban y salvaban el mundo antes de la hora de la cena. El sueño de más de uno era construir el suyo propio. Hoy, ese viejo anhelo infantil parece cada vez menos imposible.

Una antigua fascinación

En el siglo XVIII, cuando los relojeros europeos dominaban el arte de los engranajes minúsculos, aparecieron los autómatas, máquinas capaces de simular acciones humanas. El más famoso fue El Turco, un supuesto robot jugador de ajedrez presentado en 1770. El artefacto vestía turbante, movía las piezas con solemnidad y hasta parecía irritarse cuando perdía una partida, para mayor realismo. En realidad, era una farsa: dentro del mueble se escondía un ajedrecista de carne y hueso que movía las piezas. Aun así, su leyenda sobrevivió durante décadas —se decía que había derrotado a Napoleón— y alimentó la vieja fascinación, pero también el temor, de que las máquinas pudieran algún día reemplazar funciones humanas.

Recién en 1939 apareció quien suele presentarse como el padre de los robots modernos: Elektro, de la firma Westinghouse. Medía dos metros, caminaba torpemente y podía pronunciar unas 700 palabras, lo cual ya era bastante para una máquina… y para no pocos humanos. Elektro incluso tenía un perrito, también mecánico, cuyo paradero actual es desconocido. En las ferias de la época la gente pagaba por ver aquella proeza de la ciencia, dividida entre la fascinación y un ligero temor a que el aparato decidiera algún día pensar por su cuenta.

El cine fue el arte que mejor supo aprovechar esa mezcla de maravilla y paranoia. Desde la muda “Metrópolis” (1927) hasta “Terminator”, sin olvidar la saga “Blade Runner”, donde Hollywood imaginó androides que no dudan en matar a sus creadores mientras buscan respuestas existenciales.

Mientras tanto, la robótica real siguió avanzando con mucho menos dramatismo. Empresas como Honda desarrollaron máquinas capaces de caminar, como el célebre ASIMO, una especie de astronauta en miniatura que parecía esforzarse por no caerse. Actualmente existen androides con piel de silicona y expresiones faciales que rozan lo humano sin llegar del todo a serlo. El efecto que provocan ha sido estudiado por los ingenieros, quienes lo llaman “uncanny valley”: ese momento incómodo en el que una máquina se parece demasiado a una persona y, precisamente por eso, nos resulta perturbadora.

Hechos en el Perú

Aunque los robots que hoy aparecen en ferias tecnológicas o bailando en campañas políticas suelen venir de China, en el Perú también ha surgido un pequeño pero creativo ecosistema de desarrollos propios. Están los sofisticados humanoides de Glexco, pero también hay inventos mucho más vernaculares, por decirlo de algún modo. En el Vraem, por ejemplo, el profesor Walter Velásquez construyó Kipi, un pequeño asistente educativo ensamblado con chatarra electrónica, material reciclado y un panel solar para recargar energía. Durante la pandemia, cuando los estudiantes de las comunidades rurales de Huancavelica quedaron sin internet ni señal de televisión, Velásquez cargaba a Kipi y se internaba en trochas con su invento subido en el lomo de un burro.

En algunos hospitales también han empezado a aparecer robots con vocación de enfermero. Ingenieros de la PUCP desarrollaron el año pasado a RoPI, un robot interactivo pensado para acompañar a niños hospitalizados en el Instituto Nacional de Salud del Niño de San Borja. Su misión es distraer, conversar y jugar con pacientes que pasan largas temporadas en tratamiento. En esa misma línea, la investigadora Yadhira Valenzuela creó este año a Misi, un robot con forma de gatito diseñado para ayudar a niños con trastorno del espectro autista a practicar habilidades sociales mientras dibujan, escriben o interactúan con el dispositivo.

La robótica peruana también se ha colado en lugares menos esperados, como las casonas y criptas del Centro Histórico de Lima. Un equipo de la Universidad de Lima ha presentado a Alqo, un perro robot equipado con sensores y cámaras, para explorar túneles, pasajes y estructuras coloniales donde entrar con casco y linterna sería, como mínimo, imprudente. Con ayuda de drones y escáneres láser, el proyecto busca crear modelos tridimensionales del patrimonio histórico de la ciudad. Así, mientras los historiadores revisan papeles en la superficie, el robot baja a los sótanos a ver qué secretos quedaron guardados desde el virreinato.

Hace doscientos años, cuando las máquinas de vapor amenazaron con dejar sin empleo a media Europa, los trabajadores respondieron como sabían: agarraron las máquinas a martillazos. El miedo a ser reemplazados por un engranaje es tan antiguo como la industria misma. Qué pasará ahora es difícil de anticipar. Mientras estas líneas se escriben, el robot Optimus de Tesla —ya en su tercera generación— empieza a caminar por las fábricas de Fremont y Austin realizando tareas de ensamblaje. La idea de Elon Musk es que, tarde o temprano, Optimus también ingrese a los hogares para ocuparse de “tareas aburridas” como limpiar, traer cosas o cocinar. Lo que antes parecía un argumento de ciencia ficción que inevitablemente termina mal —como en “Yo, robot”— empieza a asomarse como una realidad a la vuelta de la esquina.

Astroboy

Astroboy fue un icónico personaje de manga y anime creado por Osamu Tezuka en 1952. Contaba la historia de un niño robot con poderes extraordinarios que luchaba por la justicia mientras buscaba su lugar entre humanos.

Caballero Mecánico

Recreación de El caballero mecánico, un invento del genio italiano Leonardo Da Vinci, que fue diseñado hacia 1495. Se considera uno de los primeros autómatas humanoides.

El Hombre de hojalata

El Hombre de Hojalata es uno de los personajes más recordados de “El mago de Oz”, la novela de L. Frank Baum publicada en 1900. No es exactamente un robot, sino un leñador convertido en hombre metálico que cree haber perdido su corazón en alguna parte.

Elektro

Fue un robot humanoide creado por Westinghouse en 1937 y presentado en la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Medía más de dos metros, pesaba unos 120 kilos y podía caminar, hablar unas 700 palabras, fumar cigarrillos e inflar globos. Incluso tenía un perro robot llamado Sparko.

ASIMO

Fue un robot humanoide desarrollado por Honda y presentado en el año 2000. Podía caminar, subir escaleras, reconocer rostros y responder a comandos de voz. Con su apariencia de pequeño astronauta blanco, se convirtió en uno de los robots más famosos del mundo.

Conociendo el mar se diluyen las fronteras. Somos un solo planeta conectado de costa a costa y los seres que lo habitan nos recuerdan la urgencia de protegerlo. Desde sus orillas o sus profundidades, muchas mujeres lo están haciendo. En el libro “Heroínas de la mar” encontramos a muchas de ellas: científicas y defensoras de los mares que son homenajeadas en sus páginas ilustradas. Somos logró conversar con algunas para continuar con este merecido reconocimiento.

Antes de que el Perú mirara con urgencia su biodiversidad marina, Obla Paliza —hoy de 95 años— ya estaba recopilando datos sobre plataformas balleneras y abriéndose paso en un mundo de hombres. Todo empezó con una imagen imposible de olvidar: el feto de un cachalote casi formado, expulsado en plena faena en las orillas de la provincia de Paita. “Eso fue lo que me atrapó”, recuerda. Desde ese instante, quiso entender cómo crecía ese gigante, qué necesidades tenía, cómo se desarrollaba en el mar peruano.

Bióloga y profesora, encontró en el océano una forma de vida. En condiciones extremas, Obla recogía decenas de datos por animal antes de que desapareciera en minutos de las plataformas de la costa, armándose de grandes cuchillos y curiosidad. “Hablamos de animales enormes, de entre 15 y 18 metros. Cortábamos y sacábamos estómago, vísceras, testículos… para luego investigar. Era un trabajo duro, razón por la que al principio tuve que insistir para que me dejaran entrar. En ese entonces solo lo hacían hombres”, explica. Con el tiempo, se posicionó como la pionera en la investigación de los cachalotes en el ámbito local y sus investigaciones se difundieron más fuera que dentro del país. “Se publicaba en Inglaterra, Noruega… aquí no había interés”, dice. Aun así, persistió. “No te paga nada, pero es una satisfacción sumar algo al estudio de esta fascinante especie”. Su trabajo no solo ayudó a entender al cachalote, sino que aportó evidencia clave para cuestionar prácticas extractivas. Hoy, su legado sigue vigente.

Por otro lado, con 98 años bien puestos, Norma Chirichigno sigue siendo un personaje solicitado. La buscan especialistas y seguidores de su trabajo de distintos países que sueñan con ver a esa pequeña mujer cuyas investigaciones pioneras aportaron profundamente a la taxonomía de los peces marinos en el mundo. Pero por su estado de salud no siempre es posible. La encontramos junto a su sobrino Luis Galli y su hermana Marta, quienes nos recibieron y usaron sus voces para contarnos parte de su historia. “Siempre quiso destacar dentro de la investigación a pesar de que su sueño de toda la vida era ser bailarina de ballet”, dice Galli. “¿Eso es cierto?”, le preguntamos, y la doctora nos lanza una sonrisa traviesa. Cuentan que eligió el mar porque siempre pensó que el principio y el fin de todo era el océano.

Viajó por el mundo gracias a su especialidad. Hizo un doctorado en una época en que postergar el rol de los cuidados del hogar por una profesión —mucho más si era una dedicada a las ciencias— significaba retar a la sociedad. Su carácter tuvo mucho que ver: ser estricta, la obsesión por el detalle, el estudio y la memoria fotográfica forjaron su carrera. Nunca se casó ni tuvo hijos, pero dejará a la humanidad destacados discípulos que la honran y continúan divulgando sus aportes que perdurarán en sus libros por siempre. Irónicamente, a Norma nunca le gustó el pescado: quizá los amó tanto que no se permitió dañarlos de ninguna manera.

Luchadoras a toda costa

Con 14 horas de diferencia nos contesta Adriana González. Vive en Australia, pero ha viajado a Timor-Leste a bucear en busca de tiburones. Buena parte de su trabajo lo pasa bajo el mar, rodeada de esta temida especie marina sobre la que caen todavía muchos prejuicios. Haber nacido en Lima, en una ciudad de concreto entre un desierto y un océano tan productivo, han sido determinantes para elegir dedicarse a la biología marina: fue parte de la primera promoción de biólogos marinos de la Ucsur.

Durante una pasantía en Galápagos, encontrarse cara a cara con lo más prehistórico de esta especie fue vital para decidirse a estudiarlos: “Es como regresar a un estado prístino donde la naturaleza siente curiosidad hacia el hombre”. Su primera reacción fue de terror: “Tenía todo el prejuicio de la película, pero al darme cuenta de que estaban descansando tranquilos no sentí una amenaza”. Fue cautivada por el tiburón martillo, sobre el que hizo su tesis de pregrado, y continúa conociéndolos a fondo. Aunque en el Perú no haya buceo con tiburones, las investigaciones de González se han desarrollado en desembarques pesqueros y recolectando muestras. Sumado a su trabajo de investigación, trabaja con pescadores y comunidades para acercar la ciencia a la sociedad. Actualmente, es parte de un proyecto de la UICN donde se mapea a escala global los hábitats críticos de los tiburones y rayas. La investigadora Joanna Alfaro, también parte de este libro, ha sido un importante referente en su carrera.

La historia de amor entre el mar y Kerstin Forsberg también comenzó en la niñez. “Biología era mi curso favorito, terminaba el recreo y corría a clases”. Ahora, con 41 años, la bióloga marina se ha dedicado a concientizar sobre el valor de las especies migratorias, especialmente las mantarrayas en Tumbes. Trabaja con escuelas, comunidades, pescadores locales y voluntarios creando conciencia social desde Planeta Océano. Su especial dedicación hacia las mantarrayas gigantes comenzó en 2012, cuando se percató de que en Ecuador estaban protegidas, pero no al migrar hacia el Perú, pues aquí eran capturadas para el comercio de su carne. Así luchó por una resolución que las protegiera y lo consiguió.

Su trabajo por salvaguardar las especies marinas involucrando a las comunidades, investigando para el manejo de políticas públicas y acercándose a colegios ha sido reconocido internacionalmente. En estos meses están tratando de sacar adelante un proyecto turístico con la asociación de pescadores: comprando una embarcación, buscan iniciar rutas de avistamiento de mantarrayas y fauna marina en Tumbes.

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Incluso, arriesgando la vida

También al norte, Fany León levanta la voz. Nacida en Zarumilla y criada por su abuela agricultora en donde el mar se une con el agua dulce de río, aprendió desde niña que cada ecosistema debe ser protegido. “Las antiguas generaciones no depredaban la zona de amortiguación de los manglares (Tumbes). Eso ha cambiado, principalmente por la deforestación y la crianza indiscriminada de langostinos”, apunta. “Hemos perdido mucho manglar”. Insta a proteger lo que queda: un territorio único donde conviven peces, cangrejos y las preciadas conchas negras. “Aquí tenemos carbono azul”, explica, como quien defiende un tesoro invisible que equilibra el cambio climático.

Desde su asociación de recolectores y pescadores, impulsa prácticas sostenibles y nuevas formas de subsistencia, como productos derivados del mar que permiten “dejar descansar” al ecosistema, pero su lucha va más allá. A diario, Fany lleva a niños al manglar, les enseña a no contaminar y conservar. “Queremos que las nuevas generaciones se involucren”, afirma, siguiendo los pasos de su abuela.

Estar en la primera línea de defensa del mar en ocasiones involucra leyes, juzgados y lucha intelectual. Desde Chimbote, Evelyn Lamadrid enfrenta delitos que amenazan los ecosistemas marinos: tráfico de especies, pesca ilegal y comercio clandestino. Su trabajo ha golpeado directamente a mafias organizadas —como la incautación de 182 kilos de aletas de tiburón en 2023— y también le ha costado amenazas de muerte.

“Mi trabajo no consiste solo en aplicar la ley. Es escuchar y hacer que otros sean escuchados”, explica. Formada en derecho cuando la especialidad ambiental apenas existía, eligió ese camino pese a que había quienes le decían que no tendría futuro. Hoy, articula a pescadores, científicos y periodistas en una red que le permite actuar y sostenerse frente al riesgo. “No hay forma de hacer esto sola, por eso siempre digo que los resultados de mi labor no serían posibles sin otros agentes que se suman a la lucha por la protección del mar”, reflexiona. Para Lamadrid, el problema es estructural: mientras la minería ilegal acapara atención, la pesca ilegal crece sin suficiente control. “No podemos permitir que se disfrace de pesca exploratoria lo que es ilegal. Las normas deben basarse en ciencia y no netamente en escritorio”, advierte.

Así como estas aguerridas activistas del mar, los peruanos estamos llamados a defenderlo. //

El test de Proust es un cuestionario creado por el novelista francés Marcel Proust. Se trata de un modelo en el que el entrevistado contesta a un formulario que se asemeja a un test psicológico, cuyas preguntas están diseñadas para revelar su personalidad. Esta semana presentamos a Maria Fe Delgado, más conocida en redes sociales como Mafe sin R, conductora de “Somos lo que Somos”, programa del canal de Streaming de Zaca TV al lado de Gia Meir, Andrea Noriega y Giacomo y Doménico Benavides.

― ¿Qué sería, para ti, la felicidad perfecta?

Salud y plata para los que amo y para mí.

― ¿Cuál es el rasgo que más te define?

La incomodidad social.

― ¿Cuál consideras tu peor defecto?

Me subestimo muchas veces.

― ¿Qué podría sumirte en la más profunda miseria?

Que mi madre no esté conmigo.

― ¿Cuál es tu mayor extravagancia?

No tener extravagancia.

― ¿Cuál es el peor defecto que otros pueden tener?

Ser egocéntricos.

― ¿Cuáles son las frases o palabras que utilizas con mayor frecuencia?

Tengo hambre (risas).

― ¿Cuál ha sido tu mayor logro?

Bailar la canción “Bailen rochas y chetas” al lado de Zumba.

― ¿En qué ocasiones mientes?

Cuando mi abuela me pregunta mi orientación sexual.

― ¿Cuándo y dónde has sido absolutamente feliz?

En la casa de retiro de mi “cole” cantando con todos en la fogata.

― ¿Cuál crees que ha sido tu mayor inversión?

All in a bitcoin (Todo en un bitcoin).

― ¿Qué objeto personal es el que más valor tiene para ti?

Las cartas de mis seres queridos.

― ¿Cuál es la cualidad que más admiras en una persona?

La bondad y la autenticidad.

― ¿Con qué personaje de la historia es con quien más te identificas?

Con Charles Chaplin.

― ¿Cómo te gustaría morir?

Me gustaría morir salvando a alguien.

― Si murieras y se te permitiera volver convertida en otra persona o cosa, ¿qué crees que serías?

⁠Sería Jennifer Lawrence.

― ¿Qué talento especial te gustaría tener?

Tocar todos los instrumentos increíblemente.

― ¿Cuáles son tus escritores favoritos?

El del diario de greg.(Jeff Kinney).

― ¿Cuál es tu pasatiempo favorito?

Comer con mi enamorada.

― ¿Qué persona viva te parece despreciable?

Toda persona machista, homofóbica, clasista y racista.

La cultura coreana no solo está conquistando al mundo con bandas como BTS o Blackpink, sino también con su enfoque del cuidado de la piel, el cual está revolucionando por completo el mercado de la belleza. El famoso skincare coreano se ha convertido en un auténtico must entre los millennials y los jóvenes de la generación Z, quienes buscan el codiciado efecto “glass skin”: una piel luminosa, uniforme y con una apariencia casi translúcida.

Uno de los ingredientes estrella de esta tendencia es, sin duda, la centella asiática, un activo calmante que ha ganado gran protagonismo. La llevo probando desde hace meses y su popularidad no es casualidad: idols del K-pop como Jisoo, Jin o Karina la incluyen en rutinas enfocadas en la hidratación y el equilibrio de la piel.

Pero, más allá del entusiasmo y la viralidad, realmente es un activo que merece tanto hype o estamos ante otra tendencia pasajera dentro del universo del K-beauty.

El boom de la centella asiática: el ingrediente natural que está en todas partes

También conocida como cica o “hierba del tigre”, la centella asiática es una planta medicinal que crece en zonas pantanosas en regiones tropicales y subtropicales de la India, el sudeste asiático y Madagascar, así como en China, Corea, Japón y Taiwán. Durante siglos, ha sido usada en Oriente para tratar enfermedades infecciosas de la piel, acelerar la cicatrización de úlceras y en heridas cutáneas.

Actualmente, como explicó la dermatóloga Antuaneth Sobrino, del Centro Bienestar Auna a Somos, se ha posicionado en el mundo del K-beauty y la dermatología, gracias a que:

• Tiene acción antiinflamatoria y calmante.
• Fortalece la barrera cutánea, actuando como humectante natural.
• Activa la síntesis de colágeno y elastina, mejorando la firmeza y elasticidad.
• Ayuda en la apariencia de las estrías.

“A diferencia de otros ingredientes comúnmente conocidos como el aloe vera, la manzanilla, la urea o la caléndula, la centella asiática se destaca por aportar una hidratación más profunda y por su efecto regenerador y calmante. Aunque la industria dermatológica y cosmética ha puesto en valor sus beneficios recientemente, no se trata de una simple tendencia pasajera, sino de un ingrediente útil con una larga historia”, recalcó la experta.

La ciencia detrás de la centella asiática: cómo actúa en la piel

De acuerdo con Rocío del Pilar Bringas, docente de la carrera de Medicina Humana de la Universidad Científica del Sur, los compuestos activos de la centella asiática — asiaticósido, madecassósido, ácido asiático y ácido madecásico — actúan principalmente sobre tres frentes celulares:

• Estimula los fibroblastos— las células responsables de la estructura de la piel— favoreciendo su actividad y aumentando la síntesis de colágeno tipo I y elastina, lo que mejora la firmeza y elasticidad.
• Estimula las células endoteliales y favorece a la formación de nuevos vasos sanguíneos, además de aumentar los niveles intracelulares de fibronectina, una proteína clave para que la piel recién formada sea más resistente.
• Ayuda a controlar la inflamación y el estrés oxidativo al bloquear mediadores inflamatorios (como el factor NF-κB y citoquinas TNF-α, IL-6). También protege a los queratinocitos (células de la epidermis) de la muerte celular (apoptosis) causada por la radiación ultravioleta.

Aunque la evidencia científica respalda estos beneficios, hay algunos efectos que han sido exagerados por la industria cosmética. Como señaló la doctora Claudia Castañeda, médico cirujano del Centro Estético de Clínica Internacional, la centella asiática no elimina manchas pigmentarias profundas ni tampoco la celulitis. Si bien puede suavizar las líneas finas, no ofrece un efecto lifting inmediato ni un rejuvenecimiento visible por sí sola.

Cómo integral la centella asiática a tu rutina

La mejor manera de incluirla en nuestra rutina—según la doctora Bringas— es en serum, ya que este formato contiene una alta concentración del activo y aporta una mayor regeneración, lo cual es ideal para pieles mixtas. Mientras que, en pieles más secas, la crema puede proporcionar una mejor hidratación.

“Para introducir la centella asiática, conviene seguir la regla general del skincare: empezar de la textura más ligera a la más densa. Asimismo, se puede aplicar tanto por la mañana como por la noche, e incluso dos veces al día para potenciar sus efectos calmantes y regeneradores. Aunque es un ingrediente suave y apto para la mayoría de pieles, en casos de rosácea o dermatitis conviene evitar su uso directo”.

Otro punto clave a considerar es que, si bien es un ingrediente bastante efectivo por sí solo, si deseamos potenciar sus resultados podemos combinarla con otros activos como:

• Vitamina C: Ambos actúan como antioxidantes anti-edad, ya que la centella estimula la producción de colágeno y la vitamina C es esencial para ese proceso. Juntas, mejoran la firmeza y la luminosidad de forma mucho más rápida que por separado.
• Ácido hialurónico: Mientras el hialurónico retiene agua, la centella repara la barrera cutánea para que esa humedad no se escape. Este dúo es ideal para pieles deshidratadas.
• Niacinamida: La niacinamida regula la grasa y ayuda con el aclaramiento de manchas, mientras que la centella reduce la inflamación. Por lo tanto, ambos pueden ser útiles para pieles grasas con tendencia acneica.

Sin embargo, no se debe mezclar con ingredientes que puedan irritar la barrera cutánea como el peróxido de benzoilo, altos porcentajes de ácidos exfoliantes (AHA/BHA) o retinoides, advirtió la especialista de la Universidad Científica del Sur.

¿Es para todos? Cuándo usar centella asiática y cuándo no

De acuerdo con la dermatóloga Samantha Stein, de Cleveland Clinic se recomienda especialmente en piel seca, sensible o con la barrera cutánea alterada, así como también para tratar el acné. Incluso puede ser útil después de tratamientos como láser o peelings químicos, puesto que ayuda a acelerar la regeneración, calmar la inflamación, reducir las rojeces y fortalecer la barrera cutánea.

Por ejemplo, en heridas, quemaduras leves y úlceras cutáneas, acelera la reparación y la cicatrización en un 50%, precisó Bringas. Además, es excelente para la prevención de marcas de estiramiento en la piel, ya sea por embarazo o cambios bruscos de peso.

En casos de insuficiencia venosa crónica y várices, también es un aliado, dado que ayuda a reducir la presión venosa, disminuye la permeabilidad capilar y alivia la sensación de piernas pesadas.

Aunque es bien tolerada en la mayoría de los casos, algunas personas pueden presentar reacciones adversas, especialmente aquellas con sensibilidad o alergia al ingrediente. De igual manera, algunos productos con centella asiática pueden estar mezclados con propilenglicol o conservantes que, en pieles con la barrera dañada, son los verdaderos culpables de la irritación.

Por eso, conviene prestar atención a señales como ardor, irritación o dermatitis, ya que pueden indicar que la piel no tolera bien el producto. “Para evitar estos síntomas, se recomienda hacer una prueba previa en una zona pequeña de la piel antes de su uso habitual. Si se presenta alguna reacción negativa, se debe suspender su uso y consultar con un dermatólogo”, subrayó la doctora Stein.

Lo que no debes hacer al usar centella asiática

• Esperar resultados anti-edad intensos o inmediatos.
• Utilizarla dentro de rutinas excesivamente agresivas que impidn que la piel se recupere adecuadamente.
• Emplear concentraciones demasiado altas de centella asiática.
• Mezclarla con activos de concentraciones altas.
• Aplicarla en heridas abiertas.
• No realizar una prueba de alergia.
• Aplicarla en pieles con rosácea y/o eczema sin supervisión dermatológica previa.

“Un error frecuente al adoptar rutinas del K-beauty es asumir que funcionan igual en todas las pieles. Las pieles asiáticas, en específico las coreanas, suelen ser más finas y propensas a la deshidratación, mientras que las pieles latinas tienden a ser más gruesas y con mayor producción de sebo. Por eso, sus necesidades son distintas y no se pueden comparar directamente”, sostuvo la dermatóloga Antuaneth Sobrino.

Cómo elegir correctamente tu producto de centella asiática

La doctora Rocío del Pilar Bringas lo resumió en tres simples aspectos para asegurar la efectividad del producto:

Revisa la lista INCI

Los ingredientes se ordenan de mayor a menor concentración. Para que sea efectivo, “Centella Asiatica Extract” debe aparecer dentro de los primeros 3-5 lugares. Si este ingrediente activo está al final, probablemente sea más marketing que un beneficio real.

Extracto vs. agua de centella

No son lo mismo. El extracto de centella es más concentrado y potente, en cambio el agua (hidrolato) es un subproducto con menor cantidad de activos. Por eso, si un producto dice “90% de agua de centella”, en realidad estás comprando principalmente agua. Más allá del porcentaje que promete la etiqueta, fíjate en la posición del extracto puro en la lista de ingrediente.

Evita esto al inicio de la fórmula

Alcoholes secantes y fragancias en los primeros lugares pueden disminuir la tolerancia y la efectividad del producto.

Finalmente, como nos recuerda la especialista del Centro Bienestar Auna, ante cualquier duda, lo ideal es consultar con un dermatólogo y adaptar la rutina al tipo de piel y sus necesidades, ya que un uso inadecuado puede dañar la barrera cutánea.

En tiempos donde las cartas sofisticadas se apoderan de las mesas, Lo+o (Lomaso) apuesta por lo contrario: menos es más. En un pequeño espacio dentro del mercado de Miraflores, ubicado en la Av. Mendiburu 459, este huarique ha decidido concentrar toda su energía en un solo objetivo: hacer un lomo saltado memorable al primer bocado.

La idea, cuenta el director gastronómico Fabrizio Mazzetti, nació desde lo más básico. “Queríamos hacer un plato bien. Pero realmente bien. Y resaltar el insumo: el lomo, la papa”, dice.

El proyecto es reciente, apenas lleva poco más de un mes abierto, pero detrás hay años de trabajo. El equipo, que también integran la jefa de cocina Rafaela García y Betania Tello en la dirección de concepto y experiencia, viene del mundo del catering y la producción de eventos. Sin embargo, había algo que faltaba.

“Como cocinero, extrañaba el servicio, el contacto directo con la gente”, explica Mazzetti, quien antes ha pasado por restaurantes de la capital. Esa necesidad encontró su lugar en el mercado: un espacio donde la cocina se vive de cerca, sin intermediarios, donde el cliente está a pocos pasos del fogón.

Comer y seguir

Lo+o no es un restaurante tradicional. Es, más bien, una parada. Un “wok stop”, como ellos mismos lo definen. Llegas, pides, comes y sigues.

La dinámica es rápida, pero no descuidada: los platos salen en pocos minutos y la experiencia es ágil, pensada para el ritmo del mercado. “Buscábamos un formato flexible, donde la gente venga, coma bien y se vaya”, explica Beta, como le dicen en confianza, quien además es prima de Fabrizzio.

Ese espíritu también se refleja en la carta, teniendo como protagonista al lomo saltado y sus variaciones: con pollo, con langostinos, en versión mar y tierra o acompañado de tacu tacu. Todo gira en torno al wok.

Un sabor con identidad

En Lo+o, el lomo saltado tiene un sello propio. Hay un guiño oriental, kion, sillao, técnicas de salteado, pero también una búsqueda por intensificar el sabor.

“Hacemos una base concentrada, como una salsa de res que se cocina con los mismos ingredientes del saltado. Eso le da más cuerpo y profundidad”, explica Mazzetti.

A eso se suma la elección del producto: lomo fino de buena calidad y verduras frescas compradas a diario. El resultado es un plato que, aunque familiar, tiene carácter y gusta. Y como era de esperarse, funciona entre los propios vendedores del mercado y los oficinistas de la zona. Los sábados y domingos, las familias toman el mercado y las colas son evidencia de ello.

Pero más allá de la técnica y la búsqueda de hacer el mejor lomo saltado, hay una intención clara detrás del proyecto: devolverle al lomo saltado su lugar cotidiano.

“Se había vuelto un plato muy caro, muy de restaurante. Queríamos democratizarlo otra vez”, dice Mazzetti. No se trata de restarle valor, sino de acercarlo.

Esa filosofía conecta con lo que Beta define como la esencia del proyecto: “hacer las cosas bien, sin tanto alboroto”. Simple, pero bien hecho.

En pocas semanas, Lo+o ha logrado algo difícil: generar comunidad. Vecinos, creativos, trabajadores de la zona y curiosos que llegan por recomendación o redes sociales se mezclan frente al pequeño mostrador.

“Es bonito ver cómo la gente regresa. Ya reconoces caras”, cuenta Rafaela, ecuatoriana de nacimiento, pero de paladar peruano.

La cercanía del mercado también juega un rol clave. Aquí no hay barreras: la cocina es abierta, el diálogo es directo y la experiencia se construye en el momento y en pocos segundos.

Crecer sin perder el foco

Aunque el éxito ha sido rápido, el equipo lo tiene claro: no quieren apresurarse.

La carta seguirá siendo corta. El espacio, por ahora, también. La prioridad es consolidar la propuesta del almuerzo y en unas semanas más la del desayuno.

Mientras tanto, el proyecto sigue evolucionando con pequeños detalles: nuevos saltados por temporada, postres como la crema volteada amazónica o el budín de Analú, mamá de Fabrizzio, y bebidas chinas que complementan la experiencia.

Para quienes están detrás de Lo+o, este no es solo un emprendimiento gastronómico. Es también un regreso.

Un regreso a la cocina, al fuego, al contacto con el cliente. A esa relación directa que, muchas veces, se pierde en formatos más grandes.

“Lo que más me gusta es eso: estar tan cerca de la gente”, dice Mazzetti.

Y quizá ahí esté la clave de su éxito: en recordar que, antes que cualquier concepto, la comida sigue siendo un acto simple. Cocinar, servir y compartir. Pasa y siéntate, el plato está servido.

En una ciudad donde la cena puede empezar pasadas las nueve de la noche y el ritmo cotidiano parece no dar tregua, hay un ritual que resiste y que incluso se reinventa: la merienda. Ese espacio entre el almuerzo y la cena, muchas veces relegado por la rutina, es el eje de “Meriendas de Buenos Aires”, el nuevo programa de la cocinera argentina Ximena Sáenz en canal elGourmet, en el que invita a conocer a la “ciudad de la fiura” desde otro ángulo.

“Hay algo muy ligado a la infancia, a volver del colegio y sentarse a merendar”, cuenta. Pero ese recuerdo hoy convive con una nueva realidad: restaurantes llenos a media tarde, jóvenes que eligen este horario para salir y una oferta gastronómica cada vez más especializada. “Se abrió un nuevo horario para encontrarse”, resume.

Lejos de apostar por un solo estilo, el recorrido de “Meriendas de Buenos Aires” busca reflejar la diversidad gastronómica de la ciudad. Desde salones clásicos que te hacen sentir en otra época hasta espacios modernos con estética urbana, la selección responde a una premisa: mostrar un abanico de opciones, pero siempre con buena comida.

“Queríamos que fuera variado: lo elegante, lo popular, lo tradicional y lo más joven. Lugares donde podrías llevar a tu abuela, y otros donde predominan los neones y una estética más contemporánea”, explica.

El resultado es un mapa afectivo y gastronómico que incluye desde palacios hasta cafeterías de barrio. En todos, sin embargo, hay un elemento en común: la experiencia de la merienda como un pequeño lujo cotidiano.

El viaje comienza en lugares emblemáticos como Confitería La Ideal, donde la tradición sigue intacta, y se extiende hacia experiencias más sofisticadas como el té del Hotel Alvear. En paralelo, aparecen propuestas modernas como Lab Sucré, donde la pastelería se acerca a lo experimental.

La ruta continúa con espacios que combinan estética y cocina, como Casa Cavia, o reinterpretaciones de lo clásico en lugares como García Nordelta. También hay lugar para la técnica y el detalle en La Kitchen, donde el ambiente eleva la experiencia.

En otros episodios, el recorrido se vuelve más diverso: desde el té premium en el Palacio Paz con Croque Madame, hasta propuestas abundantes como el buffet de Club El Progreso. A esto se suma la tradición pastelera del Hotel del Sindicato de Pasteleros, donde el oficio cobra protagonismo.

La experiencia también incluye escenarios arquitectónicos como el Palacio Basavilbaso, opciones más informales como Anafe, con su propuesta “a la ventana”, y un cierre íntimo en Casa Sáenz, donde la merienda vuelve al hogar.

Una comida para los jóvenes

Uno de los hallazgos más interesantes del programa es el cambio generacional. La merienda, antes asociada a la infancia o a encuentros familiares, hoy convoca a un público joven.

“Me sorprendió ver mesas de chicos de entre 18 y 22 años. Quizá todavía no tienen tanto dinero para salir a cenar, pero la merienda es más accesible y también más relajada”, señala.

Este factor económico, sumado a la posibilidad de compartir platos, ha contribuido a posicionar la merienda como una alternativa atractiva dentro de la oferta gastronómica.

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Más allá de Buenos Aires

Aunque el programa se centra en la capital argentina, la idea podría crecer. Sáenz no lo plantea como un plan inmediato, pero sí como un deseo claro: explorar otras ciudades y países a través de este mismo concepto.

Entre ellos, menciona a Perú, un destino que aún no visita pero que admira profundamente, en gran parte por su gastronomía. La cocinera recuerda con emoción una charla de Gastón Acurio en Buenos Aires y destaca el rol de los restaurantes peruanos como embajadores culturales.

“Fue muy fuerte. Habló de cómo representan a su país a través de la comida”, cuenta. Para ella, la cocina peruana es una de las más importantes de la región, y no duda en mencionarla entre sus favoritas.

Entre sus platos preferidos están los clásicos como el cebiche o la papa a la huancaína, pero también tiene un gusto especial por los postres. “Soy muy dulcera. El suspiro a la limeña me parece de lo más delicioso que hay”, dice. Incluso menciona con cariño restaurantes peruanos en Buenos Aires, donde ha encontrado sabores caseros y memorables.

No es casual, entonces, que uno de sus sueños sea llevar el formato del programa a otros países. “Me encantaría salir a merendar por Latinoamérica, entender qué tenemos en común y en qué somos distintos”, afirma. Perú, claramente, está en esa lista.

Entre la televisión y los nuevos proyectos

El estreno de “Meriendas de Buenos Aires” llega en un momento de intensa actividad para Sáenz, quien también ha ganado visibilidad tras su paso por MasterChef. A esto se suma la expansión de sus restaurantes y su interés por explorar nuevos formatos de contenido, como la escritura en plataformas digitales.

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Pero, más allá de los proyectos, hay una constante en su trabajo: la búsqueda de momentos significativos alrededor de la comida. Y en este caso, la merienda se convierte en una excusa perfecta para redescubrir una ciudad.

Cuando Renato Gaitán era niño y crecía en Villa El Salvador, podía pasar horas preguntándose cómo funcionaban las cosas. En su casa era común verlo desarmar cualquier mecanismo que le provocara asombro, desde juguetes hasta bicicletas, para desconcierto de todos. A veces lograba volver a armarlo; otras, no. Pero la curiosidad era más fuerte que la frustración. Su madre, la señora Asunción García, recuerda que su curiosidad parecía infinita. “Siempre quería saber el porqué de todo”, dice hoy. Ese niño curioso hoy tiene 18 años y dentro de poco tomará un avión rumbo a Estados Unidos. Renato Gaitán ha sido admitido en el Massachusetts Institute of Technology (MIT), una de las universidades más prestigiosas del mundo, donde estudiará Matemáticas puras.

Para cualquier estudiante peruano, ingresar al MIT es un logro extraordinario; para alguien que creció en un hogar de bajos recursos y con pocas oportunidades, lo es todavía más. La madre de Renato es vendedora de ropa y durante años atendió un pequeño puesto en el centro de Lima. El papá de Renato vende repuestos. Ninguno de los dos pudo ir a la universidad, aunque a ella le hubiera encantado estudiar medicina. De ese dolor nació un anhelo: “siempre pensé que mis hijos tenían que estudiar e ir a la universidad, siempre quise que tuvieran lo que yo no tuve”, cuenta.

Los primeros indicios de que el niño tenía un talento especial aparecieron temprano. En el colegio Prolog, donde estudió desde pequeño, los profesores notaron que aprendía rápido y destacaba en clase. Poco después empezaron a invitarlo al círculo académico del colegio, donde se preparaba a los alumnos para competencias de ciencias y matemáticas. El problema era que las clases quedaban lejos, en otro distrito, y sus padres trabajaban todo el día.

La familia tuvo que reorganizar toda su rutina para que Renato pudiera ingresar al círculo. Asunción recuerda años de sacrificio para acompañar el entusiasmo de su hijo. Muchas veces tuvo que cerrar su puesto de ropa justo los días en que más vendía, porque Renato tenía competencias académicas. “Sabía que íbamos a ganar menos dinero”, dice, “pero me importaba más verlo contento”. Ese respaldo silencioso fue clave.

Renato empezó a participar en olimpiadas de matemáticas y a dedicar cada vez más horas al estudio, imponiéndose una disciplina férrea: jornadas de hasta doce horas resolviendo problemas y revisando teoría. El esfuerzo pronto empezó a dar resultados. Renato acumuló medallas en competencias nacionales e internacionales, y viajó a países como Rusia, China, Australia y el Reino Unido representando a su colegio y al Perú.

Fue en ese mundo de estudiantes de élite que Renato comenzó a aterrizar el deseo de estudiar en el extranjero. Postular al MIT implicó un proceso largo de exámenes, ensayos, cartas de recomendación y pruebas de inglés. Una organización llamada Beca Cometa lo orientó durante el camino y lo ayudó a completar los requisitos. Incluso el idioma lo enfrentó con su estilo autodidacta. Renato había tomado algunos cursos de inglés, pero decidió prepararse por su cuenta para el examen internacional TOEFL. Pasó semanas estudiando con materiales de internet, libros y videos en línea. Su madre dudaba que lograra el puntaje necesario en tan poco tiempo; él, en cambio, parecía tranquilo.

Cuando llegaron los resultados, la sorpresa fue general: había obtenido una calificación suficiente para completar su postulación. Meses después llegó la noticia definitiva: el MIT lo aceptaba con beca completa, que cubriría matrícula, alojamiento, alimentación y seguro médico.

Antes de partir, su madre quiere organizar un almuerzo con familiares, amigos y profesores que lo acompañaron en el camino. El menú ya está decidido: pescado, el plato favorito de Renato. Por ahora Asunción se siente serena. Dice que el orgullo es más grande que la preocupación. Sin embargo, recuerda lo que ocurrió cuando su hijo viajó por primera vez a una competencia en el extranjero: no lloró en el aeropuerto. Se mantuvo fuerte mientras otras madres se despedían entre lágrimas. Pero al volver a casa y ver la cama vacía, no pudo contenerse. Quizá esta vez ocurra lo mismo. Porque su hijo se va lejos, por mucho tiempo, aunque el punto de partida siga siendo Villa El Salvador. //

La primera vez que Ana Torroja compuso una canción —o, más bien, parte de ella— tenía 25 años y cargaba con las dudas propias de quien recién empieza. Nacho Cano, su compañero en Mecano, le pidió que escribiera el estribillo de un tema que ya tenía avanzado, y ella aceptó. Durante una semana, el vértigo se instaló en su rutina. Eran apenas unas líneas, pero la idea de estar a la altura de esa oportunidad la desvelaba. “Me despertaba por las noches, escribía y, al día siguiente, lo que leía no me gustaba y volvía a darle vueltas”, recuerda sobre ese proceso tan intenso del que nació “Mosquito”, el único tema que firmó en su etapa con el trío. Cuatro décadas después, Torroja se permitió una nueva primera vez: pero ahora sus inseguridades —ya no las de una debutante, sino las de una artista experimentada— terminaron dándole, sin proponérselo, las herramientas para cumplir un sueño que, de tanto poner en pausa, había olvidado: publicar un álbum solo con canciones escritas por ella.

“Se ha acabado el show” es el nombre de ese disco que nació cuando Ana empezó a evaluar la posibilidad de una despedida. “La falta de interés que yo sentía cuando arranqué el proyecto me hizo estar en una posición de absoluto desconocimiento, no sabía a dónde quería ir o si iba a lograr terminarlo”, nos cuenta la artista sobre ese momento, a finales de 2024, en el que se preguntaba si aún le quedaba algo por decir. No es casual, entonces, que el álbum abra con la canción que le da título, planteada como un diálogo entre las dos Anas que la habitan: la artista y la “de a pie”, como ella misma la llama. “Me pasa que muchas veces una le reclama espacio a la otra y en este caso, la Ana persona, vamos a decirle así, llevaba mucho tiempo reclamando más espacio del habitual, y eso fue lo que me hizo pensar que había llegado el momento de decir adiós”, explica Torroja, quien también aborda esas dudas en “Cuánto me falta”, otro de los temas más reveladores del álbum.

El plan inicial era escribir un par de canciones, pero abordar estas dudas sobre su futuro en sesiones de composición resultó tan catártico que el proyecto terminó convirtiéndose en un álbum completo. El resultado es un disco que se ubica entre los más sólidos de su etapa en solitario. “A veces hay que cerrar capítulos para abrir otros y, desde el total desconocimiento de lo que iba a ocurrir, con cero expectativas, me encontré al cabo de un año con este disco enteramente compuesto por mí”, añade Ana.

El oficio de escribir(se)

Su forma de enfrentarse a la hoja en blanco para este disco dista por completo de aquella primera vez en Mecano, cuando tuvo que inventar una motivación para aterrizar una historia ajena. También marca una diferencia frente a su método en “Puntos cardinales”, su debut en solitario en 1997, cuando la timidez se imponía sobre ese necesario desparpajo que exige la composición.

“Con ese disco empiezo a hablar más de mí, pero me sentía muy vulnerable porque nunca lo había hecho. Había estado once años en Mecano convirtiéndome en personajes. Aunque conectara con las canciones de Nacho y de José, estas no se referían a mí. Pero he ido de menos a más. Hoy me siento más cómoda escribiendo las letras, aunque luego en la melodía siempre me ayudan”, sintetiza Torroja, abierta a reconocer tanto sus fortalezas como las inseguridades que aún aparecen en el proceso creativo.

“Era como ir a terapia, un lugar donde te sientas a hablar sin la sensación de que te van a juzgar por contar lo que sea que te ocurra y eso sentí al ponerme frente al papel a escribir o a la hora de sentarme a las sesiones de composición con los distintos autores, me sentí muy cómoda para hablar de muchas cosas que necesitaban salir, de alguna forma es un disco catártico, me sentí más cómoda que nunca. No sé si sea la edad”, añade sobre un proceso que, además, estuvo acompañado por una generación diversa de músicos.

Encuentros musicales

Para este disco, Ana Torroja contó con el productor venezolano Andrés Levin, con quien trabaja desde hace más de una década, como principal colaborador. Pero también se rodeó de autores jóvenes que la ayudaron a dar forma y musicalidad a sus letras. En las sesiones de composición participaron artistas como las españolas Samuraï y Alba Morena, una nueva generación de la que Torroja solo tiene palabras halagüeñas.

“Lo que más me ha gustado (de trabajar con esta nueva generación) es lo cómoda que me he sentido. Con Samuraï me pasó que estábamos en un Zoom para conocernos y yo la oía hablar y me sorprendía de su madurez, cuando se lo dije ella me contó que sus amigos le llamaban la abuela. Y es que es alucinante la madurez que tiene. Y eso me ha pasado con varios de los que he trabajado, que me sentía muy cómoda. Y luego aparte del talento enorme que tienen, tienen seguridad”, cuenta Torroja, quien reconoce que las dudas aún forman parte de su proceso creativo, como ya ocurría cuando escribió el estribillo de “Mosquito” en su etapa con Mecano.

Algo similar sucedió durante una sesión de “La rosa del desierto”: mientras buscaban una palabra que encajara con la melodía, Torroja propuso una idea que convenció a su colaboradora, pero que a ella le generó una duda inmediata. “Yo realmente me sentía insegura, porque ella es muy decidida. Pero eso es lo que me gusta de esta generación, parece que no hay barreras para ellos, no hay límites”, afirma la artista, que ya había explorado ese cruce generacional en su anterior álbum, “Mil razones” (2021), donde trabajó con nombres como El Guincho, Alizzz y Rosalía.

En “Se ha acabado el show” también hay dos featurings, como se le llama ahora a este recurso cada vez más frecuente —y muchas veces forzado— de los dúos. Aquí, sin embargo, funcionan con naturalidad: un tema junto a la mexicana Ximena Sariñana y otro con el colombiano Esteman, con quien inicialmente solo iba a escribir una canción, pero con quien terminó haciendo tal conexión que decidieron mantenerla como dueto. El resultado es la encantadora “Problemas de conversación”, una pieza de gran factura que bien podría sumarse a la lista de colaboraciones memorables de Torroja.

A lo largo de su carrera, la artista ha firmado otros encuentros destacados, como “Duele el amor” junto a Aleks Syntek y, por supuesto, la etapa de “Girados” con Miguel Bosé, de la que surgieron algunos de sus temas más populares tras Mecano, como la balada pop “Corazones”. De esa época guarda especial cariño: “Mi relación con Miguel es estupenda, nunca ha dejado de serlo. Yo estoy muy feliz de que esté de vuelta en los escenarios y el público más. En alguna ocasión se ha dicho así por lo bajo (para volver a girar), pero no hay nada concreto y no sé si lo habrá, pero sería increíble si volviera a ocurrir, porque fue una gira en la que nos lo pasamos muy bien y lo disfrutamos mucho, la verdad”, recuerda.

Sin fecha de caducidad

Mientras tanto, Ana Torroja celebra esta nueva etapa con un disco que le ha quedado redondo o, como ella misma dice, “como los de antes”. “Me gustan los discos en los que no falta ni sobra nada, que están pensados hasta el último detalle”, explica sobre un álbum que ya cuenta con cinco sencillos y que formará parte del setlist de la gira que arrancó hace unos días en México y continuará en junio con fechas en Colombia, Chile y Perú, dejando la idea del retiro cada vez más lejos.

“En esta profesión no hay edad de jubilación, uno decide cuándo se quiere ir, pero es cierto que, cuando realmente te lo planteas, dices: ‘No pues, venga, hago este disco, gira de despedida, y ya me voy’. Y yo en algún momento me puse una fecha. Cuando arrancamos en Mecano, me dije: ‘A los 50 me retiro, porque todavía seré joven, ya mi economía estará estabilizada y tendré tiempo y energía para hacer otras cosas’. Pues qué ingenua fui. Estoy cerca de cumplir los 70 años y todavía estoy aquí. Y me siento con la energía para seguir”, dice Torroja.

Quienes más celebran esa decisión son sus fans, a quienes la artista ve como hijos. “Esta profesión es adictiva, es difícil encontrar el momento de decir adiós. No solo por uno mismo, sino también por la gente que conecta con las canciones. Entonces, me da una tristeza, una pena horrible, pensar en dejar solos a los que nos siguen, me siento como una mamá. Creo que, aunque tenga esa sensación en distintos momentos, va a ser muy difícil decir adiós y me van a tener que echar del escenario”, afirma. Que así sea.//

Hace unas semanas, el actor Timothée Chalamet lanzó una frase que encendió el debate: dijo que no le interesaba trabajar en el ballet ni en la ópera, disciplinas que —según sugirió— suelen mantenerse vivas más por convicción que por tendencia, incluso cuando parecen no estar en el centro del interés masivo. La declaración, viral y discutida, volvió a traer la pregunta sobre el lugar que ocupan las artes clásicas en un mundo donde la inmediatez del streaming domina el entretenimiento global. Pero más allá de la polémica, surge algo evidente: la ópera sigue generando conversación. Y, sobre todo, sigue viva. Al menos en Lima, una ciudad donde esta expresión artística no solo resiste, sino que encuentra nuevas formas de sostenerse, reinventarse y convocar.

TRADICIÓN EN ESCENA

Para Miguel Molinari, gerente de Cultura de la Municipalidad de Lima, la ópera no está en crisis. “La crisis es de los teatros”, afirma. En el caso peruano —explica— el problema ha sido estructural: los grandes escenarios no han operado como espacios de producción, sino, más bien, como recintos de alquiler.

Es justamente a partir de ese diagnóstico que el modelo ha comenzado a cambiar. Desde el municipio limeño, la apuesta ha sido que los teatros asuman un rol activo en la creación de sus propias temporadas. “Este es un primer paso para institucionalizar la ópera”, señala Molinari. La clave está en la ordenanza N° 2734 aprobada el año pasado, la cual establece, por primera vez, temporadas oficiales de ópera, conciertos y danza con presupuesto asignado. “Lo importante es que no quede como una anécdota, sino que tenga continuidad en el tiempo”, añade.

En el fondo, se trata también de reconectar con una historia que Lima nunca ha dejado del todo atrás. Su tradición operística es, de hecho, fundacional. “La ópera en América nació en Lima”, comenta Molinari, aludiendo al estreno de ‘La púrpura de la rosa’ en 1701, con música de Tomás de Torrejón y Velasco. Desde entonces, la ciudad desarrolló una intensa actividad lírica. “Los antecedentes musicales e históricos son enormes”, subraya. En el siglo XIX, esa tradición se consolidó con temporadas formales y figuras como Rosa Merino, mientras que la escena alcanzó niveles hoy difíciles de imaginar. “Cuando se inaugura el Teatro Municipal, se montaron 36 óperas en cinco meses”, apunta.

Esa continuidad, sin embargo, se fue diluyendo. Durante décadas, fueron asociaciones privadas las que sostuvieron la ópera en Lima. “Se ha mantenido viva por el interés de personas y grupos que han trabajado con mucho esfuerzo y amor por la música”, reconoce. Hoy, ese impulso empieza a articularse con una política pública que busca asegurar su permanencia. Incluso —dice entre risas— polémicas recientes como las declaraciones de Timothée Chalamet “terminaron dándole promoción a la ópera sin querer”.

La temporada 2026 se desarrollará principalmente en los teatros municipales (Teatro Municipal y Teatro Segura), recuperando su rol histórico como espacios de producción y exhibición. La programación incluye títulos del repertorio clásico como ‘Il trovatore’ de Verdi y ‘Tancredi’ de Rossini, junto a propuestas vinculadas a la historia y la identidad peruana como ‘La púrpura de la rosa’ y ‘Atahualpa’, además de montajes como ‘Cavalleria rusticana’, ‘Pagliacci’ y ‘L’elisir d’amore’ (más información en el recuadro).

ARTE QUE EVOLUCIONA

Desde el 2008, el Festival Granda de Ópera se ha convertido en uno de los pilares de la escena operística en el Perú. Nacido como una iniciativa privada para mantener viva la tradición lírica en tiempos de escasa programación institucional, el festival ha logrado consolidarse como una cita clave en la agenda cultural limeña. En los últimos diez años, bajo la presidencia de Fiorella Simeone, su apuesta ha sido clara: formar públicos y demostrar que la ópera no es un arte lejano ni elitista, sino una experiencia viva y accesible.

“Durante mucho tiempo sentimos que el interés por la ópera estaba un poco dormido”, reconoce Simeone. “Nuestro principal objetivo ha sido acercar nuevos públicos, sobre todo jóvenes”, añade. Para ello, el evento apostó en sus primeras ediciones por títulos reconocibles como ‘La traviata’, ‘Carmen’ o ‘El barbero de Sevilla’, capaces de tender un puente entre la curiosidad y la experiencia. Hoy, con un público más formado, la propuesta puede arriesgar más.

La temporada 2026 marca un punto de madurez. El festival presentará ‘Aida’, una de las grandes óperas del repertorio, en el Gran Teatro Nacional, un escenario que —según Simeone— permite finalmente desplegar toda la magnitud del espectáculo. “Es una ópera que no se presenta hace muchos años en Lima y que necesita un espacio con las condiciones técnicas adecuadas”, explica. La elección no es casual: ‘Aida’ exige grandes coros, una orquesta amplia y una puesta en escena de escala monumental, elementos que encuentran en el Gran Teatro Nacional su mejor plataforma.

Detrás de esta ambición hay también una visión artística sólida. La curaduría cuenta con el respaldo de figuras como el tenor peruano Ernesto Palacio, lo que permite convocar a artistas internacionales de primer nivel y articularlos con talento local. “Buscamos propuestas innovadoras, que desmitifiquen la idea de que la ópera es aburrida”, señala Simeone.

A pesar de los desafíos (financiamiento, competencia con otros espectáculos, coyunturas políticas) el festival ha logrado crecer. “Es casi una magia que logramos gracias al equipo y a los auspiciadores”, admite. Pero más allá del espectáculo, hay una convicción: la ópera sigue teniendo un lugar en Lima. “Es una experiencia que te atraviesa, que te hace sentir. Hay que vivirla para entenderla”, dice.

En una ciudad que vuelve a mirar su tradición lírica con ambición renovada, el Festival Granda no solo acompaña ese impulso, sino que lo potencia: apuesta por espectáculos de gran escala, forma nuevos públicos y reafirma que, lejos de ser un arte del pasado, la ópera sigue encontrando en la capital peruana un escenario para proyectarse hacia el futuro. //

Una semana de intensidad, decisiones clave y giros inesperados que invitan a transformar, soltar y construir nuevas bases.

El 18 de abril, según el horóscopo, Mercurio en Aries forma un aspecto favorable con Plutón, trayendo noticias importantes relacionadas con cambios y reformas en lo colectivo. En cuanto a lo personal, se activa una energía poderosa en la comunicación: palabras que empoderan, conversaciones que transforman y verdades que salen a la luz. El 19 de abril, Mercurio, Marte y Saturno se alinean en una triple conjunción en Aries. Es un momento intenso y cargado de tensión. Muchos estarán iniciando algo nuevo, pero bajo presión o desafíos. Estos días funcionan como una prueba: situaciones que exigen decisión, carácter y control emocional. También pueden surgir discusiones o palabras impulsivas, por lo que conviene actuar con conciencia.

El 20 de abril, el Sol ingresa en Tauro, marcando el inicio de una etapa para reconectar con el cuerpo, la calma y la estabilidad. Es tiempo de enfocarse en lo concreto, en lo que da seguridad y en construir bases sólidas. El 23 de abril, Venus se une a Urano en Tauro en sus últimos grados, señalando finales inesperados o giros sorpresivos en asuntos afectivos y económicos. Para los solteros, puede traer encuentros inesperados o conexiones fuera de lo común.

Horóscopo para esta semana del 18 al 23 de abril del 2026:

♦◊ ARIES

Un inicio potente te empuja a actuar con coraje. Tu paciencia se pone a prueba con tenciones. Las palabras clave abren puertas.

♦◊ TAURO

El Sol ilumina tu identidad, invitándote a priorizarte. Sacudidas emocionales traen claridad. Atracciones sorpresivas activan tu corazón. Enraíza tu energía y cuida lo que valoras profundamente.

♦◊ GÉMINIS

El Sol ilumina tu identidad, invitándote a priorizarte. Las sacudidas emocionales te traen claridad. Enraíza tu energía y cuida lo que valoras profundamente.

♦◊ CÁNCER

Semana desafiante en lo profesional te exige firmeza emocional. Noticias importantes redefinen tus metas. Evita reacciones impulsivas. Busca seguridad y avanza con pasos conscientes hacia la estabilidad.

♦◊ LEO

Nuevas ideas amplían tu visión. Las tensiones te empujan a tomar decisiones valientes. Cambios inesperados en proyectos. Confía en tu liderazgo y construye con disciplina tu futuro.

♦◊ VIRGO

Las transformaciones profundas en lo emocional te invitan a soltar el control. Conversaciones intensas traen claridad. Prioriza tu bienestar y redefine tus límites.

♦◊ LIBRA

Relaciones en foco traen pruebas y decisiones importantes. Comunicación directa será clave. Giros inesperados sacuden vínculos. Busca equilibrio interno y no temas cerrar ciclos.

♦◊ ESCORPIO

Semana de intensidad laboral y mental. Los cambios te empujan a reorganizar tus rutinas. Conversaciones reveladoras. Cuida tu energía física.

♦◊ SAGITARIO

Creatividad en alza, pero con desafíos que exigen compromiso. Expresa tu verdad con claridad. Construye estabilidad sin perder tu esencia libre.

♦◊ CAPRICORNIO

Los asuntos familiares requieren tu atención y decisiones firmes. Tensiones internas salen a la superficie. Cambios inesperados en el hogar. Busca estabilidad emocional y fortalece tus bases personales.

♦◊ ACUARIO

La comunicación intensa te trae revelaciones importantes. Evita discusiones impulsivas. Noticias inesperadas cambian tus planes.

♦◊ PISCIS

Asuntos económicos se activan con decisiones clave. Evita gastos impulsivos. Cambios inesperados te traen oportunidades. Valora tus talentos y construye seguridad desde tu propio valor interno.//

Te provoca algo dulce a media tarde. Abres la refri sin saber muy bien qué buscas. Sientes que “necesitas” comer, pero acabas de almorzar. Y entonces piensas: tengo hambre. Pero… ¿y si no siempre fuera hambre? Te explico qué puede estar pasando para que entiendas mejor a tu cuerpo y sus señales.

El cuerpo es mucho más inteligente de lo que creemos, pero también habla en un lenguaje que no siempre sabemos interpretar. Y en el mundo moderno, donde vivimos rápido, dormimos poco y estamos constantemente estimulados, es fácil confundir señales. Muchas veces lo que sentimos como hambre es, en realidad, otra cosa. Así que vamos por partes.

DESHIDRATACIÓN DISFRAZADA DE HAMBRE

Sí, pasa más seguido de lo que crees. La señal de sed y la de hambre se originan en zonas cercanas del cerebro, y cuando estamos levemente deshidratados, el cuerpo puede mandar una señal que interpretamos como ganas de comer. ¿Te ha pasado que “tienes hambre”, comes algo… y sigues igual? Puede que no era comida lo que necesitabas, sino agua. Tampoco se trata de obsesionarse con los litros exactos, pero sí de algo básico: si no estás bien hidratado, tu cuerpo no funciona igual. La energía baja, la concentración se afecta y sí, también aparece esa “hambre rara”.

FALTA DE SUEÑO: EL GRAN SABOTEADOR

Dormir mal no solo te deja cansado, sino que cambia el funcionamiento de tu metabolismo. Cuando duermes poco, aumenta la grelina (hormona del hambre), disminuye la leptina (hormona de la saciedad) y tu cuerpo busca energía rápida (¡hola, azúcar y harinas!). ¿Cómo se traduce esto? Más hambre, menos control y más antojos. Y no es falta de fuerza de voluntad, es tu cuerpo pidiendo energía porque la necesita. Por esto es que en esos días en los que dormiste mal sientes que “no te llenas” o que quieres picar todo el día. Tu cuerpo está tratando de compensar la falta de descanso con comida.

ESTRÉS: HAMBRE EMOCIONAL… PERO FISIOLÓGICA

El estrés crónico eleva el cortisol. Y el cortisol no solo te mantiene en alerta, también aumenta el apetito, favorece antojos por alimentos densos en energía y puede alterar la glucosa. Aquí es donde aparece esa necesidad de “comer algo” sin tener realmente hambre física. Pero ojo al piojo: no es solo emocional. También es fisiológico. El cuerpo está buscando regularse. El problema es que muchas veces respondemos automáticamente con comida, sin preguntarnos qué hay detrás.

Entonces ¿qué hacemos? No necesitas volverte experto en señales internas, pero sí empezar a hacer pausas para ver que podría estar pasando. No siempre vas a tener la respuesta perfecta. Pero el simple hecho de cuestionarlo ya cambia la relación con la comida porque empiezas a entenderte mejor e identificar algunos aspectos que podrías mejorar en relación a tus hábitos. Entender si es hambre real o si lo que tu cuerpo te está pidiendo es descanso, agua o bajar el ritmo. Y ahí está la diferencia. Porque nutrirte no es solo alimentarte, es aprender a escuchar lo que tu cuerpo realmente necesita.

Aunque la belleza es puramente subjetiva, creo que hay algo muy poderoso en una mirada que transmite alegría, salud y sobre todo descanso. El problema es que, al estar inmersos en un ritmo de vida marcado por el estrés y las pantallas, despertar con ojeras se ha vuelto parte del día a día de muchas personas.

En mi caso, siempre he tenido cierta tendencia a desarrollarlas, por lo que en más de una ocasión me han preguntado si estoy enferma o si no he dormido bien, incluso cuando sí lo había hecho. Por eso, durante muchos años, mi solución fue simple: un buen corrector de ojeras. La verdad es que he probado productos de diferentes presentaciones, texturas, coberturas, marcas, etc.; sin embargo, con el tiempo entendí que taparlas no es lo mismo que tratarlas.

Ahí empezó mi interés por cuidar realmente esa zona, descubriendo que no todas las ojeras son iguales y que lo que le funciona a una persona puede no ser lo más recomendable para uno. Desde mi experiencia, creo que la clave está en identificar qué tipo de ojera tienes y solo así, podrás elegir el tratamiento adecuado y dejar de perder tiempo —y dinero— en productos que prometen mucho, pero no atacan la causa de fondo.

¿Qué son las ojeras?

Las ojeras son alteraciones del color y la apariencia de la piel en el párpado inferior. Como explicó Antuaneth Sobrino, dermatóloga del Centro Bienestar Auna a Somos, pueden verse más oscuras, hundidas o inflamadas, e incluso, presentarse acompañadas de bolsas.

Para entender por qué aparecen, primero hay que tener en cuenta que, la piel de esta zona es especialmente delicada. Según la dermatóloga Shilpi Khetarpal, de Cleveland Clinic, es hasta cinco veces más fina que la del resto del rostro (0.5 mm aproximadamente), lo que facilita la visibilidad de los vasos sanguíneos o la pigmentación. Además, al contar con menos glándulas sebáceas y un soporte estructural más débil, es más propensa a la deshidratación, lo que acelera la aparición de signos de fatiga y envejecimiento.

Asimismo, su aspecto depende de múltiples factores. Como señaló María Luisa Téllez, dermatóloga de la Clínica Ricardo Palma, influyen:

• La genética.
• La falta de sueño
• El envejecimiento.
• La deshidratación.
• Las alergias.
• La exposición solar prolongada.
• El uso excesivo de pantallas.
• La mala circulación sanguínea.
• La mala alimentación.
• El estrés.

“Contrario a lo que muchas personas creen, en la mayoría de casos, las ojeras son completamente normales y responden al estilo de vida o a las características propias de cada individuo. Sin embargo, si aparecen de forma repentina o muy marcadas, también pueden estar relacionadas con problemas como anemia o alternaciones tiroideas, por lo que conviene prestar atención”, precisó la doctora Sobrino.

¿Qué tipo de ojeras existen y cómo tratarlas?

Ojeras pigmentadas

Las ojeras pigmentadas son aquellas que tienen una tonalidad marrón o incluso negra, ya que son causadas por la producción excesiva de melanina (hipercromía idiopática). De acuerdo con la dermatóloga, son más frecuentes en personas con tonos de piel más oscuros y, en muchos casos tienen un componente genético.

No obstante, también pueden aparecer por exposición solar, frotación de los ojos constante, alergias, cambios hormonales (como el embarazo) e inflamación previa en la piel.

¿Qué ingredientes ayudan a aclararlas?:

Para mejorar su apariencia, se recomiendan cremas con activos despigmentantes como:

• Vitamina C.
• Ácido kójico.
• Arbutina.
• Niacinamida.
• Hidroquinona.
• Ácido azelaico.
• Retinoides.

“Cabe recalcar que para que el producto sea realmente eficaz, se debe considerar no solo la coloración, sino también el tipo y resistencia de la piel, ya que muchas de estas sustancias son irritativas. Si no se usan correctamente pueden causar el efecto contrario: más manchas por inflamación. Además, el uso diario del protector solar es clave para evitar que la pigmentación empeore”, advirtió la doctora María Luisa Téllez.

De igual manera, cuando las cremas no son suficientes, existen algunas opciones médicas que actúan directamente sobre el pigmento. Los dermatólogos destacan tres soluciones principales: los peelings químicos, que ayudan a eliminar las capas superficiales de piel pigmentada; los láseres —como el de colorante pulsado o el de diodo—, que reducen la pigmentación acumulada; y la mesoterapia, consistente en inyecciones de sustancias despigmentantes puras o combinadas.

Ojeras vasculares

Según la dermatóloga Antuaneth Sobrino, las ojeras vasculares surgen debido a la delgadez de la piel, que deja traslucir los vasos sanguíneos y una microcirculación deficiente, creando ese característico tono azulado o violáceo. Factores como el estrés, la falta de sueño, el alcohol y el tabaquismo agravan esta condición al comprometer la circulación y acelerar el envejecimiento cutáneo.

¿Cómo reducirlas?:

El tratamiento suele enfocarse en mejorar la circulación y fortalecer la piel:

• Cremas con cafeína, retinol o vitamina K, que ayudan a activar la circulación.
• Péptidos o ácido tranexámico, que mejoran la calidad de la piel.
• Láser vascular (Nd:YAG) o luz pulsada (IPL), para disminuir la visibilidad de los vasos.
• Rellenos con ácido hialurónico, que engrosan la piel y reducen el aspecto hundido.

“La aplicación de compresas o cucharas frías, puede ayudar a contraer los vasos sanguíneos dilatados, reduciendo la apariencia de ojeras vasculares. Igualmente, las bolsas de té frío pueden favorecer la circulación gracias a la cafeína y los antioxidantes que contienen”, indicó la doctora Khetarpal:

Ojeras estructurales o hundidas

Este tipo de ojeras no tienen que ver tanto con el color, sino con la forma del rostro. Como refirió Téllez, aparecen cuando se forma un surco que va desde el lagrimal hacia la mejilla, generando una sombra que da aspecto de cansancio, incluso si has dormido bien.

“Estas ojeras pueden deberse a la genética, ya que algunas personas tienen la cuenca ocular más profunda, así como también por la pérdida de grasa en la zona periocular. La disminución de colágenos y elastina, al igual que la deshidratación o el cansancio pueden atenuar el hundimiento”.

¿Cómo se pueden mejorar?:

A diferencia de otros tipos de ojeras, en estos casos las cremas si bien pueden mejorar la hidratación o la textura de la piel, no pueden rellenar el volumen perdido ni modificar la anatomía del rostro.

Por eso, cuando el hundimiento es evidente, como subrayó la experta de la Clínica Ricardo Palma, es necesario recurrir a ciertos tratamientos dermatológicos que puedan contrarrestar esta apariencia. Entre los más utilizados se encuentran:

• Ácido hialurónico: Ayuda a restaurar el volumen perdido.
• Bioestimuladores de colágeno: Mejoran la firmeza y calidad de la piel.
• Lipofilling: Utiliza grasa propia para rellenar la zona, con resultados más duraderos.
• Láser: Mejora la textura de la piel y el aspecto general.

No obstante, no todas las personas son candidatas para estos procedimientos. Por ejemplo, el uso de ácido hialurónico no se recomienda si existen bolsas de grasa marcadas o retención de líquidos en la zona. Por esta razón, es clave una evaluación previa con un dermatólogo para elegir la opción más adecuada, aseguró Antuaneth Sobrino.

¿Cómo puedo identificar mi tipo de ojera?

Antes de invertir en cremas o tratamientos, es importante identificar qué tipo de ojera tenemos, ya que esto puede marcar la diferencia entre gastar en algo que no funciona o elegir el tratamiento ideal desde el inicio.

Para la doctora Sobrino, es indispensable observar dos características básicas: el color y la forma. Para lograrlo, debemos seguir estos pasos:

1. Mírate: Hazlo frente al espejo y, de preferencia, con luz natural. Esto te permitirá ver el tono real de la piel sin distorsiones.
2. Prueba de estiramiento: Estira suavemente la piel del párpado inferior y fíjate en lo que ocurre. Si el color se atenúa o cambia, probablemente se trata de una ojera vascular. En cambio, si el tono marrón permanece igual, es más probable que sea pigmentada.
3. Observa la forma y las sombras: No todos se trata del color. También importa la estructura. Si notas un hundimiento o surco que genera sombra (especialmente según la luz), estás ante una ojera estructural. Mientras que, si ves hinchazón o bolsas, sobre todo al despertar, puede ser una ojera edematosa.
4. Identifica cuándo se notan más: El momento del día también es un elemento clave, ya que si son más marcadas en la mañana, pueden ser edematosas; y si son más visibles tras el estrés o la falta de sueño, suelen ser vasculares.

“Es importante tener en cuenta que se pueden tener más de dos tipos de ojera a la vez. Muchas personas presentan lo que se conoce como ojeras mixtas, es decir, una combinación de dos o más tipos (por ejemplo, pigmentación + hundimiento). En estos casos, el abordaje no es único: se necesita combinar tratamientos según cada causa”, sostuvo la dermatóloga del Centro Bienestar Auna.

Lo que estás haciendo mal (y por qué nada te funciona)

Si sientes que has probado de todo y tus ojeras siguen ahí, la doctora Shilpi Khetarpal advirtió que el problema no siempre es el producto, sino algunos errores muy comunes que casi todos cometemos sin darnos cuenta.

Tratar todas las ojeras como si fueran iguales:

Uno de los errores más frecuentes es usar cualquier contorno de ojos sin saber qué tipo de ojera tienes. No es lo mismo una ojera pigmentada que una vascular o hundida, por lo que usar el producto equivocado solo hace que pierdas tiempo y dinero.

Esperar resultados rápidos:

Aunque los productos prometan cambios en pocos días, la mayoría de cremas solo actúan a nivel superficial. Pueden hidratar o mejorar ligeramente la apariencia, pero si tus ojeras tienen un origen más profundo —como genética, estructura facial o vasos sanguíneos visibles—, su efecto será limitado.

“Los efectos reales de un tratamiento adecuado comienzan a percibirse entre la segunda y cuarta semana. Mientras que la hidratación y la reducción de la inflamación son visibles rápidamente, la disminución del pigmento es un proceso más lento que depende de su profundidad”, precisó María Luisa Téllez.

Usar demasiados productos:

Aplicar varias cremas a la vez o elegir fórmulas excesivamente potentes puede desencadenar dermatitis o irritaciones. Esto es contraproducente, ya que la inflamación en esa zona suele derivar en un mayor oscurecimiento.

Frotarse los ojos constantemente:

Aunque parece un hábito inofensivo, puede irritar la piel y oscurecer aún más la zona. También puede favorecer la inflamación y empeorar la apariencia de las ojeras con el tiempo.

Cómo elegir un contorno de ojos que sí te funcione

• Fíjate en los activos no en la marca: Cada tipo de ojera necesita ingredientes distintos. Si no eliges el activo correcto, es muy probable que no veas resultados.
• La textura sí importa: Los contornos más ligeros, como geles o sérums, suelen penetrar mejor en la piel que las cremas pesadas. Esto es clave porque la piel del contorno de ojos es más fina y delicada.
• De menos a más: La clave está en la adaptación. Debes aplicar concentraciones mínimas al principio y subir la intensidad de forma gradual, evitando combinar demasiados ingredientes que puedan irritar la zona.
• Evita estos ingredientes: Para evitar irritaciones en la zona, los contornos de ojos no deben contener fragancias o bases alcohólicas. Además, debes asegurarte de que el producto esté dermatológicamente testeado.
• Considera el aplicador:  Muchos contornos incluyen aplicadores de mental o de jade, los cuales facilitan la distribución del producto, dan un efecto refrescante y pueden ayudar a desinflamar ligeramente. Aunque no son indispensables, sí son un plus importante.

“No solo importa qué producto usas, sino también cómo lo aplicas. Usa una cantidad del tamaño de un grano de arroz y aplícalo con el dedo anular, a toquecitos suaves sobre el hueso orbital (alrededor del ojo y la ceja), evitando el párpado móvil y la línea de las pestañas para prevenir irritaciones. Hazlo desde la zona interna hacia afuera y repítelo mañana y noche, después de la limpieza”, detalló la doctora Sobrino.

Aunque en el Perú más de 4 millones se comunican en alguna de nuestras 48 lenguas originarias, recién en marzo del 2015 se dictó la primera sentencia en quechua. Ocurrió en el Primer Juzgado de Investigación Preparatoria de la provincia de Azángaro, en Puno. El dato no solo evidencia una deuda histórica del sistema judicial, sino también las profundas barreras que aún limitan el acceso a la justicia para millones de ciudadanos. En ese contexto nace DOXS.AI, una herramienta desarrollada por los hermanos Torres en Cusco que busca acortar estas brechas mediante el uso de inteligencia artificial. Su propuesta: un asistente jurídico capaz de responder consultas legales en lenguas originarias, apoyado en una base sólida de jurisprudencia nacional.

Joseph Junior Torres Cama, estudiante de administración de negocios internacionales de la Universidad Andina del Cusco y con un MBA en Centrum PUCP, es parte del proyecto junto a sus hermanos George y Julio. Cada uno aporta desde su especialidad: George, estudiante de derecho con conocimientos en programación e inteligencia artificial, fue quien dio el primer paso en la creación de la plataforma; mientras que Julio, desarrollador con experiencia en empresas como BBVA y actualmente ingeniero de software en la división de Yape, consolidó el desarrollo técnico.

La idea surgió cuando George cursaba el noveno semestre de su carrera. Identificó una necesidad concreta y decidió construir una solución tecnológica. El proceso tomó casi un año y contó con el respaldo del departamento legal de la universidad, así como de incubadoras tecnológicas. Finalmente, DOXS.AI fue lanzada en diciembre del 2025 en una conferencia realizada en la Universidad Andina, en Cusco.

“DOXS.AI es una solución para cerrar las brechas en el acceso a la justicia, permitiendo que las personas de comunidades de lenguas originarias puedan acceder a información legal en su propio idioma. Miles de personas no tienen acceso a este a justicia por el simple hecho de no saber sus derechos, eso es lo que nos impulsó a poder desarrollar esta plataforma”, dice Joseph Torres.

La IA para romper brechas

Uno de los principales diferenciales de DOXS.AI frente a otras herramientas de inteligencia artificial generativa es su enfoque intercultural. A través de DOXS Intercultural, los usuarios pueden realizar consultas legales tanto de forma escrita como oral en lenguas originarias como quechua, awajún, wampis y aimara.

“DOXS.AI no solo es una herramienta legal, es una herramienta de justicia social. Aquí DOXS Intercultural no está pensada solo para abogados, sino para personas que nunca han tenido acceso al sistema legal”, señala Joseph sobre la plataforma con la que buscan ayudar a personas que jamás han hecho una denuncia por hablar otro idioma o por desconocimiento del sistema legal peruano.

La plataforma no solo traduce consultas, sino que responde con información respaldada. Según sus creadores, cuenta con más de 2 millones de resoluciones judiciales, incluyendo normativa del Código Procesal Civil, Código Penal, jurisprudencia de Indecopi y arbitrajes del OSCE.

“Si bien es cierto que existen otras plataformas que te ayudan si les das un buen prompt, DOXS.AI no inventa información, tiene más de 2 millones de resoluciones judiciales, puede hacer consultas con documentos reales del país, no inventa información y aparte no hace una búsqueda sistemática. Otras plataformas lo que hacen es agarrar una base de datos y, cuando buscas referencias, te dan los documentos. Lo que hace nuestra plataforma es una búsqueda inteligente, porque conoce del documento y conoce la ley”, añade.

El funcionamiento es sencillo: el usuario ingresa una consulta en lenguaje natural —por ejemplo, “quiero presentar una denuncia por alimentos”— y la IA procesa la solicitud para ofrecer modelos de demanda, jurisprudencia relevante, fundamentos legales y enlaces de descarga en PDF. La búsqueda se realiza en segundos y permite acceder a precedentes del Tribunal Constitucional, la Corte Suprema y el SCIJ.

Actualmente, gran parte de las consultas se concentran en temas de violencia y alimentos, lo que evidencia las necesidades legales más urgentes de los usuarios.

El reto del trabajo de campo

Aunque la herramienta ya funciona al 100% en quechua, el equipo continúa trabajando para ampliar su cobertura en otras lenguas originarias. Para ello, el trabajo de campo es clave.

“Nosotros estamos trabajando conjuntamente con la Asociación Jesús Obrero CCAIJO, que es una ONG que tiene incidencia en la en las comunidades de Quispicanchis de la ruta Ausangate. También tenemos el apoyo de comunidades del Amazonas con los awajún y wampis”, explica Joseph.

El desarrollo de estas capacidades no ha sido sencillo. Comprender cómo se formulan las preguntas en distintos contextos culturales y lingüísticos ha sido uno de los mayores desafíos. Sin embargo, replicar este avance en otras lenguas requiere presencia directa en las comunidades. Y ese es, hoy, uno de los principales obstáculos.

“Buscamos apoyo para poder llegar a más comunidades. Necesitamos poder contactarnos, porque es difícil, no cualquiera puede ingresar a, por ejemplo, la comunidad de los machingas. No puedes ingresar así, simplemente, llevar tu laptop y decirles, ‘Ya vengo a capacitarlos’. No, el proceso de ingresar es complicado”, afirma.

Actualmente, DOXS.AI ofrece acceso gratuito a estudiantes e instituciones sin fines de lucro. Los universitarios pueden realizar hasta 20 consultas diarias mediante un sistema de créditos, mientras que las ONGs cuentan con acceso libre.

El siguiente paso para el equipo es fortalecer alianzas que les permitan ingresar a más territorios y así seguir ampliando el alcance de una herramienta que, desde Cusco, busca reducir una de las brechas más persistentes del sistema judicial peruano.//

El artista peruano Lenin Tamayo, creador del Q-pop ha construido un proyecto musical y un universo visual coherente, reconocible y en constante evolución. Uno en el que se fusionan el K-pop -con su precisión estética y narrativa visual- con elementos andinos, símbolos ancestrales y una identidad que no busca adaptarse, sino afirmarse.

A ese cruce lo ha llamado Quechuapop (Q-pop). Y más que un género, es una declaración estética. El estilo de Lenin parte desde lo local para proyectarse globalmente. Sus looks, cuidadosamente construidos, funcionan como una extensión de su discurso artístico. Conversamos con el joven cantante, quien nos aterrizó en palabras su universo creativo: “La estética visual de un artista puede comunicar bastante sin tener que decir nada. Eso me parece muy poderoso”.

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A diferencia de muchos artistas cuya imagen es completamente delegada a un equipo, Tamayo mantiene el control creativo de su estilo. Si bien colabora con stylists y marcas, la decisión final siempre pasa por él.

“Colaboro con algunas personas, pero la última decisión siempre la tengo yo”, explica. Una postura que no es casual: su relación con la moda viene desde antes de su carrera musical. “Siempre he tenido ese hábito de pensar qué quiero expresar con la ropa”, declaró para El Comercio.

Esa claridad se traduce en una expresión de la moda que no responde a tendencias, sino a algo mucho más personal. Cada etapa de su música, cada canción, cada lanzamiento, define también su vestuario. “Depende de la era en la que me encuentro. Cada parte del proyecto tiene un mensaje y eso lo traduzco a todos los niveles, incluida la ropa”.

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Entre lo andino y lo asiático

Uno de los aspectos más interesantes de su estilo es la fusión entre lo andino y lo asiático. Lejos de ser un recurso superficial, esta mezcla responde a un proceso de exploración personal que terminó encontrando puntos de conexión inesperados.

“Cuando fui a Asia en 2024 empecé a notar similitudes entre las siluetas asiáticas y las prendas andinas. Recuerdo que llevé una pieza de Cusco y funcionaba perfectamente con esa estética. Ahí entendí que había algo en común”, cuenta.

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Desde entonces, esa relación se ha vuelto parte central de su propuesta visual. Pero el punto de partida no fue la referencia externa, sino la búsqueda interna. “Cuando haces algo nuevo, primero tienes que explorarte tú. Solo tú sabes qué quieres comunicar. Luego las personas que colaboran contigo empiezan a entender esa visión”.

El resultado es una estética híbrida pero coherente, donde conviven telares, capas, accesorios y siluetas contemporáneas con una naturalidad que desarma cualquier lectura folclórica.

Si hay un principio que define su forma de vestir, es la libertad. Lenin evita encasillar su estética desde la confección y prefiere construirla desde el styling.

“No me gusta definir la ropa desde cómo fue diseñada originalmente. Me interesa cómo puedo transformarla: usar una prenda como tocado, como chal o amarrarla de otra forma”, explica.

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Esta lógica convierte a los accesorios en protagonistas. Sobre bases simples -pantalones o tops neutros- construye capas de significado a través de piezas que se suman, se reinterpretan y se resignifican.

En ese proceso, también colabora con diseñadores peruanos y marcas independientes como Hey Jim, Ocho Perú y Katherine Salcedo, así como con creadores emergentes que incluso le hacen llegar piezas de forma directa. El resultado es un ecosistema diverso, donde la moda se construye de manera colectiva, pero con una dirección clara.

Y en el universo de Tamayo, nada es casual. Ni siquiera el cabello. Para su proyecto “AMARU”, un álbum conceptual dividido en tres partes, decidió dejarlo crecer como parte del relato. “Quería que se viera que el personaje está atravesando cambios. El crecimiento del cabello es una forma visual de mostrar evolución”.

Pero la decisión también conecta con una lectura cultural más profunda. “En la cultura andina el cabello tenía un significado importante, representaba jerarquía, identidad. Y también es una imagen muy asociada a las culturas originarias a nivel global”. Así, el cabello se convierte en símbolo: una herramienta visual que dialoga con la historia, la percepción global y la construcción de identidad contemporánea.

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Entre todos los elementos que componen su estilo, hay uno que se repite y resume su enfoque: un collar en forma de sol que aparece en múltiples looks.

Lejos de ser una pieza de lujo en términos tradicionales, su valor es simbólico. “Lo conseguí detrás de la catedral del Cusco. Para mí es una joya no por el material, sino por lo que representa”, explica.

El accesorio llamado Sol Echenique remite a sus raíces familiares y al significado del quechua como cultura viva. Es, en esencia, una declaración: en su estética, el valor no está en el objeto, sino en la historia que carga.

Uno de sus looks más representativos -un kimono bicolor en rojo y blanco representando los colores de nuestra bandera- resume bien su manera de entender la moda como puente cultural. Diseñado para una gira en Asia, el look buscaba transmitir el mensaje de “amor y libertad”, eje central de su proyecto. “Quería representar nuestra llegada a Asia no como algo ajeno, sino como parte de esa cultura”, explica. La imagen es potente: un artista peruano que se presenta ante el mundo desde el respeto, pero sin renunciar a su identidad. “Era como una especie de Inca que llegaba con un kimono, y al abrirlo mostraba todo el universo quechua”.

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Hoy, el impacto de su propuesta trasciende lo visual. El creciente apoyo del público -incluyendo quienes lo proponen como telonero para el concierto de BTS en Lima- refleja algo más amplio: un cambio en la forma en que se percibe lo local.

“Que en mi propio país haya más apertura a lo que hago es un indicador de que estamos empezando a tener una visión más amplia, sin perder identidad”, señala.

Su referencia más reciente, no por casualidad, es David Bowie, un artista que entendió la estética como parte esencial de la música. “Me inspira cómo construía cada alter ego con una identidad visual clara”.//

La historia del Jockey Club del Perú se remonta a inicios del siglo XX, cuando la afición por las carreras de caballos comenzaba a consolidarse en la capital. Su antecedente directo fue el Jockey Club de Lima, fundado en el antiguo hipódromo de Santa Beatriz. Según el archivo histórico de El Comercio, este espacio marcó el inicio de una tradición que vinculó este deporte con la vida social de la ciudad.

El actual Jockey Club del Perú se funda oficialmente el 4 de abril de 1946, en un contexto de modernización urbana y crecimiento institucional. Su primera sede fue el hipódromo de Jesús María, ubicado donde hoy se levanta la residencial San Felipe. El gran salto llegaría en 1960, durante el gobierno de Manuel Prado Ugarteche, con la inauguración del Hipódromo de Monterrico, que se convertiría en el corazón de la hípica nacional.

Más allá de las carreras, este complejo ecuestre también ha sido escenario de momentos memorables. En los años 80 recibió la visita del Juan Pablo II, y en 1995 fue sede de un multitudinario concierto de Luciano Pavarotti. Hoy, con capacidad para 35 mil personas, el recinto se ha consolidado como un espacio versátil, con amplias explanadas que acogen eventos sociales, corporativos y espectáculos musicales.

A ochenta años de su fundación, el club atraviesa un momento que su presidente, Danilo Chávez Abad, define como “estelar”. “Somos la única institución social-deportiva creada por ley en el Perú, con la responsabilidad de desarrollar la actividad hípica y proteger la especie caballar”, afirma.

El aniversario coincide, además, con un hito mayor: Lima volverá a ser sede del Gran Premio Latinoamericano, la principal cita hípica de la región. “Es una vitrina no solo para la hípica, sino para el país. Vendrán los mejores caballos y autoridades del mundo ecuestre”, destaca Chávez, subrayando su impacto deportivo y turístico.

En un país en constante transformación, el dirigente pone en valor la vigencia de la institución que lidera. La hípica —dice— ha estado históricamente ligada a la vida republicana. Prueba de ello es el tradicional Clásico Independencia, parte oficial de las celebraciones de Fiestas Patrias. “Es el evento con mayor asistencia: reúne autoridades, diplomáticos y miles de personas para celebrar al país”, comenta.

Ese arraigo explica su permanencia. Frente a nuevas formas de entretenimiento, el Jockey Club apuesta por renovarse sin perder su esencia. “La hípica es desafiante, pero apasionante. Queremos acercarla a nuevos públicos y devolverla al sitial que le corresponde”, concluye Chávez.

HEREDEROS DEL GALOPE

Si bien el presente es auspicioso, el futuro de la hípica peruana se proyecta aún más prometedor gracias al trabajo de Edwin Talaverano como formador de nuevos valores en la escuela de jinetes del Jockey Club del Perú. Tras más de cuatro décadas en competencia, el excampeón cambió este año las pistas por las aulas, en una transición que asume con entusiasmo y sentido de responsabilidad.

“Para mí es algo bonito, porque sigo ligado a la hípica”, cuenta. Su rol, explica, no se limita a enseñar técnica, sino a formar criterio y carácter. La escuela funciona como un espacio de orientación integral: desde la postura y el estilo hasta la preparación mental que exige una profesión donde el riesgo y la disciplina conviven a diario. “Donde más se aprende es encima del caballo, pero aquí se les guía, se les prepara psicológicamente para lo que viene”, señala. “Mi sueño es formar jinetes capaces de competir en el extranjero. Que puedan salir, hacer carrera y crecer”, añade.

Desde su nueva posición, Talaverano observa también el lugar de la hípica peruana en la región. Aunque reconoce una brecha frente a potencias como Argentina, Brasil o Chile —donde el número de nacimientos de caballos es ampliamente superior—, destaca el esfuerzo local por mantenerse competitivo. “Somos una hípica que lucha por sostenerse y salir adelante”, resume.

Ese mismo ímpetu es el que transmite a sus jóvenes discípulos. Entre ellos están Dayani Andrea Flores, de 19 años, nacida en Huánuco, y José Aldo Letona, de 20, proveniente de Apurímac. Ambos crecieron entre caballos. En el caso de Andrea, la afición es heredada: “He vivido mi niñez en el campo, siempre cerca de ellos”, cuenta. Empezó a montar a los 11 años y, tras un accidente, encontró en la escuela una nueva oportunidad para retomar un vínculo que —dice— “lleva en la sangre”.

José, por su parte, siguió los pasos de sus hermanos. Desde los seis años monta caballos y descubrió en ellos una mezcla de adrenalina y conexión difícil de explicar. “La emoción que se siente mientras corres es única: es como si todo se detuviera y solo quedaras tú y el caballo”, comenta.

Se levantan antes del amanecer. A las cinco y media ya están en la pista, montando y sumando vueltas para ganar confianza. Luego continúan con la formación técnica: ejercicios físicos, postura y control. La rutina es exigente y diaria. La preparación puede tomar más de un año antes de estar listos para competir.

Ambos comparten un mismo horizonte: Andrea busca abrirse camino como jockey profesional; José quiere proyectarse y competir a nivel internacional. Esa es la meta. //

La gran carrera

El Gran Premio Latinoamericano es la carrera más importante de la región, una competencia que reúne a los mejores caballos de Sudamérica en un mismo escenario. En 2026, Lima volverá a ser sede del evento, que se disputará el 26 de abril en el Hipódromo de Monterrico, coincidiendo con el 80 aniversario del Jockey Club del Perú. Considerado la “Copa América” de la hípica, el Latino congrega a delegaciones de países como Argentina, Brasil, Chile y Uruguay, y posiciona al Perú como epicentro del circuito internacional. Entrada libre.

En línea con su propósito de promover el bienestar integral a través del movimiento, KO lanza KO Masters, una nueva propuesta diseñada para acompañar a las personas en una etapa donde la salud, la energía y la independencia física se vuelven protagonistas.

KO Masters nace como un programa especializado que busca fortalecer el cuerpo desde una mirada consciente, priorizando la movilidad, la resistencia cardiovascular y la fuerza funcional. A través de sesiones adaptadas y guiadas por entrenadores especializados, el programa está enfocado en mejorar la calidad de vida y fomentar un estilo de vida activo y sostenible en el tiempo.

Está pensado especialmente para personas que nunca han hecho ejercicio, que lo están retomando o que buscan volver a moverse de manera segura y progresiva, encontrando en el movimiento una herramienta real de bienestar.

Un concepto diferente

Más allá del entrenamiento, el programa propone una mirada más amplia: apostar por la longevidad, la independencia y una mejor calidad de vida.

Con KO Masters, buscan acompañar a más personas a mantenerse activas, fuertes y conectadas con su cuerpo, sin importar la etapa en la que se encuentren, promoviendo que se sientan capaces, seguras y felices en su día a día.

El programa se desarrollará en los estudios de KO y contará con una metodología accesible, progresiva y segura, pensada para adaptarse a distintos niveles y necesidades.

Próximas fechas para probar KO Masters:

• 21 de abril | Sede La Mar
• 22 de abril | Sede Barranco
• 23 de abril | Sede Jockey

(*) Todas las sesiones a las 10:30 a.m.

Hola, hoy quiero hablarte de algo que puede cambiar tu vida más de lo que imaginas: moverte. No por estética. No por encajar. No por cumplir. Moverte como una forma de volver a ti.

Vivimos en un estado constante de ruido. Pensamientos que no paran, estrés que se acumula, emociones que no siempre sabemos cómo gestionar. Y en medio de todo eso, nos vamos desconectando. De nuestro cuerpo, de nuestra respiración, de nuestra claridad. Ahí es donde el deporte —bien entendido— se convierte en una herramienta poderosa. Porque la magia del movimiento no está en cómo te ves, sino en cómo te ordena.

Cuando encuentras ese deporte que es para ti —ese que te divierte, que te reta, que te libera— algo cambia. Tu mente baja. Tu cuerpo se activa. Tus emociones se acomodan. Te alineas.

No existe un deporte perfecto para todos. Pero sí existe uno que tiene sentido para ti. Y cuando lo encuentras, se convierte en una especie de terapia en movimiento. Un espacio donde puedes soltar, donde puedes desconectarte del ruido para reconectar contigo.

No reemplaza procesos más profundos —y es importante decirlo—, pero sí se vuelve un canal real para sostenerte mejor en el día a día. Porque la vida no va a dejar de traerte caos. Momentos difíciles, pensamientos que abruman, emociones que pesan. Eso no lo podemos evitar. Pero sí podemos elegir cómo volver al equilibrio. Y el movimiento es una de las formas más efectivas de hacerlo. Es tu reset. Tu cable a tierra. Tu manera de limpiar lo que se acumula. Ese momento donde dejas de sobrepensar y empiezas a sentir. Donde respiras mejor. Donde te recuerdas que eres más fuerte de lo que creías. Y desde ahí, todo cambia. No porque los problemas desaparezcan, sino porque tú te paras distinto frente a ellos.

Por eso no importa si es caminar, bailar, entrenar fuerte o moverte suave. No importa la forma. Importa lo que te genera. Tiene que ser ese movimiento que te sacuda, que te ordene, que te devuelva a ti.

Hoy más que nunca necesitamos aprender a autogestionarnos. A salir del caos sin huir de la vida. Y ahí, el deporte puede ser tu mejor aliado. Así que te dejo esta invitación: encuentra el movimiento que te equilibra. Y hazlo parte de tu vida

En una ciudad donde la gastronomía no deja de reinventarse, las parrillas han encontrado un lugar privilegiado en la mesa limeña. Desde cortes clásicos hasta propuestas más innovadoras que combinan técnicas internacionales con insumos locales, Lima vive un auténtico boom carnívoro. Ya no se trata solo de comer bien, sino de vivir una experiencia completa: brasas encendidas, puntos de cocción perfectos y ambientes pensados para disfrutar sin apuro.

Por ello, en base a la más reciente Guía de los Premios Somos, compartimos su selección del 2025 que reúne espacios que destacan por la calidad de sus productos, el dominio de la parrilla y una propuesta que va más allá del plato.

Si estás con antojo y no sabes a dónde ir, aquí tienes diez paradas obligatorias para saciarlo.:

• Baco y Vaca

Dirección: 2de Mayo 798, San Isidro/ Benavides 1866, Miraflores.

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• Carnal

Dirección: Elias Aguirre 698, Miraflores.

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• Costumbres argentinas

Dirección: Av. Republica de Panamá 6562, Barranco.

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• El Charrúa

Dirección: Av. Javier Prado Este 5898, La Molina.

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• El Hornero

Dirección: Consulta aquí todas sus sedes.

@lacriticaroshca @Hornero.parrillas Av. Rivera Navarrete 798 San isidro Pan con Mantequilla 8.00 Sangría 78.00 Parrilla Doble 360.00 Coca Cola 9.50 #instafoodperu #amantesdelacomida #polloalabrasa #foodiepic #foodieperu #cocinaper #cevichelovers #pastalovers #chefstime #cocinero ♬ Lazy Sunday - Official Sound Studio

• La Cabrera Perú

Dirección: Calle Enrique Palacios 140, Miraflores.

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• La carnicería de Tito restaurante

Dirección: Av 28 de julio 1286, Miraflores.

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• La Carreta

Dirección: Avenida Rivera Navarrete 740, San Isidro/ Calle Andrés Reyes 472, San Isidro.

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• La cuadra de Salvador

Dirección: Consulta aquí todas sus sedes.

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• Osso

Dirección: Av. Santo Toribio 173, Torre Real 6, San Isidro.

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Consulta más de las listas de los Premios Somos 2025 en esta nota.

¿Tu hijo está en esa etapa en la que sigue chupándose el dedo? Al principio parece algo inofensivo, hasta te resulta un gesto tierno. Y es que cuando hablas con otros padres, la gran mayoría te dice lo mismo: “no te preocupes, es normal” o “ya se le pasará solo”.

Pero cuando los meses pasan y el hábito continúa—incluso durante el día o sin que el niño se dé cuenta—, empiezan las dudas: ¿realmente es normal o debería preocuparme?

Lo que hay detrás del hábito de chuparse el dedo en la infancia

Chuparse el dedo es uno de los hábitos más comunes en la infancia, incluso es un comportamiento biológico y a su vez, emocional.

En un inicio, como explicó Erick Olivera, pediatra de la Clínica Ricardo Palma a Somos, este hábito responde a un reflejo innato, pues incluso antes de nacer, los bebés ya practican la succión como parte de su preparación para la alimentación, lo que se le conoce como “succión no nutritiva”.

Sin embargo, su función va más allá de lo físico, ya que este simple hábito les brinda calma, seguridad y les ayuda a relajarse. Por eso, es muy común observar este comportamiento cuando el niño está cansado, aburrido o necesita consuelo, e incluso como una forma de conciliar el sueño.

“Aunque no todos los niños pasan por esta etapa, sí es bastante frecuente. Hay algunos más propensos, especialmente aquellos con mayor necesidad de succión o que buscan constantemente autorregularse. También puede observarse en niños que han usado menos el chupón o que han tenido menos tiempo de lactancia exclusiva”, precisó el pediatra.

Entonces, ¿cuándo deja de ser algo normal? Según Anne Clemons, dentista de Cleveland Clinic, este hábito es esperable hasta los 2 y 4 años aproximadamente, y en muchos casos desaparece por sí solo. No obstante, la preocupación surge cuando continúa después de que comienzan a salir los dientes permanentes.

Las señales de que chuparse el dedo ya no es una fase normal

Si bien este comportamiento es una forma en la que los niños manejan algunas emociones difíciles, como advirtió la pediatra Irismar Del Moral, de Sanitas Consultorios Médicos, deja de ser normal cuando se vuelve automático y repetitivo, incluso sin que el niño sea consciente, funcionando más como una respuesta constante frente a la ansiedad.

“En este tipo de comportamientos, el contexto es importantísimo. No es lo mismo que ocurra solo al dormir que durante el día. Si el niño se chupa el dedo únicamente al descansar, suele ser un hábito de consuelo. Pero si lo hace con frecuencia mientras está despierto, puede estar relacionado con el aburrimiento, el estrés, la ansiedad o una necesidad constante de atención, lo cual podría tener un trasfondo emocional más serio”.

Por eso, además de observar la frecuencia, la intensidad con la que se ejerce la succión es clave, ya que puede afectar directamente al desarrollo de la boca.

Sin embargo, hay un punto en el que este hábito deja de ser inofensivo y empieza a aparecer señales de alerta. Sobre ese aspecto María Barrios, pediatra de SANNA Chacarilla, indicó algunos de los signos más importante a tener en cuenta:

• Mordida abierta,es decir, cuando los dientes no logran cerrarse correctamente.
• Deformación del paladar por la presión constante.
• Posición anómala de la lengua.
• Alteraciones en el lenguaje.
• Irritación persistente en el dedo succionado.
• Cuando el hábito interfiere con sus actividades diarias.

Esto es lo que podría ocurrirle a tu hijo si no deja de chuparse el dedo

Cuando el hábito de chuparse el dedo se mantiene más allá de los 4 o 5 años, puede empezar a tener consecuencias reales en la salud infantil.

A corto plazo, la doctora Barrios señaló que es frecuente que aparezca irritación en la piel del dedo debido a la succión constante, así como también un mayor riesgo de infecciones por las bacterias que se encuentran en las manos.

Mientras que, con el tiempo, el impacto puede ser más significativo. Entre las principales consecuencias se encuentran la maloclusión dental, la hipoplasia del maxilar superior, la protrusión de los incisivos y las alteraciones en la deglución.

“Cuando el hábito ya está afectando la dentadura o el desarrollo oral, suelen aparecer señales visibles que no conviene pasar por alto. Signos como dientes frontales salientes o apiñamiento dental, indican que la succión prolongada ya está alterando la estructura de la boca. Además, la respiración por la boca —otro indicador frecuente— no solo refleja un desequilibrio en la posición de la lengua y los dientes, sino que también puede aumentar el riesgo de caries, gingivitis y mal aliento”, destacó la dentista Anne Clemons.

Asimismo, mantener este comportamiento puede producir trastornos del habla. Tal como resaltó Barrios, los cambios en la posición de los dientes, la lengua y el paladar pueden dificultar la pronunciación de ciertos fonemas como la “t”, la “d” o la “l”, dando lugar a dislalias.

Entonces, ¿es mejor que use chupón?

A diferencia de lo que muchos padres puedan pensar: no es lo mismo chuparse el dedo que el chupón. Aunque ambos hábitos pueden parecer similares, sus efectos no siempre lo son. Cuando se prolongan más allá de los 2 o 3 años, tanto el uso del chupón como chuparse el dedo pueden provocar todas las consecuencias previamente mencionadas. Sin embargo, la diferencia está en la intensidad y el control del hábito.

“Chuparse el dedo suele ejercer una presión más fuerte y constante sobre el paladar y los dientes, lo que puede llegar a deformar el hueso de forma más severa con el paso del tiempo. Además, a diferencia del chupón —que los padres pueden retirar cuando lo consideran necesario—, este hábito depende directamente del niño, lo que hace que sea más difícil de eliminar”, sostuvo la doctora Del Moral.

La forma más efectiva para que tu hijo deje de chuparse el dedo

Más que prohibir el hábito, es importante entender que muchas veces cumple una función de consuelo ante el cansancio, el estrés o el aburrimiento.

Según la doctora Del Moral una de las estrategias más efectivas es el refuerzo positivo: reconocer y elogiar los momentos en que el niño no se chupa el dedo. Este pequeño cambio de enfoque no solo refuerza la conducta deseada, sino que también evita generar ansiedad o frustración.

También es clave observar cuándo aparece el hábito, ya que muchos niños recurren a él como un recurso emocional. Identificar estos momentos permite anticiparse y ofrecer alternativas —como distracción, cercanía o una rutina calmante— antes de que surja la necesidad.

En niños mayores, involucrarlos activamente puede marcar una gran diferencia. Darles un rol en el proceso, ya sea a través de calendarios de estrellas, metas simples o pequeños acuerdos, aumenta su motivación y sentido de logro. Este enfoque facilita a su vez, un cambio progresivo y reduce la ansiedad asociada al hábito.

Además, existen herramientas que pueden acompañar este proceso de forma respetuosa, como los objetos de apego (peluches o mantas), las rutinas de sueño estables o el uso de curitas en el dedo como recordatorio. Para el especialista Erick Olivera, estos recursos no deben verse como castigos, sino como apoyos que ayudan al niño a generar seguridad y nuevos hábitos.

Sin embargo, tan importante como saber qué hacer es evitar algunos errores comunes. En este sentido, la pediatra María Barrios advirtió que ciertas prácticas pueden empeorar la situación en lugar de resolverla, como:

• Forzar la interrupción demasiado pronto: Muchos niños abandonan el hábito por sí solos entre los 2 y 4 años, por lo que presionarlos antes de que estén listos puede generar ansiedad.
• Ignorar la causa emocional: Chuparse el dedo es un mecanismo de consuelo ante el miedo, estrés, aburrimiento o sueño.
• Falta de constancia: Permitir que se chupe el dedo a veces y otras no, confunde al niño.
• Prohibir drásticamente: Prohibir sin ofrecer alternativas reconfortantes dificulta el abandono.
• Usar palabras fuertes, burlas o castigos: Estas pueden alterar al niño y empeorar el hábito, generando inseguridad, estrés y ansiedad.

¿Cuánto tiempo tarda un niño en dejar de chuparse el dedo?

En cuanto al tiempo, no existe una regla única. En los casos más leves, el proceso puede tomar solo días o semanas. Sin embargo, cuando intervienen factores emocionales o sensoriales, la transición puede extenderse por varias semanas o incluso meses.

“Más allá de la duración, lo que realmente determina el éxito es el enfoque. La paciencia de los padres, la constancia en las estrategias y el respeto por el ritmo del niño son fundamentales. En aquellos casos donde el hábito persiste o genera preocupación, el acompañamiento de un especialista puede ser de gran ayuda. Un pediatra, un odontopediatra o un psicólogo infantil pueden orientar a la familia y ofrecer herramientas adaptadas a cada situación”, subrayó la experta de SANNA.

Con empatía, acompañamiento y consistencia, este proceso no solo es posible, sino que también puede convertirse en una oportunidad para fortalecer la seguridad emocional del niño.

Este 2026 se celebrará la edición número 13 de la feria internacional de arte contemporáneo Pinta Lima (@pinta.artofficial), un hito para esta capital junto al mar que, más allá de ser un atractivo punto gastronómico y turístico, también evidencia su potencial en el mercado internacional del arte.

Durante cuatro días, las galerías locales conversarán con la mirada de 15 ciudades del mundo. La presencia internacional estará representada por galerías de España, Inglaterra, Estados Unidos, Argentina, Chile, Colombia, Venezuela y Uruguay. Con una importante presencia de cerca del 70% de participantes del exterior, Pinta Lima continúa fortaleciéndose en el mapa como un ‘hub’ del arte contemporáneo cada año más sólido y llamativo para coleccionistas, curadores, expertos y el público interesado en conocer lo que están creando artistas peruanos y de otras latitudes.

“Trece años no es poco; es una feria con bastante prestigio regional. Viene en escalas similares a las de ArtBo o ArtRío y va mostrando la fuerza que puede tener la región”, sostiene la curadora global de Pinta, Irene Gelfman, quien desde hace cuatro años está a cargo de la dirección artística. “Lima es un mercado que enfrenta ciertas dificultades. Muchos compradores y coleccionistas del Perú suelen adquirir obras, incluso de artistas peruanos, en ferias que no son locales; por eso es interesante ver cómo, en los últimos años, la feria se está consolidando con una mirada mucho más boutique y precisa en la selección de obras y en la curaduría de los proyectos”, agrega. Un panorama que convierte a esta feria en un lugar propicio para comprar. Además, Gelfman, de origen argentino, hace hincapié en nuestro contexto latinoamericano, donde el mercado del arte es muy fluctuante y sostener una feria por trece años tiene su propio mérito.

“Creo que la feria cumple una función —en particular en el Perú— muy importante. Es un espacio de exhibición, de fortalecimiento del mercado y del circuito peruano y limeño”, comenta la curadora. Además, las propuestas curatoriales tienen la misión, al margen de las ventas, de poner sobre la mesa problemáticas o cuestiones que están girando en el arte en la región, así como reconocer a los artistas que lo componen.

Una casa emocionante

La Casa Prado en Miraflores será un centro estratégico de esta feria. En total se reunirán 38 galerías entre extranjeras y locales de 15 ciudades. La organización proyecta unos 16 mil visitantes durante estos cuatro intensos días dedicados al arte.

Como escenario de intercambio de ideas, el FORO tendrá destacados invitados internacionales, entre ellos Tania Pardo (directora del CA2M – Museo Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid), Patrick Charpenel (director ejecutivo de El Museo del Barrio Nueva York), Melanie Roumiguière da Silva (curadora y exdirectora del Departamento de Artes Visuales del Programa de Artistas de Berlín), Alexia Tala (curadora independiente de Chile), y el peruano Miguel López, respetado investigador y curador de arte. Es una oportunidad única para escucharlos, plantearles preguntas y experimentar el espíritu de una feria donde, como visitante, puedes transitar por lo mejor del arte contemporáneo, pero también cuestionarte y reflexionar.

En la distribución de la feria se presentan también la Sección Principal, NEXT y RADAR, que permiten recorrer desde galerías consolidadas hasta propuestas experimentales y nuevas voces. NEXT ha sido curada por Juan Canela y estará dedicada a proyectos emergentes y exploratorios: “Siempre es un espacio para ver qué se viene, qué proyectos y artistas nuevos hay, y es una gran oportunidad para distintos bolsillos: una feria donde puedes conseguir obras para distintos presupuestos”, dice Gelfman. RADAR, curada por Ilaria Conti, evidenciará prácticas contemporáneas que trabajan con materialidades no convencionales, saberes ancestrales y problemáticas urgentes del presente.

Para vivir la fiesta del arte, se ha pensado en Pinta Lima como un espacio de reencuentros entre amigos y familia, con lugares para socializar, tomar un café y conversar. No solo invita a ver las piezas, recorrer las secciones y adquirir arte, sino que va más allá: tiene foros de conversación, actividades paralelas, acciones especiales como el Video Project, las tiendas del MALI y de Pinta, la sección de libros de Book Vivant o el homenaje al artista Carlos Runcie Tanaka, quien nos dejó el año pasado. Pinta Lima será un punto de encuentro para curadores, artistas, coleccionistas y expertos que compartirán con el público todo su conocimiento. //

Este 23 de abril se cumplen cincuenta años de la aparición de “Ramones”, el disco debut de la banda neoyorquina del mismo nombre, y lo primero que habría que reconocer es que el álbum aún conserva una frescura difícil de explicar. Hoy mismo, en alguna ciudad, todavía hay adolescentes encerrados en una habitación, aporreando instrumentos y tratando de tocar así de rápido, imperfecto y amateur, como lo hacían los Ramones en 1976. Aquel primer alarido punk nació para conjurar el aburrimiento de una escena ‘mainstream’ atrofiada por su propia pomposidad. Frente a ello, su respuesta fue volver a lo esencial.

La escena que rodeaba a los Ramones en Nueva York en los años setenta era pequeña pero fértil y daría mucho que hablar tiempo después. En el ruinoso club CBGB del Bowery coincidían bandas muy distintas entre sí: estaba Television, que exploraba con guitarras largas y angulosas, luego los Talking Heads y su nervioso art rock. Todas compartían el mismo escenario, pero los Ramones eran el extremo más curioso de ese ecosistema. Eran una banda de personajes que parecían sacados de una pandilla, con canciones que apenas superaban los dos minutos.

“Nosotros solo estábamos reaccionando contra la música de ese momento”, diría sobre su estilo el guitarrista Johnny Ramone en su autobiografía “Commando” (2004). Para él, bandas como Yes o Emerson, Lake & Palmer representaban justo lo que los Ramones querían evitar: canciones largas, solos interminables y estructuras cada vez más complejas. La respuesta fue radical. “Lo único que hicimos fue tomar el viejo rock and roll y acelerarlo”, diría más tarde en el documental “End of the Century” (2003). La disciplina interna del grupo incluía una regla sencilla: nada de solos de guitarra. Johnny la rompió solo una vez, y justo en su mayor éxito, “I Wanna Be Sedated”. Pero lo hizo a su manera: el “solo” consiste en una sola nota sostenida durante ocho compases.

De la Gran Manzana a Londres

Sobre los orígenes del punk se ha escrito mucho y especulado aún más. Hay quienes insisten todavía en que los peruanos Los Saicos fueron sus creadores, una tesis romántica pero insostenible que, en todo caso, no debería herir el orgullo nacional. Antes del punk existía el rock de garaje, parecido en su aspereza pero distinto en su alcance y en su conciencia histórica. El punk no fue solo un sonido, sino un hecho social. El crítico estadounidense Greil Marcus lo formuló con precisión antropológica en su gran libro “Trazos de carmín”: “Era una cultura para quienes no encajaban”. El filósofo y crítico peruano Pedro Cornejo llegó a una conclusión similar. En “Juegos sin fronteras” observó cómo la música de los setenta relegaba a su público juvenil al papel de mero contemplador de “elaboradísimos ejercicios musicales”. En ese proceso, advertía Cornejo, el rock perdía su potencial movilizador. El punk llegó para recuperarla.

Si en Nueva York el punk tomó forma en los clubes del Bowery, al otro lado del Atlántico el movimiento adquirió un tono aún más explosivo. En 1976, irrumpieron los Sex Pistols, un grupo que transformó el descontento juvenil británico en un escándalo nacional. Su cantante, John Lydon —conocido entonces como Johnny Rotten—, convirtió el sarcasmo, la furia y la provocación en una forma de arte. Canciones como “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen” atacaban frontalmente a la monarquía, a la política y a la cultura oficial, en una Inglaterra marcada por el desempleo juvenil.

Tras el colapso de los Pistols, John Lydon decidió explorar otros caminos. En 1978, fundó Public Image Ltd. (PiL), un fascinante proyecto que empujó la energía punk hacia territorios más experimentales, con ritmos dub, estructuras abiertas y atmósferas oscuras que terminarían definiendo el llamado post-punk. Casi medio siglo después de aquel estallido, Lydon —que de anarquista ha pasado a defender posturas conservadoras— sigue siendo una de las figuras más singulares de esa historia.

Con PiL, el cantante demostró que podía sobrevivir a su propia leyenda y seguir encontrando nuevos caminos. Lydon y Public Imaged Ltd. visitarán Lima este 21 de abril, una fecha imperdible para los nostálgicos del punk y para cualquiera que quiera presenciar en vivo un pedazo de historia del rock del siglo XX. Después de todo, no todos los días pasa por la ciudad uno de los hombres que ayudó a incendiar a toda una generación con sonido, furia e inconformismo. //

En una casona de Barranco, acaba de abrir sus puertas el primer restaurante de Rodrigo Fernandini en Lima. Tras consolidar su carrera en Estados Unidos, donde lidera desde 2022 el restaurante Artesano en Nueva York, el popular chef de las redes sociales vuelve a su país con una propuesta de ‘fine dining’.

Fernandini Restaurante abrió sus puertas el pasado 28 de marzo en el Boulevard de Barranco y se presenta como una experiencia donde el producto local (de todas las regiones del Perú) es protagonista.

Los comensales podrán encontrar una variada carta, así como la alternativa del menú degustación. Te contamos más detalles a continuación.

Sobre el menú degustación

La experiencia central en Fernandini Restaurante es su menú degustación de diez pasos, con un costo de 520 soles por persona. Concebido como un viaje por las tres regiones del país, este recorrido culinario integra fermentos, tubérculos ancestrales, insumos amazónicos y carnes curadas.

El primer plato, llamado “Primer Latido”, ofrece: hormigas siquisapa de Moyobamba servidas con gel de cocona agridulce y chucrut. A partir de ahí, el menú despliega una serie de preparaciones que incluyen productos emblemáticos como la trucha del lago Titicaca, el paiche con puré de aguaje, el pato norteño y una leche de tigre elaborada con mango verde piurano.

Cada plato está trabajado con un máximo de tres o cuatro elementos, una decisión que responde a la intención del chef de resaltar sabores y generar una experiencia sensorial clara. La secuencia incluye también propuestas como Marcona, “Río Profundo” o “Cordillera Larga”, manteniendo siempre el hilo conductor de un Perú diverso y reinterpretado.

Además, durante abril se ofrecerá una experiencia especial: el menú “Fernandini & Artesano”, disponible únicamente el 7 de abril bajo reserva. En esta ocasión, el chef recibirá a César Taboada para presentar un menú conjunto de diez pasos con platos emblemáticos de ambos restaurantes. El precio será de 600 soles por persona.

La carta de Fernandini

Para quienes prefieren una experiencia más flexible, el restaurante también ofrece una carta que combina insumos tradicionales con técnicas contemporáneas. No es necesario realizar reserva para acceder a esta opción.

En la sección de “Frescos despertares”, destacan propuestas como el ceviche Fernandini, elaborado con pesca del día, zapallo loche, pota de choclo y leche de tigre, así como la “Pesca de los Andes”, que combina trucha con leche de tigre de chirimoya, chalaca y palta. También figuran alternativas como el tartar de pescado con quinoa caviar o el de lomo fino con causa de pallares verdes.

Las opciones calientes, agrupadas bajo “Calores esenciales”, incluyen platos como el pulpo anticuchero con sarandaja y chimichurri, el chorizo de pato madurado con ocopa y huevo frito, o el lomo fino acompañado de huancaína y papas andinas. Preparaciones como el gnocchi andino o la tortilla de raya de Pimentel reflejan la diversidad regional que inspira la carta.

En los fondos, la propuesta se amplía con platos como el asado de tira con moraya, el paiche con aguaje, el agnolotti relleno de lengua o el risotto con mariscos en salsa acevichada. También resalta el tomahawk de cerdo con puré de camote y miel de güiñapo.

El cierre dulce mantiene la línea de reinterpretación de insumos peruanos: postres como Pachamisky (lúcuma, quinoa y aguaymanto), Secano Dulce (maíz, manjar y algarrobina) o Suspiro Fernandini (camu camu, cacao y piña confitada) completan la experiencia.

La barra acompaña con una cuidada selección de coctelería de autor, donde destacan combinaciones como el Atardecer Barranquino, el Vinicunca o el Espresso Fernandini, además de versiones locales de clásicos como el Negroni o el Sazerac. También hay opciones sin alcohol, cafés e infusiones.

En cuanto a los precios de la carta, los platos tienen aproximadamente estos precios: 90 soles (cebiche Fernandini, costa brava y huella del valle), 102 soles (res de altura) 112 soles (cerdo del campo), 72 soles (maduración salvaje), 65 soles (pesca de los Andes) y 45 soles (postre Pachamisky). Los cócteles tienen precios aproximados de 55 soles (colibrí Amazonas).

Esta es la carta completa del restaurante:

No importan los vaivenes profesionales —si es el cine, la música o la televisión—, a Giovanni Ciccia (54) los caminos siempre lo han conducido de regreso al teatro. Desde que se hizo actor en 1994 con su grupo de estudiantes del Club de Teatro de Lima, en la obra “El tartufo”, las tablas han formado parte de su identidad. Todo lo que vino después —las películas, las novelas, las giras musicales— han sido felices accidentes que le recuerdan la ética con la que suele abordar la vida: “Nosotros hacemos las cosas según nos salen de las tripas; nunca nos preguntamos si están bien o están mal, si van a gustar o no”, dice desde el Teatro Municipal de Surco, que a estas alturas es casi su oficina. Aquí lo encuentras dirigiendo la obra “Madres” o ensayando “Esperando a Baltasar”. Son días ocupados.

Para Ciccia, como para cualquier persona de su generación —la que creció entre las colas y los carros-bomba—, hacer muchas cosas a la vez es un instinto. Un mecanismo de supervivencia. La idea de ser actor y morirse de hambre nunca lo asustó. “Mi generación es la del ‘no futuro’, la que hacía las cosas por sí misma, porque, haciendo cualquier cosa, te ibas a morir de hambre igual. Era mejor hacer lo que te gustaba”, asume. Con ese mismo ímpetu tomó este año una decisión que pocos en su lugar tomarían. Puso en pausa su participación en la exitosa “Al fondo hay sitio” para volver a sentirse un poco libre, un poco punk, rodeado de proyectos nuevos que lo cautivaban de otra forma.

El esfuerzo de hacer televisión diaria es titánico. “Prácticamente todo el día hay que estar a disposición de la producción”, explica Ciccia, suspirando, como si recordara ese agotamiento. Así que pidió chepa y la producción encontró la solución perfecta: su personaje Diego Montalbán no se despide, huye al enterarse de que su mejor amigo, con quien tenía cuentas pendientes, había salido del coma. “Digamos que mi personaje está ahorita como un fugitivo”, dice Ciccia, con una sonrisa que sugiere que hay más de lo que puede contar. La puerta, en todo caso, quedó abierta.

Con más tiempo de su lado, Giovanni dirige los ensayos de la obra “Esperando a Baltasar”. En ella vuelve a reunirse con dos actores que, a estas alturas, son algo más que colegas. Con Óscar López Arias la historia viene de lejos: han compartido escenario desde 2008 en un sinfín de obras como “El mentiroso”, “La chunga” y varias producciones más. Con Renzo Schuller el vínculo es todavía más difícil de categorizar. El mismo año en que hicieron su primera obra juntos, 2004, Renzo fue quien ofició su matrimonio. “Tenemos un vínculo tan estrecho”, dice Ciccia, y la frase queda suspendida, como si las palabras no alcanzaran del todo. Que estos dos le hayan propuesto dirigirlos en una comedia de dos actores era una invitación que no podía rechazar.

El precio de ser actor

Para entender al Giovanni de hoy hay que volver a los noventa. Hay un momento que él identifica como un punto de no retorno: cuando conoció la fama. O la infamia. Sucedió en 1997, al aceptar participar en “No se lo digas a nadie”, la adaptación de la controvertida novela de Jaime Bayly. La convocatoria tenía dos imanes imposibles de ignorar: Pancho Lombardi dirigiendo —para él, el mejor cineasta peruano— y un guion en el que creía profundamente. “En ningún momento lo pensé como trampolín”, dice. “Creía mucho en el guion, quería hacer un buen trabajo”. Lo que no calculó fue el precio. Lima en 1997 quizá no estaba lista para un romance homosexual en pantalla grande, y Ciccia pasó del anonimato relativo a ser insultado en la calle. “Me decían maricón, coquero, desperdicio de hombre, asqueroso. Hasta en la cola del banco me gritaban cosas”, relata. No recuerda haber respondido. Cuando llegó “Tinta roja”, tres años después, sus ‘haters’ se quedaron callados y solo conoció elogios.

Esa misma lógica —la de hacer sin calcular— explica también Chabelos, acaso la cosa más impensada que le ha pasado en la vida. A mediados de los noventa, los actores Giovanni Ciccia, Sergio Galliani y Paul Vega empezaron a juntarse en la sala de sus casas para tocar. Los animaba el punk chonguero, las ganas de hacer ruido, y ninguna pretensión de que alguien los escuchara algún día. “Una propuesta cien por ciento artística, sin ninguna proyección”, recuerda Ciccia. El primer disco era casi puros covers, con apenas tres canciones propias, y al mismísimo Giovanni le daba algo de vergüenza. Hoy, a la distancia, lo escucha diferente. Veinticinco años, siete discos y cien mil oyentes mensuales en Spotify, Chabelos se prepara para tocar en Milán, París, Barcelona y Madrid. “Si me lo hubieras planteado hace 25 años, te habría dicho que me estás tomando el pelo”, confiesa.

Estos días lo tienen a Giovanni entre la adrenalina de los nuevos proyectos y una calma zen recién descubierta. Ya casi no sale, no toma y su mayor felicidad a la hora de dormir es imaginar cuál será su desayuno al día siguiente. No tiene Instagram activo, no graba lo que come, no informa a nadie dónde está. “¿Por qué tienes que grabar todo lo que haces?”, pregunta con genuina perplejidad. Su representante a veces lo reprende: le pide números, métricas, que genere contenido. Él encoge los hombros. Lo que más le preocupa no es un algoritmo. “Veo actores que se dedican a promocionar cosas en sus redes y lo que menos veo que hacen es actuar. Nos hemos convertido en vendedores”. Para su generación, que eligió este oficio por las tripas y no por el mercado, la deriva actual le resulta incomprensible. Prefiere la privacidad que le queda. “Ya perdí el anonimato siendo actor”, dice. “Convertir mi vida privada también en un show es algo que no quiero para nada”. //

“Planchando el despecho: todas vuelven” marcará el regreso, por primera y única vez, de sus cinco protagonistas originales: Almendra Gomelsky, Rebeca Escribens, Gianella Neyra, Maricarmen Marín y Katia Condos, en una edición especial por el Día de la Madre. Pero no se tratará solo de un reencuentro histórico. Para Condos, este será también el montaje más honesto y personal, porque hoy esas canciones de ruptura, dolor y nuevos comienzos resuenan de otra manera en su propia vida.

“Siempre decía que lo único que no me gustaba de Planchando era que todas representábamos a mujeres felizmente casadas. Y eso no refleja la realidad: hay mujeres solas, separadas, divorciadas, viudas, felices o no. Me daba pena que el mensaje pareciera ser que para ser feliz hay que estar enamorada y con años de matrimonio. No estábamos representando a todas”, reflexiona la actriz.

Ahora, reconoce, la vida ha hecho que ese discurso cobre otro sentido. “Las circunstancias nos están llevando a que hoy estemos representando una experiencia más cercana a la de muchas mujeres. Y bueno, me tocó a mí”, admite.

“Planchando el despecho” nació en el 2023, a partir de una idea de Neyra de traer al Perú el formato colombiano creado por Juan Carlos Mazo. La propuesta original fue adaptada al estilo de sus intérpretes locales, con una combinación de historias propias, humor, drama y canciones sobre el amor y el desamor. Ese cruce le permitió al espectáculo encontrar rápidamente una identidad cercana al público peruano.

Para Katia, buena parte del éxito de este show musical radica en la vigencia emocional de su repertorio. Las llamadas “canciones cortavenas”, dice, siguen convocando porque apelan a experiencias universales. A eso se suma el componente colectivo del espectáculo, que convierte cada función en una suerte de catarsis compartida, cercana a la energía de un karaoke o un concierto, donde el público no solo escucha, sino que canta, recuerda y se identifica con las historias.

“Sabes que la experiencia va a ser grupal, fuerte, intensa, divertida”, resume la actriz, convencida de que esa conexión emocional es la que ha permitido que el show mantenga su llegada entre espectadores de distintas generaciones.

Condos atribuye otro de los pilares del espectáculo a la química entre sus integrantes. Más allá del guion o la dirección, sostiene, hay proyectos que encuentran una fuerza especial cuando entre quienes participan se instala una complicidad genuina, y eso es justamente lo que, a su juicio, ocurrió con “Planchando el despecho” desde el inicio.

Nueva etapa

Primero con la formación original y luego con la incorporación de Maricarmen Marín, esa conexión —hecha de compañerismo y confianza sobre el escenario— terminó por convertirse en una de las marcas del show.

“En esta nueva etapa, el público volverá a encontrarse con una propuesta de calidad, pero renovada. Nosotras siempre buscamos innovar y ofrecer algo distinto, para que la gente se vaya con sorpresas. La presencia de las cinco en escena transforma el montaje, el ensamble vocal, las coreografías y la dinámica general del show. Además, el Parque de la Exposición le dará una dimensión diferente”, destaca.

Para esta temporada, el repertorio reunirá lo mejor de las entregas anteriores, con una selección pensada para sorprender otra vez al público. En el caso de Condos, volverá a interpretar “Chico de mi barrio”, uno de los temas más celebrados por los asistentes, y retomará también “Ella y él”, de José Luis Perales, que canta junto a Raúl Zuazo y que, admite, es uno de sus momentos favoritos del espectáculo. A eso se sumarán varios números grupales, entre ellos “Un beso y una flor”.

Entre otros temas, también figuran “Era mi vida él”, “Corazón de piedra”, “A dónde va el amor”, “Mamma mía” y “A quién le importa”.

“Supongo que todas las canciones van a tener bastante feeling, como siempre las he cantado”, asegura.

Condos atraviesa hoy una etapa incierta, pero no está detenida. Más que buscar respuestas inmediatas, ha optado por avanzar con calma, concentrada en lo esencial: sus hijos, su bienestar y el cuidado de los vínculos que la sostienen. En medio de ese tránsito, el escenario aparece también como un espacio de afirmación, un lugar desde el cual seguir adelante sin perder de vista lo que importa.

“Esta etapa de vida la defino como un gran signo de interrogación. Se hace camino al andar y este es un proceso que recorro un día a la vez”, subraya.

Hay amores que dejan una huella incluso después de decir adiós. Esos que, con el tiempo, se convierten en recuerdos, canciones o frases como “no sabes lo que tienes hasta que lo pierdes”. Volver con un ex parece, entonces una mezcla de nostalgia y esperanza, como si la vida nos ofreciera reescribir una historia que quedó inconclusa. Pero también puede ser el riesgo de revivir esas heridas que nunca sanaron del todo.

No es raro que idealicemos —para bien o mal —esas segundas oportunidades en el amor. A lo largo de los años, algunas parejas han alimentado esa ilusión. Una de las relaciones más icónicas e intermitentes es la de Ross Geller y Rachel Green en la serie Friends que, aunque es ficción, nos demostró que algunos vínculos pueden reinventarse. Pero también hay historias que nos recuerdan que no siempre funciona, como el mediático reencuentro de Jennifer Lopez y Ben Affleck, donde ese segundo intento no logró sanar lo que ya estaba roto.

Algunas relaciones florecen y otras que se desvanecen, pero todas nos invitan a mirar hacia adentro. ¿Es una segunda oportunidad real o solo el eco de lo que alguna vez fue? Entre el deseo de volver y la necesidad de avanzar, encontrar la respuesta no siempre es fácil. Pero mirar con honestidad lo vivido puede ser el primer paso para decidir sin idealizar el pasado y elegir, por fin, lo que realmente nos haga feliz.

¿Una segunda oportunidad desde el amor o desde la herida?

Entender de dónde nace el deseo de regresar con una expareja, sin duda, puede marcar una gran diferencia entre reconstruir una relación saludable o repetir un ciclo que ya generó mucho dolor. Por eso, como explicó Karin Domínguez, psicóloga y gerenta de Modo USIL de la Universidad San Ignacio de Loyola a Somos, una forma de descifrarlo es comprendiendo que el amor genuino se vive como una elección consciente, más no como una necesidad urgente.

“Este permite que cada persona mantenga su identidad, sus metas y su bienestar personal, mientras que cuando se decide desde el apego emocional o la dependencia, el vínculo se sostiene por el temor a perder a la persona o a enfrentar la soledad”.

Y es que la soledad—según la psicóloga Diana Bances, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM) — puede distorsionar la memoria emocional. En contextos urbanos como Lima, donde muchas personas viven ritmos acelerados, pero con poca conexión real, es común que la ausencia active el impulso de volver. Por ejemplo, un sábado por la noche sin planes, o el silencio después de un día largo, puede generar la necesidad de escribirle a un ex. Sin embargo, muchas veces esto no nace del amor ni de la sensación de extrañar genuinamente a esa persona, sino de la costumbre y de evitar el vacío.

Además, como advirtió Iván La Rosa, docente de la carrera de Psicología de la Universidad Científica del Sur, nuestro cerebro tiende a idealizar el pasado como mecanismo de defensa para reducir el dolor emocional, priorizando los recuerdos positivos y minimizando los negativos. Este sesgo, conocido como nostalgia selectiva, puede distorsionar la realidad e impulsar el deseo de retomar el vínculo.

La clave está en la claridad emocional. Porque no es lo mismo regresar desde la madurez, la cual implica reflexión, autocrítica y una serie de cambios concretos, que desde la herida que surge del dolor, el rechazo o la necesidad de reparar la autoestima.

¿Tu relación tiene futuro?

Por lo general, las relaciones que tienen más posibilidades de reconstruirse son aquellas que han atravesado por problemas circunstanciales, como diferencias de hábitos, estrés externo o conflictos específicos como un malentendido.

Aunque duelen, estas rupturas no suelen dejar una huella profunda ni alterar significativamente la estructura emocional. De hecho, como destacó Vanessa Román, psicóloga clínica del Centro Psicológico SANA, si ambos desarrollan herramientas emocionales y una buena comunicación, pueden retomar la relación de manera saludable.

En cambio, los problemas estructurales que se manifiestan a través de patrones repetitivos como infidelidad, conductas narcisistas o abuso emocional son más difíciles de reconstruir, pero no imposibles.

“Estudios señalan que, de cada 10 parejas, aproximadamente 6 continúan juntas tras una infidelidad. Sin embargo, solo lo logran cuando ambos miembros realizan un trabajo profundo de reestructuración cognitiva y emocional, pues la infidelidad activa circuitos de amenaza en el cerebro y coloca a la persona afectada en un estado de alerta constante. El aumento del cortisol genera hipervigilancia, ansiedad, pensamientos catastróficos e inseguridad persistente. Por eso, no se trata solo de perdonar, sino de procesar un impacto emocional y neuropsicológico real”, recalcó la psicóloga.

¿Estas listo para volver con tu ex?

Regresar con una expareja no es solo cuestión de cuánto tiempo ha pasado, sino de lo que realmente cambió en ese periodo. Aunque muchas veces se cree que la distancia o los meses ayudan a “curar” la relación, lo cierto es que reconstruir un vínculo—especialmente cuando se ha roto la confianza— requiere de algo más profundo, como el trabajo personal, el compromiso y cambios reales por parte de ambos, aseguró el psicólogo Ramone Ford, de Cleveland Clinic.

“Si eso no está presente, intentar retomarlo demasiado pronto puede llevar, casi inevitablemente, a repetir los mismos patrones que lo rompieron en primer lugar”.

Por eso, como precisó Vanessa Román, más que enfocarnos en el tiempo, vale la pena hacerse algunas preguntas incómodas, pero muy necesarias:

• ¿Me estoy eligiendo a mí en esta decisión?
•  ¿Qué cambió realmente en mí y en la otra persona?
• ¿La otra persona ha hecho un trabajo personal real o solo hay intención?
• ¿Podría sostener esta relación sin traicionarme a mí misma otra vez?
• ¿Vale la pena asumir nuevamente este nivel de riesgo?
• ¿Estoy eligiendo desde el bienestar o desde el miedo?
• ¿Esta relación me da paz o me desgasta?
• ¿Estoy viendo a la persona como es o como quiero que sea?

También es importante entender que volver no significa retomar la relación donde se quedó, como si nada hubiera pasado. “Esa versión del vínculo ya no existe. Intentarlo de nuevo implica algo distinto: reconocer lo que no funcionó y construir nuevos acuerdos desde un lugar más consciente. Porque no se trata de empezar de cero, sino de empezar diferente”, subrayó la psicóloga Diana Bances.

Si vas a volver con tu ex, tienes que saber esto

Una segunda oportunidad en el amor no debería empezar con simples promesas, sino con conversaciones incómodas, pero imprescindibles. Según Domínguez, antes de intentarlo de nuevo es fundamental hablar con total honestidad sobre qué fue lo que realmente dañó la relación y qué necesita cambiar para evitar que se repita la misma historia.

“No basta con decir “esta vez será diferente”, hay que aterrizarlo. Esto implica poner sobre la mesa las necesidades emocionales, los límites personales y las expectativas, pero también definir cómo van a actuar en situaciones específicas: qué harán cuando haya conflictos, cómo se comunicarán si algo molesta y qué conductas están dispuestos a modificar. Las relaciones no cambian solo porque vuelva el cariño, cambian cuando las personas responden distinto ante los mismos problemas”, sostuvo la experta de la Universidad San Ignacio de Loyola.

En este punto, también hay algo clave: no confundir el entusiasmo del reencuentro con un cambio real. La llamada “fase de luna de miel” puede hacer que todo se sienta más intenso y perfecto al inicio, pero eso no significa que haya una transformación de fondo. Como refirió la psicoterapeuta Liliana Tuñoque, de Clínica Internacional, el verdadero cambio se sostiene en el tiempo, incluso cuando hay conflictos.

Cuando ese cambio no es genuino—o no se ha trabajado lo suficiente— lo que suele aparecer no es una nueva relación, sino los mismos patrones de siempre: celos, mala comunicación, expectativas poco realistas o la tendencia a culpar al otro sin asumir responsabilidad. A esto se suman dinámicas más sutiles, como evitar el conflicto o complacer en exceso por miedo a perder la relación, lo que puede llevar a tolerar situaciones que antes ya habían generado daño.

En este sentido, hay algo que debe quedar claro desde el inicio: no todo es negociable. Existen límites que no deberían cruzarse bajo ninguna circunstancia, ni siquiera en una segunda oportunidad. La violencia física o emocional, la manipulación, la humillación, el control excesivo o la falta de respeto constante no son “problemas a trabajar”, sino señales de alerta.

¿Funcionan realmente las segundas oportunidades?

El éxito de las segundas oportunidades no depende de la suerte o del “vamos a ver qué pasa”. Según Diana Bances, realmente funcionan cuando ambas personas dejan de aferrarse a lo que fue y se enfocan en lo que están dispuestos a hacer diferente.

Además, requiere de mucha honestidad, responsabilidad compartida y de un compromiso real, así como de la capacidad de poder reconstruir la confianza. “Sin estos elementos y la disposición de ambos para realizar cambios en la comunicación, en los límites o en la forma de resolver conflictos, lo más probable es que repitan los mismo errores” ¸ resaltó el psicólogo de Cleveland Clinic.

Al final, más allá del deseo de volver, la verdadera pregunta debería ser: ¿los dos están dispuestos a hacer el trabajo emocional que antes no hicieron? Cuando la respuesta es sí, y ese esfuerzo se traduce en hechos concretos, una segunda oportunidad puede funcionar, pero, sobre todo, puede construirse una relación más consciente y sólida.

Hay algo magnético en cómo Piera Carreras (@piera_te_guia en Instagram y piera.te.guia en TikTok) dice “¡Chisme histórico!”. No es solo una frase: es una invitación a quedarse, a escuchar, a mirar el pasado con otros ojos. Con la curiosidad de un niño. Y, sobre todo, a entender que la historia (esa que muchos recuerdan como densa o lejana) también puede ser ligera, cercana y hasta divertida.

Carreras, de 65 años, es profesora de vocación y una de las creadoras de contenido más singulares del momento. Por eso conversa con Somos y ahonda en su particular lazo con la historia: una pasión que no empezó en redes, sino mucho antes, en aulas, proyectos educativos y viajes por el Perú, donde durante más de dos décadas capacitó a docentes y trabajó con comunidades.

“Desde que tengo uso de razón, sentí ese llamado de ser docente, de enseñar. Pero con el tiempo entendí que no se trata solo de enseñar, sino también de estar abiertos a aprender y disfrutar de la riqueza de ese intercambio”, reflexiona.

El salto de su popularidad llegaría con la pandemia, sin siquiera buscarlo. Como para tantos, el freno fue abrupto: menos trabajo, más preguntas. “A los 60 te cuestionas: ‘¿y ahora qué hago?’. No me sentía mayor como para pensar en dedicarme a tejer; sentía que todavía tenía mucho por hacer”, recuerda. Lejos de detenerse, eligió moverse. Se matriculó para estudiar turismo y formarse como guía, un sueño que por mucho tiempo aguardaba en su corazón. No era un salto al vacío, sino una extensión natural de lo que ya era: alguien que enseña contando historias. “Cuando empecé a estudiar, desde el primer día me enganché. Me di cuenta de que no era una segunda vocación, sino algo que complementaba perfectamente con la educación”, precisa.

En dupla

El primer video de Carreras en volverse viral no fue suyo. Lo grabó su hija, la actriz Joaquina Maldonado, orgullosa de verla graduarse a los 64. Lo subió como ejemplo de perseverancia. No con el fin de acumular vistas o ‘likes’, sino de compartir ese mensaje de que nunca es tarde. Millones de vistas después, Piera entendió que ahí había algo más que un momento viral: “No podía creer que algo tan personal generase tanto movimiento. Había muchísima gente que estaba como yo, buscando nuevas experiencias, preguntándose qué hacer con su vida”.

En caliente, había dos caminos para seguir: dejar ahí la historia y su impacto o continuar con contenido original sobre la historia del Perú y del mundo. Historias cortas, bien investigadas, contadas como si se tratase de un secreto compartido. “La palabra ‘chisme’ engancha. Si decía ‘historia’, quizá no llamaba tanto la atención. Pero el chisme tiene algo innato, te jala, siempre quieres saber más. Y si además te deja algo, mejor todavía”, explica Piera. Y funciona a la perfección. Porque ese “chisme” no se queda en la superficie: informa, contextualiza y despierta curiosidad.

Con el tiempo ocupado, Piera cuenta que detrás de cada ‘reel’ de un minuto hay toda una ruta creativa: investiga, lee, resume y arma guiones junto a su hija, con quien trabaja como dupla. “Joaquina se encarga de ayudarme con la grabación, la edición, los detalles visuales”, comenta. Todo para lograr algo que parece simple, pero no lo es: contar bien, en poco tiempo y sin perder la atención de sus seguidores.

Con el crecimiento de su comunidad, Piera y Joaquina identificaron un nueva oportunidad: el reto de salir de la pantalla estableciendo espacios físicos para la conversación y el aprendizaje. Así, nacieron los “lonchecitos históricos”, encuentros donde el café y los postres acompañan conversaciones sobre el pasado. El formato rompe con la idea de clase. Aquí se charla y se opina sin reglas. “Partíamos de una premisa: la gente necesita interactuar, no solo estar frente a una pantalla. Necesita conversar, encontrarse con otros que tengan los mismos intereses”, dice Piera.

Hasta el momento, la acogida es positiva, las fechas se llenan rápido e incluso algunos asistentes repiten el plato en más de una cita. Con más chismes por contar y más libros en los cuales sumergirse, Piera María asegura que no todo en redes está perdido: la clave está en verlas como un canal para despertar la curiosidad, dentro y fuera de las pantallas. //

Una mañana de marzo pasado, los hermanos Rozas se plantaron frente a la casa de John Lennon en Menlove Avenue con sus instrumentos al hombro. Desde adolescentes, los jóvenes músicos Fabrizio, Piero y José Luis habían soñado con el momento en que su obsesión por The Beatles los llevara al origen de todo, a Liverpool mismo. Crecer con la música de los Fab Four en la camioneta paterna, yendo de un lugar a otro, los fue permeando en el catálogo de los autores de “A Hard Day’s Night”. Que luego formaran una banda tributo que saltó a la fama en la televisión peruana fue otra bendición. Los recordados “Beatles de Yo Soy” —ya adultos y bajo el nombre artístico de Los Mapaches— confiesan que pararse al pie de la casa donde creció su ídolo es algo que apenas pueden describir. Recuerdan que cuando sacaron sus instrumentos y empezaron a tocar una versión de “In My Life” para sus redes, apareció el guardián de la casa. El hombre, lejos de echarlos a escobazos, bailó primero con su música y luego los invitó a entrar.

Adentro, el tiempo parecía detenido. “Pudimos ver su sala, su cuarto, los libros que tenía ahí. Todo estaba intacto”, recuerda uno de los hermanos con una emoción que solo un beatlemaníaco podría entender. En esa casa, Lennon vivió de adolescente bajo el techo severo y amoroso de su tía Mimi, la mujer que lo crió y que, según la leyenda, le dijo que la guitarra era un entretenimiento, no un oficio. Los Mapaches recuerdan que ese día la casa estaba cerrada al público porque en sus habitaciones se acababa de filmar la película biográfica de los Beatles, uno de los proyectos cinematográficos más esperados de los últimos años. Pero tan bien les cayeron los peruanos al guardián Andy que, antes de salir, les regaló un botón de la ropa de la tía Mimi. Un souvenir imposible de comprar en ninguna tienda del mundo.

La casa de Lennon no fue el único lugar que los Rozas convirtieron en escenario. Durante 23 días, los tres hermanos recorrieron Liverpool como peregrinos con guitarras, plantándose frente a Strawberry Fields, en Penny Lane, junto a las estatuas de los cuatro en el puerto. Todo lo grababan para TikTok sin pensar que sus videos se harían virales y que llegarían a la misma BBC que se hizo la pregunta: ¿quiénes son estos peruanos?

“Recibimos un mensaje de la BBC pidiéndonos una entrevista y pensamos que era una de esas estafas, las que te dicen que ganaste no sé cuánto dinero y que tienes que depositar un adelanto”, cuentan entre risas. Cuando se animaron a contestar resultó que la invitación era real. “Cuando nos conocieron, les encantó que fuésemos hermanos y que teníamos más de diez años haciendo esto. Ellos del Perú no sabían mucho. Te relacionan con el oso Paddington”.

Y fue en la radio que el conductor les lanzó la pregunta que cambió por completo el viaje: “¿Tienen fecha en el Cavern Club?”, les consultó en referencia al mítico club que vio nacer a los Beatles. “No”, respondieron. El conductor sonrió, pidió un momento y marcó un número. Minutos después, John Keats —dueño del Cavern— estaba en línea. Los había escuchado por la radio. Le gustaron. “No veo por qué no los puedo invitar”, dijo. El sábado 7 de marzo, Los Mapaches bajaron las escaleras del local más famoso del rock mundial. Si llegar a la casa de Lennon era un sueño, tocar en La Caverna era como arribar al paraíso.

Al día siguiente, BBC One llegó al Cavern antes de que abriera para filmar un reportaje con los peruanos, que apenas salían de su asombro. Habían llegado a la cuna de la beatlemanía sin imaginar que desatarían una simbólica “mapachemanía” en el mundo beatle del Reino Unido. Todo fue como un viaje mágico y misterioso del que aún no quieren despertar. Pero tienen que hacerlo. Tanto les gustó la experiencia que los Rozas ya planean volver, en junio, para una gira más grande. El cielo es el límite.

Ocultas en el bosque espeso o entre los sonidos de una naturaleza exuberante, pequeñas y enigmáticas especies salen a la luz de la comunidad científica con cierta regularidad. En los últimos cinco años, el Servicio Nacional de Áreas Naturales Protegidas por el Estado (Sernanp) ha anunciado la aparición de más de 50 especies de flora y fauna en sus áreas naturales protegidas (ANP) entre 2021 y 2026, lo que evidencia que seguimos siendo una potencia mundial en biodiversidad.

“No se puede conservar lo que se desconoce”, nos comenta Aarón Quiroz Rodríguez, especialista en monitoreo biológico del Sernanp, sobre la relevancia de cada uno de los descubrimientos. “Es importante incrementar el número de especies que aún no se conocen para conservarlas. Este alto número refleja que aún existe mucho por descubrir en las diferentes áreas: mucha investigación por realizar, mucho trabajo de campo y un gran interés por parte de los investigadores en ingresar a las áreas naturales protegidas”. Quiroz complementa que estas ANP son muy atractivas para las múltiples disciplinas dedicadas a la investigación, pues concentran una alta diversidad biológica entre reptiles, anfibios, aves, mamíferos y plantas.

Además, se evidencia el rol de las ANP y sus zonas de amortiguamiento en la conservación de nuestra flora y fauna. Desde escarabajos en el Parque Nacional del Manu hasta nuevas orquídeas en el Parque Nacional Yanachaga-Chemillén; ranas amazónicas en el Parque Nacional Alto Purús; reptiles en la Reserva Paisajística Subcuenca del Cotahuasi; y un ‘Pudu carlae’, pequeño venado endémico del Perú que habita en áreas protegidas del centro y norte del país y cuya aparición asombró al mundo.

En esta nota queremos reconocer algunas de las especies que han salido a la luz en el último año, como el roedor ‘Daptomys nunashae’ del Parque Nacional Tingo María, que rinde homenaje a la princesa Nunash y enlaza la biodiversidad con la leyenda de la Bella Durmiente en Huánuco. También fueron descubiertos cinco nuevos escarabajos en los Andes tropicales: cuatro vinculados al Parque Nacional del Manu y el quinto –‘Yuracarus cosnipatensis’ (ver imagen)– encontrado en la zona de amortiguamiento del parque.

Enterarnos de la aparición de una nueva especie es el resultado de años de investigación, de pasar filtros y protocolos, de publicaciones en revistas científicas y de una serie de exigencias antes de divulgarla ante la opinión pública. Por eso, tener la oportunidad de conocerlas –o al menos saber de su existencia– es una alegría para los amantes de la naturaleza y quienes se preocupan por su protección. Además, se refuerza nuestra biodiversidad como un atractivo turístico que genera empleos y nos mantiene como un destino ineludible.

Por último, en un mundo donde somos testigos constantes de la destrucción, la extinción de animales, el tráfico ilegal de especies y la contaminación de ríos y mares, poder ser testigos también del estudio y la divulgación de nuevas variedades de flora y fauna le otorga al espíritu una sensación de calma. //

Tal vez te ha pasado: miras tu círculo cercano y notas que ya no es tan amplio como antes. Algunas amistades cambiaron, otras simplemente dejaron de estar presentes, y sin darte cuenta, te quedaste con pocas personas alrededor.

En una sociedad que suele asociar la extroversión y la sociabilidad con el bienestar, y con la fuerte influencia de las redes sociales que premian la constante visibilidad, es fácil sentir presión por cumplir con ese estándar. Y es que, esa comparación puede generar una sensación silenciosa de insuficiencia, soledad e incluso hacernos dudar si tener pocos amigos es normal o debería preocuparnos.

¿Tener pocos amigos es un problema?

Aunque a veces uno piense que más es mejor, en la amistad no tiene por qué ser un problema rodearse de un número reducido de personas. Según Verónica Ponce, docente de la carrera de Psicología de la Universidad Científica del Sur, tener pocos amigos—desde la psicología social— no se interpreta únicamente en términos cuantitativos, sino relacionales y funcionales.

Como explicó la experta a Somos, las relaciones interpersonales cumplen funciones clave como afiliación, apoyo emocional y construcción de identidad social. En ese sentido, lo relevante no es cuántos vínculos tiene una persona, sino si estos satisfacen necesidades psicológicas fundamentales como pertenencia, reconocimiento y validación social.

“Una persona puede tener pocos vínculos y sentirse muy satisfecho si son significativos. En cambio, alguien con muchos amigos puede experimentar un vacío emocional si sus relaciones son superficiales. Esto debido a que la soledad es una experiencia personal y subjetiva, que no depende del número de personas que estén alrededor. Por ello, cuando las interacciones carecen de intimidad emocional, autenticidad y conexión, la persona puede sentirse poco comprendida o vista”, aseguró el psicólogo Eder Bautista, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM).

Dicho esto, no existe un número universalmente saludable de amistades, ya que la necesidad de socializar y entablar relaciones depende de múltiples factores. Algunos requieren mayor interacción para sentirse plenos, mientras que otros prefieren pocos vínculos, pero que sean profundos.

Por eso, para la psicoterapeuta Liliana Tuñoque, de Clínica Internacional, más que cuestionarnos si es un problema o no, es clave evaluar si nos sentimos bien con nuestros amigos actuales. Si la respuesta es afirmativa, probablemente se trate de interacciones saludables, si no, vale la pena identificar qué está faltando y qué nos gustaría construir.

¿Por qué algunas personas tienen menos amigos?

En definitiva, uno de los factores más influyentes en las relaciones amicales es la personalidad. De acuerdo con Adam Borland, psicólogo de Cleveland Clinic, las personas más introvertidas suelen inclinarse por vínculos más profundos y menos numerosos, priorizando la calidad sobre la cantidad.

Sin embargo, Bautista aclaró que este rasgo en particular no implica una incapacidad social ni es una señal de aislamiento. De hecho, una persona extrovertida también puede tener pocos amigos si decide priorizar relaciones más significativas. En este sentido, el psicólogo recalcó que la cantidad de amistades no define del todo la personalidad ni determina el bienestar social.

Con el paso de los años, especialmente después de los 30 o 40, el significado de la amistad también cambia. “Las responsabilidades de la vida adulta, la falta de tiempo y la claridad sobre lo que se busca en los vínculos llevan a una “depuración” natural del círculo social. Este proceso suele ser saludable y no necesariamente refleja dificultades para relacionarse”, sostuvo el especialista de la UARM.

De igual manera, la infancia y las primeras relaciones determinan—hasta cierto punto—la forma en que nos vinculamos. Cuando existió seguridad emocional en esas etapas, es más probable desarrollar confianza en los otros. Mientras que, las experiencias de rechazo pueden generar evitación o desconfianza que se trasladan, muchas veces de forma inconsciente, a las relaciones futuras.

Las experiencias negativas como la traición o el rechazo, igualmente, pueden llevar a algunas personas a limitar sus vínculos como mecanismo de protección. Reducir el número de amistades puede ser una forma de evitar el dolor emocional, lo que se manifiesta en conductas de cautela, dificultad para mostrarse vulnerable o mayor selectividad al confiar en otros.

¿Pocos amigos por elección o por evitación emocional?

Tener un círculo social pequeño no siempre significa lo mismo. A veces es una señal de madurez y otras puede esconder dificultades para vincularse. Por eso, la clave está en entender si es una decisión consciente o una consecuencia emocional.

Según la psicóloga Verónica Ponce, la diferencia central radica en la percepción de control y satisfacción con la propia vida. Quien elige tener pocos amigos suele hacerlo a partir de sus preferencias y valores como una forma de autorregulación social donde prioriza vínculos de mayor calidad y coherencia con su identidad. En cambio, cuando alguien no logra ampliar su círculo social, suele haber una brecha entre el deseo de vincularse y la capacidad percibida para hacerlo, la cual está influenciada por la ansiedad social, las habilidades interpersonales o las experiencias previas de rechazo.

“Tener pocos amigos puede ser una señal de madurez cuando la persona ha aprendido a identificar vínculos genuinos y a prescindir de los que no le aportan, lo cual requiere de mucho criterio y autoconocimiento. Sin embargo, cuando no es una elección, aparecen señales de alerta, como miedo a la vulnerabilidad, temor por fallar en las interacciones o interpretar situaciones neutras como rechazo”, agregó la doctora Nandy Vega, subdirectora médica de Mapfre.

Y que, en estos casos, la evitación emocional puede ser una forma de protegerse del dolor. El psicólogo Eder Bautista destacó que, a corto plazo este mecanismo puede generar seguridad, aunque con el tiempo, termina limitando la conexión profunda e incrementando la sensación de soledad.

“Cuando tener pocos amigos deja de ser una elección sana y se convierte en un problema, aparecen el aislamiento, la soledad persistente o un malestar significativo. Además, se observan ciertos comportamientos de alerta, como: evitar constantemente el contacto, sentirse desconectado o tener dificultades para confiar. Todo ello, impacta en la salud mental y física, generando ansiedad, depresión y un sufrimiento constante asociado”, advirtió Tuñoque.

¿Tienes pocos amigos y te incomoda? Esto es lo que puedes hacer

• Revisa tus expectativas: Pregúntate si buscas más cantidad o mayor calidad. No todas las personas necesitan un círculo amplio para sentirse bien.
• Detecta barreras internas: Identifica creencias negativas, miedo al rechazo o inseguridad que puedan limitar tu apertura hacia otros.
• Busca espacios con intereses compartidos: No te centres solo en “hacer amigos”. Intégrate en grupos académicos, laborales, comunitarios o recreativos donde los vínculos surgen de forma natural.
• Exponte gradualmente: Empieza con interacciones pequeñas. La conexión social se construye paso a paso, no de golpe.
• Desarrolla habilidades sociales: Escuchar, mostrar interés genuino y participar activamente facilita la creación de vínculos.
• Practica la autocompasión: Evita la autoexigencia excesiva. Tener pocos amigos no significa que haya algo mal contigo.
• Considera apoyo profesional si lo necesitas: Si hay mucha dificultad o malestar, hablar con un especialista puede ayudarte a identificar bloqueos y avanzar.

Crujiente por fuera, jugoso por dentro y acompañado de papas doradas y cremas irresistibles, el pollo a la brasa es mucho más que un plato: es una tradición que reúne a familias y amigos alrededor de la mesa. Considerado uno de los mayores orgullos gastronómicos del Perú, su sabor inconfundible lo mantiene como favorito año tras año. Por ello en esta nota te dejamos con una selección de los mejores lugares para disfrutarlo en Lima.

A continuación, te presentamos la lista con 10 de los mejores lugares para comer este plato, según la guía más reciente de los Premios Somos.

Mejores pollerías de Lima

Estas son las mejores pollerías de la ciudad, según la lista Premios Somos 2025:

• Granja azul

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• Don Tito

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• Las Canastas

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• La Leña

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• Mediterráneo

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• Pardos Chicken

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• Primos Chicken Bar

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• Villa Chicken

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• Tori Pollería

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• Yopo

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Puedes elegir un “buen colegio” y aun así no ser el adecuado para tu hijo. Cuando se trata de niños dentro del espectro autista, la decisión no pasa solo por la reputación del centro educativo, sino por entender cómo aprende el niño y qué tipo de entorno realmente lo ayuda a desarrollarse.

El Trastorno del Espectro Autista (TEA) es una condición del neurodesarrollo que influye en la forma en que una persona procesa la información, se comunica y se relaciona con el entorno. Sin embargo, hay algo fundamental que muchos padres pueden pasar por alto: no hay dos niños con autismo iguales.

Como explicó la psicóloga educativa, Sara Castillo a Somos, se habla de “espectro” justamente porque cada niño presenta necesidades distintas: algunos requieren más apoyo en su día a día, mientras que otros pueden desenvolverse con mayor autonomía. Por eso, entender esas diferencias es clave para cualquier decisión educativa, pues en el contexto escolar, estas particularidades se traducen en formas específicas de aprender. Por ejemplo, muchos niños dentro del espectro:

• Necesitan apoyos visuales y rutinas claras para comprender mejor.
• Pueden tener dificultades para comprender un lenguaje figurado o instrucciones largas.
• Se ven afectados por cambios inesperados.
• Presentan sensibilidades sensoriales (ruidos, luces, texturas) que pueden generar distracción o ansiedad.
• Expresan sus emociones o intereses de manera distinta.

Pero no todos son desafíos, ya que muchos pequeños con TEA también tienen fortalezas que pueden potenciar su aprendizaje si el entorno es el adecuado:

• Memoria visual.
• Atención al detalle.
• Honestidad.
• Pensamiento lógico.
• Creatividad.
• Una forma única de ver el mundo.

“Cuando cuentan con los apoyos adecuados, docentes capacitados y un entorno que respete la neurodiversidad, estos estudiantes pueden aprender, participar y progresar plenamente en el colegio. Por eso, más que buscar el “mejor colegio”, la clave está en encontrar uno que realmente comprenda cómo funciona tu hijo”, destacó la especialista.

Antes de elegir colegio: entiende cómo aprende tu hijo

Antes de mirar mallas curriculares, rankings o un diagnóstico, el perfil de tu hijo siempre debe ser tu punto de partida. Según Elizabeth Albines, psicóloga especialista en trastornos del neurodesarrollo, uno de los aspectos clave para entender su funcionamiento es el nivel de comunicación, es decir, si el niño es verbal (si usa palabras sueltas, frases cortas o ya logra armar oraciones completas con conectores) o no verbal (necesita apoyos alternativos como pictogramas).

A esto se suman otros factores igual de importantes como el perfil cognitivo y el estilo de aprendizaje, el nivel de autonomía, la regulación emocional (tolerancia a cambios, crisis e impulsividad), la sensibilidad sensorial, las habilidades sociales y los intereses restringidos o motivadores.

Sin embargo, entender el perfil no es suficiente si no sabes cómo llevarlo a la práctica. Aquí es precisamente donde muchos padres se pierden, ya que tienen un diagnóstico o un informe, pero no saben qué implica eso dentro del colegio.

Para Fiamma Lercari, neuropsicóloga clínica y especialista en trastornos del neurodesarrollo en niños y adolescentes, la clave está en traducir esos términos técnicos en apoyos concretos dentro del aula:

• Baja flexibilidad cognitiva: Será importante anticipar cambios, usar agendas visuales e introducir cambios de manera progresiva.
• Dificultades en la atención: Necesitará consignas breves, tareas divididas y menos distractores.
• Problemas de regulación emocional: Requerirá de espacios de calma, acompañamiento emocional y pausas activas.
• Dificultades en funciones ejecutivas: Necesitará apoyo en la organización, uso de checklists, acompañamiento y guía en la secuencia de acciones.
• Déficit en la memoria de trabajo: Repetir instrucciones o el uso de apoyos visuales será la mejor manera para aprender.
• Dificultades en habilidades sociales: Será indispensable la enseñanza explícita de normas sociales, el modelado (verbal o físico), el role playing y promover juegos guiados.
• Dificultades en la comunicación: Requerirá el uso de apoyos visuales y pictogramas para reforzar la intención comunicativa.
• Hiper/ hiposensibilidad sensorial: Necesitará ajustes en el entorno (ruido, luz) y materiales sensoriales como plastilinas, masas o telas de diferentes texturas para favorecer la autorregulación.

Errores que debes evitar al elegir colegio para tu hijo con TEA

Aunque los padres no son expertos y hacen lo mejor que pueden con la información que tienen, de acuerdo con María Alexandra Becker, especialista en psicología infanto-juvenil, es importante evitar algunos errores que podrían repercutir en el proceso de enseñanza-aprendizaje del niño:

• Priorizar solo la cercanía o el prestigio académico.
• No considerar el perfil específico del niño.
• No observar la dinámica real del aula.
• Pensar que la adaptación dependerá solo del niño.
• No preguntar por estrategias concretas de intervención.
• Ocultar el diagnóstico por miedo al rechazo.
• Elegir basándose únicamente en la etiqueta “inclusivo”.

“Decir que un colegio es “inclusivo” no garantiza que lo sea en la práctica. La verdadera inclusión implica que la neurodiversidad forma parte de su enfoque educativo y esté integrada en su Proyecto Educativo Institucional (PEI). Esto se traduce en aspectos concretos, como un área de inclusión estructurada, un departamento de psicología activo, docentes capacitados en metodologías basadas en evidencia y políticas claras contra el acoso escolar. Asimismo, un colegio inclusivo diseña planes educativos personalizados con ajustes razonables, como adaptaciones, reducción de horarios, flexibilización de tareas y apoyos visuales, según las necesidades de cada estudiante con TEA. Por eso, más que el niño adaptarse al colegio, es la institución la que debe adaptarse al estudiante”, recalcó Pilar Sanz, decana adjunta de la carrera de Educación de la Universidad Científica del Sur.

Tipos de colegios para niños con autismo en Perú

En el Perú, como detalló la psicóloga Sara Castillo, existen tres opciones educativas para niños con TEA:

Colegios inclusivos:

Buscan que todos los estudiantes aprendan juntos en un mismo espacio, con ajustes necesarios para que la diversidad sea atendida de manera respetuosa y equitativa.

Objetivo: Que el niño aprenda en el mismo entorno que sus pares, con apoyos.

Fortaleza: Promueve la convivencia, el respeto y la participación.

En la práctica: Aunque la ley lo respalda, muchos colegios aún tienen limitaciones en formación docente o recursos para atender necesidades complejas.

Colegios especializados (CEBE / Educación Especial)

Diseñados para estudiantes con necesidades educativas más intensas, proporcionando un entorno con profesionales formados para trabajar con una diversidad específica.

Objetivo: Atención personalizada y apoyos específicos en un entorno estructurado para necesidades particulares.

Fortaleza: Equipos con formación específica, métodos adaptados, currículos ajustados y atención más focalizada.

En la práctica: La oferta es limitada y no siempre accesible, especialmente fuera de Lima.

Colegios regulares con adaptaciones

Es un entorno general que recibe a un estudiante con TEA y ofrece ciertos apoyos dentro de su organización habitual (por ejemplo, ajustes curriculares, tiempos flexibles o apoyos visuales).

Objetivo: Integra al niño con ciertos apoyos dentro del sistema habitual.

Fortaleza: Permite una mayor socialización y acceso al currículo general.

En la práctica: A menudo hay falta de capacitación real del personal para atender necesidades específicas. Además, las adaptaciones pueden ser informales o insuficientes si no se implementan con intención pedagógica.

Qué hacer si ningún colegio cumple con todo lo que tu hijo necesita

En muchos contextos del Perú, no siempre es posible el acceso a colegios especializados, pero sí existen algunas alternativas viables que pueden ofrecer una buena experiencia educativa.

Según Castillo una de las más recomendadas es la modalidad híbrida, la cual combina la asistencia al aula con el trabajo en casa o el apoyo terapéutico. “Esto puede ser especialmente útil para niños que necesitan una adaptación progresiva”.

De igual manera, se puede complementar con terapias externas, como terapia psicológica, de lenguaje u ocupacional, según las necesidades del niño. Estas intervenciones ayudan a reforzar habilidades que el colegio no siempre puede abordar.

“Ante estas circunstancias, la participación activa de la familia en todo el proceso es fundamental. Por ello, es necesario crear rutinas en casa que estén alineadas con el trabajo escolar, usando apoyos visuales, anticipaciones y refuerzos positivos”, sostuvo la psicóloga educativa.

Qué tipo de entorno escolar necesita tu hijo con autismo

Más allá de la etiqueta del colegio, lo realmente importante es: saber en qué tipo de modelo educativo tu hijo puede aprender sin sentirse abrumado.

Por un lado, un entorno estructurado suele ser necesario cuando:

• Se desregula con cambios o imprevistos.
• Requiere rutinas claras y anticipación visual.
• Los ambientes grandes o ruidosos lo desbordan.
• Necesita apoyo constante para concentrarse.
• Tiene sensibilidades sensoriales marcadas.
• Necesita que las actividades estén divididas en pasos, porque si no sabe por dónde empezar o cómo continuar, se angustia.

En cambio, un entorno más flexible puede funcionar mejor cuando:

• Tolera cambios moderados con apoyo.
• Interactúa bien con pares y disfruta socializar.
• Sigue indicaciones generales con algunos apoyos visuales.
• Usa estrategias de autorregulación que ya domina.
• Participa en actividades grupales con interés.

“Si el entorno lo hace sentirse seguro, lo invita a participar y lo motiva a aprender, es el adecuado. Si lo desborda, le genera frustración o tiene crisis frecuentes, lo más probable es que necesite más estructura” ¸ precisó Castillo.

Qué debes observar y preguntar antes de matricular a tu hijo

Antes de que tomes una decisión, siempre debes realizar una visita previa, ya que más allá de lo que el colegio dice, lo más importante es lo que tú puedes ver, sentir y, sobre todo preguntar.

Según la neuropsicóloga Lercari, aparte de la infraestructura los padres deberían observar la cantidad de alumnos por aula, ya que esto influye directamente en los niveles de atención y en la posibilidad de brindar una atención más individualizada al niño.

De igual forma, es imprescindible considerar la metodología educativa que utiliza el colegio, evaluando si es flexible y si se adapta a distintos estilos de aprendizaje.

También resulta relevante tomar en cuenta la cantidad de estímulos presentes en el aula (visuales y auditivos), valorando si el ambiente favorece la atención o, por el contrario, puede generar sobrecarga.

Además, es fundamental conocer si existe la posibilidad de acompañamiento dentro del aula, como la presencia de una maestra sombra, y qué tan abierta es la institución frente a este tipo de apoyo.

Para saber si un colegio está preparado, la psicóloga María Elena Necochea, de la Universidad Antonio Ruiz de Montoya (UARM), recomendó hacer las preguntas correctas:

• ¿Qué experiencia tienen trabajando con niños con TEA u otras condiciones del neurodesarrollo?
• ¿Cómo adaptan el currículo y las estrategias de enseñanza según las necesidades del alumno? ¿Qué tipo de adaptaciones realizan en la práctica?
• ¿Cuál es el protocolo para manejar crisis o sobrecarga sensorial? ¿Cuentan con espacios de regulación emocional?
• ¿Qué oportunidades brindan para el desarrollo socioemocional?
• ¿Existe un departamento de inclusión y cómo está conformado?
• ¿Cuántos profesionales de apoyo (psicólogos, especialistas) hay por grado o nivel?
• ¿El personal docente ha recibido capacitación en neurodesarrollo (TEA, TDAH, etc.)?
• ¿Qué tipo de acompañamiento y apoyo individual reciben los niños dentro del aula? ¿Incluye la posibilidad de una maestra sombra si es necesario?
• ¿Cómo se maneja el proceso de adaptación del niño al inicio? ¿Es progresivo?
• ¿Existe flexibilidad en los horarios?
• ¿Se realizan actividades de sensibilización o psicoeducación al grupo de compañeros?
• ¿Con qué frecuencia se realizan reuniones de seguimiento con la familia y el equipo terapéutico?
• ¿Las recomendaciones terapéuticas se implementan dentro del aula?

Señales de que un colegio NO es adecuado para tu hijo con autismo

Más allá del discurso, hay señales claras que pueden indicar que un centro educativo no es una buena alternativa, especialmente para niños con TEA. Según las psicólogas Lercari y Castillo, estas son algunas banderas rojas a las que deberías prestar atención antes de tomar una decisión:

• Metodología rígida o tradicional, donde todos los niños deben avanzar al mismo ritmo, sin considerar diferencias individuales.
• No permiten el ingreso de acompañantes terapéuticos (maestra sombra) cuando el niño lo requiere.
• Personal docente sin formación o conocimientos en neurodesarrollo (TEA, TDAH, etc.).
• No existe un área o equipo de inclusión que brinde soporte dentro de la institución.
• Poca disposición a realizar adaptaciones curriculares o metodológicas.
• Falta de flexibilidad frente a horarios, evaluaciones o tiempos de trabajo.
• Culpan al niño o a la familia por las dificultades.
• Uso de manejo conductual punitivo (castigos, aislamientos y/o gritos)
• Aulas numerosas sin apoyo docente.
• Falta de comunicación constante con la familia.
• Poca supervisión en recreos, pasillos o momentos de transición.
• Lenguaje capacitista o ideas erróneas (“se le va a quitar”, “solo necesita obedecer”).
• Prometen inclusión, pero no la practican.

Los no negociables para elegir colegio para un niño con TEA

Aparte de la metodología, la infraestructura o el prestigio, de acuerdo con Becker, hay tres aspectos que pueden ayudarte a tomar una decisión que marque la diferencia entre una buena experiencia educativa y una frustrante.

• Disposición real para adaptar la enseñanza al niño: Lo verdaderamente importante es que el colegio realice ajustes en el ritmo del aprendizaje, emplee apoyos visuales, sea flexible en las evaluaciones y presente estrategias personalizadas en el aula.
• Docentes formados o abiertos a la neurodiversidad: Un docente dispuesto a aprender, ajustar su forma de enseñar y trabajar en equipo puede ser incluso más valioso que uno con formación teórica, pero sin flexibilidad.
• Una comunicación constante contigo: Además de los informes trimestrales― según Lercari― lo ideal es contar con: reuniones mensuales para revisar el progreso del niño, espacios presenciales para intercambiar observaciones y permanecer en contacto frecuente mediante cuadernos de comunicación, correos electrónicos o aplicaciones escolares, que permitan compartir avances, dificultades y situaciones relevantes del día a día.

Al final, como nos recuerdan las expertas en neurodesarrollo, el mejor colegio no es el más prestigioso, sino el que entiende cómo funciona tu hijo, respeta sus necesidades y se adapta a su forma de aprender. Porque cuando el entorno es el adecuado, el niño no solo aprende: también se siente seguro, comprendido y capaz.

Dormir bien no es un lujo, es una necesidad (y de hecho casi que nuestro superpoder!). Mientras duermes se regulan hormonas, se reparan tejidos, consolidas la memoria y balanceas tu metabolismo. Aun así, muchos lo postergan para el fin de semana, lo sacrifican por quedarse scroleando y hasta lo sabotean con la hora en la que cenan. Porque si aún no lo sabías, lo comes en la noche (y a qué hora lo comes) tiene un impacto directo en tu sueño.

El sueño está conectado con dos hormonas clave: el cortisol (alerta) y la melatonina (descanso). Para dormir bien, necesitas que el cortisol baje y la melatonina suba. Y aquí es donde la cena entra en juego. Comer muy pesado, muy tarde o muy azucarado puede alterar este equilibrio. Cuando cenas en exceso o con alimentos difíciles de digerir, tu cuerpo sigue trabajando mientras tú intentas dormir. Una digestión activa más un sistema nervioso encendido te da como resultado un sueño fragmentado. Por otro lado, si cenas muy poco o te saltas la cena, puedes experimentar caídas de glucosa durante la noche, lo que activa el cortisol y te puede terminar despertando (hola, 3 a.m.).

La clave entonces es cenar estratégicamente. Y aquí el timing es tu mejor aliado. Idealmente, la cena debería ocurrir entre 2 y 3 horas antes de dormir. Esto le da al cuerpo tiempo suficiente para iniciar la digestión sin interferir con el descanso profundo. Si cenas justo antes de acostarte puede generar reflujo, pesadez o sueño poco reparador. Pero irte a la cama con hambre tampoco es buena idea. El cuerpo no duerme tranquilo si siente que falta energía. El punto medio es comer suficiente, pero ligero, y que sea temprano.

Ahora, qué comes también te puede jugar a favor o en contra. Por ejemplo, la proteína ayuda a la saciedad y aporta aminoácidos como el triptófano, precursor de la serotonina y melatonina. Por su lado, los carbohidratos complejos facilitan la entrada del triptófano al cerebro y ayudan a relajar el sistema nervioso. Y las grasas saludables en cantidades moderadas, apoyan la estabilidad de la glucosa. ¿Lo que puede interferir? El exceso de grasa porque hace que digestión más lenta, los azúcares simples porque causan picos y caídas de glucosa, la cafeína y el alcohol, que aunque puede inducir sueño, lo fragmenta.

¿Cuál sería la cena ideal?

Te doy 5 opciones para que las pongas en práctica:

• Bowl tibio de quinua, pollo y verduras salteadas. Proteína + carbohidrato complejo + fibra. Fácil de digerir y saciante.
• Tortilla de huevo con espinaca + 1 tostada de pan integral + palta. Equilibrio perfecto entre proteína, grasa y carbohidratos. Clásico que funciona.
• Pescado al horno con camote y brócoli. Omega 3 + carbohidrato complejo. Ideal para reducir la inflamación y promover saciedad.
• Yogur natural con frutos rojos y semillas. Opción ligera, rica en triptófano y fibra. Perfecta si cenas más tarde de lo ideal.
• Souffle de verduras + choclo con queso fresco. Vegetal, reconfortante y rica en fibra.//

En acústica, el eco es la persistencia del sonido que sigue vibrando. Un sonido que se niega a morir. Cuando Gustavo Cerati escribió “Ecos” en 1985 —como epitafio musical de “Nada personal”, el segundo álbum de Soda Stereo—, es improbable que haya imaginado cuánto peso profético cargaba ese título: que décadas más tarde su propia voz se convertiría en un eco arrancado de la máquina del tiempo, o que su imagen misma volvería como un fantasma digital conjurado por tecnologías que entonces no existían.

La muerte de Cerati en 2014 no clausuró a Soda Stereo, lo convirtió en un problema sin solución elegante. ¿Cómo sobrevive una banda tan querida en el continente a la pérdida de quien fuera su compositor, guitarrista, letrista y voz? Zeta y Charly lo intentaron de distintas formas: el show con el Cirque du Soleil o la gira Me Verás Volver con vocalistas invitados. Pero siempre sobrevolaba el comentario incómodo, formulado primero como broma y luego con miedo: “Solo les falta que revivan a Gustavo”. Esta noche en el Movistar Arena, la pregunta, por primera vez, dejará de ser retórica.

Son las nueve en punto y el público, junto con la prensa internacional, colma el recinto. La ansiedad se sentía desde el aeropuerto, donde hasta el oficial de inmigración te preguntaba por detalles sobre el espectáculo, con genuina curiosidad. El secretismo de la producción había sido absoluto, casi paranoico. Nadie sabía qué tecnología usarían. La única instrucción concreta que circuló durante la mañana fue no grabar el show con celulares, con el argumento de que los flashes interferirían con el diseño de iluminación. Pero había otra razón más honesta: ningún mago quiere que le filmen el truco.

Sucede que lo que iba a ocurrir esa noche era, en el fondo, magia. No la magia mística ni la religiosa, sino la que confunde los sentidos para provocar asombro. Cuando las luces se apagan, empieza la ilusión. Los acordes de “Ecos” —una canción que Soda Stereo no interpretaba desde 1988— comienzan a sonar en la oscuridad y la banda aparece en siluetas. A la derecha, Zeta Bosio y su bajo; al centro, Charly en la batería. Pero todos los ojos van a la izquierda. Ahí, donde siempre estuvo Gustavo Cerati, hay una silueta negra que sostiene una guitarra Jackson. Una cortina translúcida separa al público de la banda durante las dos primeras canciones: un velo deliberado que aumenta la tensión. Lo que hay detrás no es del todo visible, pero tampoco del todo invisible. La silueta se mueve, canta, toca, prende y apaga sus pedales como cualquier músico.

La mente quiere llenar los huecos, construir la ilusión desde adentro. Tan absortos estamos intentando descifrar qué ocurre que no notamos el momento exacto en que la música cambia. De pronto es “Juegos de seducción” y el cuerpo reacciona antes que la cabeza. La gente ovaciona. Charly y Zeta suenan en vivo, con toda la fisicalidad de dos músicos de carne y hueso. La voz de Gustavo, en cambio, es una grabación: material rescatado de los descartes de la gira Me Verás Volver. Pero es la proyección de su imagen —hecha en lo que parece un cruce de tecnología holograma con 3D— lo que resulta inquietante. En la pista, la gente salta como en cualquier concierto. Y es cuando la cortina opaca cae y las luces se abren que se escucha el primer grito colectivo. Hay mucha gente llorando. Cerati recreado a la vista de todos es un impacto visual innegable.

Los números se suceden entre momentos de concierto con otros donde lo importante es la proyección de imágenes 3D (te dan un visor en la entrada). Con la llegada de “En en el séptimo día” ocurre el primer tropiezo. Una falla de sincronía entre el holograma y la batería detiene todo. Zeta se acerca al micrófono: “Sabíamos que iba a pasar”. La sala responde con un aplauso cálido, casi cómplice, como si el error fuera del verdadero Gustavo Cerati y no de una máquina. La canción retoma. Habrá otros desfases a lo largo de la noche —la boca que va un instante por delante del audio, corregida con apuro—, pero ninguno tan evidente. Son las costuras visibles de una ilusión que, aun así, sostiene su peso.

El punto más frágil del espectáculo no son los errores técnicos —que son pocos—, sino la disparidad entre las versiones de Gustavo que aparecen en pantalla. Cuando la cámara enfoca al holograma entre penumbras, la imagen es sorprendentemente convincente. Pero cuando cortan a una toma del músico en 3D, el efecto se desmorona: demasiado nítido, demasiado limpio, demasiado digital. La oscuridad es aliada de esta magia. La resolución 4K, su enemiga.

La controversia llegó antes que el show y probablemente sobrevivirá mucho después. Para ciertos fans, devolver digitalmente a Cerati bordea la profanación; para otros, es simplemente lo que hace una industria que ya normalizó los hologramas. Lo que ningún bando anticipaba era la imagen de Benito y Lisa, los hijos del músico, sentados en la platea mirando a su padre moverse y cantar. Su presencia no zanjó el debate, pero lo cambió de naturaleza. Porque ya no se trataba de tecnología ni de negocio ni de legado. Se trataba de una familia mirando a alguien que extraña. Y eso, en el fondo, era lo mismo que hacía todo el mundo en esa sala.

Al llegar, todos saludan a Arturo Vera como si fuera un viejo conocido. Algunos incluso le dicen Don Fernando. Pero Don Fernando fue su padre. Quizá el restaurante debió llamarse Doña Susana, por su mamá, la que inició todo. Aunque ella prefirió rendir homenaje al hombre que, al morir, la empujó a reescribir el destino de su familia a través de la cocina.

Hay dos pilares que sostienen a Don Fernando en el tiempo: el trato al producto y la sazón heredada. Lo primero se percibe desde el inicio: conchas de abanico firmes, erizos delicados, cangrejos jugosos, pescados en su punto exacto. Lo segundo es menos evidente, pero más profundo. Está en los guisos, en los arroces, en esa forma de cocinar que no busca impresionar, sino evocar a los sabores de su infancia.

La historia empieza en Guadalupe (Pacasmayo, La Libertad), mucho antes de que los Vera soñaran con un restaurante. En la cocina de una abuela, alrededor de una mesa de madera, bajo la mirada exigente de Eulogio Horna, abuelo de Arturo, hombre de buen comer, hijo de un inmigrante chino que adoptó el apellido de un hacendado cajamarquino. No cocinaba, pero sabía. Por eso, en esa casa, el error no tenía lugar. Así se formó Arturo, con un paladar que no admite concesiones.

Ahí comenzó todo: en un cebiche de pato bien hecho, en un espesado, en esos platos que no se olvidan. Luego vino su afición a la pesca. Aprender a elegir, a distinguir. Los mejores ejemplares no iban a la venta, sino a la cocina familiar, donde se convertían en puro sabor norteño.

Tras la muerte de Don Fernando, es Doña Susana quien toma la posta. Empieza cocinando para vecinos en Guadalupe. Su sazón corre de boca en boca y eso la anima a venir a Lima con sus hijos: una casa alquilada en la avenida del Ejército, frente al puericultorio. Luego llegó la oportunidad de la Feria del Hogar, donde representaron a La Libertad con un stand de comida. No recuerdan cuánto vendieron, pero sí el esfuerzo: jornadas interminables, todos trabajando, y el capital suficiente para comenzar.

Abrieron su primer local en la Residencial San Felipe. Llegó el éxito, pero también el conflicto. Cuando los vecinos terminaron por sacarlos —por los olores de aderezo que subían a los pisos más altos— encontraron el espacio donde hoy funciona Don Fernando: un local sencillo, con un patio interior que llenaron de mesas y sillas de madera, como las de aquella casa en Guadalupe.

Algunas cosas se han transformado. Arturo ya no compra en el terminal pesquero: trabaja directamente con pescadores artesanales. Pejerreyes de Cerro Azul, corvinas y lenguados del sur, erizos de Marcona. Los tiempos han cambiado, dice, y se lamenta de la escasez, producto de la sobreexplotación del mar.

En la mesa, todo cobra sentido. El muchame de atún —hecho con mojama traída de España— tiene una profundidad limpia. Desde uno de sus viajes, descubrió su sabor y no admite otro insumo. El cebiche de erizos condensa el mar en una leche de tigre hecha también con erizos. El de cangrejo, crudo, obliga a perder el pudor: romper, morder, raspar. Comer con las manos, sorber y entregarse.

El pato aparece en dos formas. En cebiche, cocido en naranja agria traída del norte, jugoso y especiado. Y en arroz, hecho a la antigua: primero el aderezo, luego el arroz que se cuece lentamente en culantro, con trozos de zapallo loche y una pierna generosa. Sin los atajos de los restaurantes de hoy: comenzar con el arroz blanco cocido y saltearlo en el aderezo. El cierre llega con los picarones de zapallo, crujientes por fuera, suaves por dentro, bañados en miel, con quesillo cajamarquino. Tal como los preparaba su abuela.

En una escena gastronómica cada vez más volcada hacia la novedad, Don Fernando recuerda que hay otra forma: la de sostener, repetir y perfeccionar. Aquí la cocina no se reinventa, se afina con el tiempo. Pero esa continuidad —que parece firme— depende de algo cada vez más frágil: el mar, la memoria, el oficio.

La clásica salida familiar —ir al chifa, pedir varios platos al centro de la mesa— también se volvió menú: un plato barato, con un poco de todo, servido con rapidez. Democrático, sí. Pero muchas veces también simplificado, estandarizado, reducido a versiones cada vez más descuidadas de sí mismo. Mientras eso ocurría, Titi tomaba la dirección contraria.

Lejos de seguir ese camino, el restaurante decidió profundizar en la tradición. Durante tres generaciones, la familia que lo dirige ha ido afinando técnicas, recetas y sosteniendo una idea casi contracultural: que el chifa puede ejecutarse con rigor y técnica depurada.

Pero no se trata solo de aferrarse al repertorio clásico. Bruce ha ido un paso más allá. Ha incorporado profesionales de otros rubros para ampliar el lenguaje del restaurante. Entre ellos, Juan Carlos Rojas, chef especializado en pastelería, quien junto a Lina Holly —esposa de Bruce— ha introducido nuevas técnicas: pasta choux, hojaldres, gellés y preparaciones que se vinculan con sabores chinos.

Entre las entradas aparecen bocados que nos sumergen en la tradición del dim sum, los favoritos de Loo, marcados por la nostalgia de sus paseos por Capón. Como el fancock, hecho al vapor, relleno de pollo, vegetales y pasta de maní, o el cocchay, con pollo, verduras y hongos. Delicadas masas y rellenos bien trabajados en texturas, sabores y jugosidad. Intervenciones como el cha-siu so, un hojaldre chino relleno de cerdo asado que llega con fragilidad crujiente. Incluso la empanada de carne al curry, frita y dorada, mantiene esa lógica de bocado preciso.

El calamar en velo, crocante y servido con mayonesa de kion y cebolla china, marca el tono: fritura limpia, textura definida, nada pesado. Un plato que parece simple, pero que requiere una ejecución precisa para no caer en el desastre.

En los fondos, la ampliación del lenguaje se vuelve más evidente. Los langostinos jumbo, salvajes, salteados con ajo y flambeados con pisco quebranta, aparecen firmes y jugosos, sin exceso de salsa. El fideíto Szechuan, extremadamente fino e interminable, hecho con fideos de habas y carne de cerdo molida, introduce un registro más especiado y ligeramente picante que recuerda que la cocina china es mucho más amplia que lo que solemos ver en Lima.

No todo busca sorprender: muchos platos apuestan más por la precisión que por el espectáculo, como el pato al sillao. Deshuesado y laminado, piel crocante, carne jugosa, acompañado por una salsa de soya infusionada con especias chinas. Un plato icónico que revela algo cada vez más escaso: técnica sostenida en el tiempo. Incluso en la manera de servirse —cuidando que la piel no toque la salsa— se refleja la lógica que atraviesa todo el restaurante.

En los dulces aparecen los guiños más contemporáneos. El choux, un profiterol relleno de crema diplomata con un cordial de licor de rosas; el polo pao, pan brioche relleno de pastelera con piña cubierto de craquelin; o los distintos pasteles de monje, hojaldres chinos rellenos de chocolate, mango, almendras o pera, que se quiebran con fragilidad casi aérea.

En una ciudad donde el chifa se ha vuelto omnipresente —y muchas veces mediocre—, Titi nos recuerda algo que a veces olvidamos: que nació como el resultado complejo de una migración, de técnicas antiguas y de una cocina que, cuando se ejecuta bien, puede ser extraordinaria. Titi no intenta reinventar el chifa ni convertirlo en una cocina de laboratorio. Hace algo más difícil: tomarse en serio una tradición que muchos ya dan por resuelta.

Cuando llega un bebé, todo es nuevo. Las dudas aparecen a diario: cómo alimentarlo, cómo bañarlo, qué usar para su desarrollo. Muchas veces las respuestas no vienen de libros o manuales, sino de otras mamás. Es en ese intercambio donde se va creando una forma propia de maternar.

Desde aquel lugar nace Munai, una tienda especializada en bebes creada por Micaela Rodríguez Larraín, mamá y emprendedora. La selección parte de su propia experiencia: productos que ha probado, que sabe que funcionan y que realmente facilitan el día a día, pensados para que otras mamás no tengan que pasar por el mismo ensayo y error.

El proyecto comenzó en 2021, en plena pandemia, con portachupones personalizados que ella misma armaba a mano. Ese primer impulso fue creciendo hasta convertirse en una propuesta más amplia, en la que hoy conviven productos propios con una selección de marcas internacionales.

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En Munai se encuentran desde vajillas de silicona y mandiles de Mushie hasta chupones de estética nórdica de Frigg; zapatitos para el agua y la playa de Green Sprouts, lentes de sol con protección UV de Grech & Co. y playmats de Oruga Kids, especiales para las primeras etapas de juego.

Esa selección se refleja también en sus productos más buscados. Las muselinas de algodón orgánico, los portachupones personalizados y los juguetes de silicona figuran entre los favoritos, junto a sets de alimentación y accesorios ideales para acompañar las primeras etapas con practicidad.

La propuesta también se extiende al contenido. A través de su podcast, Madres Podcast, Micaela reúne a especialistas y madres con experiencias diversas, generando un espacio de conversación que amplía la mirada sobre la maternidad. “Esto no se trata solo de hacer una venta. Se trata de construir relaciones y comunidad”, resume Micaela.