Oscar 2023: analizamos una por una las películas que compiten a la Mejor del año

“Si podemos hacer una película que deje a la audiencia, como su protagonista, vacía, cansada y como cuestionando todo, por al menos un minuto, habríamos logrado mucho”, dijo el director de “Sin novedad en el frente”, Edward Berger, en una entrevista. Su película nominada en nueve categorías de los Oscar 2023 compite como una de las favoritas para llevarse la estatuilla a Mejor película, la categoría más importante de los premios de Hollywood. La acompañan otras nueve producciones, algunas más conocidas que otras, como “Everything Everywhere All At Once” y “Avatar: el camino del agua”, pero, en todos los casos, se trata de una historia significativa y con un arduo trabajo de equipo detrás.

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El año pasado, la audiencia de los Premios de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas creció en relación con 2021, el año en que ganó “CODA” y Will Smith lanzó una cachetada al presentador del evento en vivo, Chris Rock, cuando el comediante se refirió a su esposa. Sin embargo, el aumento de público de la ceremonia no superó el ráting previo a la pandemia. Este año, los Oscar 2023 contratan a Jimmy Kimmel, el famoso conductor de televisión. “Es chistoso, respetuoso, sus bordes no son demasiado afilados, y creo que el público se siente muy seguro y comprometido con su energía”, dijo el CEO de La Academia, Bill Kramer, en una entrevista al Times.

Pero, más importante que enmendar la mala fama del año anterior, La Academia quiere capturar más audiencias jóvenes y seguir dando una nueva imagen. Por eso, varias películas de directores no-estadounidenses están en la categoría de Mejor película, como “El triángulo de la tristeza” y “Ellan hablan”. Además, las más taquilleras del año, como “Top Gun: Maverick” y “Avatar: el camino del agua”, compiten entre las mejores del 2023 y son adversarios impresionantes, por haber recibido tantos elogios de la crítica y emprendido una campaña publicitaria que los llevara hasta ese punto. De igual forma, historias de esas que dejan un nudo en la garganta con guiones exquisitos y producción compleja y arriesgada se suman a la contienda del cine.

A continuación, haremos un repaso por las 10 películas de la categoría más importante, Mejor película, para descubrir por qué el guion las hace tan especiales, y qué valor agregado tienen. En la siguiente lista, resaltan tres favoritas, “Sin novedad en el frente” del director alemán Edward Berger, “Los Fabelman” de Steven Spielberg y “El triángulo de la tristeza” del director sueco Ruben Östlund. Aunque, claramente, la competencia está muy reñida.

"Sin novedad en el frente"

(2022)

Son pocas las películas de la Primera Guerra Mundial donde el campo de batalla es el personaje principal. “Sin novedad en el frente”, un relato desgarrador en la Alemania de 1929, sigue al joven alemán Paul Bäumer (Félix Kammerer), quien es influenciado por la propaganda política de la época. El anuncio de vivir una aventura como combatiente y luego ser un héroe de la nación lo hace ceder hasta que, ya en pleno escenario sangriento, descubre la realidad de la muerte y se desarma emocionalmente.  

“Nunca pude decir que estaba orgulloso de sentirme alemán”, dijo el director de “Sin novedad en el frente”, Edward Berger, en una declaración a Variety. El fantasma de los crímenes cometidos en la Segunda Guerra Mundial precede a los alemanes y hace que algunos de ellos agachen la cabeza al hablar de su pasado histórico. Pero, la película nominada a los Oscar 2023 puede dar un giro en la identidad de los alemanes, a pesar de que la crítica nacional haya destrozado a la película por no ser una réplica de la versión literaria homónima de Erich Maria Remarque. Lo cierto es que siempre fue un tema controversial. Durante la Alemania nazi, el texto fue prohibido e incinerado por delatar las mentiras de la propaganda alemana y hablar de la derrota del país en la guerra. En 2023, un grupo de personas reprocha que la adaptación tenga “inexactitudes históricas”, cuando en realidad el cine es un relato independiente de la pluma y el papel, una ficción.

El equipo de rodaje pasó 55 días filmando en Praga (República Checa) en medio de difíciles condiciones climáticas. Seguía los pasos del diseñador de producción, Christian Goldbeck, quien ordenó la excavación de cientos de metros de trincheras para darle realismo al drama. Es increíble que se haya logrado tremenda calidad de iluminación en ese escenario de trabajo. Desde la primera escena en el campo de batalla, se ven los esfuerzos por generar el miedo y el shock de Paul Bäumer. El polvo vuela al costado de sus amigos, los jóvenes soñadores, ahora muertos, en el frente occidental al norte de Francia. El relato, ganador a Mejor película en los Premios BAFTA, muestra el cambio físico de los personajes con dientes blancos, ropa limpia y el sueño de vivir la adrenalina de la guerra. En minutos, ellos se vuelven seres humanos rotos, con la boca amarilla, lágrimas en los ojos y el anhelo de tener de nuevo una mujer en la cama o volver a sentir el calor de su familia. Este drama es impresionante.

Destacan las actuaciones de Daniel Brühl (ministro de Economía, Matthias Ezrberger) y Albrecht Schuch (el soldado analfabeto y tenaz, Stanislau).

El libro de Erich Maria Remarque tuvo una adaptación al cine en 1930 y tuvo el mismo nombre. La película del estadounidense Lewis Milestone ganó dos Oscar ese año en la categoría de Mejor película y Mejor director. La historia vuelve a competir en 2023, pero en otra versión. Podría ganar.

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"Avatar: el sentido del agua"

(2022)

Pasaron 14 años desde el estreno de “Avatar” (2009). El marine parapléjico, Jake Sully (Sam Worthington), cruzó del bando humano del Planeta Tierra hacia el indígena extraterrestre de Pandora para defender a la comunidad de los na’vi, la tribu donde encontró el amor en la primera película. En “Avatar 2”, Jake y ahora su esposa Neytiri (Zoe Saldaña) tienen dos hijos varones, Neteyam (Jamie Flatters) y Lo’ak (Britain Dalton); y dos mujeres, la menor Tuk (Trinity Bliss) y una hija adoptiva, Kiri (Sigourney Weaver), nacida como una suerte de clon de la científica Grace Augustine, fallecida en la precuela. Para Jake, ellos son su ejército y su corazón. Juntos lucharán para defender a las comunidades nativas del peligro humano, que lidera el antiguo villano re-engendrado como un na’vi, el coronel estadounidense Miles Quaritch (Stephen Lang) y los piratas que amenazan el océano y a las criaturas acuáticas.

El director James Cameron está comprometido con la lucha contra de la contaminación medioambiental. Su activismo y pasión por la naturaleza lo llevaron a ser la primera persona en completar una inmersión en la Fosa de las Marianas (Océano Pacífico). Además, es un abogado natural de la Amazonía de Brasil. Desde su perspectiva, el amante de los efectos visuales quiso hacer historia en el cine de VXF con cámaras en movimiento y creó la tercera historia más taquillera hasta hoy, “Avatar”, con la intención de dedicar su vida a contarla. Por eso, la segunda película filmada en California y Nueva Zelanda no iba a empezar rodaje sin antes tener el guion final de la cuarta y quinta entrega de la franquicia. El resto de su vida se dedicará a grabarlas y comercializarlas.

Con “Avatar 2″, continúa la innovación tecnológica en términos de filmación. Para magnificar la lucha de los na’vi, la producción contactó a Blackmagic Design, la compañía de mayor calidad en cámaras, para resolver las dificultades de gestión de datos de la imagen en 3D y trabajar los avatares con mayor flexibilidad. El realismo de las criaturas extraterrestres no sería posible sin decisiones como grabar bajo el agua con un registro de más de 200 mil inmersiones (de 30 a 60 segundos), en las cuales el equipo de fotografía también debió entrar con las luces. O filmar a los actores con cámaras estereoscópicas para capturar los elementos CGI (imagen generada por computadora) durante la acción, en vez del tedioso proceso de posproducirlas desde cero a partir de imágenes en pantalla verde.

La ciencia cinematográfica detrás logró movimientos naturales en las 57 nuevas especies de animales acuáticos creados para esta película. También dio fluidez a las largas batallas entre los indígenas volando en aves gigantes alrededor de los aviones terrestres. Se construyeron dos tanques submarinos para la producción, uno de los cuales se usó como centro de práctica con los actores. Esto funcionó muy bien en la escena de Miles Quaritch y Neytiri, cuando el personaje de Zoe Saldaña desborda dolor y salvajismo como una madre que acaba de sentir el impacto en contra de su familia. La mejor escena de los las 3 horas y 12 minutos. Sin embargo, en " Avatar 2″, hay una ambiciosa forma de desbordar acciones en el guion, como si fuera un rompecabezas de movimientos. Esto ha disgustado a la crítica especializada, incluyendo esta, pero valió a la cinta el trono de la película más taquillera del 2022 y una recaudación de 2.243,3 millones de dólares, superando al “Titanic” de Cameron, que tuvo 2.2242,8 millones.

"Los espíritus de la isla"

(2022)

Ocurre en 1923 durante la Guerra Civil Irlandesa. Lejos del conflicto, en la isla ficticia de Inisherin, dos amigos discuten en un bar de las montañas. El robusto y disciplinado Colm Doherty (Brendan Gleeson) ha decidido romper su amistad con Pádraic Súilleabháin (Colin Farrell), porque quiere trascender en la música y va a dedicar su tiempo a eso, en vez perderlo escuchando las historias de su compañero campesino. Pádraic, que encuentra en la simpleza de las emociones una forma de respirar y amar, no entiende por qué su mejor amigo ya no quiere serlo. Así que se desgasta preguntando razones lógicas para tomar tal decisión. A cambio, recibe una amenaza: la siguiente vez que Pádraic se acerque a Colm, este se cortará un dedo. A partir de ese momento, empiezan las reflexiones más profundas sobre las relaciones interpersonales de estos irlandeses enfrentados.

“Los espíritus de la isla” gastó su presupuesto en pintura y techado de paja para reparar algunas casas de las Islas Aran en Irlanda y recrear el escenario, en lugar de tener efectos especiales desbordantes y pagar cámaras último modelo. Sin embargo, eso no importó para lograr uno de los guiones de drama y humor negro más hermosos que la Academia haya nominado. Fue grande la sorpresa del director angloirlandés Martin McDonagh al recibir nueve nominaciones con esta película, después de 17 años de tener un Oscar a Mejor cortometraje por “Six Shooter”, e incluso cuando no es uno de los cineastas más premiados, y un hombre muy ligado al teatro, mas no tanto al cine.

“Pensar en ser irlandés solo vino a mi vida, cuando decidí escribir obras de teatro irlandesas”, dijo McDonagh en una entrevista con Slate. La respuesta es una defensa ante la crítica especializada, que califica a su película de tener demasiados clichés sobre Irlanda, por ejemplo, el afán por los burros de Pádraic, el atraso rural y la borrachera. Pero, al igual que los dedos cortados de Colm, fueron decisiones al azar y por el bien del texto; nunca se tomaron para reivindicar o representar algo en específico del país. Más bien, el guion propone una comedia oscura y una epopeya sobre las finalidades humanas, una filosofía tan ausente en un contexto de productividad adictiva y velocidad de tránsito como la actual. Además, se siente la frustración y la soledad de los personajes cuando buscan compañía y sufren la presencia del ruido de la guerra, aunque no esté cerca. Es una historia que hace sentir en cada fibra del cuerpo, por eso es una buena película.

Destacan las actuaciones de reparto de la actriz Kerry Condon (Siobhán), hermana de Pácdraic; asi como Barry Keoghan (Dominic), quien hace una perfecta interpretación del campesino irlandés mejor amigo de la familia Súilleabháin. Por su parte, Collin Farrel compite en la categoría de Mejor actor en los Oscar 2023 contra Brendan Fraser de “La ballena”.

"Todo en todas partes al mismo tiempo"

(2022)

Evelyn Quan Wang (Michelle Yeoh) es la esposa de Waymond Wang (Jonathan Ke Quan) y madre de Joy Wang (Stephanie Hsu), una familia migrante china en Estados Unidos. Aunque la ternura maternal no corre por sus venas, intenta velar por el bienestar de sus seres queridos, siendo una mujer estricta y conservadora. Rechaza la relación lésbica de Joy y ha perdido el horizonte en su matrimonio con Waymond. Un día, mientras hablaba sobre los recibos contables de su negocio con la auditora Deirdre (Jamie Lee Curtis), su esposo reacciona extraño. De pronto, se ve envuelta en una dimensión paralela, donde su marido es una especie de viajero espacial; la auditora, una máquina de matar; y ella, la salvadora de la humanidad. A la vez, su hija es una villana y Evelyn, una guerrera en un absurdo multiverso, que solo se puede vencer con amor.

Con un presupuesto limitado, inicial a los 25 millones de dólares del final, el equipo del productor Jonathan Wang concentró sus esfuerzos en potenciar la lógica ridícula del guion, lo cual significó varios desafíos. Editaron escenas de acción desde casa (teletrabajo), debido al golpe de la pandemia. Pero, en una película donde el uso de posproducción implica el lento diseño de imágenes con rotoscopía, eso es angustiante. El artista de efectos visuales Evan Halleck llamó a una compañía especializada en temas de animación para gritar: ¡Ayuda! Con el tiempo reducido de entrega, lo apoyaron en optimizar algunas de las 500 imágenes con el uso de AI (inteligencia artificial). Un caso fue la escena de las rocas parlanchinas, donde se agilizó el proceso de posproducción.

“Todo en todas partes al mismo tiempo” no es el intento de los cineastas Dan Kwan y Daniel Scheinert, llamados “Los Daniels, de ser “Doctor Strange en el multiverso de la locura”, como la audiencia ha especulado. Dentro de la irracionalidad de los universos y los portales del tiempo, fluye una lógica sobre el amor familiar y la identidad del ser humano, donde la espectacular Michelle Yeoh (“Memorias de una geisha” y “El tigre y el dragón”) se encuentra a sí misma en sus miles de versiones en diferentes mundo para, finalmente, concluir en la conciliación y la aceptación. Por su puesto, esto viene acompañado de una absurda forma de viajar entre realidades, como tragar un adorno de sapo y asentir con la cabeza para activar un mágico audífono. A esto se suma un agujero negro en forma de dona y penes de goma en una pelea de arte marcial. Tiene, también, varias referencias a películas icónicas, totalmente intencionadas y exageradas, como un animal gigante controlando a un chef al estilo “Ratatouille” (2007), o la maravillosa reestructuración de la fotografía de “Con ánimo de amar” de Wong Kar-wai en el romántico encuentro de Waymond y Evelyn.

"Elvis"

(2022)

Elvis Presley (Austin Butler) pasa su niñez en Missipi con sus padres. A pesar del alcoholismo de su madre Gladys (Helen Thompson) y la docilidad de su padre Vernon (Richard Roxburgh), el joven cantante se convierte en una estrella. Más tarde, su exmanager, Tom Parker (Tom Hanks), tiende su mano al ‘rey del rock and roll’ para resaltar su talento en el escenario, y también explotarlo como un símbolo sensual. La memoria de ícono musical se remonta a recuerdos de su infancia, cuando descubre la música afroamericana. Después, continúa con la decisión manipuladora de Parker para llevar a Elvis al ejército de Estados Unidos, una idea comercial. Sigue con la actitud del artista frente a los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert F. Kennedy en la década de 1960. Un momento desconsolador para él. Y, entre otros hechos, la historia rota alrededor de la intrigante nacionalidad e ilegalidad del visinario Parker, quien es el mayor obstáculo de Presley en su carrera.  

El cineasta australiano Baz Luhrmann contrató a Austin Butler para interpretar el papel de Elvis. En general, el actor logró una destreza en el escenario que deja a cualquiera con la boca abierta al verlo bailar. En este punto, la tercera directora de fotografía de la historia de las nominaciones de los Oscar 2023, Mandy Walker, hizo magia con la cámara al acompañarlo en el baile, para lo cual tuvo que invadir sus ensayos días previos. Walker también trabajó con el experto en efectos visuales Chris Tangney en la creación de iluminación de los escenarios construidos para la película, como el ficticio Hotel Internacional de Las Vegas.

Butler subió unos cuantos kilos de peso con una dieta de helado y donas, mientras que Tom Hank se valió de varias prótesis de maquillaje en el rostro para ser el agente de Presley. En alguna forma, donde las imágenes y el rock and roll pasan por las etapas más impactantes de la melancólica y disfuncional vida del cantante, Luhrmann evoca la imagen desconocida de este artista que nunca pudo hacer giras en el extranjero. Es una película que le hace justicia a Elvis Presley, aunque en la balanza de críticas nunca falten odiosos comentarios en contra de la cinta. Pero, en realidad, es un espectáculo de 85 millones de dólares de presupuesto que debería ser un temido competidor en esta categoría.

"Top Gun: Maverick"

(2022)

Pete “Maverick” Mitchell (Tom Cruise) es un piloto de pruebas de la Marina de los Estados Unidos. Por su edad y destreza, debería cumplir con una jerarquía mayor en la línea de carrera de aviación militar. Sin embargo, se rehúsa ascender de puesto, pues desea seguir rompiendo récords de velocidad en los cielos, en vez de dirigir desde el escritorio. El impulso del almirante Tom “Iceman” Kazansky, un antigüo amigo que ahora tiene una enfermedad terminal, lo obliga al retiro con una tarea importante: enseñar a un grupo de destacados jóvenes aviadores cómo combatir frente a un enemigo en particular. En ese grupo, se encuentra el hijo de su fallecido compañero Nick, Bradley “Rooster” Bradshaw (Milles Teller). Una rivalidad los enfrenta, mientras Maverick intenta proteger la vida de Rooster, recuperar el amor de ‘Penny’ (Jennifer Connelly) y seguir pilotando aviones de combate por un tiempo más.

El atractivo de Miller Teller y el resto de aviadores dan el toque romántico y heroico digno de la secuela de “Tom Gun” (1986). Pasaron 35 años desde su estreno y una pandemia para que Tom Cruise y el productor Jerry Bruckheimer trabajaran en el drama de acción con el director Joseph Kosinski, que reemplazó al fallecido Tony Scott. Incluso, durante la ola de COVID-19, cuando todos vendían sus producciones a las plataformas de streaming, eso no ocurrió con la cinta. Los efectos visuales en colaboración con el coordinador aéreo Kevin De Rosa Jr., los cinco meses de entrenamiento de los actores en aviaciones, poner cámaras dentro de los F18 en vuelo, entre otras acciones de la producción, debían resultar en una experiencia que solo se podría ver en pantalla gigante. “Le salvaste el trasero al cine”, le agradeció Steven Spielberg a Tom Cruise por no estrenar Netflix, HBO Max o algún otro lugar bajo demanda.

Aunque los efectos especiales son sorprendentes, el guion no se queda atrás. Kosinski buscó la tonalidad cálida e idealista del cine hollywoodense. Cayó en clichés, como cuando Tom Cruise regresa a los brazos de Penny o la fotografía cae en los cuerpos musculosos de los aviadores en la playa, pero la sensación de la pasión, el heroísmo de combatir hasta el último segundo, el dolor de un pasado que no regresará jamás, eso existe en esta película y conmueve. Por eso, ha recibido tantos elogios de la crítica especializada y la mayor parte de la audiencia. Es un espectáculo encantador y el fruto de un trabajo muy arriesgado.

"The Fabelman"

(2022)

Steven Spielberg hizo una película de su alter ego, Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle), un niño amante de las acciones que lo observa todo con ojos de cineasta. Burt Fabelman (Paul Dano) es su padre, Mitzi Schildkraut-Fabelman (Michelle Williams) su madre, y Regina (Julia Butters), Natalie (Keeley Karsten) y Lisa (Sophia Kopera) son sus hermanas. La familia perfecta vive en armonía, y tiene mucha diversión cuando reciben la visita del “tío” Bennie (Seth Rogen), compañero de trabajo y mejor amigo de Burt. Un día, la madre de Sammy le regala una cámara. De niño, se obsesiona con la filmación y, de adolescente, enfrenta momentos difíciles como una mudanza repentina, el rechazo en el colegio, el primer amor, la vocación profesional y un secreto oculto por su madre que podría romper el lazo familiar con un divorcio.  

Nadie puede contar mejor una historia (casi) biográfica que quien la vivió. Después de escribir el guion, Spielberg convocó al diseñador de producción, Rick Carter, para que lo transformara en las tres casas de los Fabelman. Así, Carter evocó la psicología de los primeros años de vida del director, cuando descubre su amor por el séptimo arte. La inspiración fue la familia, en especial, su madre Leah Adler (1920-2017), una pianista y ama de casa; y su padre Arnold Spielberg (1917-2020), un genio de la ingeniería electrónica. El equipo y el elenco rebuscó en las grabaciones caseras, fotografías y otros recuerdos del director de “E.T” y “Tiburón” para adentrarse en el corazón del drama. Hubo mucha precisión en hacer la réplica de sus cintas de infancia, como la filmación de un pelotón en un campo de combate. Fue una producción que interpeló al equipo, al ingresar a las vivencias más dolorosas de Spielberg, quien vivía un proceso de autoreflexión durante el rodaje.

El resultado fue una extraordinaria película sobre el símbolo de la industria, Spielberg, que inspira a generaciones de jóvenes cineastas con su trabajo. En este drama, el adolescente judío y su amor por el arte, el dolor de ver errar a su madre, la locura de una familia feliz y la disfuncionalidad del núcleo del hogar son un regalo de escenas tiernas e inspiradoras para cualquier adicto al cine. Se resalta, también, la actuación de Michelle Williams como la madre de Spielberg. La mujer que le regaló su primera cámara cuando era niño es el detonante de las emociones de Sammy. Sin su presencia, la cinta no sería la favorita para recibir el premio a Mejor película.

Williams compite contra Ana de Armas de “Blonde” de Netflix, Cate Blanchett de “Tár” y Michelle Yeoh de “Todo en todas partes al mismo tiempo” en la categoría de Mejor actriz. Son las competidoras más fuertes.

"Tár"

(2022)

Lydia Tár (Cate Blanchett) es directora de orquesta, panelista, disciplinada, pianista, frontal y lesbiana, madre de una niña con su esposa Sharon (Nina Hoss), y la primera mujer en dirigir la Filarmónica de Berlín. No tiene pelos en la lengua, incluso cuando su alumno de la prestigiosa Academia Julliard se apega a la ideología progresista y se rehúsa a aprender de grandes músicos clásicos, cuando se trata de autores con pensamientos misóginos o racistas. Ella no entiende a las nuevas generaciones y tampoco se apega al discurso contra el patriarcado. Sin embargo, todo va bien. Hasta que, de repente, Lydia desespera ante el destape de una denuncia de acoso sexual en su contra. 

La película de Todd Field fue editada durante el pico de la pandemia en un convento de monjas del siglo XV en Escocia, punto medio de encuentro entre los montajistas y el cineasta. Como es de costumbre para Field, utilizó muchos “foleys” (sonidos fabricados) en la creación de la atmosfera que rodea a Tár. Pero no solo para darle excelencia, sino para inventar un fantasma oculto en ella misma. De este modo, Lydia escucha voces y sigue los pasos perdidos de alguien. A menudo, su tiranía y egoísmo son puestos en duda ante el espectador, como cuando es muy amable y abierta al diálogo. A pedido del director, la montajista Monika Willi estuvo presente en los ensayos para, después, intercambiar ideas sobre el movimiento y el ritmo de las escenas, pues necesitaban darle un toque intelectual y dominante a Tár, digno del personaje de Blanchett. No por nada el guion fue escrito por Field para que solo esta actriz lo interprete.

“El poder no tiene género, el poder siempre corrompe”, dijo el director de “Tár”, Todd Field en una entrevista con El Diario de España. En esta película, no importa si Lydia es de sexo femenino o masculino. El personaje ficticio de “Tár” se inspira en muchas figuras musicales del entorno de las orquestas, pero tiene el elemento de ser autoritaria, antipática y prepotente, pues lo más importante es que representa el dominio y lo que una persona hace cuando lo posee. Ella maneja la retórica y tiene el control de sus expresiones. Gracias al montaje y el brillante sonido y musicalización, incluida la música asháninka, producto de estudio de la directora, y la parte clásica de la orquesta, es posible sentir ansiedad y frustración al ver su desesperación desde la noticia de la denuncia de acoso. Realmente, Field consiguió que el personaje sea de amplios matices. Eso es lo más impresionante de esta película.

"El triángulo de la tristeza"

(2022)

La película se desarrolla en tres actos. En el primero, la pareja de modelos, Carl (Harris Dickinson) y Yaya (Charlbi Dean), discute sobre sus actitudes manipuladoras en el intento de pagar la cena en un restaurante lujoso. En el segundo acto, los enamorados pasan sus vacaciones en un crucero de lujo, donde intercambian el tiempo con un grupo de multimillonarios. Lo peor del viaje es que ocurre una intoxicación y los pasajeros llegan al borde del vomito y una indigestión desagradable. En el tercer acto, se vive un naufragio, después de que un grupo de piratas incendiara el yate. La pareja de modelos, un capitalista ruso, la jefa de tripulación, un joven negro, una pasajera parapléjica y una empleada de limpieza filipina del barco deben convivir. Desde ese momento, viven un cambio de roles, donde el personaje considerado de bajo rango de poder ahora lo ejerce sobre los antes poderosos.  

“El triángulo de la tristeza”, una cinta del crítico director sueco Ruben Östlund, toca la fibra sensible, cuando cuestiona el poder de los ricos y la desdicha de los pobres. Sin embargo, también da un giro a eso. En el barco donde grabó, construido sobre un elevador hidráulico, plasma a los personajes de su película, que desvanecen en vómito, lo cual es asqueroso y a la vez gracioso, pero es que Östlund apunta al máximo realismo. Es su forma de criticar las cuestiones políticas y tendenciosas de la vida real. Una sorpresa fue la actriz de 64 años, Sunnyi Melles, que aún con los tubos para efectos especiales adheridos al cuerpo, no dudaba en provocarse las náuseas, si era necesario para interpretar el rol de una millonaria excéntrica rusa.

La cinta no es un “Titanic” romántico, sino una comedia de humor ácido con escenas muy desagradables. Gira sobre el privilegio inconsciente de las clases sociales dominantes: dos ancianos muy amables que se dedican a comercializar granadas de guerra, o los modelos regidos por los cánones de belleza de la industria de la moda y el espectáculo de las redes sociales. La idea del guion es, también, marcar la contradicción, como cuando un capitalista ruso tiene una borrachera de amigos con el capitán del barco, que es un comunista estadounidense. Este último es interpretado por el talentoso Woody Harrelson, siempre es la cereza del pastel de una película. Así, la retórica de “El triángulo de la tristeza” se convierte en lo mejor del guion de Östlund. Además, no paras de reír.

"Ellas hablan"

(2022)

En una comunidad de religión menonita en Canadá, un grupo de mujeres se sienta en un ático para hablar de las vejaciones que los hombres cometen contra ellas. Las mujeres Ona (Rooney Mara), Salomé (Cliare Foy), Mariche (Jessie Buckley), Ágata (Judith Ivey), Greta (Sheila McCarthy), Mejal (Michelle McLeod) y la niña Autje (Kate Hallett), entre otras, discuten el miedo de huir de esa vida o quedarse por siempre en esa colonia y así no incurrir en el pecado. Los hombres, una figura sin rostro en la película, les quitaron el derecho de leer y escribir, así que August (Ben Whishaw) apoya en la transcripción de las reuniones. En una figura masculina distinta, August es hijo de padres que quisieron hacer cambios en la comunidad, pero fueron expulsados. Él tiene una parte importante en el debate femenino, a pesar de ser el único hombre. Es una conversación desgarradora que lleva a tomar la mejor decisión por el bienestar y la salud de las abuelas, madres e hijas abusadas.

La mayor complejidad de la producción de “Ellas hablan” puede ser el trabajo con niñas y niños actores en el desarrollo de un guion sobre abusos sexuales, que en algunas escenas refleja la sangre y la tortura emocional de las mujeres. Por eso, había un psicólogo disponible para las menores a cualquier hora. Durante el tiempo de montaje, la directora Sarah Polley decidió convertir a la actriz de 16 años (ahora de 18 años), Kate Hallett, en la narradora de la historia. Esto marcó un contraste contemporáneo en la adaptación de la novela homónima de Miriam Toews, donde el narrador es August, la figura masculina dañada por creencias de la comunidad religiosa. La historia, también reproducida en un reportaje escrito y un documental de la periodista Jean Friedman-Rudovski en el Times, refleja el mismo grave problema de abusos sexuales en la colonia menonita de Bolivia, Manitoba. Una fatal coincidencia.

“Ellas hablan” es un profundo debate acompañado de la partitura musical de la compositora islandesa Hildur Guðnadóttir. En este, se habla del poder masculino de una colonia, que en nombre de Dios permite maltratos a las mujeres. Sin embargo, la reflexión de ellas no se queda en la maldad, sino que intentan encontrar una filosofía de vida donde quepa la decisión de salvar a sus familias. ¿Son los hombres, incluso niños, los culpables del maltrato? ¿La fe lleva a violencia, o viceversa? ¿Qué sucede con el amor, la seguridad y la familia? Es una conversación importante que, como la directora dijo en una entrevista, debería continuar fuera de la pantalla.

Finalmente, en esta película de talentosas mujeres actrices, destacan las actuaciones de Jessie Buckley (”Judy”) Claire Foy (”The Crown”), Rooney Mara (”Ella”) y Ben Whishaw (”El Perfume”). Es una pena que ninguna esté nominada a Mejor actriz o Mejor actriz de reparto.

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