Imágenes de Javier Silva Meinel: cuando la cámara se saca al final

Su trabajo nos acerca a la gente. La reconoce. Sintoniza desde la alegría, desde la intimidad. Le permite al observador también formar parte. Curada por Jorge Villacorta y Carlo Trivelli, “La luna del cóndor” (1974-2024) reúne 50 años de fotografías del maestro Javier Silva Meinel, e intenta dar respuesta al reto del artista para conseguir esa comunión, la debida empatía con el grupo.

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“Desde el inicio, los fotógrafos de mi generación llevaban la cámara en ristre, fotografiaban todo lo que podían”, recuerda el fotógrafo, y confiesa que, de joven, le resultaba muy difícil fotografiar a los personajes de una ciudad en crisis, acostumbrada al enfoque miserabilista. Lo inmovilizaba el pudor. Sentía que se estaba apropiando de algo. Él entonces fotografiaba bodegones, paisajes y rincones arquitectónicos, influenciado por los grandes héroes estadounidenses como Edward Weston o Ansel Adams.

Pero fue a fines de los años setenta, en Puno, que una experiencia vital dio un giro a su trabajo. El río se había desbordado y gran parte de la ciudad estaba inundada. Silva se acercó a un grupo de comuneros y se sumó al trabajo comunal. Pronto se sintió aceptado cargando los sacos para contener el agua. Y concluido el trabajo, retrató a los hombres antes que subieran a sus bicicletas para irse. “Sentí que no había ningún obstáculo, ningún reparo, nadie me miró mal. Me di cuenta, entonces, que antes de cualquier fotografía había que hacer un contacto, un acercamiento. De ahí parten mis retratos: primero trato de llegar a la persona, conocer el ambiente. Nunca llego con mi cámara en la mano. Me tomo mi tiempo. La cámara se saca al final”, aconseja el artista.

Es fotógrafo, pero Javier Silva se define fundamentalmente como viajero y aventurero. Recorre el país, pero también la historia de la fotografía peruana y los viejos recursos del oficio. Como señala Jorge Villacorta, curador de la muestra junto con Carlo Trivelli, la trayectoria del fotógrafo limeño, uno de los fundadores de la fundamental galería Secuencia, reivindica la recuperada historia de nuestra fotografía y sus pioneros.

“En gran parte de sus retratos, Javier Silva utiliza los telones pintados de la antigua fotografía de estudio y la tela blanca para realizar fotografías carnet de forma ambulante. Él fue el primero en introducir en la fotografía contemporánea los dispositivos del retrato andino”, explica Villacorta. Para el artista, todo comenzó, confiesa, con el descubrimiento de una imagen de Martín Chambi. Era el retrato de una pareja a punto de contraer matrimonio, y nada llama la atención salvo la sutil presencia de un hombre, posiblemente asistente del fotógrafo, sosteniendo el fondo de tela. Aquello fue una epifanía para Silva. Estaba claro que, antes de entregar la foto a sus clientes, Chambi recortaría el encuadre y el joven registrado en la placa original saldría de la escena. Sin embargo, su presencia despertó en el artista la curiosidad sobre la imagen y lo que sucede detrás de ella, entendiendo que la composición de una foto es una puesta en escena en sí misma. “Esto fue fundamental para empezar a utilizar los fondos de tema en mis retratos”, señala Silva, quien rehúsa dejar sus cámaras analógicas, los rollos de película y la práctica en el laboratorio. Así, lo que comenzó siendo una necesidad técnica del fotógrafo andino para recortar una foto carnet se convirtió para él en una reafirmación de la identidad del sujeto.

“Javier Silva es el artista de su generación que más se alejó de la influencia de la fotografía tardo modernista estadounidense que admiraron sus compañeros de la galería Secuencia. El prefirió acercarse a la tradición local. Se alió al sentido de amar y conocer el Perú, gozar del viaje y del encuentro con la gente. Eso entraña un sueño de ver el país como una nación. Podría decirse que Javier casi nos convence de que somos una sola nación. Y eso es muy poderoso”, añade Villacorta.

En los últimos tiempos, es innegable lo que la fotografía peruana ha avanzado a nivel de construcción de su memoria, su circulación comercial o presencia en el circuito artístico. Sin embargo, la actividad revela también una seria crisis, con reducción de galerías y retracción de su actividad profesional. Para Jorge Villacorta, parte del comité consultivo del festival, si bien está claro que no pudimos celebrar sobriamente nuestro bicentenario, por lo menos podríamos celebrar los 200 años de la invención de la fotografía en 1839 (el mismo año de la fundación del diario El Comercio) con cierta toma de conciencia, preguntándonos qué país vamos a fotografiar, cómo retratar al Perú como ciudadano. “El Perú es un país que en fotografía se orienta marcadamente al documental artístico. Por eso tenemos esas preguntas”, afirma.

¿Y cómo se responde a esas preguntas? Para saberlo, hay que mirar el ambicioso MAC Foto que, centralizado por el Museo de Arte Contemporáneo, se extiende desde el 21 de agosto por seis distritos de Lima en galerías y espacios públicos. Para Pedro Pablo Alayza, director del museo, hacer que el público se acerque a la fotografía es también proponerle lenguajes nuevos para participar en la escena contemporánea. (Todas las actividades en la web del museo: maclima.pe).

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