“The Velvet Underground”: ¿Ver o no ver el documental de Todd Haynes sobre la legendaria banda de los 60″

The Velvet Underground fue una banda de rock estadounidense formada en Nueva York. (Captura de pantalla)

23/10/2021 10H30 - ACTUALIZADO A 23/10/2021 10H32

Si bien no tuvo inicios tan populares y contundentes como el de otros directores de su generación —llámense Quentin Tarantino, Paul T. Anderson, o David Fincher—, Todd Haynes fue pionero en llevar el universo queer hacia terrenos nuevos, muy sofisticados, como demostró con “Lejos del cielo” (2002), formidable revisión posmoderna —con inclusión del tema gay— del melodrama clásico de los años cincuenta.

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Por otro lado, el interés de Haynes por los íconos de la cultura popular del siglo XX, y específicamente por estrellas de la contracultura del rock, se hizo evidente desde su re-lectura del movimiento glam con “Velvet Goldmine” (1998) —cuyo protagonista se inspiraba en David Bowie— y con “I’m not there” (2007), extraño retrato de un Bob Dylan encarnado por seis intérpretes, entre ellos una mujer (Cate Blanchett).

Por eso, no es raro que Haynes se interese por una de las bandas de rock que no solo es una de las más míticas e influyentes de la historia, sino también una que fue acunada por Andy Warhol y su troupe de artistas neoyorquinos de los años sesenta. Como demostrará su documental de 110 minutos producido por Apple TV, Warhol y su cine avant garde serán aliados esenciales para el experimento comandado por Lou Reed y John Cale.

Lo mejor del documental está en la primera mitad. Haynes utiliza imágenes de archivo que permiten ver, en paralelo, la infancia de Reed (Nueva York, 1942) y John Cale (Gales, 1942). Pero no lo hace de la forma convencional. Hace de la pantalla un mosaico, un collage extasiado, con mucho de la impronta del cine poético con el que experimentaban los cineastas independientes de Nueva York en la década del sesenta.

Imágenes de una aún cándida TV norteamericana de la posguerra, con sus shows familiares e íconos populares, se combinan, en pantallas partidas y recuadros proliferantes, con las voces en off de Reed o John Cale, o de sus amigos y familiares, que comentan sus infancias. También toma forma una crítica social que da cuenta de la pérdida de la inocencia en los sesenta, gracias al asesinato de Kennedy, Vietnam, las protestas civiles.

Un logro no menor del documental es haber puesto en paralelo el nacimiento de un nuevo discurso sonoro y literario de la mano de la banda de Reed, junto con el nuevo discurso cinematográfico impulsado por la “Factory” de Warhol. Si Reed y Cale estuvieron influenciados por la música minimalista y repetitiva de La Monte Young, las películas radicalmente contemplativas de Warhol se proyectaban como fondo de sus conciertos.

Haynes se atreve a confrontarnos con largos primeros planos, ralentizados, del rostro de Reed, luego el de Cale —tomados de filmes de Warhol—, que se combinan con imágenes de archivo tan testimoniales, como oníricas y delirantes. De alguna manera, el documental emula muchos estilos artísticos de los sesenta, incluido el contraste poético de pequeñas tomas cotidianas, a lo Jonas Mekas, otro gurú del cine neoyorquino de la época.

Lamentablemente, esta estética, resume muchos de la impronta fílmica del genio del Pop Art —auspiciador de la banda de Reed y Cale—, se va diluyendo hacia la segunda mitad. Por otro lado, las agudas elucubraciones sobre el ingreso de la poesía de Rimbaud y Delmore Schwartz al rock, gracias a la pluma transgresora y ambigua de Reed, dejan de impregnar un filme que se decanta hacia una narración más informativa, más convencional. Aún así, se trata de un documental que triunfa en no pocos riesgos, y que se atreve a descubrir lo revolucionario de una banda que fue mucho más allá de las drogas y el sexo.